La carrera de David Hockney: mucho más que un humor escandaloso

David Hockney figura actualmente como el artista número 20 del mundo en la lista de clasificación independiente de ArtFacts, que evalúa automáticamente las apariciones en exposiciones y no incluye valoraciones personales de historiadores del arte, etc.

En 2012, cuando Hockney cumplió 75 años, todavía ocupaba el puesto número 36; sin embargo, el pintor británico fue celebrado con tantas exposiciones de sus obras que en ese momento también se le contaba entre los tres y cinco artistas más importantes del mundo.

Las celebraciones por su 80 cumpleaños en 2017 superaron incluso esto.

Incluso las clasificaciones de los nombres más importantes pueden variar significativamente; sin embargo, cualquiera que haya figurado entre los 100 mejores artistas en una clasificación reconocida mundialmente durante un período prolongado es, sin duda, uno de los artistas más destacados del mundo que influyen notablemente en el panorama artístico. Tal es el caso de David Hockney, quien se ha mantenido en los primeros puestos de todas las clasificaciones de arte contemporáneo desde aproximadamente 1965.

La primera parte de esta serie sobre el artista de renombre mundial demostró y explicó que David Hockney no es, ni nunca fue, un pintor de Pop Art, a pesar de que este estilo se le atribuye con frecuencia. La siguiente sección se centrará en la carrera de David Hockney, lo que, una vez más, ofrece la oportunidad de disipar las representaciones generalizadas y simplistas de este influyente artista

David Hockney no se forjó en Estados Unidos; ya era famoso en el mundo artístico cuando llegó allí. Hockney no solo pintó cuadros hermosos, sino que trabajó con gran éxito en una amplia variedad de disciplinas artísticas

Arte nuevo, todavía en la vieja Inglaterra

En 1959, David Hockney solicitó ingreso al Royal College of Art de Londres, con la esperanza de transformar su formación puramente académica en Bradford en el desarrollo de su propio estilo. Como cualquier joven de espíritu libre, Hockney encontró fascinante el colorido y desenfadado Pop Art estadounidense y tenía muy buenas razones personales para distanciarse de él y adentrarse en el ámbito de la crítica social irónica pero vital.

Sin embargo, la seriedad con la que llevó a cabo su trabajo artístico no le permitió entregarse tan voluntariamente al bello y colorido mundo del arte del último Pop Art estadounidense, como algunas representaciones parecen sugerir.

Hockney tuvo que hacer primero un largo desvío hacia el viejo mundo: hasta finalizar sus estudios en 1962, Hockney trabajó con determinación y constancia en su propio lenguaje visual; quería encontrar o inventar una expresión completamente nueva entre la abstracción y la representación figurativa.

Ya había experimentado sus primeros conflictos con el tema en Bradford, pero aún no lo había abandonado durante su estancia allí. En el RCA, al principio se centró exclusivamente en ver y enfatizar la imagen como superficie. Esta sorprendente característica de la obra temprana de Hockney en el Royal College of Art (hola, Sandra Blow, véase Hockney Parte 1) fue una estrategia pictórica muy deliberada que se convertiría en un paso decisivo para el artista.

Estudiar en el corazón de la escena cultural y artística de Londres, y trabajar y discutir con otros estudiantes que estaban igualmente interesados ​​en nuevos caminos y medios de expresión, ofreció a Hockney amplias oportunidades de interactuar con los diversos movimientos artísticos de su tiempo y desarrollar su propio lenguaje visual en este proceso de aprendizaje.

El primer acercamiento a la abstracción fueron las pinturas expresivas sobre cartón en un estilo abstracto como "Growing Discontent" (1959, imagen no disponible), aunque el título en sí ya indicaba la aversión de Hockney a un estilo de pintura meramente gestual y expresivo al estilo de Alan Davie y Jackson Pollock .

Hockney abandonó estas pinturas abstractas después de unos meses porque se dio cuenta de que para él el camino hacia la modernidad no podía consistir en ponerse una nueva camisa de fuerza estilística llamada Pop Art en lugar de las restricciones que había eliminado con tanto esfuerzo mediante las rígidas reglas del tradicional “arte real”.

Hockney anhelaba algo más: una voz personal; un elegante y novedoso equilibrio entre abstracción y figuración, algo que no se encontraba en el arte vanguardista de los artistas estadounidenses de moda. Por ello, Hockney prefirió inspirarse una vez más en artistas europeos, muchos de los cuales llevaban tiempo intentando encontrar un punto de encuentro entre la abstracción y la figuración.

Durante sus visitas a exposiciones en Londres en la primavera de 1960, descubrió a Francis Bacon (Hello, Sandra Blow), cuya pintura figurativa se convirtió en la primera fuente importante de inspiración de Hockney.

Además, Hockney encontró inspiración en el de Jean Dubuffet aparentemente primitivo "Art Brut" el primer fotógrafo de grafiti Brassaï , quien ya había recopilado imágenes de murales parisinos en la década de 1930.

La idea le brindó a Dubuffet un éxito rotundo; durante el período de Dubuffet en la Documenta (tres apariciones consecutivas: 1959, 1964, 1968), sus figuras-tableo enmarcadas por escritura primitiva o compuestas de letras vivas ("Vertu virtuelle"; "Esperanzas y opciones") fueron vistas como "anarquía en su forma más bella" prácticamente en cualquier lugar donde se pudiera encontrar arte moderno.

Para Hockney, estos impulsos fueron cruciales; sentía una fuerte conexión con las representaciones de Dubuffet, que se situaban en la frontera entre el arte infantil y la alta cultura del antiguo Egipto , y veía en este "estilo anónimo" ("Davis Hockney" de David Hockney, 1976, p. 67) un modelo esencial para su obra durante su estancia en el Royal College.

en su tesis doctoral en filosofía en la Universidad Ludwig Maximilian de Múnich, en relación con los primeros trabajos de David Hockney, "tendencia europea centrada en la emoción o la figura" nunca debería perder lo que una estudiante de Seúl (como ella misma subraya) denomina

Tal vez fue precisamente esta insistencia en las tradiciones artísticas europeas; la reticencia de Hockney, como la de sus colegas británicos, a adoptar inmediatamente estilos americanos innovadores para liberarse de la tradición artística europea, lo que condujo a una obra de "arte global" capaz de inspirar a gente de todos los continentes.

El buen arte joven incluso tiene una oportunidad en la vieja Inglaterra

Hacia el final de sus estudios en el Royal College of Art, Hockney desarrolló su primer estilo de expresión único, y con esto se hizo famoso muy temprano y muy rápidamente en su país natal:

En 1960, el talentoso Sr. Hockney fue invitado a la exposición anual del "Grupo de Londres" . El Grupo de Londres es una asociación de artistas londinenses que sigue activa hasta el día de hoy, fundada en 1913 como una oposición vanguardista a la conservadora Real Academia de las Artes; su objetivo declarado es "promover el conocimiento público del arte visual contemporáneo a través de exposiciones anuales".

La Real Academia de las Artes de Londres es la institución artística de Gran Bretaña dedicada a la promoción de la pintura, la escultura y la arquitectura desde su fundación por Jorge III, por encargo del monarca. Jorge III reinó de 1760 a 1820; a partir de 1765, se dice que mostró los primeros síntomas de la enfermedad mental que ensombreció la segunda mitad de su reinado. La Real Academia de las Artes fue fundada en 1768…

La venerable Real Academia probablemente no estaba bendecida con el espíritu más refrescante mucho antes de la época del Brexit; la idea de mostrar arte joven de estudiantes universitarios (incluso homosexuales) como David Hockney en una de sus célebres exposiciones de verano era simplemente impensable.

Hasta qué punto uno se encuentra muy atrasado respecto de sus tiempos como RA (Real Académico) se puede ver, por ejemplo, en el hecho de que el propio David Hockney fue elegido miembro de la Real Academia de las Artes de Londres recién en 1991, cuando tenía 54 años y ya era un artista famoso desde hacía 30 años.

Este reportaje del "Guardian" de 58 años Grayson Perry, , salvó la exposición de verano de 2018 (el 250 aniversario de la Academia) de su "versión simplificada", según el periodista del Guardian, al presentar al sorprendido círculo artístico británico una extravagante colección de arte basura.

En cambio, el Grupo de Londres se deleita en sus exposiciones, tanto entonces como ahora, con la diversidad estilística que el conjunto de jóvenes artistas que no fueron notados o rechazados por la Real Academia de las Artes aportan a la exposición anual.

David Hockney volvió a exponer poco después, y esta exposición de Jóvenes Contemporáneos de 1961 en las Galerías RBA de Londres se hizo famosa por catapultar a la fama de un plumazo a los estudiantes del Royal College Patrick Caulfield, Derek Boshier, Allen Jones, David Hockney, RB Kitaj y Peter Phillips .

también “Young Contemporaries”en 1974 “New Contemporaries” una organización británica que tiene como objetivo apoyar a artistas emergentes al comienzo de sus carreras. Fue fundada por Carel Weight, profesor de David Hockney.

En 1949 tuvo la idea de utilizar la galería, prácticamente sin usar, de la Royal Society of British Artists (RBA, otra asociación de artistas británicos fundada en 1823 como contrapeso a la aletargada Royal Academy) en Suffolk Street, en Londres, para exponer trabajos de estudiantes .

Dicho y hecho, los fundadores también acordaron seleccionar a los "Jóvenes Contemporáneos" en un proceso tan imparcial y democrático que casi podría considerarse poco británico: el artista se presenta de forma anónima con una obra de arte; los miembros del jurado no conocen la escuela, la edad ni la nacionalidad del participante durante todo el proceso de selección.

En la década transcurrida desde su fundación, la exposición anual Jóvenes Contemporáneos ya se había labrado una reputación por mostrar el arte más prometedor del momento. A principios de la década de 1960, la exposición Jóvenes Contemporáneos se había convertido en una visita obligada para los amantes del arte contemporáneo, y los ciudadanos del mundo con afición por el arte moderno no se perdían el espectáculo.

La exposición de 1961 fue un éxito rotundo, especialmente para los entendidos en arte, quienes se aferraron con entusiasmo al nuevo arte pop británico y, sobre todo, a las primeras obras de David Hockney. Estos emocionantes descubrimientos se debatieron y circularon, y David Hockney se convirtió gradualmente en tema de conversación en la escena artística de vanguardia.

Un galerista encuentra a su artista

En esta exposición de Jóvenes Contemporáneos de 1961 también participó John Kasmin, un joven rebelde del East End de Londres que había sido expulsado recientemente de Nueva Zelanda por la policía (por ser bohemio) y que había estado trabajando en galerías de Londres desde su regreso.

en la exposición Young Contemporaries de 1961 "Doll Boy" del estudiante desconocido David Hockney (actualmente en la colección de la Tate) galería Marlborough en New London. Después del trabajo, Kasmin invitó a Hockney a tomar el té, le cayó bien y deseaba tanto el cuadro que estaba dispuesto a enfrentarse a su jefe y cofundador de Marlborough Fine Art, Harry Fischer.

De todos modos, a Kasmin no le permitieron elegir según su propio gusto/instinto en la galería, por lo que renunció (para decepción de los fundadores de Marlborough, que ya habían reconocido su potencial) y se llevó con él al cliente más importante de la galería.

Este Sheridan Dufferin, cuyo nombre completo era Sheridan Frederick Terence Hamilton-Temple-Blackwood, quinto marqués de Dufferin y Ava, era, por consiguiente, adinerado. Dufferin financió la fundación de la Galería Kasmin, que ocupaba un local inusualmente grande y diáfano de color blanco en New Bond Street, en Londres, y que albergó la primera exposición individual de David Hockney en 1963.

Hockney inmortalizó a Kasmin en 1963 en la pintura "Play within a Play" (curiator.com/art/david-hockney/play-within-a-play) "como un prisionero entre la vida y el arte", por lo que probablemente ya sabía entonces la suerte que tenía de encontrar a un galerista como John Kasmin, que creía en el arte y no solo quería vender cosas.

La reacción a la primera exposición individual de Hockney en la galería Kasmin de Londres fue tremenda; David Hockney se convirtió en una estrella en el venerable Royal College of Art. El joven, descrito anteriormente como excepcionalmente tímido en los círculos de la realeza, mostraba ahora sus primeros signos de rebeldía (aunque sigue siendo descrito como cautivador, encantador y para nada calculador).

En medio de toda esta fama temprana se encontraba el título universitario de Hockney, que aparentemente no completó del todo; según John Kasmin , se negó a escribir un ensayo o algo similar, por lo que no recibió la habitual medalla de oro y en su lugar se compró una chaqueta de lamé dorado.

Presumiblemente, Hockney estaba más interesado en el "Premio de Dibujo" que ganó en su último año. Este premio incluía 100 libras esterlinas, que Hockney gastó de inmediato en un viaje a Nueva York, Berlín y Egipto para inspirarse para sus ilustraciones.

Se dice que Hockney regresó de este viaje rubio brillante, con más confianza en sí mismo y más extravagante. Al igual que muchos de sus colegas artistas, no le gustaba especialmente el clima social del Reino Unido de la época: los homosexuales aún estaban sujetos a cadena perpetua según el código penal, aunque ya no eran procesados ​​desde el Informe Wolfenden de 1957.

Según Kasmin, Kitaj, Blow y otros que ya habían viajado por todo el mundo, existía arte más interesante "allá afuera" que las pinturas sobre papel tapiz de John Minton, los paisajes en mosaico de Julian Trevelyan y los "horribles dibujitos" (citando a Kasmin) de Lucian Freud.

En general, Hockney encontró que el clima era demasiado malo, el país demasiado nacionalista (hola Brexit) y mucha gente demasiado estrecha de miras y gruñona.

Fuera de los confines

En toda nación orgullosa con una historia gloriosa, acecha la tentación de tratar al extranjero y a lo diferente con irrespeto. Cuanto más estrecho es el horizonte, más se percibe como diferente; los artistas independientes, cuando su obra se aparta de los gustos mayoritarios, y las personas con orientaciones sexuales inusuales, aún más.

Las sociedades modernas y civilizadas combaten tales tendencias; los librepensadores no comprometidos siempre han tendido a unirse a las naciones donde esta lucha se libra con más éxito en un momento dado –para la mayoría de los artistas jóvenes de la Inglaterra de la posguerra, las grandes flechas rojas apuntaban hacia Estados Unidos.

Cinco de los seis compañeros de estudios que se habían hecho conocidos junto con Hockney en la exposición Jóvenes Contemporáneos de 1961 acabaron más o menos rápidamente en Estados Unidos tras graduarse en el Royal College of Art; sólo dos de ellos regresaron posteriormente definitivamente a Inglaterra:

Ridley Scott recibió una beca de viaje de un año a Estados Unidos en 1963 y trabajó durante dos años en Time Life, Inc. con los documentalistas Richard Leacock y D.A. Pennebaker. En 1965, regresó a Inglaterra para completar un curso de diseño de producción en la BBC, lo que le permitió ingresar al programa de formación de directores.

En 1968 abandonó la BBC para fundar Ridley Scott Associates, convirtiéndola en una de las productoras de cine publicitario más exitosas de Europa y desde allí lanzando su reconocida carrera como director.

Allen Jones y Peter Phillips vivieron en Nueva York entre 1964 y 1966 y viajaron extensamente por Estados Unidos. Posteriormente, Jones se trasladó a Alemania (donde impartió clases en academias de arte de Hamburgo y Berlín, y participó en la Documenta III en 1964 y en la Documenta IV de Kassel en 1968) antes de regresar a su Francia natal. Peter Phillips mantuvo una intensa actividad internacional, impartiendo clases en Birmingham y Hamburgo, exponiendo su obra en todo el mundo y viajando incluso a África y Australia. Actualmente reside en Mallorca.

Derek Boshier Tras graduarse,

El único estadounidense de nacimiento, RB Kitaj, impartió clases de dibujo en la Ealing School of Art, la Camberwell School of Art y la Slade School of Fine Art de Londres hasta 1967, participó en la documenta III de Kassel y en la Bienal de Venecia en 1964, y no regresó a los Estados Unidos hasta 1965, tras nueve años de exilio, con motivo de su primera exposición en el país, en la galería Marlborough-Gerson de Nueva York.

Hockney escapó en febrero de 1964: durante su primer gran viaje al mundo, conoció a Henry Geldzahler, el entonces curador del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, conocido por su compromiso con los artistas jóvenes y que había animado a Hockney a mudarse a Los Ángeles.

Llevaban tiempo esperando talentos como Hockney: ese mismo año, Hockney tuvo su exitosa primera exposición individual en Estados Unidos en la Alan Gallery, y en el verano de 1964 recibió un puesto de profesor en la Universidad de Iowa.

el hogar adoptivo de Hockney en los Estados Unidos fue Los Ángeles. Quedó cautivado por la soleada California; no es de extrañar, si se tiene en cuenta dónde había vivido David Hockney anteriormente:

la ciudad natal de Hockney, Bradford, atravesaba un momento crítico tanto desde el punto de vista ecológico como arquitectónico en las décadas de 1950 y 1960, tras un pasado aún más ignominioso: en el siglo XIX, Bradford había pasado de ser un pueblo rural con mercado y unos pocos miles de habitantes a una ciudad industrial con más de 50 minas de carbón y la "capital mundial de la lana".

El paisaje urbano presentaba viviendas precarias para trabajadores, cuarteles militares y fábricas textiles cuyas 200 chimeneas expulsaban constantemente humo negro y sulfuroso. Alrededor de 1850, Bradford era la ciudad más sucia de Inglaterra, con frecuentes casos de cólera y tifus, y la esperanza de vida media de sus habitantes era de dieciocho años.

Bradford sufrió pocos daños durante la Segunda Guerra Mundial, pero la reestructuración y el reurbanización por parte de las autoridades, llenos de fallas estéticas, pueden haber destruido el rostro histórico de Bradford aún más a fondo.

Cuando David Hockney crecía allí, Bradford consistía en edificios feos y calles caóticas llenas de obras en construcción sin seguridad y bloques de viviendas uniformes con campos de fútbol sin un rastro de vegetación en el medio; las casas eran de color marrón negruzco y feas y el aire todavía era gris.

John Kasmin lo visitaba una o dos veces al año en los EE.UU.; una fotografía de ambos en 1965 fue tomada en los EE.UU. cuando visitaban una exposición de la nueva escena pictórica londinense en el Walker Art Center de Minneapolis con conocidos artistas de Inglaterra.

Kasmin creció en circunstancias relativamente idílicas en el barrio londinense de Whitechapel, frente a Bradford, y desde los 17 años pasó seis años inmerso en la "pura campiña" de Nueva Zelanda. En este contexto, es comprensible que el galerista recuerde con cierta ironía lo enamorado que estaba Hockney de cada detalle del relajado estilo de vida californiano; Hockney incluso lo habría llevado a Disneylandia..

Desde la perspectiva de Hockney, sin embargo, California es la opción más lógica del mundo: arte (pop) libre e inspirador en lugar de restricciones reales, sol en lugar de llovizna, amplios horizontes en lugar de estrechos cañones callejeros, piscinas en la vegetación en lugar de campos deportivos cubiertos de grava, niños alegres y bien formados (con torsos desnudos) en lugar de una masculinidad seria con trajes y corbatas... y que una abundancia desbordante de los últimos aparatos técnicos llamada Disneylandia fascine a un artista moderno debería ser lo último que sorprenda al dueño de una galería que trabaje en este campo.

Primera floración bajo el sol de California

El momento de su partida hacia la libertad fue también el momento en que David Hockney encontró su primer lenguaje visual propio : formas claras y frías, un estilo objetivo, centrado en procesar las nuevas experiencias, que fueron cuidadosamente capturadas con la igualmente novedosa cámara Polaroid para la reflexión.

Para Hockney, el medio pictórico ideal para esta etapa fue la pintura acrílica, de reciente invención; las obras "Cuadros de ducha", "Cuadros de piscina" y "Escenas domésticas" impresionan no solo por sus colores y expresividad, sino también por la adopción de los últimos avances que ofrecía la época.

Los últimos avances tecnológicos traducidos en arte, en un lenguaje individual con grandes colores y motivos claros, sin enredos ni mensajes académicos, intelectuales o psicológicos incomprensibles: esta combinación conmovió y encantó a muchos amantes del arte moderno y rápidamente también a personas que simplemente buscaban arte bello y/o arte de moda con gran utilidad y valor decorativo.

Hockney realmente despegó en California; y ese fue el comienzo de una vida artística cuya intensidad puede marear al espectador:

Entre 1965 y 1967, Hockney recibió y cumplió funciones docentes en la Universidad de Colorado en Boulder y en la Universidad de California, Los Ángeles y Berkeley, San Francisco.

En 1966, Hockney creó su primer diseño escénico para el Royal Court Theatre de Londres y la obra surrealista de Alfred Jarry, "Ubu Rey", marcando el inicio de una larga trayectoria en el diseño de escenografía. Hoy en día, muchos contemporáneos conocen a David Hockney "solo" como pintor, pero su prolífica carrera como escenógrafo, fotógrafo y artista gráficole otorga el reconocimiento que merece en estas disciplinas.

En 1968, Hockney pasó el verano en su casa de Inglaterra y viajó con amigos a París, el sur de Francia, Cornualles e Irlanda del Norte. En otoño, acompañó a su aún relativamente nuevo amor, el fotógrafo artístico californiano Peter Schlesinger, a Londres, donde Schlesinger tenía intención de matricularse en la Escuela de Arte Slade.

Luego se dirigió a Saint-Tropez, donde visitó "Le Nid du Duc" y tomó numerosas fotografías; la casa de ensueño del director, guionista y productor "Tony" Richardson (ganador de 4 premios Oscar en 1964 por "Tom Jones", "Hotel New Hampshire", "El fantasma de la ópera", etc.) desempeñaría más tarde un papel importante en su arte.

Paralelamente, pintó algunos de sus cuadros más famosos (Christopher Isherwood y Don Bachardy; Los coleccionistas estadounidenses Fred y Marcia Weisman) y participó en la documenta 4 de Kassel.

Una carrera maratónica con ráfagas de velocidad interminables

Este ritmo continuó: en 1969, Hockney aceptó una cátedra visitante en la Academia de Bellas Artes de Hamburgo; realizó repetidamente viajes más largos, que combinó con trabajo, experimentos y estancias prolongadas en el respectivo rincón del mundo.

Por ejemplo, en 1975 pasó una larga temporada en París con sus padres, quienes también fueron retratados profusamente. También en 1975, Hockney incorporó la investigación que había realizado a principios de la década de 1960 para el ciclo de grabados de "El progreso del libertino" de William Hogarth en la escenografía del Festival de Ópera de Glyndebourne en East Sussex, donde se representaba "El progreso del libertino" de Stravinsky.

Además, surgieron continuamente ideas artísticas totalmente nuevas; por ejemplo, a partir de 1976, se crearon collages fotográficos, cada uno compuesto por numerosas imágenes Polaroid. "Veinte fotografías" y la composición formada por 63 Polaroids que mostraban a las hermanas Imogen y Hermiane Cornwall-Jones tuvieron una buena acogida en su momento, representando una vez más un enfoque único frente a las tendencias de la moda imperantes.

Hoy en día, estas obras se presentan a menudo como una expresión de la "fase cubista" y se atribuyen a un acercamiento tardío al cubismo y a la obra de Picasso ; sin embargo, Hockney ya había comenzado este acercamiento en el Royal College of Art.

En 1977, la obra de Hockney se presentó en la documenta 6, en 1978 en la 38ª Bienal de Venecia y en 1979 en la 3ª Bienal de Sídney; en 1978, Hockney diseñó la escenografía de "La flauta mágica" de Mozart en el Festival de Ópera de Glyndebourne en East Sussex.

En 1980, Hockney diseñó la escenografía y el vestuario para un triple homenaje al arte francés de la época de Picasso en la Metropolitan Opera House. La opulenta obra, titulada Parade, comprendía el ballet «Parade» con música de Erik Satie, la ópera «Les mamelles de Tirésias» con libreto de Guillaume Apollinaire y música de Francis Poulenc, y la ópera «L'enfant et les sortilèges» con libreto de Colette y música de Maurice Ravel. En 1981, diseñó otra triple escenografía para la Metropolitan Opera: «Le Sacre du Printemps», «Le Rossignol» y «Oedipus Rex» de Stravinsky.

A partir de 1982 aparecen nuevos collages Polaroid, aún más polifacéticos (¿aún más cubistas?), un juego con una gran variedad de formatos y principios de composición y orden.

En 1983, Hockney trabajó simultáneamente para la Ópera del Centro Musical de Los Ángeles y la Royal Opera House de Londres, y creó diseños de escenografía para el Teatro Eye and Ear de Nueva York. Para la exposición "Hockney pinta el escenario" de ese mismo año, también rediseñó por completo la escenografía de la ópera "L'enfant et les sortilèges", obra que aún puede admirarse como instalación permanente en el Museo de Arte de Honolulu.

En 1985, Hockney participó en la XIII Bienal de París, y en 1986 participó en PaperArt (1ª Bienal Internacional de Arte de Papel en Düren, Westfalia), ciertamente con nuevas experimentaciones; en 1987 diseñó la escenografía para la ópera de Richard Wagner "Tristán e Isolda" encargada por la Ópera del Music Center de Los Ángeles.

A partir de mediados de la década de 1980, Hockney se sumergió nuevamente en la pintura, esta vez estudiando principalmente a Henri Matisse (y a Pablo Picasso, en repetidas ocasiones).

Pronto, algunas innovaciones técnicas estuvieron listas para su procesamiento, y desde finales de los años ochenta, Hockney experimentó con la impresión, las fotocopiadoras en color y las máquinas de fax, lo que dio como resultado copias a cuatro colores, dibujos por fax y gráficos abstractos por computadora, el nuevo conjunto de obras conocido como "Home Made Prints".

En 1989, David Hockney expuso su obra en la XX Bienal de São Paulo, en Brasil, y fue galardonado con el Praemium Imperiale . Esta fue la primera vez que se otorgaba este "Premio Nobel de las Artes"; Hockney compartió el premio en la categoría de pintura con Willem de Kooning (los ganadores del primer premio en las demás categorías fueron: escultura Umberto Mastroianni; arquitectura I.M. Pei; música Pierre Boulez; teatro/cine Marcel Carné).

A partir de 1991, Hockney volvió a diseñar escenografías para "Turandot" de Puccini en la Ópera Lírica de Chicago y para "Die Frau ohne Schatten" de Richard Strauss en 1992 en la Royal Opera House de Londres; además, fue admitido como uno de los miembros de la Royal Academy of Arts de Londres en 1991.

En 1994, Hockney diseñó el vestuario y la escenografía para doce arias de ópera en la Ciudad de México, como parte del programa de televisión Operalia de Plácido Domingo. Una vez más, utilizó los últimos avances tecnológicos, construyendo complejas maquetas a escala 1:8 en un proscenio móvil de 1,8 m x 1,2 m, empleando un sistema informático que le permitió programar los efectos de iluminación a voluntad y sincronizarlos con la banda sonora.

En 1995, Hockney participó en la 46ª Bienal de Venecia; en 1997, recibió la Orden Británica de los Compañeros de Honor (una orden del Reino Unido y la Commonwealth que ha honrado logros destacados en diversos campos desde 1917) y fue admitido en la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias.

En 2004, su obra se exhibió simultáneamente en la Bienal de Liverpool y en la Bienal Whitney de Nueva York.

En 2006, después de un estudio exhaustivo de los métodos de los antiguos maestros, se publicó su libro “Conocimiento secreto: redescubriendo las técnicas perdidas de los antiguos maestros”; en 2012, Hockney creó una pintura a gran escala de 176 metros cuadrados para la Ópera Estatal de Viena, que constituyó un punto culminante de la serie de exposiciones “La Cortina de Hierro” como parte del “museo en progreso” en la temporada 2012/2013.

En 2012, Hockney recibió la Orden del Mérito de la Reina (una condecoración británica por logros militares, científicos, artísticos y literarios sobresalientes), que aceptó tras haber rechazado el título de caballero otorgado por la Reina en 1990 (véase bbc.com); también participó en la IV Bienal de Arte Contemporáneo de Madrid; así como en 2015 (a la edad de 78 años) en la V Bienal de Arte Contemporáneo de Tesalónica…

en 2017 David Hockney cumplió 80 añostate.org.uk/whats-on/). Ese mismo año, la Ópera de San Francisco repuso el diseño escénico de Hockney para Turandot, por el que Hockney recibió la Medalla de la Ópera de San Francisco.

Esto ni siquiera era el comienzo de una biografía, sino un breve resumen de algunos momentos clave en la vida de Hockney. Además de todos sus viajes, investigaciones, docencia y experimentación, David Hockney se ha dedicado principalmente a crear arte; suficiente arte como para más de 306 exposiciones individuales y casi 900 colectivas … aún no existen estadísticas oficiales al respecto, pero muchos artistas ciertamente no han alcanzado la marca de las 1000 exposiciones.

La tercera parte de esta serie se centra en el reconocido arte visual de David Hockney, aunque no exclusivamente, ya que artistas de renombre mundial como David Hockney aportan al mundo muchas otras inspiraciones…

Aquí hay una selección de sus obras en Pinterest:

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