Kunstperiodes – Inleiding tot de kunstgeschiedenis van stijlperiodes en hun kenmerken

De kunstgeschiedenis kenmerkt zich door talrijke belangrijke kunstperiodes, waarmee zelfs kunstleken vaak in aanraking komen. Elke periode heeft zijn eigen stijl, artistieke stromingen en esthetische vormen ontwikkeld.

De verschillende kunstperiodes weerspiegelen de sociale, politieke en culturele veranderingen van hun tijd, evenals de resultaten van creatieve processen.

Bij Kunstplaza streven we ernaar een nuttig overzicht te bieden van de belangrijkste periodes in de kunstgeschiedenis en hun specifieke kenmerken te belichten. Daarnaast presenteren we belangrijke kunstwerken en de toonaangevende kunstenaars van elk tijdperk.

Chronologische weergave van de kunstgeschiedenis in een tijdlijn

We hebben alle kunstperiodes voor u overzichtelijk in een tijdlijn geplaatst. Van 3000 voor Christus tot de middeleeuwen, moderne kunst, klassiek modernisme en hedendaagse kunst van hedendaagse kunstenaars.

Alle belangrijke kunstperiodes uitgelegd in 11,5 minuten

Kunnen alle belangrijke kunstperiodes uitgebreid worden uitgelegd in minder dan 12 minuten? PhrasenDrescher probeerde het in zijn video. Oordeel zelf:

Niet slecht voor een korte uitlegvideo. Voor meer gedetailleerde informatie kunt u naar beneden scrollen…

Oude kunst (ca. 3000 v.Chr. – 500 n.Chr.)

Een overzicht van artistieke periodes in de antieke kunst

Tot de vroege beschavingen behoren de Egyptische, Mesopotamische, Minoïsche, Myceense, klassieke Griekse en Romeinse kunst, die deel uitmaken van de antieke kunst . De vroege Europese kunst is voortgekomen uit de fundamentele artistieke methoden en stijlen die in Griekenland zijn ontwikkeld.

De Egyptische kunst kenmerkt zich door gedetailleerde muurschilderingen en enorme bouwwerken zoals de piramides. Terwijl de Minoïsche en Myceense kunst indruk maakt met haar schitterende fresco's en aardewerk, staat de Mesopotamische kunst bekend om haar reliëfs en beeldhouwwerken.

De klassieke Griekse kunst , zoals te zien is in sculpturen als de Discobolos en de Venus van Milo , staat bekend om haar harmonieuze proporties en geïdealiseerde menselijke lichaam.

Oudheid - Griekenland (circa 800 v.Chr. tot 100 v.Chr.)

Ook de Romeinse kunst in dit overzicht van kunstperiodes . Ze wordt gekenmerkt door realisme en portretkunst , zoals bijvoorbeeld te zien is in de buste van keizer Augustus.

Oudheid – Romeinse Rijk (600 v.Chr. tot 600 n.Chr.)

Het vroege christendom en Byzantium (300-1453)

De vroegchristelijke en Byzantijnse kunst vormde de basis voor de kunst van de Europese middeleeuwen en de moderne tijd. Deze periode heeft daarmee de culturele identiteit van de westerse beschaving, evenals die van het christendom in het Nabije Oosten en Afrika, gevormd. De invloed ervan is ook zichtbaar in de decoratieve kunst van de westerse islam.

De kunst van deze periode werd voornamelijk gestimuleerd door de acceptatie van het christendom en de genereuze schenkingen van Constantijn. Geleidelijk ontwikkelde zich een eigen christelijke kunstvorm, die vaak putte uit klassieke, figuratieve stijlen. Belangrijke centra van deze ontwikkeling waren Rome, Ravenna, Thessaloniki en Constantinopel.

Middeleeuwse kunst (ca. 500 – 1400)

Middeleeuwse periodes in vogelvlucht

Middeleeuwse kunst omvat de kunst van de Volksverhuizingstijd, de Karolingische, de Ottoonse, de Romaanse en de Gotische kunst. Gedurende deze periode speelde het christendom een ​​centrale rol in de artistieke creatie.

Vroege middeleeuwen en romaanse periode (750-1250)

Belangrijkste gegevens en kenmerken van de romaanse architectuur in één oogopslag:

De kunst van de Volksverhuizingstijd tot uiting komt in de prachtige sieraden van de Merovingen en Longobarden

Uit het tijdperk van de Frankische en Saksische vorsten stammen de artistieke meesterwerken van de Karolingische en Ottoonse tijd, die indrukwekkende manuscripten en religieuze gebouwen voortbrachten, zoals de Dom van Hildesheim of de Palatijnse Kapel in Aken.

De kunst van de romaanse periode betovert met haar imposante karakter, dat tot uiting komt in majestueuze kerken met tonnen wegende gewelven en ronde bogen.

Gotische kunst daarentegen imponeert met haar verfijnde structuren en haar streven naar hoogte, zoals de kathedralen van Chartres en Notre-Dame in Parijs op indrukwekkende wijze aantonen.

Gotiek (1130-1500)

Belangrijkste gegevens en kenmerken van de gotische architectuur in één oogopslag:

Vroegmoderne periode

Een overzicht van de vroegmoderne periode

Renaissance (ca. 1420 – 1600)

Belangrijkste data en kenmerken van de Renaissance in één oogopslag:

De Renaissance was een tijdperk van artistieke wedergeboorte, waarin de kunst en cultuur van de oudheid werden herontdekt en opnieuw geïnterpreteerd. Renaissancekunstenaars zoals Leonardo da Vinci , Michelangelo en Rafaël streefden naar perfectie en humanisme in hun kunst, waarbij ze bijzondere nadruk legden op proportie, perspectief en anatomische nauwkeurigheid.

Tijdens de Renaissance werd de schilderkunst gekenmerkt door realistische afbeeldingen en de introductie van centraal perspectief, wat de kijker een gevoel van ruimtelijke diepte gaf. Ook in de beeldhouwkunst bereikte de Renaissancekunst een hoge mate van plasticiteit en dynamiek, zoals blijkt uit werken als Michelangelo's David en de Laocoön-groep .

De architectuur van de Renaissance werd gekenmerkt door de herontdekking van klassieke vormen en symmetrie, zoals tot uiting komt gebouwen van Brunelleschi en Palladio

Maniërisme (ca. 1520 – 1600)

Met de nieuw verworven vrijheid van de mens ontstond in de 16e eeuw de wens dat elke kunstenaar zijn eigen individuele uitdrukkingsvorm zou ontwikkelen.

Deze drang leidde echter al snel tot excessen die zelfs meesters als Michelangelo niet ontgingen. Daardoor werden sommige van zijn werken niet langer toegeschreven aan de Renaissance, maar aan het maniërisme.

In het maniërisme werden emoties opzettelijk overdreven, gebaren uitvergroot en zelfs de kleding van de afgebeelde figuren onnatuurlijk volumineus. De eens zo zachte S-curve van de Renaissance werd een bijna onnatuurlijke overdrijving van de lichaamsrondingen.

Ironisch genoeg werd deze stijl de eerste pan-Europese stijl, die kunstenaars uit heel Europa naar Italië, het land van herkomst, trok.

Barok en rococo (ca. 1600 – 1780)

Belangrijke gegevens en kenmerken over kunst:

Barokkunst , dramatiek en weelde. Barokkunstenaars zoals Caravaggio, Bernini en Rubens gebruikten licht en schaduw om hun werken driedimensionaal en levendig te laten lijken .

De barokschilderkunst wordt gekenmerkt door sterke contrasten tussen licht en schaduw, zoals te zien is "De roeping van Sint Mattheüs". Bernini kreeg de barokbeeldhouwkunst een nieuwe dynamiek en beweging, zoals blijkt uit zijn beeldhouwwerk "Apollo en Daphne .

Gian Lorenzo Bernini zette nieuwe normen in architectuur en beeldhouwkunst, en Annibale Carracci en Caravaggio deden hetzelfde in de schilderkunst. De dramatische contrasten van licht en schaduw en het negeren van conventies door de impulsieve sterschilder Caravaggio waren baanbrekend en bepaalden de toon voor de realistische afbeeldingen van martelaarschap en genretaferelen door de Caravaggisten.

Drie nieuwe kunstgenres – genreschilderkunst , landschapsschilderkunst en stilleven – ontstonden in de Gouden Eeuw van de Nederlandse schilderkunst in de 17e eeuw, mogelijk gemaakt door de grote rijkdom van de bourgeoisie. De Vlaming Peter Paul Rubens verwierf in heel Europa bekendheid met zijn schilderijen, die een combinatie waren van immense pracht, energie en emotionele impact.

Omdat barokkunst werd ingezet als middel voor de Contrareformatie, werden de artistieke productie in Spanje en de niet-Europese koloniën gedomineerd door religieuze en hofopdrachten.

Diego Velázquez uit Sevilla de onbetwiste hofschilder en creëerde hij voornamelijk portretten en mythologische verhalen .

Anders dan in Italië, Spanje en Zuid-Duitsland, kreeg de chaotische barokstijl ; in beide landen kreeg een klassieke benadering de overhand, soms aangeduid barokclassicisme (Frankrijk) en palladianisme

Zoals de romaanse kerk van San Carlo alle Quattro Fontane laat zien, wordt de barokarchitectuur gekenmerkt door haar pracht en praal en het gebruik van rondingen en ellipsen. Rococo onderscheidt zich door zijn heldere, decoratieve en grillige uiterlijk.

De verfijnde en elegante schilderijen van verschillende rococo-kunstenaars, waaronder Watteau , Boucher en Fragonard , werden met name weerspiegeld in de galante omgevingen van de Franse adel.

Het utopische eiland van de liefde, Cythera, werd door Antoine Watteau in een stijl die kenmerkend is voor de Franse rococo. Genreschilderkunst onderscheidt zich door sfeervolle landschappen, verfijnde figuren, poëtische en elegische stemmingen en subtiele kleuren, terwijl in de portretkunst zowel zeer realistische als intieme portretten evenzeer werden gewaardeerd.

De onbetwiste meester van de stillevenschilderkunst was Jean Siméon Chardin , wiens invloed op het impressionisme in de 19e eeuw niet onderschat mag worden. De rococo-stijl verspreidde zich vanuit Frankrijk over Centraal-Europa en was vooral geliefd voor meubel- en interieurontwerp.

Classicisme (ca. 1770 – 1830)

Belangrijkste gegevens en kenmerken van het classicisme in één oogopslag:

In de 19e eeuw streefden kunstenaars met een "rugzak" vol antieke kunst naar een sfeer van "stille eenvoud en nobele grandeur" (JJ Winkelmann), beïnvloed door de recente ontdekkingen in Pompeii .

Antonio Canova uit Italië en Jacques-Louis David uit Frankrijk hebben een hele generatie gevormd door in hun werken heroïsche idealen van mannelijkheid en deugdzame, ingetogen vrouwen te verheerlijken.

In de beeldhouwkunst , de schilderkunst en vooral de architectuur vervingen parallelle composities, rechtlijnige vormen en een oriëntatie op de klassieke canon (proporties) de dynamische, barokke vormen.

Late moderne periode

Een overzicht van de late moderne periode

Romantiek (ca. 1790 – 1830)

Romantiek is meer dan alleen een stijlperiode; het is een denkwijze die de voorkeur geeft aan het mysterieuze, het duistere en het sublieme boven het gladde en mooie. In 1810 werd in Wenen de Lukasbund (Lukasbond , in een poging Dürer en Rafaël .

vierden Caspar David Friedrich en William Turner hun eerste successen als landschapsschilders, en creëerde de volwassen Francisco de Goya zijn donkerste werken.

William Blake , dient als voorbeeld voor de miskende kunstenaar en het visionaire genie . Of het nu middeleeuwse sprookjes of Dr. Faustus betrof, adembenemende berglandschappen of mistige streken – het was altijd het diepste innerlijk, het emotionele niveau, dat romantische kunstenaars tot nieuwe creaties dreef.

Stilistisch pluralisme, Biedermeier en Gründerzeit (1790-1890)

Het fenomeen stilistische heterogeniteit heeft altijd een grote invloed gehad op de moderne kunst. Hiermee bedoelen we de verscheidenheid aan technieken en stijlen die kunstenaars gebruiken om hun werken te creëren. Juist deze diversiteit aan technieken stelt kunstenaars in staat zich voortdurend te onderscheiden van hun collega's en hun gedachten en originaliteit op verschillende manieren over te brengen.

Door de traditionele canon van de kunst ter discussie te stellen en nieuwe creatieve expressiemiddelen te creëren, stilistisch pluralisme de weg vrijgemaakt voor de moderne kunst.

Toen kunstenaars in de 19e eeuw de traditionele academies en hun regels begonnen te verwerpen, ontstond er een stilistische diversiteit in de kunstwereld. Terwijl de romantiek het bewustzijn van de natuur en de mensheid verscherpte, legde het realisme de nadruk op de alledaagse wereld.

Het impressionisme brak uiteindelijk met de conventionele leerstellingen en richtte zich op de weergave van kleur en licht. Deze omwentelingen effenden de weg voor de stilistische diversiteit die nog steeds duidelijk zichtbaar is in de moderne kunst .

De Biedermeierperiode is een stijlperiode die zich afspeelde tussen 1815 en 1848 in Duitsland, Oostenrijk en Zwitserland. De naam is afgeleid van de dichter Gottlieb Biedermeier , die werd beschouwd als de belichaming van de stijve bourgeoisie. De kunst uit deze tijd kenmerkt zich door ingetogenheid: landschappen, stillevens en portretten waren de voornaamste onderwerpen – vaak doordrenkt met een zekere nostalgie naar vervlogen tijden.

Deze stijlperiode had ook een grote invloed op meubel- en interieurontwerp ; er werden gestoffeerde meubels met bloemmotieven of borduursels en zware wandkasten van donker hout geproduceerd. Een ander kenmerk was het gebruik van ornamenten op porseleinen beeldjes of relikwieën.

Historicisme / Salonschilderkunst (1850-1914)

In de kunstgeschiedenis verwijst de term historicisme een wijdverbreid fenomeen in de late 19e en vroege 20e eeuw, waarbij architecten en kunstenaars er de voorkeur aan gaven zich te laten inspireren door stijlen uit voorgaande eeuwen.

Er bestaan ​​diverse stilistische subtypen, zoals neoromaans, neogotisch, neorenaissance , neobyzantijns en neobarok .

Hoewel de hervormingsarchitectuur zich ontwikkelde als een tegenbeweging en later leidde tot het klassieke modernisme, heeft de opkomende Art Nouveau-stijl rond 1900 het historicisme aanzienlijk beïnvloed.

Hoewel de ideeën van het historicisme in de daaropvolgende decennia voortleefden, bijvoorbeeld in het neoclassicisme, het socialistisch classicisme of de nationale veiligheidsarchitectuur, was de meest vormende periode van het historicisme van ongeveer 1850 tot vlak voor de Eerste Wereldoorlog.

Salonkunst , een belangrijke schilderstijl in de 19e eeuw, vond zijn oorsprong in de jaarlijkse tentoonstellingen van de Salon Carré in het Louvre , geïntroduceerd door Louis Philippe, werden uitsluitend bezocht door erkende kunstenaars uit de heersende klasse, die moesten inspelen op de smaak van het publiek en in het bijzonder die van de Parijse elite.

Hoewel thematisch en stilistisch aangepast, beeldden de schilderijen voornamelijk historische en literair-mythologische thema's , wat diende als voorwendsel voor het tonen van veel naaktheid en het bevredigen van het voyeurisme van de hogere klasse. Dramatische scènes met veel figuren hadden de voorkeur, en de schilderstijl was klassiek en academisch.

De kunstwerken van de historicistische beeldhouwkunst en de salonschilderkunst worden gekenmerkt door een academische en anti-modernistische oriëntatie. Kunstenaars zoals Hans Makart, Franz Xaver Winterhalter, Léon Gérôme en Lawrence Alma-Tadema gebruikten hun technische vaardigheden om grootschalige schilderijen te creëren die historische taferelen uitbeelden, gebaseerd op nauwgezet historisch onderzoek.

Deze werken werden voornamelijk gepresenteerd op de Salon van Parijs en worden daarom ook wel Salon-schilderijen genoemd.

Realisme (1850-1925)

Realisme, afgeleid van het Latijnse woord "res" voor ding, is een zeer complexe term die een specifieke houding, wereldbeeld en methode van kunstproductie beschrijft.

Gustave Courbet gebruikte de term in 1855 om zijn anti-academische en anti-idealistische schilderijen in Le Réalisme , die door de jury van de Wereldtentoonstelling werden afgewezen. Courbet maakte enorme, grootschalige schilderijen die het regionale landschap en de mensen die er woonden getrouw en realistisch vastlegden.

Velen beschouwden deze nieuwe mode als "lelijk" en "brutaal politiek" met socialistische connotaties. In de Franse kunsttheorie fungeerde het realisme dan ook als een soort "strijdkreet".

Tussen 1830 en 1880 keerden sommige kunstenaars zich resoluut af van de academische historieschilderkunst (salonschilderkunst) en wijdden zich volledig aan de zichtbare wereld. Met werken als "De steenbrekers" en "De begrafenis in Ornans" (1850) richtte Courbet grote monumenten op voor het proletariaat en de moderne beschaving.

Impressionisme (1850-1900)

Impressionisme , afgeleid van het Franse woord "impression ", beschrijft een schilderstijl. Deze stijl wordt gekenmerkt door een licht kleurenpalet, een losse, schetsmatige verftechniek met zichtbare penseelstreken, schilderen naar het onderwerp en meestal schilderen in de open lucht (plein .

De impressionisten richtten zich voornamelijk op zintuiglijke waarneming en legden vluchtige momenten snel, intuïtief en (ogenschijnlijk) geïmproviseerd vast. De observatie van lichteffecten en de veranderende kleurstemmingen gedurende het jaar was belangrijker dan de betekenis van het onderwerp.

Om die reden gaven de impressionisten er de voorkeur aan om in de buitenlucht en in series te werken. Deze omschrijving is met name van toepassing op impressionistische landschapsschilderkunst Edgar Degas zich meer thuis voelden in de traditie van de Academie en de term impressionisme voor hun werken verwierpen.

De belangrijkste schilder van het impressionisme is Claude Monet , die samen met collega's in de jaren 1860 het realisme verder ontwikkelde om het nieuwe gevoel van moderniteit en snelheid te weerspiegelen.

Andere belangrijke impressionistische schilders zijn onder meer Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Gustave Caillebotte (1848-1894), Berthe Morisot (1841-1895), Camille Pissarro (1830-1903), Frédéric Bazille (1841-1870) en Édouard Manet (1832-1833).

In de beeldhouwkunst werd het impressionisme gevormd door Auguste Rodin , terwijl het in de fotografie beter bekend staat als het pictorialisme Heinrich Kühn (1866-1944), die in Wenen woonde

In Frankrijk eindigde het impressionisme ruwweg met de wereldtentoonstelling van Parijs in 1900.

Naturalisme (1858 – 1900)

De kunststroming van het naturalisme kenmerkt zich door een zekere complexiteit, waardoor een precieze definitie niet altijd even gemakkelijk te vinden is. Wat wordt er dan precies bedoeld als we het over naturalistische kunst hebben?

Een manier om naturalisme te benaderen is door het te vergelijken met idealisme . Dat laatste wordt met name toegepast in de figuurschilderkunst en streeft naar een perfecte weergave van de werkelijkheid.

In tegenstelling tot het idealisme bevindt het naturalisme zich aan het andere uiteinde van het spectrum. In plaats van een perfecte wereld te creëren, geven naturalistische kunstenaars de voorkeur aan een levensechte weergave van alle imperfecties van deze wereld .

Het essentiële verschil tussen naturalisme en realisme ligt in de focus van hun schilderijen. Waar naturalisme zich concentreert op de schildermethode, inclusief de uitvinding van het schilderen in de open lucht , richt realisme zich op het onderwerp. Realistische schilders portretteren doorgaans alledaagse mensen in hun gewone situaties, geen geïdealiseerde helden.

Een ander verschil dat de kunst van het realisme onderscheidt, is het uitgesproken maatschappelijk bewustzijn dat in de schilderijen tot uiting komt. Realistische kunstenaars waren vaak betrokken bij politieke en maatschappelijke kwesties en verwerkten deze in hun werken.

Socialistisch realisme en Amerikaanse scèneschilderkunst zijn voorbeelden van sociale stromingen die geïnspireerd werden door ontwikkelingen binnen de realistische kunststroming. Naturalistische schilders daarentegen richtten zich primair op het ontwikkelen van een schilderstijl die zo authentiek en natuurlijk mogelijk was.

Binnen het naturalisme in de kunst speelde nog een ander belangrijk element een significante rol: de integratie van regionalistische en nationalistische sentimenten . Naturalistische schilders verbonden hun esthetiek aan specifieke plaatsen die hen vertrouwd waren en die een sentimentele waarde voor hen hadden. Kunsthistorici beschouwen deze neiging om voor veel mensen herkenbare scènes te schilderen als een essentieel onderdeel van de democratisering van de kunst .

De thema's van de naturalistische schilderijen waren herkenbaar voor een breed publiek en hadden een diepe emotionele betekenis.

Het zou echter onjuist zijn om te denken dat de onderwerpen van naturalistische kunst uitsluitend bestonden uit landschappen en natuurscènes. De definitie van naturalistische kunst is geenszins beperkt tot landschapsschilderkunst genreschilderijen ook veelvoorkomende thema's.

Het manifest "La philosophie du salon de 1857" van Antoine Castagnary uit 1858 was het eerste theoretische werk dat de nieuwe stroming behandelde. De Franse schilder Gustave Courbet (1819-1877) speelde ook een belangrijke rol in het kunsttheoretische debat rondom naturalistische kunst en was zelf een van de meest prominente vertegenwoordigers ervan.

Tot de meest vooraanstaande kunstenaars die in Duitsland tot het naturalisme behoorden, behoren Max Liebermann (1847-1935), Paul Weber (1823-1916) en Käthe Kollwitz (1867-1945).

Postimpressionisme (1880-1920)

In de westerse schilderkunst was dit een stroming in Frankrijk die zowel een voortzetting van het impressionisme als een afwijzing van de inherente beperkingen van die stijl vertegenwoordigde.

De term postimpressionisme werd bedacht door de Engelse kunstcriticus Roger Fry voor het werk van schilders uit de late 19e eeuw, zoals Paul Cézanne , Georges Seurat , Paul Gauguin , Vincent van Gogh , Henri de Toulouse-Lautrec laatimpressionisme of postimpressionisme worden echter nog steeds wel eens gebruikt.

De stijlen Synthetisme , Cloisonnisme en Pointillisme behoren ook tot het Postimpressionisme.

Al deze schilders, met uitzondering van Van Gogh, waren Frans en de meesten begonnen als impressionisten; ze verlieten deze stijl echter allemaal om hun eigen, zeer persoonlijke kunst te ontwikkelen.

Het impressionisme was, in de striktste zin van het woord, gebaseerd op de objectieve weergave van de natuur door gebruik te maken van de vluchtige effecten van kleur en licht.

De postimpressionisten verwierpen dit beperkte doel ten gunste van een ambitieuzere expressie , maar erkenden dat ze schatplichtig waren aan de pure, briljante kleuren van het impressionisme, de vrijheid van traditionele thema's en de techniek om vormen te definiëren met korte penseelstreken van gebroken kleur.

De postimpressionisten exposeerden vaak samen, maar in tegenstelling tot de impressionisten, die aanvankelijk een hechte, sociale groep vormden, schilderden ze voornamelijk alleen. Cézanne schilderde in afzondering in Aix-en-Provence in Zuid-Frankrijk; zijn eenzaamheid was vergelijkbaar met die van Paul Gauguin, die zich in 1891 in Tahiti vestigde, en van Van Gogh, die schilderde op het platteland bij Arles.

Zowel Gauguin als van Gogh verwierpen de onverschillige objectiviteit van het impressionisme ten gunste van een meer persoonlijke, spirituele expressie.

Het werk van deze schilders vormde de basis voor verschillende hedendaagse stromingen en voor het modernisme van de vroege 20e eeuw.

Symboliek (1890 – 1920)

de symbolistische kunst ontstonden tussen 1880 en 1910. Deze stijl, die we liever als een stroming dan als een tijdperk beschouwen, is eveneens in Frankrijk ontstaan.

In tegenstelling tot objectieve waarneming speelt de weergave van gedachten en gevoelens een cruciale rol; dit verschilt echter van het expressionisme en impressionisme, waar symboliek als verbindende schakel fungeert. Tegelijkertijd verzette het zich tegen de ideeën van het positivisme, materialisme en historicisme.

Bovendien was het gericht tegen de naturalistische schildertraditie van de academies.

Uiteindelijk beïnvloedden zijn heldere vormen de Art Nouveau. Ziekte, zonde, dood en hartstocht erotiek en dood, vaak gesymboliseerd door delicate, bleekhuidige vrouwen met een gevoelige of melancholische uitstraling, was voor veel kunstenaars bijzonder fascinerend

In 1886 schreef de Franse auteur Jean Moréas het "Symbolistisch Manifest ", dat wordt beschouwd als een belangrijke hoeksteen van de anti-rationalistische en anti-materialistische kunststroming. De symbolisten richtten zich niet op de directe weergave van de werkelijkheid, maar op de uitdrukking ervan door middel van symbolische esthetiek in de vorm van symbolen en metaforen.

Om dit te bereiken, combineerden ze verschillende visuele elementen tot een synthese. De kunstenaars brachten hun motieven niet rechtstreeks van de natuur over op het doek, maar putten uit hun herinneringen.

Verbeelding werd verheven tot de belangrijkste bron van creativiteit. Met deze benadering beeldden de symbolisten vaak droomachtige scènes uit, wat hen onderscheidt als voorlopers van het surrealisme .

Paul Gauguin en Emile Bernard , Franse schilders uit de late 19e eeuw, worden beschouwd als pioniers van het symbolisme in de beeldende kunst. Geïnspireerd door de symbolistische poëzie van Stéphane Mallarmé en Arthur Rimbaud, vonden ze in deze stijl een manier om poëtische, romantische en religieuze thema's uit te drukken in donkere, sombere kleurenpaletten met sterke, pure tinten.

Andere belangrijke vertegenwoordigers van het symbolisme in de kunstwereld waren Gustave Moreau, Odilon Redon, Paul Séruzier en Pierre Puvis de Chavannes in Frankrijk, Arnold Böcklin en Ferdinand Hodler in Zwitserland, Fernand Khnopff in België, Gustav Klimt in Oostenrijk, Edvard Munch in Noorwegen en Max Klinger in Duitsland.

Klassiek modernisme

Periodes van het klassiek modernisme in vogelvlucht

Het tijdperk van het klassieke modernisme in de kunstgeschiedenis markeert een fase die ontstond na de moderne tijd, rond het jaar 1900. In deze periode beleefde de kunst een creatieve explosie met stromingen zoals het expressionisme, het futurisme en het kubisme, die traditionele conventies uitdaagden en nieuwe wegen voor artistieke expressie insloegen.

Deze opwindende periode duurde tot het einde van de Tweede Wereldoorlog in 1945 en bleef de kunstwereld tot ver in de jaren tachtig vormgeven. De diversiteit aan artistieke uitingen en revolutionaire ideeën die in dit tijdperk ontstonden, hebben tot op de dag van vandaag een aanzienlijke invloed op de kunstwereld.

Expressionisme (1890-1914) en Fauvisme (1898-1907): Kunst met een politieke dimensie

In het expressionistische zagen we een hernieuwde waardering voor het uiten van subjectieve gevoelens. Het expressionisme, dat zijn oorsprong vond in Duitsland, weerspiegelde de machtskritiek die veel kunstenaars voelden.

De kunstenaars van deze stroming waren noch geïnteresseerd in naturalisme, noch in uiterlijke verschijnselen. Daarom is in sommige expressionistische schilderijen, die vaak archaïsch en expressief zijn, een vleugje agressie te bespeuren.

De doorslaggevende historische gebeurtenis die de overgang van impressionisme naar expressionisme inluidde, was de Eerste Wereldoorlog . Terwijl de impressionisten de verworvenheden van de industriële revolutie vierden en Parijs op hun doeken verheerlijkten, twijfelde de jongere generatie sterk aan de snelle technologische vooruitgang.

De expressionisten ervoeren intens de toenemende 'versnelling' van de wereld en de problemen waarmee het individu werd geconfronteerd. De ingrijpende technologische innovaties wierpen twijfel op het waarnemingsvermogen van het menselijk oog, waardoor schilders vanaf 1900 moeite hadden om deze 'nieuwe wereld' op het doek vast te leggen.

Dit leidde tot een aanzienlijke verschuiving weg van impressionistische technieken naar een nadruk op de gevoelens van de kunstenaar in plaats van de realistische weergave van het onderwerp. Een nieuwe groep kunstenaars wilde niet alleen het moment vastleggen zoals de impressionisten, maar ook hun eigen gevoelens en zintuiglijke waarnemingen rechtstreeks in het schilderij vertalen.

Expressionistische kunst was een reactie tegen de burgerlijke en academische kunst. Het streefde ernaar de boodschap van volkskunst over te brengen, die als minder verfijnd werd beschouwd. Nieuwe technieken veranderden de mogelijkheden van compositie. Gezichtsvlakken vervaagden en diepte werd uitsluitend gecreëerd door kleur en vorm.

Wassily Kandinsky was een belangrijk expressionistisch kunstenaar. In zijn abstracte schilderijen onderzocht hij kleur, vorm en pure abstractie door gebruik te maken van expressionistische technieken.

Andere beroemde vertegenwoordigers van het expressionisme waren Franz Marc, Edvard Munch en August Macke . Aan het begin van de Eerste Wereldoorlog vertoonden expressionistische schilderijen een verontrustende intensiteit.

Het expressionisme was een stroming die directe politieke boodschappen overbracht via de schilderkunst en een zekere mate van geweld in de penseelstreken. Tijdens de Eerste Wereldoorlog werden kunstwerken van vaak schokkende intensiteit gecreëerd, die een duidelijke kritiek leverden op macht en maatschappij, en zo de schilderkunst politiek vormgaven.

Wat in Duitsland bekend staat als expressionistische kunst, werd fauvisme . Henri Matisse en André Derain , de belangrijkste kunstenaars van de 'fauvisten' (de 'wilden'), worden vaak beschouwd als de 'Franse expressionisten' . Hoewel beide stijlen rond 1905 ontstonden, in tegenstelling tot de impressionistische schilderkunst, is het expressionisme maatschappijkritischer en internationaler georiënteerd.

Hoewel het fauvisme voornamelijk in Frankrijk bleef en een zeer korte bloeiperiode kende, bleef het expressionisme zich in Duitsland ontwikkelen, met name via groepen als "Die Brücke" in Berlijn en "Der Blaue Reiter" in München. De wortels van beide stijlen liggen echter in de postimpressionistische stromingen van Frankrijk, beïnvloed door kunstenaars als Van Gogh , Gauguin en Toulouse-Lautrec, wat leidde tot verschillende artistieke expressies.

Art Nouveau / Art Nouveau (1890 – 1910)

Hoewel Gustav Klimts " De Kus" beroemdste schilderijen ter wereld .

Art Nouveau , buiten Duitsland ook wel bekend als Jugendstil , wordt gekenmerkt door grootschalige florale elementen en zacht gebogen lijnen.

Symmetrie speelde een steeds kleinere rol, terwijl dynamiek, speelsheid en een zekere jeugdige charme terrein wonnen – niet alleen in de schilderkunst.

Art Nouveau wordt gekenmerkt door het gebruik van lange, gebogen, organische lijnen en werd het meest gebruikt in architectuur , interieurontwerp , sieraden en glasontwerp , posters en illustraties .

Het was een bewuste poging om een ​​nieuwe stijl te creëren, vrij van het imitatieve historicisme dat een groot deel van de 19e-eeuwse kunst en vormgeving domineerde.

Rond deze tijd werd de term Art Nouveau bedacht, in België door het tijdschrift L'Art Moderne het werk van de kunstenaarsgroep Les Vingt te beschrijven S. Bing , die zijn galerie L'Art Nouveau Jugendstil in Duitsland , Sezessionsstil Stile Floreale (of Stile Liberty in Italië Modernismo in Spanje .

De art nouveau op het Europese continent werd sterk beïnvloed door de schilders Paul Gauguin en Henri de Toulouse-Lautrec , die experimentele en expressieve lijnen in hun werken verwerkten. Daarnaast vond de stroming inspiratie in de lineaire patronen van Japanse prenten ( Ukiyo-e ), die ook populair waren in de mode.

Een kenmerkend aspect van deze speelse kunstperiode is de golvende, asymmetrische lijn. Deze neemt vaak vormen aan zoals bloemstelen, knoppen, ranken of delicate natuurlijke objecten. Soms is deze lijn elegant en gracieus, terwijl ze op andere momenten een krachtige ritmische kracht bezit en een zweepachtig karakter heeft.

Er waren talloze kunstenaars en ontwerpers actief in de Art Nouveau-stijl. Een van de bekendste was de Schotse architect en ontwerper Charles Rennie Mackintosh , die zich vooral specialiseerde in geometrische lijnen en met name de Oostenrijkse Secession-stijl beïnvloedde.

De Belgische architecten Henry van de Velde en Victor Horta, met hun vloeiende en verfijnde structuren, hebben de Franse architect Hector Guimard . Louis Comfort Tiffany was een Amerikaanse glasfabrikant, terwijl Louis Majorelle in Frankrijk actief was als ontwerper van meubels en ijzerwaren.

Alphonse Mucha, een Tsjechoslowaakse grafisch ontwerper en kunstenaar, droeg bij aan de beweging, evenals René Lalique uit Frankrijk, een ontwerper van glas en sieraden. De Amerikaanse architect Louis Henry Sullivan versierde zijn traditioneel vormgegeven gebouwen met art nouveau-ijzerwerk met plantmotieven.

Antonio Gaudí uit Spanje wordt wellicht beschouwd als de meest originele kunstenaar van deze stroming: hij ging verder dan de afhankelijkheid van rechte lijnen en transformeerde gebouwen in gebogen, bolvormige constructies vol heldere kleuren – die een organische uitstraling kregen.

Na 1910 werd Art Nouveau als ouderwets en beperkt beschouwd en over het algemeen als zelfstandige decoratieve stijl verlaten.

Kubisme (1906 – 1914)

Rond de eeuwwisseling beïnvloedden het postimpressionisme en het fauvisme de Europese kunstwereld, waarbij Georges Braque een belangrijke bijdrage leverde aan het fauvisme met zijn landschapsschilderijen. Na Pablo Picasso begonnen de twee kunstenaars een samenwerking die leidde tot de ontwikkeling van het kubisme.

Het kubisme vertegenwoordigde een radicaal nieuwe artistieke benadering van de weergave van de werkelijkheid. Als een van de belangrijkste kunststromingen van de 20e eeuw brak het met traditionele representatieve methoden door abstracte fragmentatie en verfijnde tweedimensionale composities te introduceren.

Beïnvloed door Afrikaanse kunst ontwikkelden de twee kubisten samen nieuwe schildertechnieken en brachten ze een revolutie teweeg in de moderne kunstwereld.

Het kubisme kan worden onderverdeeld in verschillende fasen.

Het proto -kubisme , een overgangsfase tussen 1907 en 1911, werd sterk beïnvloed door de kunst van Picasso en Braque. Hun werken Les Demoiselles d'Avignon en Viaduct in L'Estaque illustreren de overgang naar het kubisme. In deze werken worden maskerachtige gezichten, fragmentatie van het onderwerp en geometrische vormen duidelijk. Deze fase markeert de intrede in het volwaardige kubisme.

Het analytisch kubisme , van 1908 tot 1912, wordt gekenmerkt door gefragmenteerde motieven in neutrale kleuren en gebroken vormen. Picasso paste deze principes ook toe op zijn sculpturen. Juan Gris sloot zich aan bij Picasso en Braque en werd vooral bekend door zijn bijdrage aan het synthetisch kubisme.

Het synthetisch kubisme , de laatste fase van de kunststijl van 1912 tot 1914, kenmerkte zich door een vereenvoudiging en uitbreiding van het kleurenpalet in werken van Picasso, Braque, Gris en andere kunstenaars. Bijzondere belangstelling ging uit naar stillevens, die geschilderd of gecollageerd waren.

Futurisme (1909-1945) – Avant-garde in plaats van christelijke moraal

Parallel aan het kubisme in Frankrijk ontstond het futurisme in Italië.

de Italiaan Filippo Tommaso Marinetti een futuristisch manifest waarin hij zich distantieerde van de christelijke moraal en alle maatschappelijke conventies verwierp. Hoewel Marinetti zelf geen schilder was, werd schilderkunst desalniettemin de belangrijkste kunstvorm van het futurisme. De futuristen kwamen in opstand tegen klassieke modellen en toonden een uitgesproken afwijzing van het lichaam. Ze verwierpen de afbeelding van het naakt als duister en weerzinwekkend. Alles wat traditioneel was, werd met argwaan bekeken.

Het futurisme ontwikkelde zich tot een belangrijke Italiaanse avant-garde kunststroming die zich richtte op nieuwe technologieën en het moderne stadsleven. Futuristen probeerden de schoonheid van machines, snelheid en verandering weer te geven, door traditionele media zoals schilderkunst en beeldhouwkunst te combineren met invloeden uit het postimpressionisme.

De Italiaanse futuristen van begin twintigste eeuw waren bijzonder onder de indruk van innovatieve technologieën zoals chronofotografie , waarmee het mogelijk werd beweging in beelden vast te leggen. Ze brachten een revolutie teweeg in de kunst door beweging te integreren in schilderkunst en beeldhouwkunst.

Ze gebruikten populaire media en technologieën om hun ideeën te verspreiden en vierden zelfs het uitbreken van de Eerste Wereldoorlog als uiting van hun enthousiasme voor de moderniteit. Hoewel sommige leden later het fascisme steunden, werd de groep tot ver in de jaren twintig beschouwd als een belangrijke avant-garde beweging.

Onder leiding van schrijver Filippo Tommaso Marinetti verspreidde de beweging haar ideeën via manifesten in moderne media, waarbij het machinetijdperk werd gevierd als een triomf over de natuur. Kunstenaars als Umberto Boccioni en Giacomo Balla pleitten voor een hedendaagse kunst die ruimte en beweging vastlegde. Het futurisme verspreidde zich snel door heel Italië en kreeg ook internationale aandacht dankzij Marinetti's steun in het buitenland.

Het 'tweede' futurisme (1924-1945) werd vormgegeven door verschillende kunstenaars en architecten, waaronder Enrico Prampolini, Giacomo Balla en Fortunato Depero. Met Aeropittura , ook wel 'Arte Sacra Futurista' genoemd, omarmden zij futuristische thema's zoals dynamiek en snelheid.

Hoewel Mussolini de voorkeur gaf aan classicisme, slaagden de architecten er desondanks in moderne gebouwen te realiseren met behulp van de nieuwe bouwmaterialen. De kunstenaars kregen erkenning "Noi",

Dadaïsme (1912-1920) – Over de (niet-)zin van dingen

Het dadaïsme ontstond in Zwitserland tijdens de Eerste Wereldoorlog. Zürich, een neutraal land, werd een toevluchtsoord voor kunstenaars en intellectuelen die tegen de oorlog waren. Het dadaïsme ontstond als reactie op het nationalisme, dat door velen als de oorzaak van de oorlog werd gezien .

De dadaïsten stelden de absurditeit van bestaande regels, normen, tradities en waarden ter discussie en keerden deze daarmee volledig om. Deze kunststroming verenigde diverse expressievormen zoals literatuur, poëzie, dans, fotografie, schilderkunst, beeldhouwkunst, collage en performancekunst . Een centraal aspect was de deconstructie van wat 'kunst ' werd beschouwd. Kunstenaars zoals Henri Robert Marcel Duchamp omarmden niet alleen het dadaïsme en het surrealisme, maar legden ook de basis voor de conceptuele kunst en effenden daarmee de weg voor latere moderne kunststromingen.

De beweging verspreidde zich snel over Europa en de Verenigde Staten, met in elke stad aparte groepen. Het dadaïsme beïnvloedde verschillende avant-garde stromingen van de late 19e en vroege 20e eeuw, waaronder het futurisme, expressionisme, kubisme en constructivisme. Later inspireerde het culturele stromingen zoals het surrealisme, het abstract expressionisme en zelfs punkrock.

Een gemeenschappelijke factor van deze stromingen, evenals van het dadaïsme, is het kritische onderzoek naar de cultuur. Dadaïstische kunstenaars waren even onconventioneel in hun werk als in hun materiaalgebruik. Met hun creaties bespotten dadaïsten nationalistische en materialistische opvattingen.

Het uitleggen en definiëren van dadaïsme is lastig omdat het geen logische structuur of universeel geldende kenmerken heeft.

Wat is dadaïsme precies? Vier kernideeën kunnen helpen om het gedachtegoed van het dadaïsme te begrijpen. Deze ideeën omvatten het gebruik van readymades, de fascinatie voor toeval, het bevragen van burgerlijke gevoeligheden en verzet tegen vrijwel alles.

Dadaïstische kunstenaars creëerden readymades : alledaagse voorwerpen die ze slechts minimaal bewerkten en als kunstwerken presenteerden. Readymades illustreren een van de centrale ideeën van het dadaïsme: de nadruk ligt op de intentie van de kunstenaar als het kunstwerk zelf, in plaats van als het object dat ze creëren. Dadaïstische werken roepen vragen op over de definitie van kunst, artistieke creativiteit en het doel van kunst in de samenleving .

Een kernbegrip binnen het dadaïsme is het bewust gebruikmaken van toeval. Veel dadaïstische kunstenaars, waaronder Hans Arp , lieten het toeval de creatie van hun kunstwerken sturen. Deze aanpak, zonder vast plan of duidelijke intentie, stond haaks op de conventionele kunstproductie. Dit artistieke proces bood dadaïstische kunstenaars een extra manier om de bestaande status quo te bevragen en de rol van de kunstenaar in het creatieve proces te problematiseren.

Andere bekende vertegenwoordigers van het dadaïsme waren Marcel Duchamp , Man Ray en Max Ernst .

Constructivisme (1913-1930) – Een fusie van kubisme en futurisme

In 1913 markeerde de opkomst van Vladimir Tatlins abstracte werken het begin van de Russische constructivistische beweging, die een aanzienlijke invloed had op de ontwikkeling van de moderne abstracte kunst .

Deze kunststroming wordt ook beschouwd als een historische stroom die zich intensief verdiepte in de harmonieuze ordening van geometrische vormen. Kunstenaars die zich met het constructivisme bezighielden, verwierpen felle kleuren en borduurden voort op de stijlen van eerdere stromingen zoals het suprematisme .

De conceptuele theorieën van deze periode werden gevormd door Jean Piaget , wiens onderzoek op het gebied van onderwijspsychologie en cognitieve ontwikkeling zich richtte op hoe mensen betekenis construeren en de relaties tussen menselijke ervaringen en hun ideeën onderzocht.

Deze theorie omvatte ook het idee dat mensen hun eigen kennis genereren. Opvallende typografie en kunstzinnige fotomontages , samen met een beperkt kleurenpalet, werden essentieel voor het constructivisme. Deze periode bleek zeer invloedrijk op het gebied van design en architectuur, die zich in de jaren twintig ontwikkelden van politieke associaties tot een dynamische ontwerpstijl.

De beroemde Russische kunstenaar Kasimir Malevich bedacht ook de term 'constructivist', verwijzend naar het werk van Alexander Rodchenko , een alom erkend Russisch ontwerper.

De Harlem Renaissance (1920-1930) – De heropleving van de Afro-Amerikaanse cultuur

De Harlem Renaissance , die haar hoogtepunt bereikte in de jaren twintig van de vorige eeuw, vormt een belangrijk hoofdstuk in de culturele heropleving van de Afro-Amerikaanse gemeenschap in de Verenigde Staten.

Dit tijdperk werd gekenmerkt door een opmerkelijke waardering voor en creatie van intellectuele en culturele uitdrukkingsvormen, ontwikkeld door Afro-Amerikaanse kunstenaars op gebieden als muziek, literatuur, beeldende kunst, poëzie, politiek, dans en mode.

Deze periode staat ook bekend als de "New Negro Movement" en omvatte een verscheidenheid aan unieke hedendaagse kunststijlen die tot doel hadden de zwarte ervaring vanuit een niet-westers perspectief weer te geven. Het benadrukte met name het historische onrecht dat Afro-Amerikaanse wetenschappers en kunstenaars hebben geleden, en bevorderde zo een diepere betrokkenheid bij het culturele erfgoed van de Afro-Amerikaanse bevolking.

Deze beweging, die oorspronkelijk zijn oorsprong vond in het New Yorkse stadsdeel Harlem, werd gevormd door talloze culturele iconen die aan het begin van de 20e eeuw een belangrijke bijdrage leverden aan de versterking van de Afro-Amerikaanse cultuur en de waardering van zwarte kunstenaars.

De Harlem Renaissance riep op tot een sterke betrokkenheid bij politiek activisme en had een doorslaggevende invloed op belangrijke bewegingen zoals de burgerrechtenbeweging in de jaren vijftig.

Deze culturele gouden eeuw nodigt iedereen uit Afro-Amerikaanse kunst te herontdekken

De 7 belangrijke kunstenaars uit de Harlem Renaissance die we in deze video zullen zien, zijn: Langston Hughes, Aaron Douglas, Lois Mailou Jones, Augusta Savage, Gwendolyn B. Bennett, Meta Vaux Warrick Fuller en James Van Der Zee.

Nieuwe Zakelijkheid (1918-1965) – Koel en technisch

De verschillende kunstperiodes van de Eerste Wereldoorlog tot heden vertegenwoordigen een hoogtepunt van de hedendaagse kunst en illustreren de evolutionaire ontwikkeling van kunststijlen, die aanzienlijk hebben bijgedragen aan de herdefiniëring van concepten met betrekking tot representatie, visuele esthetiek en cultuur in de naoorlogse periode.

De Nieuwe Zakelijkheid beschrijft de kunststroming die na de Eerste Wereldoorlog ontstond en zich richtte op de zichtbare wereld. Deze stijl ontwikkelde zich in de Weimarrepubliek en omvatte gerenommeerde kunstenaars zoals George Grosz en Otto Dix , die maatschappijkritische thema's behandelden.

De beweging verspreidde zich vanuit Duitsland naar Oostenrijk, Zwitserland en Nederland. Geïnspireerd door de Italiaanse Pittura Metafisica combineerde ze desillusie met een helder visueel concept dat alledaagse objecten objectief weergaf.

De kunststroming werd gekenmerkt door een objectieve uitdrukkingswijze en een indringende weergave van sociale en economische realiteiten. De objecten werden met ondubbelzinnige scherpte afgebeeld, soms met gebruik van karikaturale elementen. Deze stijl stelde de kunstenaars in staat om op een fundamenteel eerlijke manier te reflecteren op de complexe aspecten van het hedendaagse leven, terwijl ze tegelijkertijd de aandacht vestigden op sociale onrechtvaardigheden.

Een cruciale tentoonstelling in 1925 onder leiding van Gustav Friedrich Hartlaub bracht verschillende kunstenaars samen en verdeelde de Nieuwe Zakelijkheid-beweging in een sociaal-kritische en een klassiek-conservatieve vleugel, die reageerde op de tijd die als een crisis werd ervaren.

De opkomst van de nationaalsocialisten in 1933 en de daaropvolgende Gleichschaltung (coördinatie) van de media, evenals de vestiging van een zogenaamde Duitse kunst, betekenden het einde van de Nieuwe Zakelijkheid. 

In de jaren vijftig en begin jaren zestig stortte de Nieuwe Zakelijkheid zich intensief op sociale en politieke vraagstukken. De onrust en conflicten van twee verwoestende wereldoorlogen brachten veel mensen ertoe op zoek te gaan naar een stabiele basis die hen houvast kon bieden – een behoefte die duidelijk terug te vinden is in de kunstwerken uit deze periode.

De werken van de Nieuwe Zakelijkheid worden vaak gekenmerkt door een koele, emotieloze en technische esthetiek. Motieven zoals radio's of gloeilampen, die de technologische aspecten van het dagelijks leven weerspiegelen, komen veelvuldig voor.

Zoals bij veel moderne kunststromingen waren er ook binnen de Nieuwe Zakelijkheid verschillende stromingen en richtingen, wat het veelzijdige karakter van dit tijdperk onderstreept.

Surrealisme (ca. 1920-1945): Onderbewuste realiteiten

Na de Eerste Wereldoorlog overspoelde het surrealisme de kunstwereld als een enorme golf en verpulverde alle vooropgezette ideeën van de Parijzenaars over de aard van de werkelijkheid, de kunst en de menselijke psyche.

opgericht door André Breton

Zijn definitie van surrealisme was:

We mogen niet uit het oog verliezen dat het idee van het surrealisme simpelweg gericht is op het volledig herstellen van onze psychische kracht, door middel van niets anders dan een duizelingwekkende afdaling in onszelf, de systematische verlichting van verborgen plekken en het geleidelijke verduisteren van andere plekken…”

(Bron: Malen-Lernen.org)

Zijn revolutionaire poging om de bestaande normen van die tijd te doorbreken, vond in de jaren twintig en dertig van de vorige eeuw brede weerklank in Europa en de Verenigde Staten.

genoemd naar Guillaume Apollinaire , een prominent dichter en kunstcriticus, vond plaats in Parijs in 1925 en toonde werken van kunstenaars als Pablo Picasso en Man Ray . Deze kunststijl behandelde vaak ongemakkelijke aspecten van het menselijk bestaan, sociale taboes en daagde burgerlijke opvattingen uit.

In deze context ontwikkelde het surrealisme zich tot een gestructureerde kunststroming met een diepgaande politieke, filosofische en sociale dimensie, die methoden ontwikkelde om haar aanhangers zowel te choqueren als te fascineren.

Hoe absurd de pure onlogica van de Dada-beweging ook mag lijken, de surrealisten beschouwden de wereld van de dromen als de bron van alle waarheid. Een van de beroemdste kunstenaars van deze surrealistische beweging is Salvador Dalí , en u bent ongetwijfeld bekend met werken zoals "Smeltende klokken" (1954).

Het surrealisme, sterk beïnvloed door psychoanalytische ideeën, bracht veel kunstenaars ertoe hun dromen als inspiratiebron te gebruiken. Deze stroming was een protest tegen de rationaliteit, die als destructief voor de samenleving werd beschouwd.

Surrealistische kunstenaars gebruikten diverse technieken om hun onbewuste te verkennen en plaatsten het centraal in hun werken.

Ondanks aanvankelijke afwijzing heeft het surrealisme het gezicht van de moderne kunst ingrijpend veranderd en heeft het tot op de dag van vandaag nog steeds invloed.

Art Deco (ca. 1920 – 1935): Evenwichtig, elegant en gedurfd

Hoewel deze stijlperiode zijn hoogtepunt bereikte in de jaren 1920, 1930 en 1940, was de ontwikkeling van de Art Deco-stijl al meer dan tien jaar gaande voordat deze officieel werd geïntroduceerd.

Het ontstond in Frankrijk kort voor het uitbreken van de Eerste Wereldoorlog. Het grote publiek raakte echter pas in 1925 bekend met deze stroming tijdens de Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes , die losjes gebaseerd was op het concept van een wereldtentoonstelling.

Als een uiterst decoratieve kunststijl onderscheidden de kunstenaars van de Art Deco-beweging zich al vroeg door te experimenteren op het gebied van ontwerp, schilderkunst, meubilair, architectuur en constructie binnen hun stilistische spectrum.

Art Deco presenteert zich als een kunststijl die gekenmerkt wordt door levendige kleuren en gedurfde geometrische vormen, wat resulteert in uiterst luxueuze en gedetailleerde kunstwerken. Naast de beeldende kunst omvat het ook architectonische en designelementen.

Vanaf het begin werd Art Deco sterk beïnvloed door de gedurfde geometrische vormen van het kubisme en de levendige kleuren van het fauvisme. De stijl bevorderde een sterk gevoel van orde en toonde proportionele en evenwichtige ontwerpen in weelderige en levendige vormen.

Art Deco-design was alomtegenwoordig in talloze designvormen van de vroege 20e eeuw. De stroming experimenteerde met elementen uit de beeldende kunst, architectuur, mode, meubelontwerp, transport en zelfs alledaagse voorwerpen. De Roaring Twenties zijn ondenkbaar zonder Art Deco.

waren kenmerken van Art Deco duidelijk herkenbaar. Art Deco-kunst werd vaak omschreven als een verzameling van verschillende stijlen en gezien als een eclectische fusie van diverse invloeden, materialen en vormen.

Daarom kan het lastig zijn om de Art Deco-stijl te onderscheiden van andere vergelijkbare kunststromingen zoals Art Nouveau , Art Moderne , de Bauhaus -beweging of de Arts and Crafts -beweging.

Desondanks was het Art Deco-tijdperk van enorm belang, omdat de decoratieve kwaliteiten ervan een inspiratiebron vormden voor diverse andere kunststijlen.

Bauhaus (1920-1925): Integratie van industrieel ontwerp en kunst

Bauhaus-kunst is nauw verbonden met een van de meest invloedrijke kunstacademies van de 20e eeuw. Het Bauhaus speelde een cruciale rol in de opleiding van vele belangrijke kunstenaars en ontwerpers. Ondanks de sluiting in 1933 door het naziregime, had de school een diepgaande invloed op het onderwijs en de verbinding tussen maatschappij, kunst en technologie in de VS en Europa.

De Bauhaus-stijl, opgericht in 1919 door Walter Gropius in Weimar, Duitsland, is voortgekomen uit de creatieve stromingen van de 19e en begin 20e eeuw, waaronder Art Nouveau en de Arts and Crafts-beweging. Deze stromingen streefden ernaar de grenzen tussen toegepaste en schone kunsten te doorbreken en inventief ontwerp te combineren met praktische toepassingen.

In de jaren twintig verlegde de Bauhaus-school haar focus naar de integratie van industrieel ontwerp en kunst , wat leidde tot haar belangrijkste successen. Gropius pleitte voor een terugkeer naar middeleeuwse idealen in kunst en ambacht en bevorderde de waardering voor vakmanschap in alle artistieke expressievormen, zoals industrieel ontwerp, architectuur en grafisch ontwerp.

De opkomst van het Russische constructivisme in de jaren 1910 droeg bij aan de esthetische ontwikkeling. Dit leidde ertoe dat het Bauhaus een baanbrekende instelling voor hedendaagse kunst in Europa en de VS werd.

De school legde de nadruk op haar creatieve en effectieve lesmethode. Gropius vergeleek dit met een wiel met ringen, waarbij de buitenste ring symbool stond voor de zes maanden durende voorbereidingscursus die door Johannes Itten . Deze cursus legde de nadruk op de fundamentele elementen van ontwerp, met name de uiteenlopende kenmerken van verschillende vormen, kleuren en materialen.

De professoren die Gropius naar Weimar haalde, waaronder de avant-garde kunstenaars Johannes Itten, Lyonel Feininger en beeldhouwer Gerhard Marcks , waren grotendeels verantwoordelijk voor het Bauhaus-curriculum. Itten gaf vorm aan de school met zijn expressionistische benadering en zijn focus op de romantische middeleeuwen. Conflicten met Gropius' analytische aanpak leidden tot Ittens vertrek in 1923.

Zijn opvolger, László Moholy-Nagy , integreerde technologie en de maatschappelijke rol van kunst in het herziene curriculum. In zijn korte bestaan ​​absorbeerde het Bauhaus een breed scala aan stilistische invloeden; naast Moholy-Nagy zijn ook kunstenaars als Paul Klee en Wassily Kandinsky , evenals multidisciplinaire talenten als Oskar Schlemmer en Georg Muche, noemenswaardig.

Moderne, postmoderne en hedendaagse kunst

Periodes van de hedendaagse kunst in vogelvlucht

De verbazingwekkende ontwikkeling van de kunst door de eeuwen heen

Kunstgeschiedenis is een fascinerend vakgebied dat vele eeuwen en uiteenlopende stijlen omvat. De verschillende tijdsperioden laten zien hoe kunst zich in de loop der tijd heeft ontwikkeld en helpen ons de politieke, sociale en culturele contexten te begrijpen waarin ze is ontstaan.

Door kunstgeschiedenis te bestuderen, begrijpen we de schoonheid van kunst beter en krijgen we inzicht in ons cultureel erfgoed en onze creativiteit.

Een alomvattend begrip van kunst – een correct begrip van tijdperken, stijlen, beeldtaal en historische context

Wil je je verder verdiepen in het onderwerp of ben je op zoek naar betrouwbare en grondig onderzochte bronnen voor verslagen, schoolopdrachten, presentaties, werkstukken of wetenschappelijke teksten?

Zoekt u betrouwbare bronnen voor essays, huiswerk, werkstukken, academische papers of presentaties? Of wilt u zich gewoon verder verdiepen in het onderwerp?

Wij willen u dan ook van harte de volgende boeken aanbevelen (deze staan ​​ook in onze boekenkast als veelgebruikte naslagwerken):

Kunst begrijpen: alles over tijdperken, stijlen, beeldtaal, structuur en meer, geïllustreerd met meer dan 1000 kleurenafbeeldingen

Een uitgebreide inleiding die kunst in haar historische, culturele en technische context belicht en toegang biedt tot een dieper begrip van kunst.

De tijdperken van de kunst: een overzicht van de oudheid tot de moderne tijd

Dit boek biedt een beknopt en boeiend overzicht van de verschillende kunstperiodes en is ideaal voor iedereen die zich snel en informatief wil verdiepen in de kunstgeschiedenis.

Grote Ideeën. Het Kunstboek: Belangrijke Werken Eenvoudig Uitgelegd

Het kunstboek presenteert de kunstgeschiedenis van verschillende regio's in de wereld, de concepten en ideeën ervan, op zo'n levendige manier dat ze voor iedereen gemakkelijk te begrijpen zijn.

De geschiedenis van de schilderkunst: ontwikkelingen, technieken en motieven in de kunst

Kunstgeschiedenis van de afgelopen 5000 jaar: van de oudheid via de Renaissance tot de moderne schilderkunst. Achtergrondinformatie over de werken, rijk geïllustreerd.

Joachim Rodriguez y Romero

Eigenaar en directeur van Kunstplaza. Publicist, redacteur en gepassioneerd blogger op het gebied van kunst, design en creativiteit sinds 2011. Afgestudeerd in webdesign aan de universiteit (2008). Verdere creatieve ontwikkeling via cursussen in vrijhandtekenen, expressief schilderen en theater/acteren. Diepgaande kennis van de kunstmarkt opgedaan door jarenlang journalistiek onderzoek en talloze samenwerkingen met belangrijke spelers en instellingen in de kunst- en cultuursector.

www.kunstplaza.de/