Ontaarde kunst of revolutionaire meesterwerken? De baanbrekende invloed van Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918) , een van de belangrijkste Oostenrijkse kunstenaars van de 20e eeuw , had met zijn werken een revolutionaire impact op de kunstwereld.

Tijdens zijn leven werd hij gezien als een provocerende kunstenaar en daarom controversieel; hij werd veracht door de nazi's, die zijn 'ontaarde kunst ' verboden. Pas na zijn dood werd de expressionist erkend als een uitzonderlijk talent.

Egon Schiele, die 133 jaar geleden, op 12 juni 1890, werd geboren, heeft gedurende zijn leven controverse opgeroepen. Ook nu nog zijn er fervente bewonderaars van zijn kunst, maar ook mensen die deze als pornografisch veroordelen.

Tot aan zijn dood in 1918 was Schiele alleen in Wenen en onder enkele Duitstaligen bekend als kunstenaar. Tegenwoordig wordt hij echter beschouwd als een belangrijke figuur van het expressionisme en brengen zijn schilderijen hoge prijzen op de kunstmarkt .

Niettemin is zijn werk tot op de dag van vandaag nog niet volledig ontcijferd, zoals Klaus-Albrecht Schroeder, expert op het gebied van Schiele's werk en directeur van de Albertina in Wenen, benadrukt.

Zijn expressieve kracht en unieke stijl daagden de traditionele conventies van zijn tijd uit. Schiele's baanbrekende invloed is te ontdekken Belvedere Museum of het Leopold Museum Gustav Klimt en andere Weense kunstenaars .

Egon Schiele wordt, samen met Gustav Klimt en Oskar Kokoschka, beschouwd als een van de belangrijkste vertegenwoordigers van het Oostenrijkse expressionisme. Hij brak met de invloeden van de art nouveau en symbolistische elementen die de Wiener Secession en ontwikkelde een stijl met realistische aspecten die destijds als schandalig werd beschouwd.

Zijn oeuvre onthult niet alleen zijn eigen fascinerende leven, maar ook de sociale en artistieke veranderingen van zijn tijd.

Of men zijn kunst nu als 'ontaard' of als revolutionaire meesterwerken beschouwt, is een kwestie van persoonlijke mening, aangezien Schieles artistieke nalatenschap zowel controversieel als fascinerend is. In Tulln, de geboorteplaats van Egon Schiele, is er ook een tentoonstelling over zijn leven en werk, die inzicht biedt in zijn ontwikkeling als kunstenaar en zijn nauwe band met Wally Neuzil , zijn muze en geliefde, belicht.

De invloed en het belang van Egon Schiele zijn onmiskenbaar, en zijn werken zullen de kunstwereld blijven vormgeven.

De controverse rondom ontaarde kunst en revolutionaire meesterwerken

Egon Schiele, een vooraanstaand Oostenrijks kunstenaar uit de 20e eeuw, heeft met zijn werken zowel bewondering als controverse opgeroepen.

Zijn avant-gardistische afbeeldingen van het menselijk lichaam en zijn modieuze stijl hebben een blijvende invloed gehad op de kunstwereld. Zijn werken, vaak erotisch van aard , werden historisch gezien als obsceen en immoreel beschouwd.

Het leven van Egon Schiele werd gekenmerkt door controverse. Zijn intense artistieke expressie en onconventionele gedrag brachten hem vaak in conflict met de maatschappij van zijn tijd. Hij werd bekritiseerd vanwege de seksuele thema's in zijn werken en zijn openhartige weergave van het menselijk lichaam.

Schiele kon ook rekenen op een toegewijde groep bewonderaars, waaronder zijn muze Wally Neuzil, die als inspiratie diende voor veel van zijn meesterwerken. De kunstwereld werd getransformeerd door Schiele's expressieve en innovatieve benadering van portretkunst en het menselijk lichaam.

Zijn gebruik van felle kleuren en gedurfde lijnen bracht een nieuw perspectief op traditionele voorstellingen. Schiele's invloed op de Weense kunstwereld was aanzienlijk en legde de basis voor het expressionisme en andere moderne kunststromingen.

Het Weense modernisme, waarvan Schiele een van de bekendste vertegenwoordigers is, werd gekenmerkt door de spanning tussen "esthetiek en duisternis ", het centrale thema van het themajaar 2018 in Wenen. Schiele's werken neigen naar duisternis, omdat ze op experimentele wijze de diepten en ondiepten van het zelf verkennen, dat rond 1900 in crisis verkeerde, door middel van hun soms extreme gelaatsuitdrukkingen en mysterieuze gebaren.

In 1910 uitte keizer Franz Joseph zijn afschuw over een naaktfiguur van een vrouw van Egon Schiele:

"Dit is werkelijk verschrikkelijk."

Had de kunstenaar de kans gehad, dan had hij de keizer wellicht geantwoord: "Zelfs het meest sensuele kunstwerk draagt ​​een heilige betekenis in zich!" – althans, dat merkte Schiele op in een brief uit 1911 ( Sonntagsblatt ).

In het voorjaar van 1918 schreef criticus Arnim Friedemann in de "Wiener Abendpost" over het enfant terrible van het klassieke modernisme:

Schiele schilderde en tekende het liefst de ultieme ondeugd en verdorvenheid: de vrouw als een oerdier,
ontdaan van alle remmingen van moraliteit en schaamte. Zijn kunst – en het ís kunst! – lacht niet, maar grijnst ons toe met een huiveringwekkende, vervormde blik.

In het kader van het naziregime werden talrijke werken van hem geconfisqueerd.

De onderzoekseenheid "Degenerate Art" van het Instituut voor Kunstgeschiedenis van de Vrije Universiteit Berlijn heeft een inventaris samengesteld van in totaal 23 werken van Egon Schiele die tijdens het Derde Reich in beslag werden genomen.

Van de in beslag genomen objecten waren er 17 afkomstig uit het Museum Folkwang en vijf uit andere Duitse musea – de exacte herkomst van één werk was onbekend. Het onderzoekscentrum geeft 25 augustus 1937 als de precieze datum van de inbeslagname ( database "Degenerate Art" ).

Het leven van Egon Schiele – Een korte biografie

Jeugd, vroege inprenting en artistieke training

Egon Schiele werd geboren op 12 juni 1890 in Tulln, een stadje vlakbij Wenen. Zijn leven en werk zijn nauw verbonden met de Oostenrijkse hoofdstad.

Schiele groeide op in een wereld van ongelooflijke hypocrisie . Zijn vader was stationcommandant; voor de kinderen moet hij als een keizer hebben geleken: iedereen danste naar zijn pijp. Hij had veertig medewerkers en een zeer strikte hiërarchische structuur. Hij gaf bevelen en natuurlijk ook binnen het gezin. Maar Schiele moet ook hebben aangevoeld dat dit regime, deze etiquette, dit leven op het station niet de hele waarheid was.

Het feit dat de vader herhaaldelijk naar Wenen reist; dat hij herhaaldelijk dingen doet die niet in deze categorieën passen; dat zijn vader regelmatig prostituees bezoekt, wat we kunnen aannemen, had de jonge Egon niet mogen ontgaan.

In 1905, toen Egon nog maar veertien jaar oud was, vond er een tragische gebeurtenis plaats in zijn leven: zijn vader stierf aan syfilis. Te midden van dit pijnlijke verlies zocht de jonge Egon Schiele troost en voldoening in de kunst.

Al op de jonge leeftijd van twee jaar tekende hij treinen en landschappen, terwijl zijn tekenleraar, Ludwig Karl Strauch, hem op school aanmoedigde om zijn talenten optimaal te ontwikkelen. Dankzij zijn steun durfde de getalenteerde Egon zelfs te solliciteren naar de gerenommeerde Weense Academie voor Schone Kunsten – met groot succes: op zestienjarige leeftijd werd hij daar toegelaten en kon hij zijn artistieke talenten verder ontwikkelen.

Hier studeerde hij schilderen en tekenen, maar hij raakte gefrustreerd door het conservatisme van de school.

Klimt als mentor

In 1907 ontmoette hij Gustav Klimt, die hem aanmoedigde en zijn werk beïnvloedde. Klimt en Schiele ontwikkelden al snel een mentor-leerlingrelatie die een grote impact zou hebben op de vroege ontwikkeling van de jonge kunstenaar.

Klimt oefende niet alleen invloed uit op Schiele in het atelier, maar introduceerde Schiele ook bij mecenassen, modellen en het werk van andere kunstenaars – zoals Vincent van Gogh , Edvard Munch en Jan Toorop – met wie Schiele, ondanks zijn grote bewondering, een zeer hechte band onderhield.

Via Klimt maakte Schiele ook kennis Wiener Werkstätte moderne kunststromingen uit die tijd.

In 1908, toen Schiele achttien jaar oud was, nam hij deel aan zijn eerste tentoonstelling, een groepstentoonstelling in Klosterneuburg, een klein stadje ten noorden van Wenen.

Protest en de nieuwe kunstgroep

Het jaar daarop verlieten Schiele en enkele medestudenten de academie uit protest. Ze noemden de conservatieve lesmethoden van de school en het feit dat deze geen gebruik maakte van meer vooruitstrevende artistieke praktijken die in heel Europa gangbaar waren.

Als onderdeel van deze rebellie richtte Schiele de Neukunstgruppe , die bestond uit andere jonge, ontevreden kunstenaars die de academie hadden verlaten.

De nieuwe groep ging meteen aan de slag en hield diverse openbare tentoonstellingen in Wenen, terwijl Schiele nieuwe vormen van schilderkunstige expressie verkende, met vervormingen en grillige contouren, en een donkerder kleurenpalet dan dat van de meer decoratieve en uitbundige Art Nouveau-stijl.

In wezen nam Schiele geleidelijk afstand van de stijl die door Klimt populair was gemaakt, hoewel de twee mannen tot Klimts dood begin 1918 close bleven. Als de inhoud van Schieles werk een indicatie is, lijkt het erop dat mentor en leerling een onverzadigbare aantrekkingskracht tot vrouwen deelden.

Ter gelegenheid van de eerste tentoonstelling van de Neukunstgruppe in 1909 in de Piska Salon in Wenen ontmoette Schiele de kunstcriticus en schrijver Arthur Roessler , met wie hij bevriend raakte en die met grote bewondering over zijn werk schreef.

In 1910 ontstond een langdurige vriendschap met de verzamelaar Heinrich Benesch . Inmiddels had Schiele een persoonlijke expressionistische stijl ontwikkeld voor portretten en landschappen en ontving hij een aantal portretopdrachten van de Weense intelligentsia .

Schandalen in Wenen en allegorische zelfportretten

Hoewel Schiele's werk de Weense samenleving schandaliseerde, verkocht hij tegelijkertijd veel van zijn expliciete schilderijen aan particuliere verzamelaars, terwijl kranten zijn werk bekritiseerden.

Deze ontwikkeling van expliciete afbeeldingen van vrouwelijke en mannelijke geslachtsdelen in de kunst is een fenomeen dat zich alleen in Wenen rond 1900 had kunnen voordoen. De stad werd al enige tijd geteisterd door schandalen en publieke discussies over de grenzen van de kunst waren alomtegenwoordig.

Dames uit hogere sociale kringen bedekten bescheiden hun benen en de halslijn van hun jurken. Kunstenaars als Gustav Klimt en Oskar Kokoschka , met hun expliciete afbeeldingen van naakte vrouwen, de dubbele moraal van deze Donaumetropool.

Musici als Gustav Mahler en Arnold Schoenberg overschrijden stoutmoedig de grens naar de moderniteit; van Arthur Schnitzler schudden de fundamenten van de samenleving, terwijl Sigmund Freud voor het eerst in het openbaar spreekt over vrouwelijke seksualiteit.

Hoewel Schiele de psychoanalyticus niet persoonlijk kende, is heel Wenen op de hoogte van Freuds spectaculaire ontdekkingen.

Egon Schiele was al van jongs af aan bekend met deze dubbele moraal. In tegenstelling tot het schoonheidsideaal van de Wiener Secession, beeldde hij het lelijke en misvormde af. De ledematen van zijn jonge vrouwen en mannen zijn onnatuurlijk lang en mager, terwijl hun geslachtsdelen op een uitnodigende en kleurrijke manier worden weergegeven.

Op zoek naar afzondering verliet Schiele Wenen in 1911 en vestigde zich in verschillende kleine dorpjes; hij richtte zich steeds meer op zelfportretten en allegorieën van leven, dood en seksualiteit, en produceerde erotische aquarellen .

De overgang van kindertijd naar volwassenheid, zowel bij meisjes als bij jongens, fascineerde de toen twintigjarige kunstenaar in het bijzonder. Zijn werken richtten zich vaak op het thema zelfontdekking tijdens de puberteit. Deze artistieke focus leidde in 1912 tot een schandaal in Neulengbach, een klein stadje in het Wienerwald.

De vroege studies van Schiele waren bijzonder controversieel omdat hij kinderen als naaktmodellen gebruikte en puberende meisjes in impliciet erotische situaties afbeeldde.

Het volgende jaar was van cruciaal belang voor Schiele, zowel persoonlijk als artistiek. Naast deelname aan talrijke groepstentoonstellingen – in Boedapest, Keulen en Wenen – werd Schiele door de Hans Goltz Galerij in München uitgenodigd om zijn werk te tonen naast leden van de expressionistische groep "Der Blaue Reiter" (De Blauwe Ruiter) , waaronder Wassily Kandinsky en Franz Marc .

Tot Schiele's werken uit deze periode behoorde zijn beroemdste Zelfportret met Physalis (1912), een fascinerende studie van de kunstenaar, wiens gezicht en andere gelaatstrekken vol lijnen, littekens en subtiele misvormingen zitten.

De Goltz-tentoonstelling bezorgde Schiele de meeste aandacht tot dan toe en onthulde aan het publiek zijn rijke gebruik van persoonlijke symboliek en duistere allegorieën.

Arrestatie van minderjarige modellen

Eveneens in 1912, toen Schiele in het Oostenrijkse stadje Neulengbach woonde, werd hij in zijn atelier gearresteerd en vierentwintig dagen gevangengezet, beschuldigd van het ontvoeren en verkrachten van een twaalfjarig meisje.

Deze aanklacht werd uiteindelijk ingetrokken en hij werd veroordeeld voor het blootstellen van kinderen aan erotische afbeeldingen . De politie had 125 van zijn "ontaarde" werken in beslag genomen en als symbolisch gebaar verbrandde de rechter een van zijn tekeningen in de rechtszaal (het werk, waarop een jong meisje naakt vanaf de taille te zien was, had eerder aan de muur van zijn atelier gehangen).

Het incident had een aanzienlijke impact op Schiele, aangezien hij daarna stopte met het gebruiken van kinderen als modellen, hoewel de morbiditeit en seksuele explicietheid van zijn werk – met name zijn tekeningen – na zijn vrijlating uit de gevangenis kennelijk waren toegenomen.

Militaire dienst, huwelijk, tragedies en het einde van het leven

In 1913 organiseerde de Hans Goltz Galerij in München Schiele's eerste solotentoonstelling. Een solotentoonstelling van zijn werk vond plaats in Parijs in 1914.

Ook zijn privéleven nam een ​​wending toen hij in 1915 aan een vriend schreef: "Ik ben van plan te trouwen, en wel op een manier die mij ten goede komt," en Edith Harms ten huwelijk vroeg, een jonge vrouw met een goede sociale status.

Hoewel hij hoopte zijn relatie met Wally Neuzil voort te zetten, verliet zij hem toen ze hoorde van zijn verloving. Dit verlies komt duidelijk tot uiting "Death and the Maiden"

Vier dagen na zijn huwelijk werd Schiele uiteindelijk opgeroepen voor militaire dienst. Hij heeft echter gedurende de hele oorlog nooit daadwerkelijk aan gevechten deelgenomen en mocht in plaats daarvan zijn kunst blijven beoefenen en tentoonstellen waar hij ook gestationeerd was.

Geïnspireerd door zijn oorlogsreizen creëerde Schiele rond deze tijd een reeks landschappen en stadsgezichten , die de gebruikelijke, overdreven contouren van de kunstenaar misten.

In 1917 keerde Schiele terug naar Wenen en werkte hard. Datzelfde jaar richtte hij samen met Klimt de Kunsthalle van de stad op, een nieuwe tentoonstellingsruimte die bedoeld was om Oostenrijkse kunstenaars aan te moedigen in hun thuisland te blijven. Het volgende jaar bracht de kunstenaar zowel aangrijpende successen als tragedies in vele vormen.

In februari kreeg zijn mentor en vriend Klimt een beroerte en longontsteking. Slechts een maand later hield de Wiener Secession haar 49e jaarlijkse tentoonstelling (1918) en wijdde de belangrijkste tentoonstellingszaal aan het werk van Schiele, wat een groot commercieel succes bleek te zijn.

Hij stierf enkele maanden later, op 31 oktober 1918, op 28-jarige leeftijd in Wenen aan de Spaanse griep, dezelfde ziekte waaraan zijn vrouw drie dagen eerder was bezweken. In de drie dagen tussen hun sterfgevallen maakte Schiele verschillende schetsen van zijn overleden vrouw.

In zijn laatste momenten beleefde de jonge Oostenrijkse kunstenaar Egon Schiele een buitengewoon fenomeen: op zijn sterfbed eind oktober 1918, toen zijn krachten steeds verder afnamen, fluisterde hij de woorden:

Na mijn dood zullen mensen mij ongetwijfeld prijzen en mijn kunst bewonderen.”

De unieke stijl van Egon Schiele

Schiele's kunst heeft het vermogen om mensen in hun tijd op een unieke en ontroerende manier weer te geven. Deze stijl resoneert nog steeds diep in onze visuele en emotionele wereld van de 21e eeuw.

Tot nu toe is er niets vergelijkbaars dat een lichaam zo vakkundig in beeld kan brengen – of het nu een slagveld, een speelplaats of een plaats delict betreft.

Het is een kunstzinnige zelfgeënsceneerde voorstelling waarin elke emotionele expressie, van intense wanhoop tot apathische melancholie, tot leven wordt gebracht met kleur, gebroken vormen of lijnen – als een teken van verval of een sijpelende vlek op een oppervlak.

Hij was geobsedeerd door dijen en billen, door vrouwelijke en mannelijke geslachtsdelen, door heteroseksuele, homoseksuele en lesbische omhelzingen. Hij tekende de geslachten en kleurde ze als overrijp fruit. En hij beeldde zichzelf af als een heilige, naakt met een obsceen stijve penis. De lichamen zijn pijnlijk mager tegen lege achtergronden die in afgronden veranderen.

Rond 1914 lijken zijn geschilderde figuren in een trance te wankelen, zonder oriëntatie of doel. Dit komt door de "geometrie" waarmee Schiele zijn figuren creëerde. Zo construeerde hij bijvoorbeeld een liggende vrouw uit twee driehoeken. Zelfs haar geslachtsdelen hebben driehoekige vormen.

Schiele's afbeeldingen van het obsessieve, het afgrondelijke en het morbide, weergegeven door middel van pure tekenkunst, lijken vandaag de dag nog magischer dan ooit tevoren – en tegelijkertijd diep menselijk. Deze bijna wellustige verdraaiing van het lichaam onthult vage invloeden van het symbolisme en de Weense art nouveau ; tegenwoordig wordt dit gezien als een zoektocht van de schilder naar zijn identiteit – niet zozeer als het werk van een vroegbegaafd wonderkind.

De weergave van het naakte lichaam in de werken van Schiele

De weergave van het menselijk lichaam speelt een centrale rol in Schiele's oeuvre en draagt ​​bij aan zijn controversiële reputatie als kunstenaar.

In zijn werken breekt hij met traditionele schoonheidsidealen en beeldt hij het lichaam af in zijn authentieke en vaak onopgesmukte vorm. Schiele's naakttekeningen, waarin hij de menselijke anatomie gedetailleerd en zonder terughoudendheid onthult, zijn bijzonder bekend.

Hij vermijdt geïdealiseerde verhoudingen en beeldt het lichaam af in een vervormd perspectief om de innerlijke gemoedstoestanden en emoties van de geportretteerde personen weer te geven. Schiele richt zich op de individualiteit van elk lichaam en toont daarmee zijn fascinatie voor de uniekheid van het menselijk bestaan.

Een bekend werk van Schiele dat deze benadering illustreert, is het "Portret van Wally Neuzil" uit 1912. In dit schilderij toont hij Wally Neuzil, zijn geliefde en muze, in een zelfverzekerde pose met haar bovenlichaam ontbloot.

De weergave van het lichaam in dit werk is eerlijk en onverbloemd, wat destijds als provocerend en schandalig werd beschouwd. Schiele's artistieke vertolking van het lichaam was echter baanbrekend voor de moderne kunststroming en beïnvloedde vele kunstenaars van zijn generatie.

De weergave van het lichaam in Schiele's werken is een centraal thema dat zijn revolutionaire invloed op de kunstwereld onderstreept. Zijn werken blijven discussies uitlokken over de grenzen van de representatie van het lichaam en de betekenis van schoonheid in de kunst .

Enigmatische gebaren en religieuze ensceneringspatronen

De tentoonstelling "Vrijheid van het Zelf" in het Museum Georg Schäfer in Schweinfurt in 2018 maakte duidelijk dat Schiele een spiritueel persoon was – zij het niet in de traditionele religieuze zin.

De tentoonstelling in Schweinfurt was onderverdeeld in drie thema's: zelf- en lichaamsrepresentatie, emotionele wereld en subjectiviteit.

De tentoonstelling toonde belangrijke kunstwerken, zoals Schiele's "Zelfportret met gebogen hoofd" uit 1912 (zie afbeelding hierboven) . In dit schilderij vormt de kunstenaar een V met de wijsvinger en middelvinger van zijn rechterhand. Is dit een mogelijke verwijzing naar het veelvuldig gebruikte zegengebaar van Christus in de Byzantijnse kunst?

De kunsthistoricus Stefan Kutzenberger ( zoals gemeld in de protestantse zondagskrant ) wijst in de bijbehorende catalogus erop dat dit gebaar van de schilder een verwijzing zou kunnen zijn naar Christus Pantocrator in de Chora-kerk in Istanbul.

Volgens Kutzenberger zou Schiele's gebaar dus een symbool kunnen zijn van artistiek charisma – waarmee hij het romantische beeld van de kunstenaar als priester uit de jaren rond 1900 op indrukwekkende wijze actualiseerde, zo schrijft de expert op dit gebied.

Hij geeft ook een andere verklaring: Schiele zou samen met zijn vriend Dominik Osen, een schilder en mimespeler, geëxperimenteerd kunnen hebben om te bepalen welke expressionistische poses het grootste effect hadden – deze verklaring sluit de eerdergenoemde echter niet uit.

Schiele, een katholiek die in 1915 volgens protestantse riten trouwde, gebruikte in zijn zelfportretten vaak religieuze ensceneringspatronen. Kutzenberger benadrukte dat Schiele's afbeeldingen als heilige, profeet, prediker, boodschapper of anarchist niets onthullen over zijn eigen persoon of levensverhaal.

Ze zijn veeleer het resultaat van sociale toeschrijvingen en bewust aangenomen rolmodellen – hij bevindt zich daarmee in goed gezelschap met latere, opkomende postmoderne discoursen.

Schiele's dubbele zelfportretten getuigen van zijn diepe betrokkenheid bij occultisme en spiritualisme , stromingen die rond 1900 in de mode waren. In een brief aan zijn zus beschrijft hij een opmerkelijke spiritualistische gebeurtenis:

Vandaag had ik een werkelijk fascinerende spiritistische ervaring. Ik was wakker, maar volledig in de ban van de geest die zich in een droom had gemanifesteerd voordat ik wakker werd. Zolang de geest tot me sprak, stond ik als versteend en sprakeloos

Schiele's kunstwerken vertonen vaak sporen van christelijke iconografie . Een voorbeeld hiervan is het olieverfschilderij " Moeder met twee kinderen II" uit 1915, dat is geïnspireerd op de middeleeuwse Pietà.

Een enigszins afwijkend kerstbeeld is "Dode Moeder I" (1910), waarop een overleden moeder te zien is met haar hand beschermend over haar kind. Schiele zelf beschouwde dit olieverfschilderij als een van zijn beste werken.

Belangrijke kunstwerken van Egon Schiele

Ondanks zijn korte leven en de vernietiging van een deel van zijn werken tijdens het naziregime, heeft Schiele ons een indrukwekkende hoeveelheid werken nagelaten.

Graag presenteren en belichten we hier zes van de belangrijkste werken uit zijn omvangrijke oeuvre – in chronologische volgorde.

Portret van Gerti Schiele, 1909

Dit is een van Schiele's vele portretten van zijn jongere zus Gerti , het favoriete model van de kunstenaar in zijn vroege carrière en het familielid met wie hij de nauwste band had.

Dit vroege portret, geschilderd door Gerti als tiener, toont zowel de sterke stilistische overeenkomst tussen het werk van Schiele en dat van Klimt, als de afwijking van de stijl van zijn mentor.

Door haar houding en de sieraden, die bestaan ​​uit een reeks platte lapjes met gouden en zilveren accenten, doet Gerti denken aan werken van Klimt, zoals het portret van Adele Bloch-Bauer (1907).

Maar in tegenstelling tot zijn voorganger van Klimt is het schilderij minder decoratief en meer statische en zachte, alsof Schiele zijn onderwerp in klei heeft gegoten. Bovendien verving Schiele Klimts rijk glinsterende, door goud gedomineerde kleurenpalet door meer ingetogen tinten, wat resulteerde in een schilderij dat er verdroogd uitziet en eerder verval dan groei suggereert.

Technieken : Olieverf, zilver- en goudbronsverf en potlood op canvas

Huidige locatie : Museum of Modern Art, New York

Zittend mannelijk naakt (zelfportret), 1910

Schiele's zelfportretten zijn uitzonderlijk, niet alleen vanwege de frequentie waarmee de kunstenaar zichzelf afbeeldde, maar ook vanwege de manier waarop hij dat deed: erotische afbeeldingen waarin hij vaak naakt verschijnt in zeer onthullende poses – mannelijke zelfportretten die in dit opzicht praktisch ongeëvenaard zijn in de westerse kunstwereld.

In deze tekening heeft de kunstenaar een intense en bijna angstaanjagende visie op zichzelf gecreëerd: uitgemergeld, met felrode ogen, misvormde benen en geen voeten, zijn lichaam volledig ontbloot, maar zijn gezicht gedeeltelijk verborgen, wat wellicht een gevoel van schaamte suggereert – een verdraaide houding die, zoals veel auteurs vermoeden, te wijten is aan de aanzienlijke invloed van moderne dans.

Kenmerkend voor de expressionistische stijl die Schiele in deze periode steeds meer toepaste, is dat hij zijn angst uitdrukt door middel van lijnen en contouren, en door een huid die er verweerd en blootgesteld aan ruwe elementen uitziet.

Technieken : Zwart krijt, aquarelverf en gouache op papier

Huidige locatie : Leopold Museum, Wenen

Zelfportret met physalis, 1912

Dit is wellicht Schiele's beroemdste zelfportret. In dit werk, gemaakt tijdens een periode waarin Schiele aan talrijke tentoonstellingen deelnam, kijkt hij de kijker recht in de ogen en straalt zijn uitdrukking vertrouwen in zijn artistieke talent uit.

Hoewel Schiele minder vervormingen gebruikt dan in andere zelfportretten, idealiseert het schilderij het onderwerp niet en vertoont het littekens en andere lijnen die kenmerkend zijn voor de contouren van de tekenstijl van de kunstenaar.

Het schilderij werd in 1912 in München tentoongesteld, samen met werken van verschillende andere expressionistische kunstenaars. Er is een bijbehorend portret van zijn toenmalige geliefde, Wally Neuzil (het Wally-portret werd door de nazi's gestolen uit het huis van een Joodse Oostenrijker, maar werd gered). Na een twaalf jaar durende juridische strijd keerde het in 2010 terug naar Wenen.

Tegenwoordig fungeert het als een "vlaggenschip" voor het Leopold Museum in Wenen, dat de grootste Schiele-collectie ter wereld herbergt.

Techniek : Olieverf op canvas

Huidige locatie : Leopold Museum, Wenen

De kluizenaars, 1912

Dit zeldzame dubbelportret , een van de meest allegorische werken in Schiele's oeuvre, toont Schiele en Klimt naast elkaar, bijna als één geheel. Ondanks hun nauwe band en alle overeenkomsten, probeerde Schiele een groot deel van zijn carrière zich los te maken van Klimts invloed.

In De Kluizenaars dragen beide mannen hun karakteristieke lange zwarte kaftans, een kledingstuk waar Klimt om bekend stond en dat Schiele, wellicht als eerbetoon, in zijn eigen werk gebruikte. Schiele is geen voorstander van bescheidenheid en plaatst Klimt op de achtergrond, blind en grotendeels verborgen, alsof hij wordt opgeslokt door de jongere kunstenaar.

De resulterende vorm lijkt op een enkele donkere figuur en suggereert dat de zelfverzekerde opvolger Schiele de mantel van de oude meester overneemt. Het kluizenaarsmotief herinnert ook aan Schiele's existentiële visie op de kunstenaar als een figuur aan de rand van de samenleving.

Techniek : Olieverf op canvas

Huidige locatie : Leopold Museum, Wenen

Dood en het meisje, 1915

In dit schilderij, een van Schiele's meest complexe en aangrijpende werken, klampt de uitgemergelde en verwaarloosde vrouwelijke figuur zich vast aan de mannelijke figuur van de dood, omringd door een al even verwaarloosd, quasi-surrealistisch landschap.

Zoals overal in zijn werk combineert Schiele in deze compositie het persoonlijke met het allegorische – in dit geval door zich te wenden tot een thema dat zijn oorsprong vindt in het middeleeuwse concept van de dodendans, dat zijn hoogtepunt bereikte in de 15e-eeuwse Duitse kunst.

"De dood en het meisje" ontstond rond de tijd dat Schiele zijn langdurige relatie met Wally Neuzil beëindigde en enkele maanden voordat hij met zijn nieuwe geliefde Edith Harms trouwde. Het schilderij herdenkt het einde van zijn affaire met Neuzil en lijkt deze scheiding af te beelden als de dood van de ware liefde.

Het is interessant dat de manier waarop Schiele's figuren bijna volledig opgaan in hun kleding en de abstracte omgeving, doet denken aan de portretten van Klimt, die zijn onderwerpen ook in ondoorgrondelijke omgevingen plaatste.

Techniek : Olieverf op canvas

Huidige locatie : Oostenrijkse Galerie, Belvedere, Oostenrijk

Stad te midden van het groen (De oude stad III), 1917

Hoewel zijn kunst zich concentreerde op de menselijke figuur, voelde Schiele – die tijdens zijn carrière de gelegenheid had om door heel Europa te reizen – zich ook aangetrokken tot het platteland en de steden.

De schilderijen van de kunstenaar die landschappen en zijn geboortestad Wenen afbeelden, vormen een belangrijk deel van zijn oeuvre. Dit schilderij is mede geïnspireerd op de geboorteplaats van zijn moeder, Krumau , waar hij in 1911 korte tijd woonde.

De landschappen van Schiele – hoewel vaak zonder mensen – vertonen fascinerende parallellen met zijn figuratieve werk. Zijn veelvuldige gebruik van het vogelperspectief in zijn landschappen doet denken aan een van de meest radicale elementen van zijn portretten: zijn neiging om zijn onderwerpen van bovenaf af te beelden.

Dit schilderij bevat nog meer karakteristieke elementen van Schiele's stijl, met name het gebruik van gedurfde contouren en scherpe lijnen. Wat dit werk onderscheidt van zijn portretten is het kleurgebruik en het kleurenpalet van de kunstenaar, waar Schiele voorheen niet om bekend stond.

Techniek : Olieverf op canvas

Huidige locatie : Neue Galerie, New York

Wat kost een kunstwerk van Egon Schiele?

Een tekening van Schiele, die tegenwoordig een gemiddelde waarde van €100.000 heeft, werd destijds verkocht voor slechts 50 schilling – nog geen €4. De geschatte waarde ervan was tijdens zijn leven ongelooflijk laag.

Rudolf Leopold doorzocht de kunstwereld naar werken van de kunstenaar, verwierf ze en bracht ze samen voor een spectaculaire wereldtournee.

Sinds de jaren zeventig heeft Schiele's kunst een heropleving doorgemaakt op de kunstmarkt, en zijn schilderijen en tekeningen brengen nu tussen de 400.000 en 27 miljoen euro op veilingen

Literatuur en geïllustreerde boeken over het Oostenrijkse kunstgenie

Een standaardwerk over Schiele met een representatief karakter – een schat voor verzamelaars en liefhebbers

Het werk van Schiele behoort tot de belangrijkste werken van het vroege modernisme na 1900 en is zowel klassiek als tijdloos relevant in zijn sensueel-lichamelijke existentialisme.

Nu, bijna een eeuw later, bracht de gerenommeerde uitgeverij Taschen een luxueuze uitgave uit: hoogwaardig papier, een elegante linnen band met goudgeprinte letters – met daarin alle 221 schilderijen uit de jaren 1909-1918 en 146 tekeningen.

Dit omvangrijke kunstboek imponeert in alle opzichten met negen hoofdstukken die beeld en tekst combineren. We zijn getuige van Schiele's buitengewone talent en rebelse aard, terwijl we zijn intense esthetiek van transformatie ervaren – een gepassioneerde mix van onverzadigbare nieuwsgierigheid en provocerende seksuele energie.

Bovendien geeft het boek ons ​​inzicht in Schiele's oorlogsschilderijen uit de periode 1914-1918: menselijke lichamen, portretten en gebroken natuurscènes als opengewerkte landkaarten – gewond, verminkt, gemarteld en weer in elkaar gezet.

De kunsthistoricus en ervaren museumprofessional Tobias G. Natter , die later in dezelfde regio als Schiele opgroeide, heeft als redacteur een indrukwekkend standaardwerk over Schiele . Dit werk is van onschatbare waarde voor verzamelaars en liefhebbers van de kunstenaar.

Het omvangrijke prentenboek is als hardcover via Amazon .

Meer boekaanbevelingen:

• Egon Schiele: De Leopoldcollectie, Wenen; door Rudolf Leopold, Elisabeth Leopold
• Gustav Klimt en Egon Schiele (1965), catalogus van de Guggenheim-tentoonstelling / door Thomas Messer
• Egon Schiele, door Klaus Albrecht Schroder
• Egon Schiele, door Erwin Mitsch

Bronnen, referenties en verdere informatie:

• Het kunstverhaal , Egon Schiele , https://www.theartstory.org/artist/schiele-egon/
• Frankfurter Rundschau , Het lichaam, een slagveld , https://www.fr.de/kultur/kunst/koerper-schlachtfeld-11032975.html
• SWR2 MANUSCRIPT , De kunstenaar Egon Schiele, de 'enfant terrible' van het klassieke modernisme – Door Martina Conrad
• Zondagskrant van de Evangelische Persvereniging van Beieren (EPV), Schweinfurt Museum presenteert de tentoonstelling "Vrijheid van het Zelf" van Egon Schiele, https://www.sonntagsblatt.de/artikel/kultur/schweinfurter-museum-zeigt-egon-schieles-ausstellung-freiheit-des-ichs