Lo studio d'arte e il suo significato come luogo di creazione creativa

Uno studio d'arte offre spesso uno scorcio sul mondo emotivo di un artista. Gli studi sono luoghi in cui tracce di processi creativi, metodi di lavoro, innovazioni e persino errori sono impresse su pareti, pavimenti, finestre e porte. Sono testimoni silenziosi del viaggio di scoperta e creazione dell'artista, lungo il cammino verso l' opera d'arte .

Gli studi raccontano una storia di sviluppo creativo, ma anche degli ostacoli che si sono verificati nel corso degli anni nel perfezionamento di un'arte o di uno stile. Uno studio può essere uno spazio molto personale, ricco di emozioni, che offre spunti preziosi sia agli artisti che ai visitatori.

Lo studio d'arte come incubatore di progresso sociale

Numerosi studi suggeriscono che un contatto intenso con l'arte e la creazione artistica a qualsiasi età promuova il benessere fisico e mentale (vedi fonte Internet n. 1 ). Dare alle persone tempo, spazio e materiali per l'espressione creativa può ridurre lo stress, migliorare la memoria e rafforzare i legami sociali.

In un'epoca in cui il pensiero creativo è altamente apprezzato, la società trae indubbiamente beneficio dagli investimenti nelle arti e nell'educazione artistica. I luoghi in cui l'ambiente facilita e promuove la creatività tendono a sperimentare livelli più elevati di impegno civico, stabilità sociale e prosperità economica.

Gli spazi creativi sono sempre stati creati hanno contribuito in modo significativo a sostenere la creazione artistica

Lo studio d'arte nella considerazione teorica

Quando entriamo in uno studio d'arte, acquisiamo una conoscenza approfondita dei metodi di lavoro e delle conoscenze che gli artisti impiegano nel loro processo creativo. Gli storici dell'arte presuppongono che un'opera d'arte, e allo stesso modo l'artista, non nascano dal nulla.

L'arte e gli artisti si basano su pratiche di conoscenza complete e su una conoscenza spaziale specifica. La chiave di tutto questo è lo studio d'arte.

Sebbene ogni studio sia unico per l'artista e il suo progetto, viene spesso utilizzato come spazio in cui gli artisti possono riflettere, esporre, ricercare, conservare e creare arte. Avere un proprio studio è un modo per gli artisti di mantenere la propria produzione e il proprio processo creativo individuali ed è fondamentale per stabilizzare e partecipare al dibattito professionale, nonché per sviluppare un'identità artistica (vedi riferimenti nn. 1-3 ).

Nello studio, gli artisti hanno l'opportunità di sviluppare le proprie idee e sperimentazioni creative, trovando attenzione e trasformazione in uno spazio di riflessione ed elaborazione artistica. Qui, opere d'arte di qualità estetica emergono attraverso un'azione sperimentale che apre nuovi campi di esperienza e permette a scene e oggetti familiari di apparire sotto una nuova luce (vedi riferimenti bibliografici n. 4-6 ).

Lo studio è il luogo in cui le idee degli artisti si concretizzano e costituisce un laboratorio artistico . Secondo il filosofo americano John Dewey, la sperimentazione è di grande importanza non solo nel laboratorio scientifico, ma anche nella creazione artistica (vedi riferimento n. 7 ).

Lo studio contemporaneo unisce immaginazione, conoscenza e creazione artistica in uno spazio che coniuga privacy, produzione materiale, conoscenza e apprendimento. È un luogo di ricerca civile della conoscenza

Studi e spazi artistici: ieri e oggi

Oggigiorno, l'arte viene prodotta sia su computer portatili che in loft ricoperti di vernice. Ciononostante, lo studio conserva la sua aura unica di luogo creativo per eccellenza.

Come dimostrano dipinti come l'autoritratto allegorico di Courbet del 1855 o le fotografie di metà secolo di luminari modernisti scattate dal direttore artistico di Vogue Alexander Liberman , lo studio è un luogo in cui l'esperienza si trasforma in oro attraverso la lotta di un genio, sia metaforicamente che letteralmente (vedi fonte Internet n. 2 ).

Dalle botteghe del Medioevo allo studio senza studio

Nei secoli passati, la maggior parte degli artisti lavorava nelle botteghe, dove veniva formata da maestri artigiani, o negli scriptoria dei monasteri. Il basso status degli artisti artigiani nel Medioevo iniziò a cambiare con l'adozione degli standard accademici stabiliti dai loro mecenati aristocratici.

La bottega divenne lo studiolo , un luogo di ricerca e di perfezionamento, più adatto alla quieta contemplazione che al rumore e all'artigianato. Artisti di successo come Tintoretto potevano permettersi sia una bottega che uno studiolo, consentendo una separazione spaziale tra ricerca e produzione.

Questo sviluppo andò di pari passo con la crescente divisione del lavoro, accelerata dall'ascesa del capitalismo. Leonardo da Vinci rifiutò il principio della "bottega" e sottolineò che lo studio di un artista dovesse essere piccolo per disciplinare la mente (vedi fonte Internet n. 2 ).

Lo studio diventa il luogo centrale dell'identità dell'artista

del XVII secolo , lo studio divenne il luogo centrale dell'identità dell'artista, come si può vedere nelle opere di Rembrandt e Vermeer , che catturarono il loro ambiente di lavoro in autoritratti.

Nel XVIII secolo, tuttavia, le scuole offrirono un'alternativa alla tradizionale bottega. Félix Duban in modo significativo l' École des Beaux-Arts la scuola di Mackintosh a Glasgow e il Bauhaus di Weimar , un approccio che ridefinì sia la produzione artistica che quella industriale.

La parete vetrata era anche il segno distintivo della fabbrica, una doppia codificazione ( espressa esplicitamente Bauhaus di Dessau da Gropius di William Morris di ricalibrare le forme della produzione artistica e industriale.

Pittura en plein air: una fuga nella natura

Il programma di Morris spinse alcuni pittori ad abbandonare lo studio per dedicarsi alla vita all'aria aperta. Ciò accadde in un'epoca in cui i colori erano ormai prodotti industrialmente e quindi facilmente reperibili. Gli impressionisti rivelarono in seguito che anche la natura si stava industrializzando, ma continuarono la tradizione della pittura en plein air, che ora era vista più come un passatempo borghese che come un lavoro agricolo.

Questo arco evolutivo culminò nel grande studio all'aperto di Anselm Kiefer nei pressi di Nîmes.

Nel suo racconto "The Real Thing", lo scrittore americano Henry James uno studio in cui la luce gioca un ruolo cruciale , conferendo allo spazio un carattere particolare. Lo studio è ritratto come un luogo per artisti, un fatto esplicitamente sottolineato dalla sua finestra rivolta a nord.

Conciliare vita e creazione artistica in un unico luogo

Allo stesso tempo, l'urbanizzazione industriale sta fondendo città e campagna, aprendo nuove possibilità per la pittura en plein air nelle periferie artistiche. Mentre le accademie stanno professionalizzando la disciplina, Morris ha cercato di superare la frammentazione istituzionale e spaziale. Ciononostante, l'unità tra vita e arte rimane spesso appannaggio dei ricchi.

Nel corso della storia, gli artisti si sono confrontati con ambienti di lavoro diversi. In passato, solo pochi artisti potevano permettersi una casa con studio in un quartiere residenziale di lusso, mentre altri erano costretti a lavorare in aree urbane degradate. Famose colonie di artisti come Montmartre e Chelsea emersero come centri creativi alternativi. Sebbene spesso caratterizzati dalla povertà, questi luoghi promuovevano anche un forte senso di comunità e offrivano uno spazio per l'attivismo politico.

Il passaggio dai laboratori tradizionali agli studi d'avanguardia portò alla riprogettazione dello spazio urbano da parte di artisti come Andy Warhol , che trassero ispirazione dalle aree più povere. Lo sviluppo di questi spazi creativi rifletteva anche i cambiamenti sociali e produceva ripetutamente risultati inaspettati.

Stato post-studio oggi: ritorno al sistema Bottega e agli spazi di co-working

Damien Hirst e Jeff Koons si sono uniti a Warhol nel suo ritorno al sistema Bottega, scartando ogni traccia di Morris e imitando invece i processi industriali meno romantici del capitalismo.

Oggi prevale uno stato post-studio , in cui un precariato jet-setter di produttori d'arte si trascina i propri laptop avanti e indietro tra Londra, Lisbona e Berlino. Se possono permetterselo, i loro spazi di lavoro si trovano in magazzini suddivisi nelle periferie delle città, mentre nei "rivitalizzati" , dove tutti aspirano allo status di "creativi , spazi di co-working come Second Home fungono da modelli di riferimento non convenzionali.

Creare il tuo studio d'arte o spazio creativo

Il passaggio da uno studio domestico a uno studio d'arte professionale è un sogno comune per gli artisti. Una volta che la stanza degli ospiti o il capanno degli attrezzi sono diventati troppo piccoli, allestire uno studio professionale è il passo logico successivo.

Tuttavia, prima di firmare contratto di locazione per uno spazio conversione di una proprietà esistente (ad esempio ex stabilimenti o capannoni), ci sono molti aspetti da considerare.

Spesso, spazi o interi edifici si liberano quando gli artisti si trasferiscono o chiudono i loro studi. Poiché un'impostazione vincente può contribuire in modo significativo al successo artistico, scegliere con cura gli immobili esistenti

In alcuni casi, una ristrutturazione completa (a volte con ristrutturazione) può rivelarsi utile per adattare al meglio gli spazi esistenti alle proprie esigenze individuali. In ogni grande città è possibile trovare fornitori affidabili in grado di farlo (ad esempio, Welsch Bausanierung, disponibile all'indirizzo https://welsch-bausanierung.de/dienstleistung/komplettsanierung/ per Ulm e dintorni).

La questione dei costi

I costi giocano un ruolo cruciale nel determinare se un artista può permettersi uno studio. Come qualsiasi individuo o azienda, gli artisti devono considerare le spese di costruzione – tra cui l'affitto (o il pagamento del mutuo in caso di acquisto), le utenze e le spese per assicurazione, connessione internet, contratto telefonico, ecc. – nel calcolo del profitto.

È importante affrontare questa decisione come qualsiasi altra iniziativa imprenditoriale. È necessario valutare la fattibilità finanziaria (in relazione al proprio reddito) e il valore di avere uno spazio proprio. Lo spazio non deve necessariamente essere progettato specificamente per gli artisti, ma di solito semplifica notevolmente il lavoro. Se necessario e se si dispone dei fondi necessari, è anche possibile intraprendere (o far intraprendere) ristrutturazioni e ammodernamenti, come accennato in precedenza.

Scultori e ceramisti necessitano di attrezzature costose e di accesso ad aree esterne. Anche i pittori devono verificare se possono usare colori a olio e materiali infiammabili come la trementina. Se aprite un'attività in una zona industriale, dovreste considerare come reagiranno le altre attività all'odore di vernice fresca nei corridoi.

I prezzi dei terreni vengono solitamente calcolati al metro quadro, il che consente un facile confronto dei costi.

A cosa dovresti prestare attenzione

I servizi di base includono accesso a Internet e servizi standard. È inoltre consigliabile informarsi sugli orari di apertura (alcuni potrebbero offrire accesso 24 ore su 24), sulla sicurezza e sul parcheggio .

Altrettanto importanti sono la disponibilità di servizi igienici , lavandini , accesso alle aree esterne e i requisiti assicurativi della proprietà utilizzata.

Un altro aspetto importante è l'illuminazione . I pittori dovrebbero evitare stanze senza finestre, poiché non offrono luce naturale. Gli studi d'arte professionali di solito tengono conto di questo aspetto e garantiscono una buona illuminazione indipendentemente dalle dimensioni della stanza.

Lo studio dovrebbe anche facilmente accessibile , quindi non scegliete una posizione troppo lontana. Spesso gli artisti sono tentati di lavorare da casa perché la stanza degli ospiti è più vicina.

In un contratto di locazione, un contratto di locazione a breve termine generalmente una buona idea.

Dovresti unirti a uno studio già esistente?

Gli studi professionali esistenti sono edifici dedicati, progettati o arredati per gli artisti. È possibile affittare studi individuali in un edificio condiviso, che offrono tutti i comfort necessari, come una buona luce naturale per dipingere, lavandini e attrezzature specializzate.

Il grande vantaggio di entrare a far parte di uno studio già esistente è che molte considerazioni sono già state fatte e tutti i servizi possono essere inclusi in un'unica quota. Tutto ciò che serve è firmare il contratto e poi puoi iniziare il tuo lavoro creativo.

Tuttavia, questa comodità potrebbe avere un prezzo più alto. È possibile iniziare con uno spazio più piccolo o condiviso e passare gradualmente a locali più grandi, a seconda del successo.

Un aspetto importante quando si decide di lavorare in uno studio professionale affermato è la facilità di contatto con altri artisti . Il lavoro creativo può spesso essere solitario, quindi poter scambiare idee con i colleghi in cucine condivise o durante eventi offre un vantaggio significativo.

Quando si entra in uno studio di questo tipo, è importante tenere d'occhio anche gli altri artisti. Per motivi pratici, ceramisti, vetrai, ceramisti e scultori spesso condividono i loro spazi e possono quindi utilizzare insieme le attrezzature necessarie e i relativi costi.

Allestire il proprio studio

Se hai trovato uno spazio adatto o desideri fondare una colonia di artisti, ci sono alcune cose importanti da chiarire prima di fare finalmente il grande passo.

Possiedi le competenze e l'esperienza necessarie?

È fondamentale aver già lavorato in uno spazio di lavoro condiviso e averlo anche gestito per comprenderne tutte le responsabilità.

Molti studi professionali hanno un responsabile di studio che si occupa di attività organizzative come il pagamento dell'affitto, le normative edilizie, le assicurazioni e il marketing, consentendo agli artisti di concentrarsi interamente sulla loro arte. È comprensibile il motivo per cui molti studi scelgono di assumere un responsabile .

È disponibile un sostegno finanziario?

A livello locale, statale e federale, ingenti somme di denaro circolano per sostenere gli artisti. Finanziamenti specifici vengono erogati per specifici media, temi, aree geografiche e artisti.

Una parte di questi finanziamenti spesso non viene utilizzata perché gli artisti idonei non si candidano. Un buon punto di partenza è il National Endowment for the Arts, che ha stanziato quasi 230 milioni di dollari nel 2023.

In Germania, numerose istituzioni, tra cui il governo federale, i governi statali e le fondazioni, sostengono progetti culturali e artistici attraverso vari programmi di finanziamento . I professionisti della creatività possono richiedere queste sovvenzioni per realizzare i loro progetti artistici.

Questi finanziamenti per progetti possono assumere varie forme. I beneficiari possono essere individui, gruppi o istituzioni, e la portata creativa è spesso limitata dagli obiettivi dell'ente finanziatore. La Fondazione Federale Tedesca per la Cultura si concentra sul sostegno di programmi e progetti innovativi in ​​un contesto internazionale, nonché sullo scambio culturale.

Fondazione federale per la cultura inoltre due volte l'anno progetti da finanziare nell'ambito del suo programma di finanziamento di progetti interdisciplinari e a domanda aperta.

Oltre a loro, esistono molte altre istituzioni finanziarie a livello nazionale ed europeo che sostengono specificamente gli artisti.

Suggerimenti per fondatori e lavoratori autonomi nel settore culturale e creativo vengono offerti anche dal servizio di consulenza finanziaria e di finanziamento BMWK e dalla guida "Tutto tranne un imprenditore?" per le industrie culturali e creative del governo federale .

Oltre ai programmi federali, dovresti cercare opportunità di finanziamento anche a livello statale. Per il mio stato, la Baviera, ad esempio, puoi trovare informazioni utili su programmi, procedure di candidatura e requisiti nella pagina informativa sui finanziamenti per artisti fornita dal Ministero bavarese per la scienza e l'arte .

Scopri le diverse opportunità di finanziamento e sovvenzioni e la procedura di candidatura. Sono disponibili sia sovvenzioni generose che programmi di finanziamento speciali per specifici gruppi di artisti. Tuttavia, la maggior parte dei fondi è destinata a progetti che portano l'arte nella comunità.

Integrando i workshop nel tuo programma, potresti ricevere un sostegno finanziario per il tuo studio d'arte professionale. Dopo aver familiarizzato con le procedure specifiche a livello nazionale e statale, dovresti anche esplorare le opportunità di finanziamento locali

Esiste la possibilità di una sponsorizzazione finanziaria?

Gestire uno studio è indubbiamente costoso. Ma esistono soluzioni commerciali alla difficile questione del finanziamento. Le aziende locali, ad esempio, potrebbero essere disposte a fornire finanziamenti o attrezzature in cambio di un po' di pubblicità. Questo potrebbe assumere la forma di una presenza sul sito web dello studio, di iniziative di marketing o di mostre.

Molte persone amano l'arte e desiderano essere coinvolte nel mondo dell'arte.

Integrare spazio espositivo/galleria

studio d'arte professionale è che può operare senza il passaggio intermedio di una galleria e stabilire un canale diretto con i propri acquirenti.

Fino al 50% delle vendite d'arte avviene tramite gallerie. gli eventi open studio o le visite individuali in studio possono generare entrate significative.

Se fai parte di uno studio di gruppo professionale , dovresti prendere in considerazione l'idea di allestire uno spazio espositivo permanente per le opere di tutti gli artisti.

Ecco alcuni punti da considerare per ottenere un maggiore successo:

• Assicurarsi che tutte le opere siano disponibili per la vendita.
• Offrono diversi livelli di prezzo.
• Si può iniziare con piccole stampe o ceramiche sotto i 100 euro e aumentare gradualmente il prezzo con dipinti, ceramiche o sculture più grandi, il cui prezzo è proporzionalmente più alto.
• Mantenere orari di apertura regolari e assicurarsi che il personale sia presente durante tali orari (gli artisti possono alternarsi).
• Cambiare regolarmente le opere esposte e pianificare eventi di apertura speciali.
• Concordate le condizioni di pagamento. Questo può includere il pagamento tramite fattura o, al giorno d'oggi, tramite numerosi fornitori di servizi di pagamento digitale (online o tramite app per smartphone). Se accettate pagamenti elettronici, dovrete aprire un conto corrente presso lo studio o un conto PayPal su cui verrà trasferito il denaro prima di essere pagato all'artista.

Osservazioni conclusive

Una volta allestito il tuo studio d'arte, non esitare a iniziare subito il tuo lavoro creativo. Pensa a come vuoi immaginarti in questo spazio. Niente è più frustrante per un artista che sentire che lo spazio in cui lavora limita la sua creatività anziché stimolarla.

Ricordate le parole di Pablo Picasso :

Ci sono pittori che trasformano il sole in una macchia gialla, e ce ne sono altri che, con la loro arte e intelligenza, trasformano una macchia gialla in un sole

Il tuo spazio ti offre questa libertà di crescita artistica?

Potresti trovare ispirazione nei nostri due articoli sull'argomento:

• Fusione artistica negli spazi di coworking: 5 esempi stimolanti di ambienti di lavoro creativi
• Come allestire il proprio studio: gli artisti svelano i loro consigli professionali per lo spazio creativo

Fonti e riferimenti:

Letteratura:

1. Bain, A. (2005): Costruire un'identità artistica Lavoro, occupazione e società , pp. 25-46
2. Bain, A. (2004): Identità artistica femminile in atto: lo studio. Geografia sociale e culturale , pp. 171-193
3. Buren, D. (2007): In The Studio (Dublin Gallery, 2007 pp. 104-106) Una conversazione tra Buren e Jens Hoffman, Christina Kennedy e Georgina Jackson
4. Jacob, MJ (2010): Prefazione in Jacob, MJ e Grabner, M eds. 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists , Chicago University of Chicago Press
5. O'Doherty, B. (2007): Studio e cubo sul rapporto tra il luogo in cui l'arte viene realizzata e quello in cui viene esposta, Princeton Architectural Press
6. Wainright, L. (2010): Prefazione in Jacob MJ e Grabner M eds 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists, Chicago University of Chicago Press
7. Dewey, J. (1934): L'arte come esperienza, New York Penguin Group

Internet:

1. Samantha Frew su Architizer : Art House: l'architettura ispiratrice degli studi d'arte , https://architizer.com/blog/inspiration/collections/art-house-the-architecture-of-art-studios/
2. Tom Wilkinson in The Architectural Review : Tipologia: Studio d'artista, https://www.architectural-review.com/essays/typology-artist-studio
3. Gallerie MAC ART : come allestire il tuo studio di belle arti , https://macfineart.com/how-to-set-up-your-fine-art-studio/
4. ART WEB Blog: Come aprire uno studio d'arte professionale , https://blog.artweb.com/how-to/set-up-a-professional-art-studio/
5. Fondazione culturale federale : finanziamento , https://www.kulturstiftung-des-bundes.de/de/foerderung.html