Roy Lichtenstein – Vivere con l'arte

L'articolo "La strada verso la fama di Roy Lichtenstein" descriveva proprio questa storia, e come tutto ciò culminò in un aumento quasi incredibile del valore delle sue opere. Eppure Lichtenstein dovette aspettare a lungo prima che le sue opere gli procurassero anche solo un sostentamento:

Vita e arte o vita per l'arte? Lichtenstein ci ha provato

Roy Lichtenstein aveva quasi 40 anni quando ebbe la sua svolta artistica, e c'erano delle ragioni per questo: Lichtenstein non si era mai considerato uno di quegli artisti a tutto tondo la cui vita consisteva nello studiare arte, creare arte, trascorrere del tempo con artisti e industrie creative e nient'altro.

Lichtenstein era un artista e un essere umano normale: iniziò la formazione per una professione del tutto normale (l'insegnante) e fu arruolato nell'esercito. Non poté sfruttare il fatto che i militari lo avessero portato a Parigi come previsto per la sua formazione artistica (e per la sua conoscenza di Picasso), perché dovette tornare a casa a causa della grave malattia del padre.

Dopo la guerra completò la sua formazione da insegnante presso l'Ohio State University e poi iniziò a studiare per un Master of Fine Arts , ma nel 1949 pose un altro ostacolo al suo "libero sviluppo come artista" sposandosi e avendo due figli con la moglie Isabel Wilson negli anni successivi.

Lichtenstein era quindi in parte responsabile del mantenimento della famiglia e negli anni '50 svolse ogni sorta di lavoro che serviva più a garantirgli il sostentamento che a promuovere il suo sviluppo artistico.

Quindi, nella prima parte della sua vita, non ebbe molto tempo per dedicarsi a esperimenti artistici e trovare il proprio stile: partecipò a una vita reale e vibrante a tal punto che non è facile, nemmeno per una persona creativa, sviluppare idee artistiche estremamente raffinate nel tempo libero.

Svegliati, Lichtenstein! Ovvero: Cosa può fare un nuovo lavoro

Questa vita in Ohio, con occasionali escursioni artistiche a New York, a 750 km di distanza, avrebbe potuto continuare all'infinito se Lichtenstein non avesse accettato un incarico di insegnamento alla Rutgers University nel New Jersey nel 1960. Qui si trovò in un ambiente concentrato e creativo e incontrò tutti gli artisti che oggi sono considerati "padri della Pop Art".

All'università dell'Ohio si erano riuniti alcuni tra i più importanti artisti contemporanei: Jim Dine e Claes Oldenburg, Lucas Samaras e George Segal, George Brecht e Geoffrey Hendricks, Dick Higgins e sua moglie Allison Knowles, George Maciunas e Robert Whitman, tutti riuniti nel New Jersey nel campus della Rutgers University attorno a due professori: Allan Kaprow , "l'inventore dell'happening" , e Robert Watts , scultore ed espressionista amico di Fluxus.

Tale creatività ispirò nuovamente Lichtenstein e lo incoraggiò a perseguire idee ancora più stravaganti. Fino ad allora, l'espressione artistica di Lichtenstein aveva l'Espressionismo , la vera "corrente artistica dominante" dell'epoca, in cui Lichtenstein non riusciva a collocarsi del tutto tra le due scuole dominanti: l'"action painting" o gli "espressionisti introversi ", che "richiamavano alla meditazione" con applicazioni pittoriche su larga scala.

In ogni caso, le opere nate da questi tentativi di posizionarsi non erano riuscite ad attirare molta attenzione nelle mostre newyorkesi, soprattutto quando, alla fine degli anni Cinquanta, dubitava sempre più del suo stile.

Lichtenstein aveva già iniziato a sperimentare con la rappresentazione di vari personaggi dei fumetti e della Disney , ma non mostrò mai pubblicamente queste prime immagini Disney. Invece, le ricoprì lui stesso; in seguito ammise di considerarle più un "atto di disperazione". È un peccato, davvero, perché quei Bugs Bunny, Paperino e Topolino gli avrebbero probabilmente fatto guadagnare un sacco di soldi non molti anni dopo.

Quando Lichtenstein venne contagiato dalle idee delle persone creative che lo circondavano, il risultato di questa fase sperimentale fu che egli "dimenticò" deliberatamente le capacità artistiche acquisite fino a quel momento e creò un "quadro comico" come suo primo quadro, privo di qualsiasi influenza espressionista.

Nacque così il tipico stile di Lichtenstein. Nella stessa estate del 1961, a "Look Mickey" tecnologia di stampa industriale (i punti Ben-Day) e il fumetto tipico dei fumetti.

Nell'autunno del 1961, il professor Kaprow gli fissò un appuntamento con Ivan Karp, direttore della prestigiosa Leo Castelli Gallery di New York , al quale Lichtenstein presentò alcuni dei suoi dipinti nel nuovo stile. Karp considerò i dipinti promettenti e li mostrò al suo capo, Leo Castelli. Si dice che Castelli abbia deciso di rappresentare Lichtenstein "Ragazza con la palla", ma "Guarda Mickey ", l'unica rappresentazione di un personaggio dei fumetti.

Lichtenstein “sulla bocca di tutti” – quasi impensabile senza Castelli

Forse fu proprio questa omissione a rendere possibile la carriera di Lichtenstein, perché più o meno Andy Warhol aveva iniziato a incorporare personaggi dei fumetti nella sua arte. Si dice che abbia esposto queste immagini di fumetti anche alla Galleria Castelli, venendo respinto per questo. D'altra parte, il rifiuto di Castelli e l'appropriazione dei fumetti da parte di Lichtenstein avrebbero spinto Warhol ad abbandonare i fumetti e a rivolgersi ai beni di consumo, collocandolo al primo posto nella "classifica eterna dell'arte", mentre Roy Lichtenstein è solo al 23° posto.

Ma tutto questo arriva molto più tardi. Ora, nel 1961, Lichtenstein è finalmente riuscito a trovare lavoro in una delle gallerie newyorkesi più ambite dell'epoca, e da lì la sua carriera decolla. I suoi primi dipinti vengono venduti rapidamente, la sua prima mostra personale è esaurita prima ancora di aprire, e Lichtenstein può ora vivere dei suoi dipinti.

Riorganizzò quindi completamente la sua vita: il suo matrimonio con Isabel Wilson, logorato da un decennio di inverni condivisi nell'entroterra, anni di lotta per la sopravvivenza o altro, fu sciolto. Lichtenstein si trasferì nella capitale dell'arte, New York, incontrò altri grandi della Pop Art come Robert Rauschenberg e Jasper Johns , e si concentrò esclusivamente sulla pittura. Castelli aveva buoni contatti in Europa, e Lichtenstein divenne noto anche in Europa attraverso la sua ex moglie, Ileana Sonnabend.

Produzione energetica in stile Lichtenstein

Fu tutto: negli anni '60, Lichtenstein divenne sempre più famoso. Nel 1963 realizzò il suo dipinto più famoso, "Whaam!" , che era già esposto alla Tate Modern di Londra nel 1966. Nel periodo successivo, realizzò una moltitudine di opere d'arte, si dedicò a un'ampia varietà di temi, sculture e installazioni di oggetti d'arte, e spesso dipinse in serie.

Forse in consapevole contrasto con Andy Warhol, Lichtenstein non utilizzò mai fotografie come modelli, ma continuò a fare affidamento su serie di fumetti o materiale stampato commerciale come le pagine gialle da cui "Girl with Ball" , e produsse sempre visibilmente nello speciale stile di Lichtenstein.

Nei suoi primi lavori, sperimentò diversi temi, a volte utilizzando modelli riconoscibili e incorporando oggetti molto semplici. Come Warhol, fu influenzato dalla nuova ondata di pubblicità commerciale per elettrodomestici innovativi. Ciò lo portò a dipinti come "Sock , "Roto Broil" e "Washing Machine", tutti del 1961, che furono condannati dalla critica d'arte ma accolti con entusiasmo per la loro nuova e sottile rappresentazione dei clienti di Castelli.

Lichtenstein continuò deliberatamente legame tra arte e commercio "Arte" del 1962, che raffigurava nient'altro che questa parola su quasi due metri quadrati. Seguirono astrazioni in stile fumetto che ricordavano i dipinti di Picasso, sculture in ceramica e metallo, dipinti di paesaggi e serie di pennellate. La composizione di superfici colorate con audaci bordi neri e aree punteggiate rimase sempre la stessa.

Questa produzione segnò l'inizio di importanti mostre: nel 1964, Lichtenstein fu il primo americano a esporre Tate Gallery Pasadena Art Museum per la prima volta documenta IV a Kassel e nel 1969 si tenne la prima retrospettiva al Guggenheim Museum di New York.

Il tempo degli onori, delle mostre e delle collezioni

Nel 1969, Lichtenstein ricevette anche l'incarico da Gunter Sachs di dipingere "Leda e il cigno" per la suite Pop Art del suo Palace Hotel di St. Moritz Academy of Arts and Sciences e acquistò una rimessa per carrozze a Southampton, Long Island, dove costruì uno studio e trascorse un periodo di relativo isolamento.

Nel decennio successivo, il suo stile non aggiunse molto di nuovo: scoprì le illusioni ottiche e creò una varietà di nature morte. Riprese anche ad interessarsi alla storia dell'arte e dipinse quadri basati sui modelli di artisti famosi, come il "Cavaliere rosso" da Carlo Carràs del 1974 e la "Scena di bosco" da Claude Monet del 1980.

Già all'inizio degli anni '60, Lichtenstein aveva riprodotto capolavori di Cézanne, Picasso e Mondrian; in totale, ha creato più di 100 interpretazioni di noti dipinti di illustri colleghi. La mostra del 2010 "Roy Lichtenstein. L'arte come motivo" al Museum Ludwig di Colonia ha esplorato questo lato dell'artista.

Il viaggio attraverso l'opera di Lichtenstein qui offerto tocca Cubismo ed Espressionismo, Futurismo e Modernismo, dallo stile degli anni '30 alla Minimal Art e alla pittura astratta . Piuttosto che copiare, Lichtenstein trova interpretazioni personali così interessanti per la sua reinterpretazione dei classici che la sua esclusiva riduzione alla pop art a fumetti è forse deplorevole.

In questo periodo, Lichtenstein rielaborò anche le sue opere, creando "Artist's Studio, Look Mickey" e altre riedizioni della serie Artist's Studio nel 1973 e nel 1974. Seguirono altre commissioni, tra cui un'auto d'arte per la BMW nel 1977, una lampada scultorea per la chiesa di St. Mary in Georgia nel 1978 e "Mermaid ", una commissione pubblica del 1979 che ora si trova di fronte al Fillmore Miami Beach, al Jackie Gleason Theater. Nel 1977, Lichtenstein ricevette la sua prima laurea honoris causa dal California Institute of the Arts e nel 1980 gli fu conferita una laurea honoris causa dal Southampton College.

Negli anni '80, Lichtenstein apparentemente ne aveva abbastanza dei fumetti e tornò alle sue radici, creando paesaggi come "Alba" del 1984 e "Paesaggio con tetto rosso" del 1985, oltre a un'intera serie di "Schizzi di paesaggio ". Arrivarono altre commissioni pubbliche: nel 1984 creò la scultura "Pennellate ", che ora si trova all'aeroporto internazionale di Port Columbus. L'anno successivo realizzò il "Mural con pennellate blu" all'Equitable Center di New York. Nel 1992 realizzò la scultura "El Cap" a Barcellona per le Olimpiadi. Nel 1994 realizzò l'enorme murale nella stazione della metropolitana di Times Square a New York.

E altri riconoscimenti: nel 1987 gli è stata conferita la laurea honoris causa dall'Ohio State University, nel 1993 ha ricevuto una laurea honoris causa dal Royal College of Art, nel 1995 gli è stato conferito il Kyoto Prize e la "National Medal of the Arts" americana, nel 1996 gli è stata conferita la laurea honoris causa dalla George Washington University di Washington DC e in totale ha ricevuto numerosi altri premi.

L'ultima opera di Lichtenstein, ironicamente, fu un logo aziendale per la DreamWorks Records, nel suo stile inconfondibile, nonostante nel frattempo si fosse allontanato notevolmente dalle sue immagini da fumetto. Se un osservatore dovesse notare una contraddizione, di certo non disturberebbe l'artista, scomparso nel 1997. Lichtenstein non si prese mai troppo sul serio: " Non credo che qualunque cosa significhi sia importante per l'arte" è una sua celebre citazione (riportata nel libro "Roy Lichtenstein" di John Coplans, pubblicato nel 1972 da Praeger a New York, p. 54).

Si dice che alcune delle critiche siano state piuttosto dure: ad esempio, la rivista Life ha intitolato un articolo in cui si chiedeva se Lichtenstein "il peggior artista degli Stati Uniti". Leggendaria è anche la frase del famoso autore di fumetti e vincitore del premio Pulitzer Art Spiegelman, secondo cui "Lichtenstein non ha fatto né più né meno per i fumetti di quanto Andy Warhol abbia fatto per la zuppa".

Sebbene si dica che Lichtenstein abbia occasionalmente ammesso che a volte le critiche lo ferivano, nel complesso viene descritto come un interlocutore amichevole e, per quanto riguarda la sua valutazione, estremamente rilassato.

Opere d'arte di Roy Lichtenstein su Pinterest

Riverbero sgradevole

A giudicare dai prezzi pagati oggi per un "Lichtenstein", aveva certamente tutte le ragioni per essere così rilassato: i milioni pagati durante la sua vita sono aumentati di circa dieci volte da allora.

È ancora più deplorevole che nel 2013, più di quindici anni dopo la morte dell'artista, continuino a comparire presunte "muse" che, senza alcun rispetto per il secondo matrimonio di Lichtenstein, durato quasi tre decenni, vogliono trarre profitto dalla loro conoscenza con l'artista alla vigilia di una grande retrospettiva delle sue opere.

Oppure quando il gallerista che ha rappresentato Lichtenstein verso la fine della sua vita e da allora ha commercializzato la sua eredità finisce sui giornali soprattutto per le controversie legali che circondano l'arte di Lichtenstein...

su questo gallerista , ma questo è un altro argomento di cui parleremo presto.