Cos'è esattamente la performance art?

Nel panorama dell'arte moderna, la performance art un ruolo sempre più centrale, sia nelle grandi biennali d'arte internazionali che negli spazi intimi delle gallerie, su piccoli palcoscenici o in spazi pubblici.

Joseph Beuys ha messo in scena o eseguito numerose performance artistiche

Per Cindy Sherman, era già una performance quando si vestiva, si truccava e posava “Bus Riders” (1976) e “Untitled Film Stills”

Marina Abramović sostiene una performance per 721 ore e chiede (presumibilmente per questo motivo) che la performance art , in quanto opera intellettuale, venga protetta anche dopo la fine della performance…

Molti artisti che non sono esplicitamente classificati come artisti performativi finiscono ripetutamente sui giornali con le loro azioni performative: Bruce Nauman percorse con passo sicuro uno stretto corridoio di compensato nella sua "Walk with Contrapposto" "Performance Corridor" nel 1969 .

Natias Peter Günther Rudolpho Neutert non solo scrive poesie e saggi, ma ama anche esibirsi come solista...

Ogni forma d'arte, ogni performance, con o senza "oggetti di scena superflui", con o senza un significato discernibile, la performance art si basa in gran parte su una maggiore espressione dell'immaginazione.

Cos'è esattamente la Performance Art? Una spiegazione semplice

La performance art si è evoluta in una delle forme d'arte contemporanea più dinamiche. Questa forma d'arte è nota per la sua capacità di dissolvere i tradizionali confini tra artista e pubblico ed è spesso al centro di accesi dibattiti.

Il significato di questo medium è difficile da definire con precisione, poiché abbraccia un'ampia varietà di espressioni e intenzioni. Tuttavia, notizie ed eventi recenti offrono spunti preziosi per una comprensione più approfondita di questa forma d'arte.

La performance art, spesso definita "action art" , è una forma d'arte in cui la performance o l'azione stessa dell'artista costituisce l'opera d'arte. A differenza di forme d'arte più tradizionali come la pittura o la scultura, in cui l'opera d'arte è un oggetto fisico, la performance art è effimera e transitoria.

Quando si parla di teoria dell'arte, ovvero di cosa sia effettivamente la performance art e come venga definita dagli storici dell'arte, la definizione diventa più dettagliata e sfaccettata:

Performance Art: una definizione ufficiale

Gli storici dell'arte studiano la performance art da molti anni (da ben 50 anni, questo è il periodo in cui si è sviluppato questo fenomeno) e sono definire con successo la performance art :

Una performance è definita come una presentazione artistica effimera, basata su una situazione e orientata all'azione, realizzata da un artista o da un gruppo di artisti.

Questa forma d'arte mette in discussione la separabilità tra artista e opera, nonché la forma merceologica delle opere d'arte tradizionali (fonte: Wikipedia); nella letteratura storico-artistica, naturalmente, esistono molte altre definizioni più complesse e più semplici, ma qui l'attenzione era rivolta all'accessibilità generale).

Quindi, cosa ci dice la definizione, pezzo per pezzo:

1. Performance artistica

Cosa costituisca una performance artistica non è definito con maggiore precisione; pertanto, dipende da chi ha il diritto di giudicare se si tratti di una performance artistica. In una società libera e democratica, con diritti fondamentali e il cui principio guida è l'autonomia dell'individuo, la decisione spetta naturalmente all'artista che esegue l'opera.

Se qualcuno si alza e annuncia che sta per eseguire un'opera artistica, seguirà un'opera artistica.

Punti ancora più evidenti riguardo al dibattito "È arte o può essere buttata via?" (che non vengono danneggiati dal fatto di essere ricordati quasi costantemente dal grande pubblico):

• In un paese libero, è la persona che crea l'arte a determinare cosa costituisce l'arte.
• In un paese libero, ciò che costituisce un'automobile è determinato dalla persona che la produce.
• In un paese libero, chi produce il cioccolato ne determina la natura.

In una società libera, le persone con gusti diversi non necessariamente apprezzano tutto ciò che viene prodotto come cioccolato. Mentre parecchie persone apprezzano ancora il cioccolato con il peperoncino, quasi nessuno ama più il cioccolato con il rafano; dopotutto, è pur sempre cioccolato.

Poiché una società libera ospita persone con diversi livelli di tolleranza al rischio e responsabilità ambientale, non tutti considerano necessariamente veicoli enormi, pesanti e inquinanti con una velocità massima di 230 km/h adatti alle city car. Mentre la posizione di seduta elevata potrebbe offrire a una persona alta 1,70 metri una migliore visuale della strada, i conducenti di questi veicoli puzzolenti e intenzionali contribuiscono all'inquinamento da particolato e alla congestione del traffico nelle nostre città in modo piuttosto idiota; dopotutto, si tratta pur sempre di un'auto.

Poiché in una società libera vivono persone con opinioni diverse, non è detto che a tutti piaccia ogni opera d'arte. Piantare 7.000 querce potrebbe migliorare la qualità dell'aria, ma incorporare simboli nazisti in una performance potrebbe facilmente indurre le persone sbagliate a pensare le cose sbagliate; ma si tratta pur sempre di arte.

Quanto lontano?

Se un cioccolatiere mette il rafano nel cioccolato, dimostra il suo pessimo gusto, ma non fa male a nessuno (solo il dolore per come un prodotto così meraviglioso possa essere rovinato in questo modo). Se mette il Botox nel cioccolato per dare una spinta alla sua carriera con questo cioccolato antirughe, dimostra un gusto ancora peggiore e una stupidità perversa da parte del cioccolatiere, e il potente veleno della tossina botulinica (che è ciò che è il Botox) può causare dolore reale, persino la morte.

Quando una casa automobilistica installa ostacoli stradali tossici per l'ambiente, gli abitanti delle città potrebbero morire un po' prima; nessuno muore sul colpo solo perché l'auto passa. Tuttavia, nelle mani dei figli poco promettenti del direttore di banca Walkpaul, cresciuto con i film di "Fast and Furious", l'inquinatore urbano subottimale si trasforma in un proiettile mortale, causando la morte immediata di passanti innocenti.

Se una performance presenta svastiche e il saluto nazista, ha certamente il potenziale per essere un grave insulto, per ferire qualcuno. Se un artista dipinge un bellissimo graffito sulle torrette tra le staccionate, sta effettivamente ferendo qualcuno, anche se solo l'anima e i beni di cittadini che non possono vivere senza un idilliaco paesaggio alpino Disney dietro staccionate con torrette – ma anche in un paese libero, si ha diritto ai paesaggi alpini Disney e alle anime indenni.

Che si tratti di cioccolato, automobili o arte, il libero esercizio o la produzione di qualsiasi attività artistica può ovviamente entrare in conflitto con altre posizioni e valori importanti per la nostra società. Quando si tratta di conflitti minori, questi vengono risolti attraverso la copertura mediatica ("Oggi sulla rivista XY: I cioccolatini più disgustosi del mondo") o in tribunale (un proprietario terriero fa causa a un artista perché degli alberi appena piantati gli bloccano la vista).

I conflitti veramente gravi sono generalmente regolati dalla legge in modo tale che la Procura avvii le indagini. Il giovane poco promettente finisce in prigione se investe persone innocenti; l'aspirante graffitaro è almeno condannato a pagare per la rimozione professionale dei graffiti dalle torrette; la Procura ha indagato sui simboli nazisti presenti nella performance e poi ha archiviato l'inchiesta perché l'azione in questo caso era protetta dalla libertà artistica – è noto da tempo e a sufficienza che l'artista coinvolto, Jonathan Meese, è un oppositore di tutte le ideologie e certamente non un nazista.

Ma una cosa rimane: indipendentemente dal fatto che il risultato sia una critica mediatica, un procedimento giudiziario civile o la prigione, in un paese libero cioccolato, automobili e arte restano cioccolato, automobili e arte perché le persone coinvolte li hanno definiti in questo modo.

Se qualcun altro lo definisce in modo diverso dall'artista, non è più un paese libero, ma una dittatura; e poiché non vorremmo mai più vivere in un posto del genere, gli artisti performativi dovrebbero essere autorizzati a stabilire quando una performance è arte performativa.

2. Un artista o un gruppo di artisti

A prima vista, sembra abbastanza logico. Qualcuno deve farlo, e la persona/le persone che lo fanno è l'artista o il gruppo che lo esegue.

Tuttavia, le cose possono rapidamente complicarsi: se anche il barboncino dell'artista si esibisce, da un punto di vista puramente epistemologico, si potrebbe considerare un'esibizione dell'artista che usa il barboncino, o un'esibizione del barboncino. Quest'ultima ipotesi si applica solo se chi effettua la valutazione ritiene che gli animali abbiano una propria personalità e siano capaci di espressione artistica.

La questione della personalità individuale degli animali e dei diritti ad essi connessi, dal diritto a un allevamento adeguato alla specie, al diritto a una morte senza dolore e sofferenza, fino al diritto fondamentale alla vita o alla concessione di una propria coscienza, alla capacità di pensare in modo indipendente, è attualmente oggetto di accesi dibattiti.

Quanto più si conducono ricerche e quanto più la civiltà/l'ambiente di vita del ricercatore si avvicina alla consapevolezza che l'uomo non è il centro del mondo (anche se la civiltà occidentale non è certamente tra le più avanzate sotto questo aspetto), tanto più la questione verrà decisa a favore degli animali.

Tuttavia, rimane l'incertezza fondamentale che la persona che esprime il giudizio sia un essere umano. E quando un animale offra intenzionalmente una performance artistica è qualcosa che nessun ricercatore può stabilire con certezza, anche se i custodi sono certi che lo scimpanzé Congo e l'elefante Boon Mee ( www.n-tv.de/wissen/Wenn-Tiere-malen-article5395041.html ) avessero qualcosa in mente quando hanno dipinto.

Non è tutto così facile da definire, soprattutto perché siamo ancora lontani dalle manifestazioni per la libertà artistica dei barboncini, il che al momento non significa molto, perché in alcune società civili sta emergendo un potente spostamento a destra, in particolare sulla scia dei vasti movimenti migratori, e l'esperienza dimostra che un maggiore potere per i partiti corrispondenti tende a rinviare le manifestazioni per qualsiasi tipo di libertà..

Inoltre: Chiara Schimmerlos, Kevin Knödelsang, Pauline Presswurst e Ruben Rauswurf sono anche artisti performativi e le loro scarse e fastidiose performance in un casting televisivo sono considerate arte?

R. Sì, certo, abbiamo già stabilito che chiunque dica di fare arte è un artista. E comunque, "Ogni essere umano è un artista", come diceva nientemeno che il performativo Joseph Beuys. Inoltre, sono proprio questi apprendisti narcisisti, usati come semplici caricature da riempire di programmi, che meritano di potersi consolare dopo la loro eliminazione con il fatto di aver creato almeno cinque minuti di arte davanti a un pubblico (non hanno già avuto i loro famosi quindici minuti di fama? No, non proprio, questo non accadrà con performance come queste).

B. No. La parola inglese "perform" significa anche "intraprendere" (una procedura chirurgica), "esercitare/eseguire" (una funzione) e altre attività completamente non artistiche; si potrebbe certamente chiedere ad alcuni autoproclamati "performer" se avessero effettivamente intenzione di eseguire una procedura chirurgica davanti al pubblico o se fossero consapevoli della loro funzione di clown dell'intervallo.

Beuys non ha semplicemente "Ogni essere umano è un artista ", ma questa frase, spesso citata fuori contesto, recita per intero:

Ogni persona è un artista. Non sto parlando di qualità. Sto solo parlando del potenziale fondamentale che esiste in ogni persona […] Definisco la creatività come espressione artistica, e questo è il mio concetto di arte."

( Ritratto dell'artista – Joseph Beuys ) – voleva incoraggiare tutti gli artisti a valutare i problemi della società moderna e a contribuire alla loro risoluzione, e non certo incoraggiare tutte le persone a realizzare cattiva arte.

di Andy Warhol sui "15 minuti di fama" è spesso citata erroneamente: con il detto " In futuro tutti saranno famosi in tutto il mondo per 15 minuti", Warhol non intendeva invocare "la fama per chiunque la rivendichi".

Al contrario, voleva riconoscere il potere dei media, che, anche ai suoi tempi (la citazione è del 1968), decidevano, nonostante competenze spesso piuttosto dubbie, a chi attribuire la fama, al posto dei galleristi e dei curatori, degli storici dell'arte e della stessa comunità artistica.

Questo fu anche il motivo per cui Warhol chiamava le groupie della sua Factory (spesso dipendenti autoproclamatisi nella sua "fabbrica d'arte") "superstar": in futuro, per raggiungere la fama sarebbero bastati appena 15 minuti, perché i media producevano semplicemente troppe "star".

Basta sceglierne uno, altrimenti, come al solito, non è così semplice:

Se una performance debba essere necessariamente eseguita dal suo esecutore è uno dei principali punti di contesa nell'arte performativa.

Da quando l'artista performativa Marina Abramović ha rimesso in scena performance leggendarie di artisti performativi precedenti e, in seguito a queste rievocazioni, ha affermato che una performance ha un valore artistico indipendente dal suo interprete, i vincoli temporali e personali di un'opera d'arte nell'arte performativa sono stati messi in discussione; la discussione non è ancora risolta.

3. Specifico della situazione

Definizione di situazione?

Secondo www.duden.de/rechtschreibung/Situation, la situazione comprende le condizioni/circostanze in cui si trova attualmente qualcuno, ovvero la situazione attuale di una persona; oppure le condizioni/circostanze che caratterizzano uno stato generale, ovvero la situazione generale.

Eh? Un artista agisce in modo situazionale in una performance se agisce in relazione alla situazione in cui si trova o in relazione alla situazione in cui si trova il mondo?

In quale altro modo potrebbe agire? Anche se l'artista annuncia che agirà distaccato da sé stesso e lontano da questo mondo, è comunque nel suo corpo e in questo mondo, sia il fachiro che l'artista in trance.

In altre parole, una performance è sempre legata alla situazione se si svolge in questo mondo; e la definizione più ampia in de.wikipedia.org/wiki/Situation , secondo cui una situazione denota una posizione o un luogo, la dipendenza da circostanze o condizioni, ma anche la natura e allo stesso tempo l'efficacia di una regione o area definita psicologicamente (puramente mentalmente), non sembra cambiare questo a prima vista.

Questa definizione, ovviamente, cambia tutto, perché la performance non deve più riferirsi alla situazione reale in cui si trovano l'artista e il mondo, ma piuttosto alla situazione che l'artista immagina. Tuttavia, questo non cambia molto per lo spettatore; la domanda "Cosa stava pensando l'artista?" è antica quanto l'arte stessa.

È quindi difficile rispondere alla domanda su come e se la fobia situazionale, cioè una paura patologica in determinate situazioni, possa influenzare la presenza delle caratteristiche distintive di una performance (è ancora una performance se l'artista scappa via nel frattempo – o addirittura prima dell'inizio – perché alcuni volti tra il pubblico lo infastidiscono/annoiano, ecc.).

4. Orientato all'azione

Infatti: si può parlare di performance se l’artista non agisce in una situazione, ma siede in silenzio come Marina Abramović nella sua performance “512 Hours” (2014, Serpentine Galleries, Londra)?

Probabilmente sì, logicamente questa domanda corrisponde già al punto sulla "prestazione artistica". Questa può certamente verificarsi anche per inattività; qui si applica un concetto di azione simile a quello del diritto penale, secondo cui si può essere perseguiti penalmente (o svolgere un'attività artistica) per azione, ma a determinate condizioni anche per omissione.

Sono proprio queste condizioni che fanno entrare in gioco l'azione, nel diritto penale a volte nella "forma inversa" di un dovere di agire, come nel caso di "omissione di soccorso", o nella forma di un'azione preventiva, ad esempio, quando qualcuno si ubriaca deliberatamente per trovare il coraggio di dedicarsi a una provocazione volgare, a un incendio doloso, a un'aggressione o a un accoltellamento (insulto, incendio doloso, lesioni personali, omicidio colposo, omicidio).

Nell'arte, non è molto diverso; Marina Abramović ha trascorso le sue 512 ore di immobilità dopo una serie di preparativi in ​​un ambiente specifico. Se fosse rimasta incosciente per 512 ore o le fosse stato fatto il solletico per farla ridere di riflesso, quasi nessuno l'avrebbe classificata come arte; piuttosto, si porrebbe la questione della responsabilità penale di chi non ha chiamato un'ambulanza o impedito a chi le faceva il solletico di farle il solletico.

5. Effimero (transitorio)

Chiariamo ancora una volta: anche se performance di 30 ore come la performance dal vivo "the long now" e performance di 168 ore come "Approximations" non sorprendono più nessuno, e anche se performance di 8760 ore come "Das Leben im Schaukasten" (La vita in vetrina) si sono svolte qualche decennio fa, la cosa (la performance) prima o poi finisce, anche se un artista ridefinisce la propria vita come una performance a lungo termine; allora la cosa finisce semplicemente quando l'artista finisce. Ma il lungo è di moda; molti artisti performativi non fanno niente di meno di centinaia di ore; e anche la performance diventa meravigliosamente lunga quando si dichiara semplicemente l'intera mostra una performance a lungo termine, come fa DADO.

• “the long now” : dal 28 al 29 marzo 2016, dalle 18:00 a mezzanotte, Berlin Kraftwerk
• “Approssimazioni” : dal 29 ottobre al 1 novembre 2015, Casa della Cultura Ungherese, Berlino
• “La vita in vetrina” : Manon, 1975/76, Galerie Pablo Stähli, Zurigo
• DADO : 17.10. – 27.10.2013, Kunstraum Teiggi Kriens, Svizzera

D'altro canto, tutte queste performance mandano in frantumi la definizione se si considera l'effimero sullo stesso piano di "transitorio": l'effimero da collezione (dal greco) diventa un oggetto da collezione proprio perché è destinato a un uso singolo e molto breve; l'effimera dal genere Ephemera perché vive solo per un giorno (e la pop band norvegese tutta al femminile Ephemera si è probabilmente data questo nome in un pessimismo esagerato; è sicuramente esistita dal 1996 al 2004, secondo il loro sito web "Ephemera is here to stay" ).

Inoltre: se a un artista performativo è consentito di rimettere in scena le performance di altri artisti, o lo fa effettivamente (nemmeno il detentore del copyright può impedirlo in tutte le parti del mondo, ma può al massimo richiedere un risarcimento in seguito), la fine di una performance diventa una mera interruzione e la performance si trasforma da un'opera effimera in un "Aeternicon" , un'arte eterna.

Questa stessa discussione è stata avviata da Marina Abramović, già menzionata nella sezione 2, quando ha "Seven Easy Pieces" , con ricostruzioni di spettacoli del passato. Ha inoltre in programma di creare un "archivio vivente" di spettacoli storici attraverso ricostruzioni presso il suo nuovo "Marina Abramović Institute" (MAI), parallelamente allo sviluppo di nuove forme di performance.

6. Questa forma d'arte mette in discussione la separabilità tra artista e opera

Vedi sopra, punti 2 e 5; oggi questo non è più necessariamente negato

Tuttavia, se si abbandonasse la "regola ferrea" secondo cui una performance è legata alla persona dell'artista o degli artisti e non può essere ripetuta, allora le performance con ripetibilità e riesecuzione potrebbero "sprofondare" in uno stato di arbitrarietà. Questo perché non sarebbe più essenziale che la riesecuzione fosse eseguita da un artista performativo.

"Huddle" di Simone Fortis del 1961, la danza rivoluzionaria per lo sviluppo dell'arte performativa e potenzialmente una danza che sfida la morte per i partecipanti a questo abbraccio, invece di una noiosa ginnastica da ufficio? Perché no? Alcuni newyorkesi l'hanno già provata sulla High Line nel 2012; potete vedere com'era qui:

7. Questa forma d'arte mette in discussione la forma mercantile delle opere d'arte tradizionali

La questione del “mettere in discussione” è ormai superata e decisa: l’arte non ha più bisogno di manifestarsi in un oggetto, poiché i primi performer hanno iniziato a esibirsi negli anni ’60 e i primi artisti concettuali hanno dichiarato che il concetto puro è arte più o meno nello stesso periodo.

In realtà, anche molto prima, quando i primi dadaisti nel 1916 misero in scena le loro prime poesie sonore in costumi molto particolari, i travestimenti ideati per le rappresentazioni e le delizie onomatopeiche inventate non erano certo adatti come merce, anche se a qualcuno fosse venuta un'idea del genere.

Ecco come si presentava: le gambe erano racchiuse in una struttura a colonna di cartone blu lucido, che arrivava sottile fino ai fianchi, facendo sembrare chi la indossava un obelisco. Sopra c'era un enorme colletto da mantello, foderato di scarlatto all'interno e ricoperto d'oro all'esterno, fissato al collo in modo da poter essere mosso come ali alzando e abbassando i gomiti. Un alto cappello da sciamano cilindrico a strisce bianche e blu completava l'insieme.

E questo è più o meno il suono che ha avuto:

jolifanto bambla o falli bambla
grossiga m'pfa habla horem
egiga goramen
higo bloiko russula huju
hollaka hollala
anlogo bung
blago bung
blago bung
bosso fataka
ü üü ü
schampa wulla wussa olobo
hej tatta gorem
eschy Zunbada
wulubu ssubudu uluw ssubudu
tumba ba- umf
kusagauma
ba – umf

(Caravan, di Hugo Ball 1917, una delle poche poesie sonore registrate)

Quando lavare i piatti è un'arte performativa e quando è solo lavare i piatti?

Se si considerano singolarmente le caratteristiche della definizione più comune di performance art appena discussa, lavare i piatti ha “buone probabilità di essere un’opera d’arte”.

Lavare i piatti è un'azione situazionale: la definizione non richiede che la persona che si trova di fronte a un'enorme pila di piatti sporchi accetti le circostanze in cui si trova. Questa persona agisce in base alla situazione, si spera, altrimenti i piatti inizieranno a puzzare (il che potrebbe comunque trasformarsi in una messa in scena, ma solo con un po' di clamore, non semplicemente lasciandoli puzzare).

Lavare i piatti è un'attività, si spera di nuovo; i piatti non si puliscono da soli e la persona ha ancora molto da fare dopo.

Lavare i piatti è transitorio perché i piatti puliti non sono più quelli sporchi. E lavare i piatti è effimero perché, per quanto ci si sforzi, nessuno riuscirà a impilare esattamente gli stessi piatti sporchi nella stessa enorme pila intorno al lavandino.

Lavare i piatti regolarmente mette in discussione la separabilità tra artista e opera, sempre dal punto di vista della persona che è stata appena scelta per lavare i piatti e non ha voglia di farlo.

E lavare i piatti mette in discussione la forma merce, perché, con suo rammarico, questa persona non è mai riuscita a rivendere i piatti.

Tuttavia, lavare i piatti non mette ancora in discussione la forma di merce di un'opera d'arte tradizionale; lo diventa solo quando sono soddisfatte le ultime due caratteristiche della definizione: lavare i piatti come performance artistica di un artista o di un gruppo di artisti.

Tuttavia, poiché, come spiegato sopra, sono gli artisti o i gruppi di performance stessi a decidere cosa e cosa eseguire, è uno dei compiti più facili al mondo avvicinarsi al lavaggio dei piatti come artista performativo e trasformare il lavaggio dei piatti in una performance artistica...

Scientificamente inutile, utile solo per il pensiero indipendente.

Se ora credi di aver padroneggiato l'arte performativa con le caratteristiche della definizione più comune e ti metti felicemente a trasformare ogni attività quotidiana in arte, la vita potrebbe essere più divertente, ma non diventerai necessariamente un artista riconosciuto.

L'intera definizione di performance art di cui sopra trascura di menzionare che una performance artistica dipende sempre dal fatto che lo spettatore concordi e segua quella particolare definizione di arte. Potresti già non avere questo tipo di pubblico quando lavi i piatti. Tuttavia, la performance probabilmente dovrebbe comunque essere considerata arte anche se nessuno venisse a guardare; d'ora in poi dovresti essere libero di celebrare ogni lavaggio dei piatti come performance art.

Se ci sono degli spettatori presenti, potrebbe succedere che non ammirino la tua pratica artistica, ma siano invece, senza alcun pensiero artistico, felici che tu abbia lavato di nuovo i piatti... Questa è una dissonanza situazionale: tu stai "facendo arte", e il resto dell'equipaggio sta bevendo vino e "si rilassa" ed è contento di aver trovato lo stesso idiota che lava di nuovo i piatti.

Non meno dissonante potrebbe essere la discussione sulla definizione di performance art con gli storici dell'arte. Ad esempio, se uno storico dell'arte scrive: "La performance art è sempre presente quando un artista agisce di fronte a un pubblico e afferma che queste azioni sono arte, indipendentemente dalla frequenza con cui la performance viene ripetuta", si può concordare o adottare un punto di vista contrario o diverso (che difficilmente lo storico dell'arte prenderà sul serio se proviene da un non storico dell'arte).

Non può, ha già abbastanza a che fare con altri storici dell'arte: gli esperti di arte concettuale prendono la parola e obiettano che questa definizione produce chiaramente opere d'arte concettuale, gli studiosi di teatro vedono definita un'opera teatrale, e hanno ragione, se nell'arte performativa un evento artistico non può mai ripetersi nello stesso modo (mentre i sostenitori della ri-performabilità e della performance per l'eternità hanno molto da dire).

La definizione di performance art può scontrarsi con la definizione di body art, happening e Fluxus; ci sono sovrapposizioni con action art e neodadaismo ; tuttavia, questi vogliono urgentemente differenziarsi, anche se alcune delle loro performance di arte dal vivo , spettacoli di action art , interventi o manovre rispondono a una definizione ristretta di performance art.

Lo storico dell’arte non si limita quindi a scrivere “La performance art esiste quando…”, ma dedica diverse centinaia di pagine alla definizione della performance art, ad esempio nelle opere:

Marvin Carlson: Performance: un'introduzione critica

Erika Fischer-Lichte: Estetica della performativa. Suhrkamp, ​​Francoforte sul Meno 2004, ISBN 3-518-12373-4, 300 pagine

Esistono molte definizioni di performance art, ma nessuna definitiva ( www.zeit.de/2012/11/Ausstellung-ZKM-Karlsruhe/seite-2 ); in questo senso, divertitevi con la vostra prossima performance, attiva o passiva.

L'esame passo dopo passo di una delle definizioni di performance art, come dimostrato sopra, potrebbe fornirti suggerimenti completamente diversi: sei sempre libero di pensare con la tua testa, di scomporre qualsiasi definizione scientifica nelle sue singole parti e di metterla in discussione.

Nell'arte e in altri ambiti della vita, quando qualcuno cerca di convincerti che devi fare qualcosa in un certo modo perché la definizione scientifica attualmente accettata non lascia aperte altre possibilità..

E se stessi solo prendendo in giro l'esempio concreto del lavare i piatti, perché oggigiorno tutti possiedono una lavastoviglie, forse potresti mettere in discussione il tuo atteggiamento nei confronti del mondo dei consumi.

Perché in realtà non c'è motivo di riempire lo spazio abitativo, spesso già limitato, con un elettrodomestico di grandi dimensioni che utilizza prodotti chimici aggressivi (avete mai sentito l'odore delle pastiglie per lavastoviglie?) e molta energia (soprattutto per cicli di lavaggio intensivi per pulire davvero la puzzolente e crescente collezione di piatti) per svolgere compiti quotidiani che potrebbero essere svolti più velocemente senza l'elettrodomestico (la lavastoviglie deve essere caricata), mentre il normale lavaggio dei piatti in una famiglia più piccola può essere fatto a mano con acqua e detersivi delicati senza particolari o altri problemi (il 95% viene fatto tramite ammollo).

Se al momento non siete dell'umore giusto per l'argomento stoviglie: molti articoli della rivista Kunstplaza vi incoraggiano a pensare con la vostra testa e/o a diventare creativi.

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