Andy Warhol – Biografia, vita e opere

Andy Warhol nacque il 6 agosto 1928.

Bisogna impararlo a memoria? Non ci sono molti punti di riferimento per il 6 agosto 1928; probabilmente quel giorno non accadde nulla di entusiasmante nel mondo.

Ma l'anno 1928 potrebbe rimanere più impresso nella vostra mente se leggeste chi altro è nato quell'anno:

• L'attrice Jeanne Moreau
• La leggenda del rock 'n' roll Fats Domino
• Il pianista jazz Paul Kuhn
• Compositore e cantante Serge Gainsbourg
• Leader rivoluzionario Che Guevara
• artista Friedensreich Hundertwasser

Se da qualche parte leggete altre date di nascita di Andy Warhol, non sorprendetevi e non sospettate che siamo stati poco attenti nella ricerca: ad Andy Warhol piaceva giocare un po' con la sua data di nascita e, come molte dive invecchiate, a volte si faceva sembrare due o cinque anni più giovane.

Il vero nome di Andy Warhol

Andy fu originariamente Andrej (Andrijko) e il cognome era Varhola. I suoi genitori avevano già americanizzato il cognome in Warhola , e il piccolo Andrej divenne rapidamente Andrew nel suo nuovo ambiente, dove Andy era la forma abbreviata.

Andy Warhol, con la perdita della "a", nacque "ufficialmente" quando una rivista pubblicò i suoi disegni all'inizio del 1950, che lui firmò "Andy Warhol" e mantenne.

Il soprannome di Andy Warhol

"Drella" dai suoi amici , un nome che unisce "Dracula" e "Cenerentola". Non è chiaro se questo nome sia stato coniato dallo stesso Andy Warhol o da una delle sue "superstar" (Robert Xavier Francis Peter Michael Olivo, soprannominato Ondine).

I seguaci di Warhol, i "Mole People" popolavano Factory , lo adottarono sicuramente rapidamente.

Le tappe fondamentali della vita in sintesi

• Nascita nel 1928
• 1945 Studia graphic design al Carnegie Institute of Technology di Pittsburgh
• 1949 Completamento degli studi
• 1950 Prime pubblicazioni di alcuni disegni; nel frattempo, lavora, ad esempio, come grafico pubblicitario
• 1952 Prima mostra personale (Quindici disegni basati sugli scritti di Truman Capote)
• 1956 Grande mostra al Museum of Modern Art di New York, ma come artista grafico
• 1962 Prima mostra come artista Pop Art a Los Angeles e fondazione della "Factory"
• 1964 Mostra “The American Supermarket” presso l’Upper East Side Gallery di New York
• 1968 Tentativo di assassinio di Warhol con ferite mortali
• 1971 Prima della sua prima opera teatrale "Pork"
• 1972 Morte della madre, che aveva amato sopra ogni cosa
• Warhol muore a New York il 22 febbraio 1987, in seguito a un intervento chirurgico alla cistifellea

Luogo di nascita di Andy Warhol

Andy Warhol nacque a Pittsburgh , nello stato della Pennsylvania, negli Stati Uniti. Pennsylvania prende il nome dal suo fondatore William Penn; Silva significa foresta, quindi in tedesco significa "il bosco di Penn".

Questo stato orientale degli Stati Uniti è uno dei tredici stati originari e si trova a sud di New York. Pittsburgh è la seconda città più grande della Pennsylvania dopo Filadelfia e, al momento della sua nascita, un importante centro dell'industria siderurgica statunitense.

I genitori e l'infanzia di Andy Warhol

I genitori di Andy Warhol, Ondrej e Julia Justyna Varhola, erano immigrati in America qualche anno prima da un villaggio nei Carpazi, oggi in Slovacchia. Andy era il quarto figlio di una famiglia allora piuttosto povera; trascorse i primi sei anni della sua vita nel quartiere povero di Soho.

Durante l'infanzia, ha lottato contro diverse malattie, tra cui un disturbo della pigmentazione che lo faceva sembrare albino. Sebbene ciò gli rendesse difficile fare amicizia con i suoi coetanei, ha favorito il suo talento artistico. I suoi numerosi ricoveri in ospedale lo hanno portato a sviluppare un profondo interesse per diverse forme d'arte.

All'età di otto anni, Warhol si ammalò gravemente di corea di Sydenham, una malattia che lo costrinse a letto. Il suo prolungato riposo a letto probabilmente pose le basi del suo successivo successo artistico; per molto tempo, il giovane Andy non poté fare altro che leggere fumetti, disegnare o ritagliare figure di carta.

Formazione professionale

Andy Warhol si formò come artista commerciale presso il Carnegie Institute of Technology di Pittsburgh dal 1945 al 1949, laureandosi in pittura e design all'età di 21 anni. Da allora, il giovane visionario fu inarrestabile.

Attività professionale

Nel 1950, Andy Warhol si trasferì a New York con il suo compagno di studi Philip Pearlstein, al centro di quello che allora era il fiorente fenomeno della pubblicità di massa. Per circa un decennio, visse di lavori saltuari, grafica pubblicitaria, vetrinistica e vendita ambulante di frutta e verdura.

La pubblicità era il settore che generava più guadagni, ma la produzione richiedeva anche più tempo, così Warhol ideò una sorta di "produzione di massa" : disegnava i suoi disegni con inchiostro o china, li copiava con carta assorbente e li trasferiva su un nuovo foglio. Il risultato furono modelli grafici per riviste, biglietti d'auguri, gadget promozionali e libri di cucina con illustrazioni umoristiche, che poi faceva colorare ai suoi amici "partite di colorazione".

Questa del "drop and dripping" fu l'inizio del successivo metodo di produzione in serie, simile a quello industriale, di Warhol, in cui i suoi dipendenti completavano opere e film.

Nonostante avesse poco tempo per l'arte, Andy Warhol riuscì comunque a sviluppare le sue prime serigrafie. Usò l'inchiostro per disegnare vari motivi come angeli, farfalle e gatti. Copiò questi disegni su un nuovo foglio di carta usando carta assorbente e li pubblicò su vari giornali e riviste. Sebbene la tecnica non fosse nuova, Warhol la rese popolare e ne fece il suo marchio di fabbrica .

La formazione artistica di Andy Warhol

Andy Warhol non ricevette mai una formazione artistica formale; sviluppò la sua pratica artistica partendo dalla sua vita professionale. Grazie alla sua tecnica di riproduzione, Warhol fu tra i grafici più pagati di Manhattan intorno al 1960. New York non era solo il centro della pubblicità, ma anche la roccaforte dell'arte contemporanea, e lui voleva essere tra questi artisti celebrati.

Come grafico, aveva già esposto le sue opere; ora, come pittore, voleva attirare l'attenzione con i suoi dipinti su tela. Inizialmente, scelse motivi familiari tratti dal mondo della pubblicità, dai fumetti e dai cartoni animati e dalle star di Hollywood per le sue opere artistiche, ma si rese presto conto che colleghi noti come Robert Rauschenberg e Roy Lichtenstein avevano già presentato al pubblico motivi molto simili.

Warhol cambiò quindi direzione, andando oltre il concetto di "goccia e sgocciolatura" con le tecniche di serigrafia e collezionando altri motivi familiari, pubblicità e fotografie, da riviste, volantini e programmi cinematografici per trasformarli in arte.

Ancora una volta, Warhol creò subito modelli di serigrafia dei nuovi motivi come prodotti di massa, dai quali poi pubblicò serie con colori modificati, elevando proprio questa produzione di massa al suo credo artistico:

"Amo fare la stessa cosa più e più volte" = "Amo fare la stessa cosa più e più volte"

è una dichiarazione di Warhol molto citata,

“30 sono meglio di uno” = “30 sono meglio di uno”

è un titolo tipico di un'opera di questo periodo, utilizzato per una cartolina con l' immagine della Gioconda , riprodotta 30 volte su tela.

Nel 1952, aveva accumulato abbastanza opere da rendere la sua arte accessibile a un pubblico più vasto. Con l'aiuto di Alexander Iolas, il direttore greco della Galleria Hugo , organizzò la sua prima mostra. Pochi anni dopo, nel 1956, Warhol riuscì persino a far entrare la sua arte unica al Museum of Modern Art di New York .

La svolta artistica di Andy Warhol

Questa "produzione di massa" di opere d'arte ebbe successo; le opere iniziali erano 32 immagini quasi identiche di lattine di zuppa (32 perché la zuppa era venduta in 32 gusti diversi). Warhol utilizzò queste di "zuppa Campbell" per la sua prima mostra personale come artista, nel 1962 alla Ferus Gallery di Los Angeles .

La maggior parte dei visitatori della mostra guardava le lattine con assoluta incomprensione; nessuno le voleva, nemmeno le star di Hollywood che il socio di Ferus, Blum Warhol, aveva promesso come visitatori; in realtà, solo i critici d'arte discutevano intensamente delle zuppe.

Solo cinque trendsetter erano interessati all'opera, tra cui l'attore Dennis Hopper e l'erede di Max Factor, Donald Factor; pagarono ciascuno la cifra richiesta di 100 dollari per la loro foto della sfilata di lattine di zuppa. Se avessero conservato i loro dipinti, sarebbe stato un buon investimento: il Museum of Modern Art di New York pagò 15 milioni di dollari per tutte e 32 le immagini nel 1996.

Nessuno degli acquirenti conservò il proprio quadro all'epoca; furono convinti a riacquistarlo dal lungimirante socio della Ferus, Irving Blum , e Warhol fu convinto a vendere a Blum l'intera serie di 32 quadri per 1.000 dollari (pagabili in 10 rate).

Quando Blum vendette le zuppe al MoMA per la suddetta cifra di 15 milioni, ciò fu già considerato in parte una donazione, tanto era aumentato il valore...

Arte famosa e ricercata di Andy Warhol

Le lattine di zuppa furono seguite da Marilyn Monroe , che utilizzò come modello un fotogramma del film Niagara (1953), su cui Warhol avrebbe poi lavorato in numerose varianti di colore per un periodo di tempo più lungo.

Il modello serigrafico “The Marilyn Diptych” , completato nelle settimane successive alla morte di Marilyn Monroe (agosto 1962, un giorno dopo la chiusura della Ferus Gallery di Los Angeles), con 50 varianti della statua.

Nel corso degli anni, la sua arte divenne sempre più bizzarra, sebbene lui stesso sostenesse di essere autoprodotta, poiché tutto il materiale di partenza era già disponibile. A partire dal 1962, lanciò la sua "Death and Disaster" , in cui presentava foto giornalistiche di incidenti sconvolgenti, distorte attraverso sottili ritocchi. Il suo obiettivo era esplorare la manipolabilità tecnica della percezione della realtà attraverso l'arte.

Nel 2004, il quotidiano inglese “Guardian” ha condotto un sondaggio tra 500 artisti, critici ed esperti d’arte, da cui questo dipinto è emerso come la terza opera d’arte contemporanea più influente al mondo.

Seguirono molte altre Marilyn, come le "Ten Marilyn" del 1967; le "James Dean , "Elvise" e "Liz Taylor" erano disponibili in innumerevoli varianti. In seguito arrivarono molte opere sperimentali come film, happening e produzioni musicali; nel suo periodo di massimo successo commerciale, Andy Warhol creò persino un ritratto di chiunque pagasse 25.000 dollari per ottenerlo.

Una selezione delle sue opere su Pinterest

Andy Warhol come regista

Nel 1962 creò qualcosa di unico: la "Factory" a New York. Si trattava di capannoni industriali trasformati in studi dove lui e altri artisti potevano dare libero sfogo alla loro energia creativa. La "Factory" divenne un luogo di creazione e di vita per vari artisti e intellettuali.

Celebrità come Jim Morrison , Bob Dylan e Mick Jagger erano visitatori abituali, poiché la "Factory" veniva utilizzata anche come location per feste . Utilizzava questi spazi unici non solo per la sua pop art, per la quale utilizzava principalmente tele di 100x100 centimetri, ma anche per i suoi film.

Alcune delle sue opere furono accolte con disapprovazione, poiché produceva materiale contenente, tra le altre cose, nudità. Inoltre, nel 1966 fondò il gruppo rock Velvet Underground , con il quale lavorò a spettacoli nei nightclub.

Sebbene molti dei suoi film e produzioni d'autore rimangano praticamente sconosciuti, ha comunque creato un corpus di opere che comprende quasi 200 film. Le tre produzioni seguenti sono particolarmente degne di nota:

"Le ragazze di Chelsea", 1966

Nel 1966, Andy Warhol e Paul Morrissey co-diressero "The Chelsea Girls". Il film offre uno sguardo sulla vita degli ospiti del Chelsea Hotel di New York City, dove Warhol fondò "The Factory" nel 1964 come residenza per artisti, musicisti, ballerini, attori e altri creativi.

Questa casa ospitava le "superstar" della scena creativa di Warhol, le cui stravaganze permeano il film. Commissionato da Jonas Mekas, il film è stato concepito senza tagli su dodici rulli di pellicola e in un'unica ripresa. "The Chelsea Girls" si sposta di stanza in stanza, rivelando le vite straordinarie degli abitanti della "Factory".

"Film blu", 1969

Il film "Blue Movie" è stato prodotto da Paul Morrissey e diretto da Andy Warhol. Racconta le vite degli amanti Viva e Louis Waldon, che vivono insieme in un appartamento a Manhattan. Il film mostra conversazioni casuali tra i due, che includono argomenti seri come la società e la guerra del Vietnam, oltre a chiacchierate spensierate sotto la doccia e vere e proprie scene di sesso.

Gli attori arricchiscono il film con scene erotiche che riflettono la vita quotidiana della coppia. Il tono del film è avvincente e ritrae in modo impressionante la vita di una coppia a Manhattan.

Nell'ottobre del 1968, il film rivoluzionario "Blue Movie" fu girato nell'appartamento del critico d'arte David Bourdon, nel pittoresco Greenwich Village. È considerato il primo film del suo genere ad essere proiettato pubblicamente. La fotografia è magistrale e cattura il graduale risveglio dei personaggi alla consapevolezza di sé.

Il rapporto sessuale è qui rappresentato come la massima forma di protesta politica contro la guerra del Vietnam. Un uso giocoso della macchina da presa e una regia sottile rendono questo film un capolavoro della storia del cinema.

"Spazzatura", 1970

I protagonisti vivono in povertà e tossicodipendenza, cercando di sbarcare il lunario vendendo spazzatura. Il film descrive la dura realtà della vita in una grande città e la disperazione che la accompagna. Gli attori offrono interpretazioni impressionanti, facendo sentire lo spettatore parte di questo mondo.

La regia di Morrissey è magistrale e conferisce al film un'atmosfera unica. Con "Trash", il team formato da Morrissey e Warhol ha creato un classico senza tempo che rimane attuale e stimolante ancora oggi.

Il lavoro della vita

Tutte queste serie di immagini di attori e cantanti divennero l'epitome della "Pop Art" e Andy Warhol divenne la figura di spicco di questo movimento artistico.

La Pop Art divenne la tendenza artistica più in voga negli Stati Uniti e in Europa negli anni '60. Quest'arte, con la sua propensione per il banale, fu spesso vista dai critici più influenti dell'epoca come una reazione, da tempo attesa, all'arte astratta eccessivamente intellettuale dell'epoca. In ogni caso, un artista Pop Art scarso interesse per l'astrazione; mira a rappresentare la realtà, oggetti quotidiani e comuni, che vengono resi ancora più facilmente comprensibili sottolineandoli con linee nere, illustrazioni dei fumetti

Inizialmente, i motivi della Pop Art derivavano tipicamente dalla cultura quotidiana, dai mass media, dalla pubblicità o dal mondo dei consumi, presentati in forme realistiche o addirittura esagerate. Nella sua fase successiva, influenzata dalla guerra del Vietnam e dai disordini razziali , dal crescente consumo di droga e dall'assassinio di John F. Kennedy, la Pop Art adottò una visione più critica della società opulenta .

Inizialmente, Warhol utilizzò tutto ciò che dalla cultura popolare poteva essere presentato in modo glamour, come celebrità o lattine di zuppa, prima di ricorrere sempre più spesso a immagini meno invitanti, come foto di incidenti stradali e suicidi per la stampa, come modelli.

Persino i sopravvissuti alle tragedie, che erano al centro dell'attenzione pubblica, vennero utilizzati in nome dell'arte, come la triste Jackie Kennedy dopo l'assassinio del marito.

Poco dopo l'assassinio di John F. Kennedy, avvenuto il 22 novembre 1963, Andy Warhol iniziò la sua serie del 1964 intitolata "16 Jackies" , basata su fotografie tratte dalla copertura mediatica internazionale della morte di John F. Kennedy.

Le opere d'arte della Pop Art attirarono molta attenzione e, con il loro linguaggio chiaro, divennero rapidamente un oggetto di culto agli occhi del pubblico; influenti critici d'arte attribuirono presto un fascino estetico alle immagini facilmente commercializzabili.

Le immagini avevano un fascino visivo immediatamente accessibile a tutti, ma il loro significato più profondo si scopriva nella rivelazione della natura manipolativa della cultura popolare: queste immagini, secondo i critici d'arte più in voga all'epoca, ci mostrano come noi consumatori siamo manipolati dai mass media.

Le vite di Andy Warhol (Documentario – Parte 1)

La prima parte del documentario Andy Warhol inizia con un'analisi approfondita della sua infanzia povera nella Pittsburgh degli anni '30 e '40, offrendo uno sguardo raro dietro la facciata di una delle personalità più famose della Pop Art della storia.

Questo ritratto spesso avvincente e profondamente commovente esamina poi i primi anni della sua carriera come grafico pubblicitario dagli anni '50 agli anni '60, quando produsse le sue celebri immagini pop serigrafate.

La vita di Andy Warhol (Documentario – Parte 2)

La seconda parte di Andy Warhol esamina la sua espansione più produttiva nel mondo dell'arte.

Cinema, scultura, performance art, drammaturgia ed editoria sono solo alcune delle opere di Warhol. Oltre ai suoi famosi dipinti e sculture , Warhol fu il creatore di molti classici del cinema d'avanguardia, nonché il produttore di uno spettacolo multimediale con i Velvet Underground (una delle band rock più influenti della storia) e co-fondatore dell'iconica rivista di cultura pop Interview.

Con filmati rari e interviste, la seconda parte di questa storia straordinariamente provocatoria esamina un artista anticonformista, apparentemente ebbro di fama, la cui opera è stata un flusso continuo di simbolismo culturale.

Le principali mostre di Andy Warhol: una panoramica

Almeno dal 1965, i dipinti di Andy Warhol sono stati unanimemente celebrati come fenomeni del mercato dell'arte, per molti anni (se non sempre) più in Europa che nella sua patria: Andy Warhol ha partecipato alla 34ª Biennale di Venezia e alla 4ª documenta nel 1968, alla 36ª Biennale di Venezia nel 1972 e alla 6ª documenta nel 1977. Le sue opere sono state esposte alla Royal Academy of Arts di Londra nel 1981, alla 7ª documenta nel 1982, alla 41ª Biennale di Venezia nel 1984 e alla 42ª Biennale di Venezia nel 1986.

Nel 1995 ha partecipato alla 46ª Biennale di Venezia , nel 1996 è stato per la prima volta a New York e da allora le sue opere sono state esposte in oltre 2.500 mostre in tutti i principali centri d'arte del mondo.

Nella sua nuova patria, la gente sembrava essere considerevolmente meno entusiasta di Andy Warhol rispetto al resto del mondo (dell'arte contemporanea); negli Stati Uniti ha avuto solo circa 400 mostre, che rappresentano poco meno del 15% di tutte le mostre (il che potrebbe essere dovuto anche al fatto che la presentazione pubblica dell'arte ha uno status molto inferiore negli Stati Uniti rispetto all'Europa; potete leggere di più a riguardo nell'articolo "Art-o-Gram: l'importanza dell'arte come specchio della società").

Ancora nel 2013, un buon quarto di secolo dopo la sua morte, oltre 40 rinomati eventi artistici in tutto il mondo hanno incluso Andy Warhol nel catalogo delle loro mostre.

Stile di vita e vita amorosa dell'artista

Warhol aveva già fondato la sua Factory nel 1962, comprendente vari studi in edifici industriali di New York, dove lavorò a un'ampia gamma di progetti. Queste Factory divennero rapidamente molto più di un semplice luogo per la serigrafia: fin dall'inizio, gli studi servirono a Warhol anche come spazio sperimentale e studio cinematografico.

Gli studi cinematografici offrivano anche alloggi per la notte ai protagonisti del film e, già all'epoca, la Factory si trovava a pochi passi dall'iconica location della festa. La scena creativa newyorkese si riuniva alla Factory , ricca di star; Mick Jagger, Bob Dylan e Jim Morrison erano lì con la stessa frequenza di Salvador Dalí e Marcel Duchamp.

Quando iniziarono ad apparire le star dei film underground di Warhol, come l'artista pop Robert Indiana (attore nel film "Eat", mostrato mentre mangia funghi) e i musicisti del suo gruppo rock The Velvet Underground, gli eventi alla Factory divennero tanto famosi quanto famigerati.

Questi eventi multimediali si trasformarono presto in una colorata successione di assordante musica rock e di effetti luminosi e stroboscopici che intorpidiscono la mente; il pubblico rimase scioccato dalle provocazioni sessuali visivamente più delicate degli artisti danzanti e si diceva che la droga circolasse in quantità inimmaginabili.

Il tentato omicidio di Valerie Solana (vedi sotto) rovinò definitivamente l'atmosfera mondana della Factory per l'artista. Dal 1968 in poi, la Factory fu considerata un edificio per uffici e Warhol si rivolse alla scena glamour e mondana di New York. Negli anni '70, era un habitué dei locali alla moda di New York, come lo Studio 54. Gli piaceva anche guardare film quasi pornografici con protagonisti tossicodipendenti, ma non catturarono a lungo il suo interesse. Passò alle parodie western e ai film horror con cowboy gay e patetici Conte Dracula, tutti sempre più diretti da Paul Morrissey.

Anche la vita sentimentale di Andy Warhol si svolse nel contesto della Factory. L'artista timido, che non era particolarmente sicuro del suo aspetto, non la trovò priva di sfide, come rivelano alcune delle sue affermazioni nel libro del 1975 "The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back ". Warhol credeva che le relazioni amorose consumassero completamente una persona, ma non ne valessero davvero la pena. Rivelò la sua intuizione che in amore sarebbero inevitabili i problemi se si fosse sempre alla ricerca del soufflé che non crolla mai.

Warhol auspicava un corso base sull'amore, ma d'altro canto suggeriva che sarebbe stato altrettanto utile restare all'oscuro di tutto, altrimenti non si avrebbe più nulla a cui pensare o sognare per il resto della vita.

Warhol vide la ragione dell'allontanamento del suo tempo dai vecchi valori nella maggiore aspettativa di vita dei suoi contemporanei, insieme ai problemi che ne derivavano. Raccomandò ai genitori che amavano veramente i propri figli di insistere nel rimandare il più possibile qualsiasi contatto con il sesso opposto, in modo che i bambini avessero qualcosa da attendere con ansia per molto tempo.

Dopo l'assassinio, la vita di Warhol divenne più tranquilla, in parte grazie all'influenza di Paul Morrissey, sempre più presente, che disprezzava apertamente la musica rock e l'uso di droghe e si assicurava sempre più che la Factory rimanesse libera da drogati e festaioli.

Andy Warhol nei media

L'attenzione dei media su Andy Warhol era costante; ogni evento alla Factory forniva alla stampa materiale sufficiente per un resoconto dettagliato, costellato di numerosi nomi di spicco.

Per almeno 8 anni la stampa scandalistica era stata ben rifornita da lui, finché Warhol, in quanto partecipante sgradevole e passivo, il 3 giugno 1968 fece ai media un regalo molto speciale:

L'assassinio di Andy Warhol e le sue conseguenze

Quel giorno, la femminista radicale Valerie Solanas tentò di sparare ad Andy Warhol. Nell'ascensore della Factory, estrasse una pistola da un sacchetto di carta e sparò, nonostante Warhol urlasse: "No! No! Valerie! Non farlo!". Una seconda e una terza volta, con il terzo colpo che colpì Warhol al petto. Solanas, in quanto fondatrice e unica membro della SCUM ("Società per Tagliare gli Uomini"), si considerava destinata a eliminare quanti più uomini problematici possibile, e Warhol era un uomo problematico.

Solanas si lasciò arrestare da un agente di polizia a Times Square. Warhol era inizialmente clinicamente morto all'arrivo in ospedale, ma fu salvato da un intervento chirurgico durato cinque ore e mezza. Dopo quasi due mesi, fu dimesso e si rimise subito al lavoro. Il tentato omicidio, tuttavia, lo cambiò: invece di rimanere sveglio tutta la notte, Warhol tornò a casa presto. L'attacco lasciò anche cicatrici fisiche e da quel momento in poi Warhol dovette indossare costantemente un corsetto medico.

L'ultima edizione del "New York Post" titolò: "Andy Warhol lotta per la vita". Molti giornalisti che in passato non avevano ricevuto sufficiente attenzione videro in questa notizia una gradita opportunità per regolare i conti. Tuttavia, l'uomo che per anni aveva celebrato ogni forma di eccesso non fece che trarre vantaggio da questa copertura mediatica. Il mercato dell'arte reagì all'attacco a modo suo; la sparatoria aveva definitivamente consolidato lo status di Warhol come superstar della Pop Art.

Prima della frenesia mediatica, i suoi dipinti avevano raggiunto un prezzo medio di circa 200 dollari; in seguito, furono improvvisamente venduti per non meno di 15.000 dollari. L'ampia copertura mediatica rese l'artista Andy Warhol onnipresente quanto la sua arte: ironia della sorte, l'assassinio aprì ad Andy Warhol una strada che aveva sempre desiderato seguire: la strada verso la fama.

Quanto costa un'opera d'arte di Andy Warhol?

Moltissimo, sicuramente da giugno/luglio 1968: come appena descritto, il prezzo delle sue opere d'arte è esploso dopo l'attentato a Warhol, e da allora i prezzi sono rimasti nella sfera in cui questa esplosione li ha portati, almeno.

Alcuni esempi successivi: "Green Car Crash – Green Burning Car I" è stato venduto per 71,7 milioni di dollari a un'asta di Sotheby's nel 2007. Sempre della "Death and Disaster" , risalente al 1963, è "Silver Car Crash (Double Disaster)", venduto per oltre 105 milioni di dollari (allora 78 milioni di euro) all'asta nel novembre 2013, diventando per molto tempo il sesto dipinto più costoso al mondo.

A volte alcune opere di Warhol vengono vendute al prezzo stimato, come "Liz #1 ", un ritratto di Elizabeth Taylor pochi minuti dopo il " Silver Car Crash ", per 20,3 milioni di dollari. Probabilmente si è trattato di un pessimo tempismo da parte dei venditori, dato che Liz Taylor era morta a Los Angeles quasi tre anni prima... Non c'è motivo di essere cinici, però: a volte alcuni Warhol rimangono invenduti all'asta, e se la situazione continua per un po', si ha una concreta possibilità di aggiudicarsi un dipinto di Warhol per meno di 20 milioni di dollari.

L'artista nel nostro mondo

Poiché questi prezzi sono ben al di fuori della portata della maggior parte delle "persone normali", e una "persona normale" farebbe sicuramente cose molto più sensate con tali somme, la maggior parte di noi si accontenterà di guardare Andy Warhol (e altri addirittura rinunceranno a farlo).

Le opportunità sono davvero numerose; le mostre in corso dedicate alle opere di Warhol sono frequenti e ci sono diversi luoghi d'arte in tutto il mondo dove è possibile ammirare le opere di Andy Warhol ogni giorno. Ad esempio, l'Andy Warhol Museum nella sua città natale, Pittsburgh, il Carnegie Museum of Art, sempre a Pittsburgh, la Kantor Gallery di Los Angeles e l'Andy Warhol Museum of Modern Art di Medzilaborce, in Slovacchia.

Sei un vero fan? Non ti basta? Ecco qua: dal 6 agosto 2013 (85° compleanno di Warhol), l'Andy Warhol Museum di Pittsburgh ha installato una webcam per lo streaming video in diretta sulla tomba dell'artista. Questa webcam trasmette ininterrottamente perché, secondo il direttore del museo, è "un modo fantastico per tenere Andy in onda 24 ore su 24, sette giorni su sette, e in contatto con il nostro pubblico globale".

Ecco il link diretto a Warhol: https://earthcam.com/usa/pennsylvania/pittsburgh/warhol/ .

La fine

Andy Warhol morì il 22 febbraio 1987 a New York City all'età di 58 anni. Morì inaspettatamente a causa di complicazioni successive a un intervento chirurgico alla cistifellea al New York Hospital; le circostanze esatte rimangono ancora oggi poco chiare.

La tenuta

Warhol lasciò la maggior parte della sua fortuna, insieme ai lasciti alla sua famiglia, alla Andy Warhol Foundation for Visual Arts , la cui istituzione aveva stabilito nel suo testamento.

Il suo amico e direttore commerciale Frederick W. Hughes divenne l'esecutore testamentario del suo patrimonio; il New York Magazine dell'epoca stimò la fortuna in oltre 100 milioni di dollari, stime successive parlano di 600 milioni di dollari (la collezione privata di Warhol di opere dei suoi colleghi artisti ha da allora fruttato diversi milioni di dollari, così come l'asta dei suoi cimeli).

Il patrimonio immateriale è quasi ancora più impressionante:

I critici d'arte stanno ancora discutendo se Warhol

• Con la sua versione della Pop Art, creò semplicemente una sorta di industria culturale, focalizzata sulla massimizzazione dei profitti
• o addirittura celebrava la cultura consumistica americana nelle sue opere, combinata con una sfumatura dei confini tra arte autonoma e banale,
• o meglio, criticava la società consumistica americana, compreso il trattamento ironico riservato alle star e ai VIP.

In ogni caso, Andy Warhol riuscì a commercializzare la sua arte in modo impressionante e, con il motto "Un buon affare è la migliore arte", ispirò un'intera serie di artisti successivi ad agire come imprenditori capitalisti a pieno titolo: Jeff Koons, Richard Prince e Damien Hirst, ad esempio, riuscirono a vendere le loro opere agli amanti dell'arte (o speculatori) a prezzi davvero impressionanti e intere industrie di articoli di merchandising ispirati all'arte nacquero Takashi Murakami

Esistono innumerevoli tributi artistici ad Andy Warhol, come "The Andy Monument" di Rob Pruitt "Songs for Drella" degli ex membri dei Velvet Underground John Cale e Lou Reed , e la canzone "Andy Warhol" dall'album in studio di David Bowie Hunky Dory (il cui ritornello "Andy Warhol looks a scream" non piacque molto a Warhol, che era tormentato da complessi riguardo al suo aspetto; si dice che Warhol abbia definito la canzone orribile). Se volete giudicare voi stessi:

Consigli di lettura su Andy Warhol e il suo tempo

Per gli amanti dei libri che desiderano immergersi nell'epoca di Andy Warhol, si consiglia "POPism – The Warhol Sixties" , nella versione tedesca "POPism – Meine 60er Jahre"

Questo libro è senza dubbio una delle autobiografie d'artista più autentiche del secolo scorso , ed è celebrato anche dalla critica letteraria. Dettato da Andy Warhol nel 1980 e trascritto dal suo assistente Pat Hackett, il racconto dei meravigliosi anni '60, della vita libera – persino pericolosamente libera – e della sfrenata sperimentazione creativa si dice si sia fuso in un libro quasi fiabesco.