Jasper Johns : L'art comme moyen d'explorer et de faire face à la vie

Durant son amitié avec Robert Rauschenberg et au sein du cercle de John Cage, Johns fut inspiré par Cage et travailla avec Rauschenberg ; ce furent les tournants décisifs sur la voie de son propre développement artistique.

L'œuvre de Jasper Johns révèle une gamme intéressante d'objectifs et de nuances :

Sans cesse, des drapeaux, des cibles, des chiffres

À partir de 1954, furent créés les premiers drapeaux, cibles et chiffres présentés plus en détail dans l'article « Jasper Johns : artiste né, vie avec et pour l'art » , qui apparaîtraient ensuite à maintes reprises dans son œuvre :

• « Figure 8 », 1959
• "Drapeau", 1971
• "Cible", 1958
• "Cible", 1960
• « Figure 2 », 1963
• « Figure cinq », 1963–64
• « Cible (ULAE 147) », 1974

Johns s'est également consacré à de nombreux autres sujets :

« False Start » et « Device Circle » de 1959 sont également des dessins et des peintures typiques de Jasper Johns, réalisés avec un « bras mécanique » (généralement une sorte de bande de bois) avec lequel Johns grattait la peinture sur la toile, comme souvent en arcs, courbes ou cercles, tandis que le bras restait en contact avec la toile.

Le « Cintre » et le « Bronze peint » , des incursions claires dans le Pop Art qui révèlent l’énorme influence de Rauschenberg sur le travail de John.

L'art comme symbole de la vie

Johns développera plus tard le thème des « dispositifs » « empreintes corporelles » , « une allégorie globale de l'art comme et à partir du corps » :

• « Périscope (Hart Crane) », 1962
• "Plongeur", 1962-63

Ce mélange d’« appareil » et d’« empreinte corporelle » apparaît à partir de 1963. Dans « Périscope », « Plongeur », mêlant peinture éraflée et empreinte corporelle .

Le conservateur et directeur du département d'art moderne et contemporain de la National Gallery of Art de Washington DC, voyait dans cette technique « la réinvention de la figuration dans l'art moderne » – la manifestation du processus mécanique à elle seule confère au corps une nouvelle place dans les arts visuels.

L'art comme récit de vie personnel

Dans « Periscope » et « Diver », Johns a également traité de bouleversements personnels, d'une part sa douloureuse séparation d'avec son compagnon de longue date Rauschenberg, et d'autre part le suicide du poète Hart Crane , dont la poésie l'avait profondément marqué.

Né en 1899, le poète Hart Crane, psychologiquement instable et hypersensible, ne s'était attiré que des problèmes financiers et de mauvaises critiques malgré une bourse Guggenheim pour ses deux recueils de poésie publiés, « White Buildings » (1926) et « The Bridge » (1930).

Il se suicida ensuite de façon spectaculaire en public le 27 avril 1932, en sautant du SS Orziba dans le golfe du Mexique, les deux bras levés vers le ciel. Son corps ne fut jamais retrouvé.

Johns a inclus le geste des mains tendues dans les photos ; cette référence visuelle au suicide de Crane est censée exprimer le stress émotionnel de John face à la catastrophe de la séparation d'avec Rauschenberg.

Histoires sur l'art et le mystère de la vie

Toujours en 1963, « Land’s End » , un autre exemple de la façon dont les peintures de John racontent des histoires profondes et intenses, cette fois non pas sur la vie, mais sur l’art :

Dans son œuvre de 1929 « La trahison des images » , René Magritte posait la question fondamentale de ce que l'image peinte d'un objet a à voir avec l'objet lui-même – selon l'interprétation la plus répandue dans l'histoire de l'art, Magritte montrer et prouver par la peinture que même la représentation la plus réaliste n'est pas identique à l'objet lui-même.

Dans le même esprit, Johns, dans « Land’s End » (et dans nombre de ses autres toiles des années 1960), s’interroge : le nom d’une couleur est-il identique à la couleur elle-même ? Et surtout, comment peut-on savoir ou croire qu’une couleur comme le rouge n’est pas en réalité jaune ? Où s’arrête le rouge et où commence le jaune ? Le rouge est-il défini par son contraire, par exemple par le fait qu’il n’est ni argent ni bleu ? Le rouge est-il dépourvu de toute qualité intrinsèque, simple description de relations ? Qui en décide ?

Contrairement à Magritte, Johns n'apporte aucune réponse définitive à ces questions ; bien au contraire, son véritable et grand mérite d'artiste réside dans le fait qu'il interroge le monde. De nombreuses questions, et c'est précisément ce que le spectateur est censé ressentir en contemplant une œuvre de Johns : être amené à réfléchir aux multiples questions existentielles auxquelles il n'existe pas de réponses certaines.

Nous sommes emportés par les eaux tourbillonnantes qui nous entourent ; nous apercevons l’immense vague à l’horizon, mais nous ne pouvons lui échapper. Selon Johns, la stabilité est illusoire ; nous ne pouvons nous fier à rien ni à personne avec certitude. Rien n’a de valeur intrinsèque, tout est étiqueté, défini par ses relations à autre chose, et ainsi tout est interconnecté.

Dans « Land’s End », Johns illustre ce concept par l’utilisation de lettres aux couleurs primaires qui, à l’instar de l’ensemble de l’image, sont peu colorées. L’image, entièrement grise, est un mélange de gris chauds et froids, bruns et bleus, expliquant ainsi l’interaction du gris avec la couleur. Le gris se situe au milieu du spectre, mélange de noir et de blanc, ou encore la couleur obtenue en mélangeant des couleurs opposées – comme le célèbre Torrit Grey Gamblin Artist Colors , composé de toutes les couleurs produites dans son usine. Le gris peut donc être riche de couleurs, contenant même l’ensemble du spectre, sans que nous puissions distinguer aucune des couleurs individuelles.

De même, « Selon quoi » (1964) a été créée, composée de plusieurs toiles assemblées, de panneaux peints intégrant divers objets trouvés, utilisant des techniques d'œuvres antérieures, des coups de pinceau, des noms de couleurs au pochoir et des empreintes de parties du corps. Ici, cependant, Johns a élargi son répertoire visuel en incluant des éléments tels que des pages de journaux sérigraphiées, qui placent le Kremlin au centre de la peinture et l'ouvrent à la discussion.

Warhol et Rauschenberg utilisaient la sérigraphie pour transformer aisément des photographies en peintures sans aucune indication de la main de l'artiste ; Johns s'engage intensément dans la sérigraphie artistique pour renforcer l'idée de l'enchevêtrement de l'artiste et du dispositif, qu'il a explorée « Periscope »

À l'extrême gauche, en hommage à son mentor Marcel Duchamp, il place une petite toile représentant la silhouette de Duchamp, dont seul le verso, avec la date, le titre et la signature de John, est visible ; au-dessus de cette toile, une chaise renversée tend ses pieds vers le ciel.

Ces objets trouvés ont été ajoutés parce que Johns voulait créer une peinture qui « permettrait aux choses de changer » au gré de la lumière et du point de vue du spectateur autour de l’œuvre – un changement de perspective qui illustre la conviction de Johns que nous percevons le monde à travers d’innombrables fragments différents, chaque changement de contexte offrant une perspective différente.

L'art comme moyen de faire face à la vie

Dans cette même veine, on trouve « Racing Thoughts » (1983). L’expression « pensées accélérées » est un terme reconnu dans les pays anglophones pour désigner la surcharge mentale associée à toutes sortes de maladies ou de troubles mentaux. Johns lui-même a souffert d’une forme légère de ce phénomène en 1983 ; il s’est ainsi familiarisé avec le terme médical et a été très amusé de découvrir que les pensées accélérées constituent un syndrome largement connu.

Avec « Scent » , 1973-74, un format assez grand, une nouvelle ère commence ; Johns y établit les règles de base de ses « images hachurées ».

L'œuvre « Scent » se compose de neuf panneaux, soit trois toiles, chacune divisée en trois par des lignes tracées. Les trois panneaux de gauche et les trois de droite sont identiques, de même que les troisième et quatrième, et sixième et septième. Ils peuvent être étiquetés (par exemple, de droite à gauche : ABC, CDE, EFA) et regroupés (CDE, EFA, ABC) ; les bords restent toujours alignés.

Avec le titre Scent, Johns a choisi un titre déjà utilisé par Rauschenberg et Jackson Pollock ; ceci est perçu comme une référence et/ou un clin d'œil ironique à un art entré dans l'histoire de l'art.

« Cadavre et Miroir II » , 1974-75, est également une image hachurée de ce type, dont Johns a dit un jour à propos du motif : « Je ne l’ai vue qu’une seconde, mais j’ai su immédiatement que je l’utiliserais. Elle possédait toutes les qualités qui m’intéressent : l’ébauche d’une lettre, la répétabilité, un caractère obsessionnel, un ordre silencieux et la possibilité de rester totalement dénuée de sens. »

Parmi les autres tableaux célèbres dans le style de Scent, on peut citer les triptyques « Femmes qui pleurent » , 1975, qui ferait aux nus peints par Picasso durant sa période cubiste de 1907 à 1909 , et « Entre l’horloge et le lit » , 1981, inspiré par « Autoportrait entre l’horloge et le lit » , 1940-1942 d’ Edvard Munch .

L'art et l'histoire de l'art

Johns s’est « Retable d’Issenheim » de Matthias Grunewald pour créer « Perilous Night » :

Les soldats terrassés par la lumière éclatante du Christ ressuscité dans la deuxième fresque .

Sans ces informations préalables, « Nuit périlleuse » apparaît comme une image sombre et dense qui ne semble pas vouloir dévoiler son sens au spectateur de son plein gré. Les connaisseurs savaient que les peintures de John font souvent référence à l'histoire de l'art, mais même le critique d'art le plus perspicace n'avait pas fait le lien avec le « Retable d'Issenheim », si bien que John lui-même finit par révéler la référence.

Dans « Ventriloquist » , 1983, Johns agence des drapeaux, des chiffres et des cibles en un autoportrait symbolique, qui n'est pas immédiatement évident.

La composition paraît assez réaliste, avec le clou tordu dans l'ombre, le panier en osier peint avec soin et la représentation détaillée des pipes à droite. À gauche, un détail ravira les connaisseurs et les amateurs d'art excentrique : des poteries originales du céramiste George Edgar Ohr, qui se faisait appeler « le potier fou de Biloxi », là, et une baleine est incrustée dans les lignes du fond (inspirée, dit-on, de la célèbre illustration de 1979 de Moby-Dick d'Herman Melville par l'artiste et illustrateur Barry Moser ).

Deux drapeaux américains, l'un au-dessus de l'autre et dans des tons opposés sur le cercle chromatique, divisent les pages, et l'image en noir et blanc dans le coin supérieur droit, à y regarder de plus près, se révèle également être une copie inversée (d'une lithographie de l'artiste Barnett Newman, que Johns vénérait) – le ventriloque Johns a beaucoup à nous dire.

Tout comme dans « Les Saisons (Été) » , 1987, où le petit colibri sur la branche est tout aussi difficile à repérer que la charrette copiée du « Minotaure déplaçant sa maison » de Picasso , sur laquelle Johns dispose à nouveau quelques pots d’oreille, attributs de ses propres œuvres et (en mémoire de Léonard de Vinci et Marcel Duchamp ) une Joconde .

Quel est le sens de l'hippocampe ? Vous n'allez jamais le deviner : il est censé évoquer l'image de la jument mettant bas dans le Minotaure de Picasso (bien que cela ne soit pas très clair). Certains y voient également une allusion aux stéréotypes de genre, puisque chez les hippocampes, c'est le mâle qui porte les petits. En 1986, les séries automne, hiver et printemps de « Été » ont été créées, et elles recèlent tout autant de choses à découvrir.

L'art comme énigme

Comme dans…

• « Mirror's Edge », 1992
• « Les Saisons », 1990
• « Rien du tout Richard Dadd », 1992

Dans les années 1990, de nouvelles voix peuplent les tableaux de John, et les anciennes voix peuvent être lues d'une manière totalement nouvelle.

« Mirror's Edge » est basé sur le plan de la maison d'enfance de John, « Nothing at All Richard Dadd » ; ce tableau est inspiré du peintre anglais Richard Dadd , qui a assassiné son père au XIXe siècle parce que des voix fantomatiques le lui avaient ordonné.

Nous ignorons à quoi les « pensées frénétiques » à cette époque, mais Richard Dadd passa le reste de sa vie dans un hôpital pour criminels aliénés, où il écrivit un long poème sur son chef-d'œuvre : « Les Coupeurs de fées » (Peinture des fées).

Le dernier vers de ce poème affirme que « rien ne peut être fait à partir de rien » – Dadd semblait créer de l'art par une sorte de nécessité intérieure, ce qui, selon de nombreux historiens de l'art, explique pourquoi Johns y faisait référence.

De plus, les trois images présentent certaines similitudes, dont l'identification est laissée au spectateur curieux. Il en va de même pour l'interprétation des deux dernières œuvres célèbres de Johns :

« Near the Lagoon » (2002-2003), que le directeur de l’Art Institute of Chicago a qualifiée de chef-d’œuvre d’un artiste parvenu à maturité. Un artiste qui, à un âge avancé, avait produit une œuvre profonde dans laquelle il portait un regard rétrospectif sur lui-même et sur l’histoire de l’art – et qui affirmait que les Américains devaient enfin abandonner l’idée fausse selon laquelle les premières œuvres d’un artiste sont toujours les plus importantes.

« Fragment de lettre » , 2009, dans lequel Johns, à l'âge tendre de 81 ans, montre qu'il est toujours capable d'inventer des formes visuelles et des modes de représentation – les mains dans le fragment de lettre à gauche parlent un langage des signes déchiffrable, un exercice pour les esprits très brillants lorsque le côté droit reste caché.

L'œuvre de Jasper Johns dans l'espace public : histoire des expositions et art dans les collections publiques

En 1954, il avait trouvé sa voie artistique, et les premiers motifs typiques désormais associés à l'artiste Jasper Johns ont émergé : des « cibles », des drapeaux américains, des cartes, des images avec des chiffres, des mots et des lettres.

En 1957, Johns Leo Castelli , un banquier amateur d'art qui avait émigré d'Europe à New York en 1941 et qui était en train de créer sa galerie, récemment ouverte dans son salon, comme lieu de rencontre pour les scènes artistiques européenne et américaine. Contrairement aux galeries établies, pour la plupart conservatrices, Castelli s'intéressait à l'« originalité » de ses artistes ; il organisa une exposition collective pour Johns la même année et la première exposition personnelle de Jasper Johns en 1958 .

De plus, en 1958, l'historien d'art et directeur fondateur du Museum of Modern Art, Alfred Barr, les premières œuvres pour le MoMA, Johns produisit un concert rétrospectif de John Cage avec Rauschenberg et Emile de Antonio au Town Hall de New York, et l'ascension commença, irrésistible.

À partir de 1958, Johns expose régulièrement chez Castelli (1960, 1961 et 1963) et acquiert ainsi une grande popularité en Europe également : en 1964, la première exposition de Jasper Johns a lieu à la Whitechapel Art Gallery de Londres ; à l'instigation de l'ancienne épouse et partenaire de Castelli, Ileana Sonnabend, Johns peut exposer à la II Biennale de Paris .

Johns a participé à la Biennale de Venise (1970, 1978, 1988) , à la documenta de Kassel (1964 documenta 3, 1968 documenta 4, 1972 documenta 5, 1977 documenta 6), a travaillé avec Samuel Beckett à Paris (1973) et a créé des graphismes et des maquettes de livres pour les huit courts textes en prose de Beckett, Fizzles (1977). Il a conçu des costumes, des décors et des affiches pour John Cage et Merce Cunningham et leur compagnie de danse.

Les œuvres « Flags, Targets, and Numbers » sont familières à tous les amateurs d'art. Ceux qui possèdent une formation artistique plus approfondie connaissent également les autres œuvres de Jasper Johns mentionnées précédemment. Les occasions de les admirer n'ont pas manqué :

Jasper Johns peut désormais se remémorer plus de 150 expositions individuelles et près de 700 expositions collectives .

La plupart se trouvent aux États-Unis (594) et à la galerie Leo Castelli (61), mais aussi 33 au Museum of Modern Art (MoMA), 24 au Whitney Museum of American Art à Manhattan, 15 à la galerie Margo Leavin à Los Angeles et 12 à la National Gallery of Art à Washington, DC.

Jasper Johns a eu 68 expositions individuelles en Allemagne, 34 en Grande-Bretagne, 20 en Espagne et 18 en Italie, et son histoire d'expositions est loin d'être terminée (pour les expositions actuelles, voir l'article « Jasper Johns : artiste né, vivant avec et pour l'art » ).

Cependant, il n'est pas nécessaire d'attendre une exposition ; vous pouvez admirer les œuvres de Jasper Johns dans l'une des nombreuses collections publiques :

• Danemark : ARTS Museum of Modern Art Aalborg, Museet for Samtidskunst / Museum of Contemporary Art Roskilde
• Allemagne : Ludwig Forum for International Art Aachen, Museum Ludwig Cologne, K20 Düsseldorf, Museum of Modern Art (MMK) et Städel Museum Frankfurt am Main, Reinking Collection Hamburg, Ludwig Museum in the Deutschherrenhaus Koblenz, Städtisches Museum Abteiberg Mönchengladbach
• Finlande : Musée d'art contemporain Kiasma, Helsinki
• France : Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Nice
• Iran : Musée d'art contemporain de Téhéran
• Israël : Le Musée d'Israël Jérusalem
• Italie : Musée d'art moderne et contemporain de Villa Croce Gênes, Centre d'art moderne et contemporain de la Spezia (CAMeC) La Spezia, Musée d'art moderne et contemporain de Trente et Rovereto (MART) Rovereto
• Japon : Musée d’art contemporain d’Hiroshima, Musée d’art d’Iwaki, Musée d’art de Kawasaki, Musée d’art de Yokohama, Musée d’art contemporain Hara (Nishi-ku, Yokohama), Tokyo
• Canada : Musée des beaux-arts du Canada Musée des beaux-arts du Canada Ottawa ON, Vancouver Art Gallery Vancouver BC
• Macédoine : Musée d'art contemporain de Skopje
• Pays-Bas : Stedelijk Museum Amsterdam
• Norvège : Centre d'art Henie Onstad Høvikodden
• Autriche : Albertina et Musée d'art moderne de la Fondation Ludwig (MUMOK), Vienne
• Suisse : Kunstmuseum Basel
• Hongrie : Musée Ludwig – Musée d'art contemporain de Budapest
• États-Unis : Addison Gallery of American Art (Andover, MA), Bechtler Museum of Modern Art (Charlotte, NC), Berman Museum of Art (Collegeville, PA), Boca Museum of Art (Boca Raton, FL), Boise Art Museum (BAM, ID), Cantor Arts Center (Université de Stanford, CA), Columbia Museum of Art (SC), Dallas Museum of Art (TX), Des Moines Art Center (IA), Figge Art Museum (Davenport, IA), Fred Jones Jr. Museum of Art (Norman, OK), Gibbes Museum of Art (Charleston, SC), Glenstone (Potomac, MD), Greenville County Museum of Art (GCMA, SC), Guild Hall Museum (East Hampton, NY), Harry Ransom Center (Austin, TX), Honolulu Museum of Art (Hawaï), Kemper Museum of Contemporary Art (Kansas City, MO), Los Angeles County Museum of Art (LACMA, CA), Mary & Leigh Block Museum of Art (Evanston, IL), Marywood University Art Gallery (Scranton, PA), Museum of Fine Arts (Houston, TX), Middlebury College Museum of Art (VT), Milwaukee Art Museum (MAM, WI), MIT List Visual Arts Center (Cambridge, MA), MOCA (Grand Avenue, Los Angeles) CA, Musée d'art contemporain de Chicago (MCA) IL, Musée d'art contemporain de North Miami (MOCA) FL, Musée d'art contemporain de San Diego (MCASD) La Jolla CA, Musée d'art moderne (MoMA) New York NY, Centre de sculpture Nasher Dallas TX, Musée de l'Académie nationale de New York NY, Musée d'art de Palm Springs CA, Musée d'art de Philadelphie PA, Musée d'art Polk de Lakeland FL, Musée d'art du Pomona College Claremont CA, Musée d'art de l'Université de Princeton NJ, Musée d'art américain Reynolda House de Winston-Salem NC, Musée d'art de l'Université de Saint-Louis (SLUMA) MO, Musée d'art Samek de Lewisburg PA, Musée d'art moderne de San Francisco (SFMoMA) CA, Musée d'art de Santa Barbara CA, Musée d'art de Savannah (SCAD) GA, Musée d'art de Seattle WA, Centre des arts Tarble de Charleston IL, Musée d'art Allen Memorial d'Oberlin OH, Institut d'art de Chicago IL, Musée d'art de l'Université du Kentucky de Lexington KY, Musée d'art de Baltimore MD, Musée d'art de Cleveland OH, Institut d'art de Detroit Musée d'art McNay, San Antonio (Texas), Collection Menil, Houston (Texas), Metropolitan Museum of Art, New York (New York), National Gallery of Art, Washington (District de Columbia), Collection Phillips, Washington (District de Columbia), Rose Art Museum, Waltham (Massachusetts), Musée d'art de Tucson (Arizona), Musée d'art de l'Université d'Arizona (UAMA), Tucson (Arizona), Musée des beaux-arts de l'Utah, Salt Lake City (Utah), Musée des beaux-arts de Virginie, Richmond (Virginie), Walker Art Center, Minneapolis (Minnesota), Whitney Museum of American Art, New York (New York), Galerie d'art de l'Université Yale, New Haven (Connecticut)

La liste des collections publiques aux États-Unis est longue – et reproduite ici intégralement : un Européen amateur d'art voyageant aux États-Unis se doit absolument de voir Jasper Johns en direct, car l'artiste Jasper Johns appartient à un cercle très illustre.

Parmi les 100 artistes les plus célèbres et les plus reconnus au monde, on ne compte qu'une vingtaine d'artistes américains nés entre 1900 et 1950. Ce sont ces artistes qui ont établi l'art moderne aux États-Unis, et Jasper Johns fait partie des douze premiers.

Enfin, une motivation pour visiter plus fréquemment les musées : les musées des pays européens et des États-Unis renferment ce que le monde occidental considère comme « l’histoire de l’art mondiale » (d’ailleurs, la science de l’histoire de l’art a été développée en Allemagne).

Nous autres Allemands devrions sans doute nous hâter plus que quiconque de comprendre et de maîtriser les grandes lignes de l'histoire de l'art occidental. Car nous avons le privilège d'accueillir dans notre société de nombreuses personnes capables, et qui le feront volontiers, de nous éclairer sur de larges pans de l'histoire de l'art hors du monde occidental si nous le leur demandons