La penetración mediática y tecnológica fue su especialidad: la vida de Nam June Paik llega a la gran pantalla

En retrospectiva, se puede afirmar que Nam June Paik se adelantó a su tiempo y acuñó el término "Autopista de la Información"cuando internet era poco más que una vaga idea. El artista, fallecido en 2006, un año antes del lanzamiento del primer iPhone, deja un legado significativo y multifacético, que ahora se documenta exhaustivamente por primera vez.

La biografía del videoartista, titulada NAM JUNE PAIK: MOON IS THE OLDEST TV,

En este documental, la cineasta coreano-estadounidense Amanda Kim la trayectoria de Nam June Paik, desde sus estudios en Múnich y los duros rechazos que sufrió al inicio de su carrera hasta el éxito de su obra «Buda televisivo» y su consagración como padre del videoarte. Fascinantes imágenes de archivo de toda la obra de Paik y entrevistas con muchos de sus contemporáneos conforman un retrato convincente y completo de un artista innovador que parecía prever internet. La película está producida y distribuida por GRANDFILM, una distribuidora independiente especializada en cine de gran valor artístico.

Nacido en la Corea ocupada por los japoneses, Paik y su familia se vieron obligados a huir del país en 1950 debido a la Guerra de Corea, una circunstancia que influyó profundamente en su obra artística. Sus primeros trabajos, incluida la exposición de 1963 "Exposición de Música y Televisión Electrónica" en Alemania Occidental, que presentaba televisores manipulados, no lograron inicialmente el reconocimiento esperado.

Sin embargo, durante los siguientes diez años experimentó un rápido desarrollo, creando instalaciones emblemáticas como TV Buddha, que hoy gozan de reconocimiento mundial. Su importancia como videoartista, visionario de la tecnología y creador de esculturas de torres de televisión que abarcan desde el suelo hasta el techo aún no ha sido completamente documentada.

Por lo tanto, el próximo estreno en Alemania representa un primer hito en la difusión de su obra a un público más amplio. Con un éxito rotundo, tan solo en Corea del Sur, 6 millones de personas vieron la emisión especial de una hora.

La filosofía artística de Nam June Paik

La visión artística de Nam June Paik surgió de una compleja relación con la tecnología de su tiempo. No era simplemente un usuario de los nuevos medios, sino que se consideraba un agente crítico en la configuración de las posibilidades electrónicas emergentes.

La tecnología como herramienta y objeto de crítica

Paik reconoció desde el principio el potencial creativo de la televisión y se esforzó por..

"Diseñar la pantalla del televisor con la misma precisión que Leonardo, la misma libertad que Picasso, el mismo colorido que Renoir y la misma profundidad que Mondrian.".

Sus experimentos con televisores manipulados comenzaron en 1963, cuando distorsionó imágenes mediante imanes y alteró el cableado. Su objetivo no era simplemente crear nuevas experiencias estéticas, sino más bien «humanizar» la tecnología y revelar su íntima conexión con el cuerpo humano.

En su obra de 1964, "Robot K-456", Paik creó una figura humanoide de aspecto deliberadamente desaliñado que podía caminar, reproducir sonidos e incluso orinar. En una exposición en el Museo Whitney, hizo que un coche atropellara al robot en la Avenida Madison. Este fue un evento escenificado con el que exploró la capacidad de la tecnología para ayudar y para perjudicar.

Utilizo la tecnología para odiarla

Esta famosa cita de Paik ilustra su postura ambivalente. Para él, la televisión era un "medio dictatorial"donde las clases altas se dirigían a las clases bajas, que solo podían escuchar y responder "sí". "Creo que responder es lo que significa la democracia", explicó, y entendía su arte como un intento de "entablar un diálogo con la televisión.

Aunque Paik amaba el entretenimiento y la cultura pop, los incorporó a su obra y los transformó radicalmente. Se esforzó por utilizar las tecnologías de las telecomunicaciones para difundir el arte y facilitar la colaboración a través de grandes distancias.

El humor como medio de provocación

Como figura clave del movimiento Fluxus, Paik empleó estratégicamente el humor para desafiar los valores sociales tradicionales y el arte institucional. Sus espectaculares y provocadoras performances se consideran obras representativas de este movimiento. Al hacerlo, cuestionó constantemente los marcos establecidos y presentó ideas sofisticadas y revolucionarias con un toque de humor.

Para Paik, el humor no era solo entretenimiento, sino una herramienta eficaz para abordar problemas contemporáneos. Sus ingeniosos y revolucionarios ataques a las instituciones, las reglas y las normas crearon un espacio para el cambio.

Porque, por muy difícil que sea la situación, el humor podría, de alguna manera, crear un espacio para el cambio,

Ése podría ser su legado.

Las obras más importantes de un vistazo

Las innovadoras obras de Nam June Paik redefinieron la relación entre los seres humanos y la tecnología. Conocido como el "padre del videoarte ", creó instalaciones que siguen influyendo en el panorama mediático actual.

Buda de la TV y la conexión entre Oriente y Occidente

TV Buddha (1974) es una de las instalaciones más emblemáticas de Paik. Una estatua de Buda contempla su propia imagen en una pantalla de televisión, captada por una cámara en tiempo real. Este bucle cerrado simboliza la autorreflexión en un mundo saturado de medios. A medida que Buda —símbolo de la sabiduría oriental— se observa a sí mismo en el medio occidental de la televisión, se crea un puente cultural.

Sorprendentemente, cuando los espectadores se acercan a la pantalla, también aparecen en la imagen, creando así un "entorno electrónico que no es cerrado y que fomenta la participación del público".

Global Groove y la democratización de los medios

Con Global Groove (1973), Paik creó una obra pionera del videoarte. Este collage electrónico de 28 minutos comienza con las proféticas palabras: «Esto es un vistazo al panorama del video del mañana, cuando puedas sintonizar cualquier canal de televisión del planeta». Producida con John Godfrey en el estudio WNET, la obra combina danzas tradicionales coreanas con rock estadounidense, anuncios japoneses de Pepsi con cánticos navajos y actuaciones de John Cage y Allen Ginsberg.

El uso del sintetizador de vídeo desarrollado por Paik con Shuya Abe fue técnicamente revolucionario, ya que produjo efectos visuales similares a los del mashup de vídeo actual.

Superautopista electrónica: una visión hecha realidad

La obra Electronic Superhighway: Continental US, Alaska, Hawaii (1995) plasma la visión de Paik de una red de comunicaciones global. Esta gigantesca instalación consta de 336 televisores, 50 reproductores de vídeo, más de 1100 metros de cable y 175 metros de tubos de neón multicolores.

Cada estado de EE. UU. está delimitado por líneas de neón y muestra videoclips específicos; por ejemplo, escenas de "Oklahoma!" para Oklahoma o imágenes del Movimiento por los Derechos Civiles para Alabama. En Washington, D.C., Paik instaló una cámara que muestra a los visitantes en tiempo real, lo que evidencia cómo los medios de comunicación influyen en nuestra autoimagen y en cómo nos perciben los demás.

Obras de Nam June Paik en museos de todo el mundo

La influencia de Paik se refleja en la presencia mundial de sus obras. El Museo Solomon R. Guggenheim alberga TV Garden (1974/2000), una instalación en la que se colocan monitores que reproducen Global Groove entre plantas vivas. El Museo Smithsonian de Arte Americano exhibe Electronic Superhighway , así como Megatron/Matrix (1995).

Sus obras también forman parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galería Nacional de Australia y el Museo Reina Sofía de Madrid. Su exposición itinerante más reciente, «El futuro es ahora», se inauguró en 2019 en la Tate Modern de Londres y posteriormente visitó el Museo Stedelijk de Ámsterdam y el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Una vida entre culturas y sistemas

La vida fragmentada de Nam June Paik refleja las convulsiones políticas del siglo XX. De niño, en la Corea ocupada por los japoneses, presenció cómo los maestros obligaban a los estudiantes a "arrepentirse" si hablaban su lengua materna.

Identidad como coreano, estadounidense y ciudadano global

Como «ciudadano de Corea, una nación minoritaria en un continente minoritario», Paik se describió a sí mismo como un «observador necesariamente cínico»que, durante «18 años vagando entre Hong Kong, El Cairo y Reikiavik», aprendió tres idiomas occidentales y tres orientales. Esta existencia transfronteriza lo hizo «particularmente sensible al problema Oriente-Occidente». Tras huir durante la Guerra de Corea, vivió en el extranjero durante más de tres décadas y describió su vida cotidiana como un «problema de comunicación».

Respuesta artística a los sistemas políticos

Las obras de Paik, como «Réquiem de Guadalcanal» (1977/1979) y «Buenos días, Sr. Orwell» (1984), demuestran claramente su postura política. La transmisión en directo de «Buenos días, Sr. Orwell» se emitió simultáneamente en Estados Unidos, Francia, Alemania y Corea del Sur, como contrapunto a las visiones distópicas de George Orwell. Paik estaba convencido de que la tecnología y la música rock representaban la mayor amenaza para el comunismo de Estado.

Regreso a Corea y temor a la represión

A su regreso a Corea en 1984, Paik parecía inusualmente ansioso e inseguro sobre cómo sería recibido. Sin embargo, fue recibido como un héroe nacional. Este regreso a casa inspiró una nueva fase de introspección.

Creó una obra por encargo para los Juegos Olímpicos de Verano de 1988 y posteriormente utilizó sus contactos internacionales para conectar a Corea con el mundo. Desempeñó un papel decisivo en la fundación de la Bienal de Gwangju en 1995 y del Pabellón Coreano en la Bienal de Venecia.

Influencia en la cultura mediática actual

de Paik sobre el panorama mediático se manifiestan hoy con más claridad que nunca. Sus collages de vídeo experimentales de la década de 1970 anticiparon el lenguaje visual de nuestro presente digital.

De MTV a TikTok: el lenguaje visual de Paik sigue vivo

El «padre del videoarte» definió la estética de MTV con sus cortes rápidos y colores psicodélicos. Sin embargo, su obra de 1973, Global Groove, anticipó mucho más: un mundo en el que «cada artista tendría su propio canal», una predicción precisa de YouTube y las redes sociales. Los jóvenes creadores de contenido de hoy se asombran al descubrir que Paik ya utilizaba en la década de 1970 técnicas que consideran originales.

Recepción en la cultura pop

Las producciones satelitales de Paik alcanzaron a millones de espectadores; solo "Good Morning Mr. Orwell" fue visto por 25 millones de personas en todo el mundo. Colaboró ​​con figuras destacadas como David Bowie, Lou Reed y el Philip Glass Ensemble. Su instalación "Electronic Superhighway", que presentaba 336 televisores y referencias culturales de cada estado de EE. UU., anticipó la comunicación fragmentada de la cultura de los memes actual al establecer fragmentos de la cultura pop como una forma independiente de comunicación.

Lo que los artistas de hoy pueden aprender de Paik

El enfoque inquisitivo y experimental de Paik sigue siendo ejemplar. En lugar de utilizar la tecnología únicamente para un propósito específico, fomentó el análisis y la reflexión sobre sus posibilidades. Entendía la tecnología como un arma de doble filo y, sin embargo, la utilizaba para conectar y comunicarse con las personas.

Sus obras ahora se exhiben en la Tate Modern, el SFMOMA y otros museos importantes, donde continúan atrayendo a un público joven e inspirando numerosas publicaciones en las redes sociales.

Cualquiera que desee desconectar durante una hora del constante y agotador flujo de información mediática, para obtener una visión multifacética y crítica del mismo desde una perspectiva artística, debería sin duda anotar en su calendario el estreno en cines el 11 de septiembre

Toda la información sobre el documental y su estreno en las salas alemanas se puede encontrar en la página del proyecto GRANDFILM.