Nam June Paik y el arte mediático: la serenidad asiática desafía la obsesión occidental por el progreso

El estatus de Nam June Paik en el mundo del arte: muy alto, algo seguro

Nam June Paik nació en 1932 en lo que entonces era una Corea unificada, pero vivió en los Estados Unidos desde 1964 hasta su muerte en 2006. Aunque el artista vivió la mayor parte de su vida (principalmente) en Nueva York y se había convertido en ciudadano estadounidense, no se le puede únicamente como un artista estadounidense entender el pensamiento dentro de las tradiciones asiáticas con ideas vanguardistas de la cultura occidental.

Paik evolucionó de historiador de la música y el arte especializado en composición a un artista visual excepcionalmente activo y prolífico, videoarte y el arte multimedia ocupando una posición destacada "padre del videoarte". Si bien otros pioneros del videoarte y el arte multimedia han tenido carreras extraordinarias, Paik sigue estando entre los más reconocidos. Ejemplos de ello son el artista estadounidense Les Levine (nacido en 1935) y el artista alemán Wolf Vostell (al igual que Nam June Paik, nacido en 1932).

En cualquier caso, Paik fue de los primeros en descubrir los medios de comunicación universalmente accesibles del vídeo y la televisión; en un momento en que las "imágenes para todos" apenas comenzaban su marcha triunfal por todo el mundo.

Y fue uno de los primeros en examinar con mayor detenimiento las particularidades y el potencial de un mundo de imágenes en movimiento disponible por primera vez para todos, tanto receptiva como activamente. También las cuestionó mediante la interpretación artística.

Y Nam June Paik sigue ocupando hoy uno de los primeros lugares en el ranking mundial del arte porque nunca se detuvo; absorbió continuamente nuevos impulsos de la música y las artes visuales, así como innovaciones técnicas, para analizarlos, catalizarlos y traducirlos en arte.

Mientras que Vostell figura entre los puestos 220 y 320, y Levine se sitúa en algún punto entre los puestos 2200 y 3200 (a lo que ninguno de los dos se opondría, ya que tienen prioridades completamente diferentes en sus vidas), Nam June Paik ocupa actualmente (2016) el puesto número 40 en la lista de las mejores obras de arte del mundo (que se ordena según la presencia pública y el éxito de ventas).

La posición de Paik en el ranking mundial de arte se mantuvo alrededor del puesto 50 entre 2006 y 2008, ascendiendo al puesto 25 en 2009 y 2010. Desde entonces, su posición ha ido descendiendo paulatinamente, llegando al puesto 39 o 40 en 2016. Esta fluctuación ha sido algo inexplicable, con picos ocasionales. Se observa un ligero aumento en las exposiciones que presentan la obra de Paik, ya sea de forma exclusiva o como parte de una muestra colectiva, a partir de 2007 o 2008. Su repentino ascenso en el ranking podría haber sido consecuencia del récord de subasta por Christie's alcanzado

Pero en general es un tira y afloja de muy alto nivel; Paiks se ha asegurado un lugar entre los 50 mejores artistas del mundo, que es poco probable que renuncie pronto, dadas sus próximas exposiciones.

El camino de Nam June Paik hacia el arte: de la «música antigua» a la «música moderna», de las humanidades a la electrónica

Nam June Paik nació el 20 de julio de 1932 en Corea , entonces un país unificado y colonia japonesa. Paik era el menor de cinco hijos en una familia adinerada; su padre era dueño de una gran fábrica textil.

Paik estaba destinado a convertirse en pianista clásico y recibió la formación adecuada durante su juventud. La Segunda Guerra Mundial y la posterior división de Corea en 1948, instigada por las potencias ocupantes rivales, la Unión Soviética y Estados Unidos, intervinieron. En 1950, la división del país desembocó en la Guerra de Corea, ya que ambos regímenes coreanos se consideraban los únicos sucesores legítimos del Imperio Coreano, anexionado por Japón en 1910.

Corea del Norte, con el apoyo de China, intentó forzar la reunificación de Corea bajo su propio liderazgo. Corea del Sur, con una orientación occidental, se resistió, apoyada por tropas de las Naciones Unidas lideradas por Estados Unidos. La familia de Paik era lo suficientemente adinerada como para abandonar la guerra ya en 1950. Primero se trasladaron a Hong Kong y luego a Japón.

Nam June Paik estudió estética occidental, musicología e historia del arte en Tokio desde 1952, graduándose en 1956 con una tesis sobre el compositor Arnold Schoenberg. Inspirado por esta idea, Paik viajó a Alemania para estudiar historia de la música en la Universidad de Múnich. También estudió composición con Wolfgang Fortner en la Universidad de Música de Friburgo.

Durante sus estudios, conoció a los compositores Karlheinz Stockhausen y John Cage, y a los artistas conceptuales Joseph Beuys y Wolf Vostell. De 1958 a 1963, trabajó con Stockhausen en el estudio de música electrónica de la WDR en Colonia. Stockhausen y Cage lo inspiraron a trabajar en el campo del arte electrónico.

Nam June Paik se unió al movimiento artístico neodadaísta (Fluxus), que por entonces se estaba gestando en torno a John Cage e incorporaba sonidos y ruidos cotidianos a su música. En 1962, junto con sus mentores, participó en el “FLUXUS: Festival Internacional de Música más Contemporánea” en el Museo de Wiesbaden y en el “Pequeño Festival de Verano” en la Galería Parnass de Wuppertal.

La primera gran actuación en solitario de Paik tuvo lugar en 1963 en su exposición “Exposición de Música – Televisión Electrónica” en la Galerie Parnass de Wuppertal. Distribuyó televisores por todo el espacio de la exposición, alterando o distorsionando sus imágenes mediante la aplicación de imanes.

En 1964, Paik viajó a Nueva York, donde conoció a la violonchelista clásica Charlotte Moorman, graduada de la famosa Escuela Juilliard (Pina Bausch, Miles Davis, David Garrett, Nigel Kennedy, Sophie von Kessel, Val Kilmer, James Levine, Barry Manilow, Thelonious Monk, Itzhak Perlman, Leontyne Price, Christopher Reeve, Kevin Spacey, Robin Williams, Pinchas Zuckerman, por ejemplo) y que estaba comenzando una carrera de conciertos tradicionales.

La extrovertida Moorman, al igual que el inquieto y sumamente curioso Nam June Paik, no se adaptaba bien a la vida en el foso de una orquesta y encontró fascinante la escena del arte escénico multimedia del Nueva York de los años sesenta ; en 1963 fundó el Festival de Vanguardia de Nueva York (en Central Park y en el ferry de Staten Island, que funcionó con pocas interrupciones hasta 1980). Pronto colaboró ​​estrechamente con Paik y realizó numerosas giras con él. Juntos combinaron su videoarte con música y performance.

En Nueva York, Paik encontró exactamente el ambiente de trabajo, el escenario de desarrollo tecnológico y el público para desarrollar sus ideas sobre el arte y alcanzar el éxito con ellas.

Todo el mundo ha visto esto antes: Arte multimedia de Nam June Paik

Esta no es una obra única de Nam June Paik. Se trata, más bien, de un evento tan directamente vinculado al inicio de su carrera y a los iniciadores del concepto artístico de Paik que es necesario mencionarlo primero:

El legendario "evento de 24 horas" de 1965 en la Galería Parnass de Wuppertal.

El acontecimiento comenzó el 5 de junio de 1965 a medianoche, finalizó a medianoche y superó en intensidad e impacto mediático todo lo que había ocurrido anteriormente en la Galería Parnass.

Mucho había sucedido en la Galerie Parnass: en 1950, "Huit Clos" (Ocho Claustros); en 1951, la primera exposición de Le Corbusier en Alemania; en 1952, "La voix humaine" (La voz humana), una exposición de arquitectura de Ludwig Mies van der Rohe y la primera exposición individual alemana de Alexander Calder, arte abstracto del Tachismo, la École de Paris y el Art Informel; en 1956, la exposición "Poème Objet" con obras de 50 artistas de Alemania y Francia; en 1962, el "Kleine Sommerfest – Après John Cage" (Pequeño Festival de Verano – Después de John Cage), con la primera aparición pública en Alemania del fundador estadounidense de Fluxus, George Maciunas, al que siguieron otros eventos de Fluxus en la galería; En 1963 se inauguró la mencionada exposición de Paik, "Exposición de Música", y una exposición de los décollages de Wolf Vostell, que incluyó un happening de seis horas. La exposición "9-No-Décollages" se inauguró en 1964, seguida de la "Exposición del Jardín Delantero" del grupo Realismo Capitalista (que incluía a Gerhard Richter y Sigmar Polke); el "Happening de 24 horas" constituyó la culminación en 1965.

Joseph Beuys, Bazon Brock, Charlotte Moorman, Nam June Paik, Eckart Rahn, Tomas Schmit y Wolf Vostell realizaron sus acciones en las distintas salas de la Villa Parnass:

Wolf Vostell performance "Consecuencias de las leyes de emergencia", primero se tumbó en el suelo marcando carne cruda y vísceras con alfileres, luego, con una máscara de gas puesta, se sentó en una caja de cristal llena de harina atomizada, que era removida por una aspiradora. Junto a la caja de cristal había una jaula de madera que contenía a estudiantes de la Escuela de Artes Aplicadas de Wuppertal, cargados de carne y masticando trozos de carne.

Joseph Beuys realizó la obra “y en nosotros… debajo de nosotros… bajo el agua ”. Se puso en cuclillas o se tumbó sobre una caja de naranjas cubierta con un hule blanco y, ocasionalmente, se estiró (con desesperación o anhelo, con movimientos mínimos) hacia objetos, a menudo fuera de su alcance.

Los objetos –la grabadora, el tocadiscos, el altavoz, la caja de zinc con grasa, el despertador, los cronómetros, los guantes de boxeo de los niños de su hijo– seguramente deberían significar tanto para el espectador como los movimientos de Beuys –la cabeza estirada sobre un trozo de grasa, los pies suspendidos justo por encima del suelo, la pala comunitaria (una pala con dos mangos hecha por él) delante de su pecho–, pero deberían permanecer sin interpretar aquí, salvo por la admiración de que Beuys fuera el único que mantuvo su acción durante 24 horas completas.

Bazon Brock exhibió objetos cotidianos recogidos en la casa del galerista Jährling como "huellas de vida" y creó el texto literario "Según los resultados experimentales, un gramo de veneno de cobra mata a 83 perros, 715 ratas, 330 conejos o 134 humanos", poniéndose de cabeza frente a dos discos que giraban lentamente, cuyas ventanas revelaban una letra cada 15 minutos.

Eckart Rahn creó "música ruidosa"con un contrabajo y una flauta dulce tocada monótonamente frente a un micrófono y un altavoz. Mientras lo hacía, leía el Informe Kinsey. Para lectores más jóvenes: El Informe Kinsey consta de dos libros del zoólogo e investigador sexual estadounidense Alfred Charles Kinsey, que "El comportamiento sexual en el hombre" (publicado en alemán en 1955 como "Das sexuelle Verhaltens des Mannes") en 1948 y "El comportamiento sexual en la mujer" (publicado en alemán en 1954 como "Das sexuelle Verhaltens des Frau") en 1953.

Cualquiera que esté familiarizado con los resultados de la investigación completamente seria y biológicamente realizada por Kinsey —cuyos títulos originales en inglés se traducen literalmente como "Comportamiento sexual del hombre" y "Comportamiento sexual de la mujer" — ​​ya no se sorprende de que el libro sobre mujeres se publicara en Alemania un año después de su lanzamiento en ese país, mientras que el libro sobre hombres se publicó siete años después de su lanzamiento en Estados Unidos.

Y comprende por qué los "movimientos de hombres fuertes", desde partidos políticos hasta clubes de lanzamiento de troncos, tienden a una aversión casi histérica hacia la homosexualidad: simple miedo, porque la realidad destroza por completo su visión del mundo. Casi la mitad de los hombres han participado en actividades heterosexuales u homosexuales, o al menos han reaccionado ante personas de ambos sexos; alrededor del 60% de los niños varones prepúberes pueden recordar experiencias voluntarias con personas del mismo sexo; aproximadamente la mitad de la población (hombres y mujeres) es bisexual en algún grado.

En realidad, esto no es sorprendente en absoluto, sino algo que experimentamos a diario (más allá del sentido estricto de la sexualidad): las personas con un lado homosexual no son 100% hombres ni 100% mujeres; o dicho de otro modo: los "hombres" no exclusivamente impulsados ​​por la testosterona no siempre están dispuestos a ser agresivos, pero también poseen rasgos tiernos y cariñosos (femeninos). Las "mujeres" no exclusivamente impulsadas por el estrógeno no siempre están dispuestas a ser armoniosas y amorosas, pero también pueden imponerse, con un razonamiento sereno o incluso con una buena dosis de agresión (masculina).

El 50% restante, por supuesto, no se compone exclusivamente de tipos machistas o afables; sin embargo, la categoría más machista incluye un número desproporcionadamente alto de directivos de grandes corporaciones y comandantes militares (dejando de lado la sospecha de que la mayoría de ellos también son psicópatas; véase www.zeit.de/). En la categoría más afable, por otro lado, sin duda hay más trabajadores sociales incansablemente activos y personas divorciadas que han sido expuestas sin tapujos.

Si bien el tipo machista es más probable, pero no exclusivamente, que sea un hombre, y el tipo tierno es más probable, pero no exclusivamente, que sea una mujer... La discriminación contra la homosexualidad es simplemente incorrecta porque es más beneficioso para nuestra sociedad que esté compuesta por la mayor cantidad de personas posible que estén bien distribuidas y "lleven dentro de sí ambos lados de la humanidad".

Volviendo al evento de 24 horas: Thomas Schmit realizó una performance "sin público", con 24 cubos dispuestos en círculo, de los que vertió agua hasta que desapareció, e interrumpió la actuación en cuanto entró público en la sala.

Nam June Paik y Charlotte Moorman ofrecieron un concierto con piezas de Ludwig van Beethoven, John Cage, Morton Feldman y La Monte Young. Paik pareció quedarse dormida sobre las teclas del piano; Moorman tocó el violonchelo con un vestido de celofán transparente, que a veces mojaba, y en ocasiones golpeaba un espejo con su violonchelo contra él. Esta actuación semidesnuda causó la mayor conmoción de todas.

Nam June Paik y Charlotte Moorman en el evento de 24 horas:

Aunque Eva y Joseph Beuys ayudaron a los Jährling a limpiar la villa al día siguiente, la carne de Wolf Vostell, ya ligeramente mohosa, fue enterrada en el jardín, y un amigo escritor aportó nieblas de Jacutin altamente tóxicas para fumigar las habitaciones. Los Jährling disolvieron la Galerie Parnass, que existía desde 1949, en septiembre de 1965 para viajar por África en una furgoneta VW. Presumiblemente en busca de una vida más segura…

Nam June Paik, sin embargo, tenía algo planeado para la mañana siguiente: toda una "Ópera de Robots". En Moltkestraße 67, en Wuppertal-Elberfeld, frente a la Galería Parnass, K 456 hizo su primera aparición pública en Europa. K 456 era bastante talentoso y completo, medía 185 cm de altura y podía hablar (recitando discursos de John F. Kennedy), caminar, sacudir la cabeza, mover los brazos y las manos de forma independiente y digerir alimentos. El motivo por el que excretaba judías blancas durante la digestión es probablemente tan difícil de comprender como el hecho de que el robot llevara el nombre del Concierto para piano n.º 18 en si bemol mayor de Mozart, K. 456.

El 18.º concierto para piano de Mozart

El robot, o mejor dicho, la robotina, es una figura de tamaño natural hecha de madera, alambre y componentes electrónicos. Sus rasgos no son especialmente detallados y son algo amarillentos, pero inequívocamente femeninos. El robot se puede controlar a distancia y, según sus creadores, Nam June Paik y el técnico de televisión Shuya Abe (con quien Paik colaboró ​​frecuentemente), estaba destinado a ser el primer artista escénico no humano.

Por lo tanto, debía ser utilizado en todas las futuras acciones callejeras; tal vez por eso Paik había insistido en que a K 456 se le dieran pechos que también pudieran moverse individualmente (¿para envidia de las admiradoras?).

Aquí se puede al Robot K 456 en las calles de Berlín en 1965, como un "Tributo a John Cage" , asombrando a los transeúntes, tal como lo concibió Nam June Paik:

Y aquí demuestra alegres movimientos de pecho:

En 1982, Paik dejó que K 456 vagara por las calles de Nueva York, con el resultado, como era de esperar, de que el robot fuera atropellado por un coche en la esquina de Madison Avenue y la calle 75. Sin embargo, esto había sido acordado previamente entre Paik y el conductor, y los atónitos transeúntes presenciaron posteriormente cómo K 456 era trasladado al museo en una operación de rescate, donde, tras las reparaciones, volvió cómodamente a su pedestal.

Paik ya había comprendido entonces (cuando KITT, el coche autónomo de Hasselhoff, conquistaba la pantalla con "Knight Rider") que los robots, a diferencia de los humanos, no están a la altura de la complejidad del tráfico vial, no pueden evaluar los peligros ni reaccionar con suficiente flexibilidad.

A diferencia de la mayoría de los fabricantes de automóviles modernos, Paik no creía que esto debiera cambiar jamás. Irónicamente, este artista electrónico , adoptó una postura clara en contra de la entonces incipiente idea de que los humanos son imperfectos en comparación con la máquina perfecta.

El hecho de que un experto absoluto en las mejores cadenas de comandos electrónicos creyera que el primer fallo en una compleja cadena de procesos no lo causaría un humano, sino un robot, probablemente debería disuadirnos durante bastante tiempo de confiar la compra al ordenador del refrigerador. Al menos hasta que estemos a salvo de cortes repentinos de red cuando queramos que nos recojan los 5994 yogures de frambuesa extra que pedimos..

Volviendo al evento de 24 horas: Este evento quedó inmortalizado en la publicación «24 Hours», un reportaje fotográfico del galerista Rolf Jährling y la fotógrafa Ute Klophaus (a quienes los participantes consideraron coautores y participantes del evento). «24 Hours» fue publicado en 1965 por Hansen & Hansen en Itzehoe-Vosskate.

Además de las fotografías, el libro contiene notas y textos de los artistas: «Energieplan», «cello»de Rolf Jährling «Mittelwort» y «Pensée», en el que habla sobre cibernética y drogas y predice la victoria del arte conceptual sobre el arte popular de masas.

Bazon Brocks estaba más interesado en captar la atención del público y comenta lacónicamente: "Cinco personas en el local de Vostell, todos en el de Beuys, nadie en el mío".
Solo Wenzel, el hijo de Joseph Beuys, "se entregó tan visiblemente como el único a su relato", pero solo desde el mediodía hasta la una de la tarde, después de lo cual presumiblemente tuvo que volver con su padre, sentado en la caja de naranjas, para susurrarle palabras de aliento.

Al final del libro, varias páginas cuadradas tenían recortes para colocar una pequeña bolsa de plástico llena de harina, cortesía de Wolf Vostell. Tras retirar la bolsa, se podía leer: «¡Pasa 24 horas con harina!».Hoy en día, presumiblemente con gusanos de la harina, si es que aún se puede conseguir uno de los ejemplares, que ahora cuestan alrededor de 700 €.

Tras este suceso, Paik fue actuaciones noticia

La "Opera Sextronique" de 1967, durante la cual Charlotte Moorman, que actuaba en topless, fue arrestada (el escándalo que rodeó su posterior condena daría lugar a una nueva ley más liberal con mayor libertad en las representaciones artísticas).

le siguió el "Sujetador de TV para escultura viviente", que Moorman realizó con dos pequeños televisores unidos a sus pechos, o en el siguiente video:

se mantuvo en pie desde 1972 hasta 1991 "cama con televisor" para Charlotte Moorman, a quien Paik admiraba profundamente.

1975: “Video Fish”, varios acuarios colocados uno al lado del otro en los que los peces nadan frente a un número igual de monitores que muestran vídeos de peces nadando.

Hoy en día, el concepto ya ha sido superado por “Vídeos para tu gato” :

(Vídeos para gatos domésticos, tema: acuario).

Moorman volvió a participar en 1976, en "TV Cello", donde toca un violonchelo construido con televisores, que evoca en la pantalla a diferentes músicos violonchelistas con cada arco:

Durante su colaboración con Moorman, el objetivo de Paik era elevar la música al mismo nivel de desarrollo que el arte y la literatura. También quería que el sexo dejara de ser un tema ofensivo en público. En una de sus obras de Fluxus, se le pide al intérprete que se meta en la vagina de un cachalote vivo (cuya reacción, lamentablemente, no está grabada).

En 1986, se completó la obra «La familia de los robots» , que representaba a miembros de tres generaciones: abuelos, madre y padre, tíos y niños. Las generaciones se distinguían por los materiales utilizados, narrando así una historia familiar y mostrando las distintas etapas del desarrollo de los medios de comunicación durante el siglo XX. Paik presentó la tecnología como un producto del ingenio humano, lo que también podría explicar por qué la humanidad está perdiendo el contacto con la realidad.

Humaniza la tecnología para resistirla:

“Hay que conocer muy bien la tecnología para poder sobrevivir en ella” (cita de Paik).

Esta idea filosófica también se ilustra en la infraestructura multimedia "Fish Flies on Sky" de Nam-June Paik en el Museo Kunstpalast (Düsseldorf) y Perpetuum Mobile I (U-Matic-Video): vídeo monocanal, 4:04 minutos (1987) en una red de televisores de tubo.

En 1988, con motivo de los Juegos Olímpicos de Verano de Seúl, Paik presentó "Cuantos más, mejor", una impresionante torre multimedia compuesta por 1.003 monitores.

En 1989, Paik instaló el “Buda televisivo”sobre y frente a la pantalla. Puedes obtener más información sobre el significado y el sinsentido de los Budas en la pantalla en el canal de YouTube del Museo Kunstpalast Düsseldorf:

En 1990, se creó la «El pre-campanero»como encargo para la reapertura del Museo Postal Alemán. Paik realizó el collage del caballero moderno a partir de diversas piezas de aparatos de radio y televisión, casi exclusivamente objetos pertenecientes a las colecciones del Museo Postal Alemán.

Paik sólo adquirió el caballo del caballero en una tienda de segunda mano de Venecia; el Hombre Pre-Campana se encuentra delante del recién inaugurado Museo de la Comunicación en Frankfurt am Main.

Entre 1990 y 1997, tras el K 456 y la Familia de Robots, surgió una tercera oleada de robots en la que recreó a algunos de sus héroes,
como "Gertrude Stein" (1990), "Beuys Voice" (1990) y Watchdog II (1997), solo que auténticos con una cámara de vigilancia en el extremo de la cola y orejas con altavoces.

En honor a John Cage, fallecido en 1992, se creó en 1993 la "Pieza de Piano", una serie de vídeos sobre un piano, algunos con imágenes de Paik, otros con imágenes de Cage, otros con imágenes del mundo, y una cámara de vigilancia que graba al pianista y lo muestra en seis de las pantallas.

También en 1992 se creó la "Puerta de Brandeburgo" (que ahora forma parte de la colección del Museo Ludwig de Colonia), una instalación multimonitor compuesta por 200 televisores de diferentes tamaños con la forma de la Puerta de Brandeburgo en Berlín.

En 1995, Paik materializó la película de 1974 "Electronic Superhighway" en una instalación grotesca y gigantesca, repleta de imágenes tan sin sentido como aburridas, enmarcadas por una inquietante maraña de neón que agredía la vista y el sentido del gusto. Crítica cultural en su máxima expresión, tan sutil que los fanáticos superficiales y obsesionados con las series, a quienes iba dirigida, ni siquiera se darían cuenta de que eran el objetivo (¿acaso no es Trump sonriendo desde la pantalla en el centro?).

Aquí tenéis un poco más de "Paik para ver" de los (primeros) años:

• Participación TV (1963)
• Corona de televisión (1965)
• Televisión magnética (1965)
• La luna es el televisor más antiguo (1965)
• Silla de televisión (1968)
• 23/09/69, Experimento con David Atwood (1969)
• Violonchelo de televisión (1971)
• Surco global (1973)
• Jardín de la televisión (1974)
• Vela TV (1975)
• Vídeo Fish (1975)
• Vídeo Buda (1976)
• Peces reales/Peces vivos (1982/1999)
• Buenos días, señor Orwell (1984)
• Reloj suizo (1988)

La exploración creativa de Paik en el campo de los nuevos medios no terminó ahí; a principios del siglo XXI, la tecnología láser a su obra. En su instalación más reciente, proyectó rayos láser sobre lienzos de algodón, agua en movimiento y estructuras espaciales llenas de humo; en este "proyecto posvideo", desarrolló aún más la articulación de la imagen en movimiento.

El “proyecto post-vídeo” puede verse al final de esta “charla sobre la exposición” , a cargo de Nam June Paik junto al comisario John Hanhardt, con motivo de la exposición “Los mundos de Nam June Paik” en el Museo Guggenheim , donde también se presentó esta instalación.

A principios del nuevo milenio, Paik nos ofrece una visión de cómo el cine y el vídeo pueden fusionarse con los medios electrónicos y digitales en nuevas formas de expresión y técnicas visuales. Sugiere que en el siglo XXI presenciaremos el fin del vídeo y la televisión tal como los conocemos, y que una transformación de nuestra cultura visual es inminente.

Mirando de nuevo hacia el futuro: Paik solo vivió los albores del mundo interconectado, donde la humanidad intercambia documentos fílmicos digitales por todo el planeta. Debido a su avanzada edad, ya no pudo opinar sobre la posibilidad emergente de una «revolución final de la Ilustración», en la que las imágenes en movimiento (conocimiento, información) podrían transmitirse instantáneamente de cualquier persona a cualquier otra, a través de su arte.