Música barroca: rasgos característicos de la época de la música clásica

El estilo barroco no se limitó a la pintura, la escultura y la arquitectura. Además de maestros de la pintura barroca, como Caravaggio y Peter Paul Rubens, la escultura barroca y la arquitectura barroca (especialmente las iglesias), la música clásica fue una forma particularmente prominente del arte barroco en los siglos XVII y XVIII.

El período barroco (1600 – 1750)

El período Barroco en la música, también conocido como la era del bajo continuo, duró aproximadamente entre 1600 y 1750. Esta época se considera parte de la música antigua y fue precedida por el Renacimiento. El período Clásico siguió al Barroco.

El estilo barroco se caracteriza por la introducción del bajo continuo en muchas composiciones y se extendió por toda Europa durante el siglo XVII, apareciendo principalmente compositores barrocos notables en Alemania, Italia, Francia e Inglaterra.

Los dos compositores barrocos más famosos son los alemanes Johann Sebastian Bach y George Frideric Händel. Otros compositores barrocos alemanes incluyen a Dieterich Buxtehude (1637-1707), Johann Pachelbel (1653-1706) y Georg Philipp Telemann (1681-1767).

Entre los compositores ingleses del Barroco se encuentran Byrd y Purcell. En Italia, destacaron Monteverdi, Corelli, Vivaldi y Scarlatti. Entre los representantes franceses más destacados del Barroco se encuentran Lully, Couperin y Rameau.

La era de la música barroca (véase el artículo «Música barroca: características y ejemplos» en https://online-musik24.com/ ) se puede dividir aproximadamente en tres fases:

• Barroco temprano (circa 1600 a 1650) – bajo dominio italiano
• Alto Barroco (aproximadamente de 1650 a 1710), con importantes influencias francesas
• Barroco tardío (circa 1710 a 1750): inspirado en estilos regionales

La fundación de la ópera también se enmarca en esta época . el canto solista como la música instrumental con acompañamiento vocal se abrieron paso en los principales escenarios europeos.

¿Qué caracteriza al Barroco? Los rasgos más importantes de la música barroca

Los siguientes vídeos ofrecen una breve introducción a la época barroca :

El YouTuber Fabian Zirkler ofrece una contribución más detallada desde la perspectiva de un músico:

El creciente interés en las posibilidades dramáticas y retóricas ampliadas de la música condujo a una riqueza de nuevos ideales sonoros en el período barroco.

1. Centrarse en la dinámica

piano sustituyó al clavicémbalo como principal instrumento de teclado. El piano percutía las cuerdas con martillos recubiertos de fieltro, mientras que el clavicémbalo pulsaba las cuerdas.

Esto trajo consigo la nueva posibilidad estilística de poder tocar tanto en voz baja como en voz alta, lo que abrió nuevos estilos de interpretación dinámicos.

Otros instrumentos del nuevo Barroco, como la trompeta de pistones y el violín, también poseían un inmenso potencial dinámico. Instrumentos predominantes en el Renacimiento, como el laúd, aún se tocaban, pero su popularidad se vio notablemente disminuida por alternativas más nuevas y dinámicas.

2. El contraste como elemento dramático

Para crear dinamismo, los contrastes son un elemento importante en el dramatismo de una composición barroca. Las diferencias entre volumen y suavidad, solista y conjunto (como en un concierto), así como los diferentes instrumentos y timbres, desempeñan un papel fundamental en muchas composiciones barrocas.

Los compositores también comenzaron a hacer la instrumentación más precisa e intrincada, a menudo especificando de antemano los instrumentos en los que se debía tocar una pieza, en lugar de dejar la elección al intérprete.

Los instrumentos con un sonido brillante, como la trompeta y el violín, también se hicieron cada vez más populares.

3. La música instrumental y sus características sonoras

Antes del Barroco, el canto estaba estrechamente ligado a la música. Los elementos vocales se utilizaban con frecuencia en los ámbitos litúrgicos.

Si bien los compositores barrocos aún incorporaban elementos vocales en forma de coros, cantatas y óperas, la música puramente instrumental se popularizó cada vez más. Algunas de las piezas más conocidas de la música barroca, como "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi o los "Conciertos de Brandeburgo" de Bach, son posiblemente las obras instrumentales más famosas de esta época.

Como parte del renovado interés ganado en las últimas décadas, científicos y músicos han pasado incontables horas tratando de descubrir qué características sonoras eran típicas y distintivas de la música de los siglos XVII y XVIII.

Su obra ha revelado algunas diferencias notables entre los conjuntos barrocos y modernos :

3.1. Tono

En 1939, las orquestas modernas acordaron afinar la nota estandarizada de la' = 440 Hz (la nota La con una frecuencia de 440 hercios). Esto reemplazó una nota anterior más grave (la' = 435 Hz) definida en 1859.

Sin embargo, antes de 1859 no existía una afinación estándar. Por lo tanto, la nota con la que afinaban los conjuntos barrocos variaba considerablemente según la época y el lugar.

Como resultado, la música escrita en una partitura puede haber sonado medio tono más bajo que hoy.

3.2. Timbre

Algunos miembros destacados de una orquesta barroca ya no están representados en conjuntos modernos. El clavicémbalo era el principal instrumento de teclado y un miembro importante del grupo de bajo continuo .

Aunque instrumentos importantes como el laúd y el violín siguieron utilizándose en los siglos XVI y XVII, las variaciones modernas de estos instrumentos dan al conjunto barroco moderno un sonido diferente al de aquella época.

Los instrumentos de cuerda, como el violín, la viola y el violonchelo, utilizaban cuerdas de tripa en lugar de las cuerdas metálicas que llevan hoy en día. Este cambio les confiere un tono más suave y dulce.

3.3. Diseño y tecnología

Una partitura barroca contiene poca o ninguna información sobre elementos como la articulación , la ornamentación o la dinámica .

Por lo tanto, los conjuntos modernos deben tomar sus propias decisiones informadas antes de cada actuación.

Las diferencias mecánicas entre los instrumentos barrocos y modernos también sugieren que los instrumentos más antiguos habrían sonado diferente, por lo que conjuntos como Music of the Baroque a menudo adaptan su técnica para hacerlo posible.

Debido a que los arcos barrocos y modernos difieren estructuralmente, por ejemplo, los intérpretes de cuerda que utilizan arcos modernos a menudo utilizan un toque más suave en las cuerdas y crescendos y diminuendos en notas más largas.

El vibrato de dedos (una técnica en la que el intérprete de cuerda hace vibrar la punta de su dedo sobre la cuerda para enriquecer el tono) se usaba con más moderación, mientras que el vibrato de arco (un movimiento ondulatorio del arco) era más preferido.

4. Ornamentación, decoraciones y expresión

El lenguaje musical y la formación de la melodía se basaban en un rico sistema de figuras sonoras que intentaban representar estados emocionales humanos.

Al igual que la arquitectura y la escultura de esta época, la música barroca se caracteriza por la ornamentación, el embellecimiento y el estilo. Incluso las melodías más sencillas solían estar adornadas con adornos musicales como trinos , acciaccaturas (apoyaturas cortas), apoyaturas (apoyaturas largas), mordentes (trinos cortos) y giros (apoyaturas dobles).

5. Monodia y bajo continuo

En épocas musicales anteriores, una pieza musical generalmente consistía en una sola melodía, posiblemente con un acompañamiento improvisado, o varias melodías tocadas simultáneamente.

«melodía» y «armonía» comenzaron a tomar forma. En un esfuerzo por imitar la música antigua, los compositores se centraron menos en la intrincada polifonía que dominó los siglos XV y XVI y más en una sola voz con un acompañamiento simplificado, la llamada monodia .

La música se consideraba ahora una forma de retórica que requería un orador potente. ¿Quién mejor para esto que un solista vocal central?.

La nueva fusión de la expresión emocional y el canto solista se expresa con claridad en de Monteverdi al "Combattimento di Tancredi e Clorinda" de su octavo libro de "Madrigales" (1638). Allí escribe: "Me parece que las principales pasiones o inclinaciones de nuestra mente son tres: la ira, la ecuanimidad y la humildad. Los filósofos coinciden en que la naturaleza de nuestra voz, con sus registros agudos, graves y medios, refleja esto".

Las primeras óperas son un excelente ejemplo de esta nueva interpretación de la dramaturgia y la estética.
Junto con el enfoque en una sola melodía, surgió la notación del bajo continuo

Esta forma de notación musical contiene una línea de bajo completa, generalmente interpretada por un violonchelo en un conjunto barroco. Un intérprete de un instrumento de teclado, como un clavicémbalo o un piano, improvisa entonces acordes en notación de bajo cifrado.

Los organistas solistas a menudo tocan la notación del bajo continuo completamente por sí solos.

Dado que el bajo continuo o bajo cifrado siguió siendo el estándar hasta el final del período barroco, a esta época a veces también se la denomina "la era del bajo cifrado" .

Obras maestras de la música barroca

Más información

Una época tan significativa e influyente en la música actual como el Barroco solo puede abordarse brevemente en un artículo como este. Espero haberles ayudado a comprender mejor las características esenciales de la música de esta época y haber despertado su interés por el rico mundo de las composiciones musicales barrocas.

Entonces probablemente tengas muchas más preguntas. Los siguientes recursos pueden ayudarte:

¿Qué compositores vivieron durante el Barroco? → El artículo «La música del Barroco» de WebHistoriker reúne a los representantes más destacados e importantes de la música barroca de forma clara y concisa.

¿Cómo se interpreta la música barroca? → El artículo «Guía musical de la época barroca: Una breve historia de la música barroca» ofrece más información sobre esta forma musical y numerosas clases magistrales para aprender directamente el estilo interpretativo característico de esta época.