Pablo Picasso: Maestro del Cubismo – Biografía, Obra y Vida

Pablo Picasso (1881–1973) fue un artista español conocido por su pintura, gráficos y esculturas.

El artista andaluz está considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX y creó un total de unas 50.000 obras de arte (incluidas más de 15.000 pinturas).

Picasso nació en Málaga , hijo del pintor José Ruiz Blasco y su esposa María Picasso y López. A partir de 1901, utilizó el apellido de su madre, originaria de Italia, como nombre artístico. Le gustaba especialmente este nombre por las dos "S"; le sonaba armonioso.

Cuando se considera la diversidad de expresiones artísticas en la obra de Picasso, rápidamente se hace evidente que el pintor español fue un artista extraordinario.

Aunque su obra en general es enorme, Picasso nunca dejó de lado la meticulosidad en ninguna de sus obras: para el cuadro "Las señoritas de Avignon" (marzo-julio de 1907 en el MoMA), realizó la impresionante cantidad de 809 estudios preliminares. Sin embargo, esta pintura es muy especial, considerada pintura clave del modernismo clásico

Este artículo ofrece un panorama de la turbulenta vida de Picasso, su obra artística y su biografía. Profundicemos juntos en el mundo de uno de los artistas más importantes de todos los tiempos.

Perfil y breve biografía

Perfil – Datos clave

Los datos más importantes sobre el artista que hoy en día es celebrado mundialmente:

Breve biografía

Pablo Ruiz nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, hijo de un profesor de arte. Posteriormente adoptó el apellido materno, Picasso, y creció en Barcelona, ​​donde demostró su talento artístico desde muy joven.

A los 14 años, ingresó en la Academia La Llotja de Barcelona, ​​donde su padre posteriormente trabajó como profesor de dibujo. Pablo Picasso también estudió brevemente en la Real Academia de San Fernando de Madrid.

A principios del siglo XX, viajó entre Francia y España antes de establecerse definitivamente en París en 1904. En la Ciudad del Amor, experimentó con diferentes estilos y desarrolló sus propias obras distintivas.

El marchante de arte Ambroise Vollard organizó una exposición de obras del artista español en su galería parisina. Esta se conoce actualmente como el Periodo Azul . Durante este período, Picasso creó principalmente pinturas melancólicas, cuyos profundos tonos azules dieron nombre a esta fase artística. El Periodo Rosa , en cambio, que duró de 1905 a 1907, se caracteriza por una atmósfera mucho más alegre y abarca temas relacionados con el mundo del circo.

En 1907, Picasso pintó la obra revolucionaria “Las señoritas de Avignon” , que introdujo un nuevo estilo: el cubismo .

Los meses siguientes estuvieron marcados por una intensa colaboración con su estrecho colaborador Georges Braque, quien compartía la admiración de Picasso por el arte de Paul Cézanne. Juntos desarrollaron el cubismo analítico, en el que los colores y las formas se descomponen en fragmentos geométricos.

Otra innovación revolucionaria de Picasso fue la introducción del collage , en el que integraba materiales como trozos de tela, periódicos o anuncios en sus pinturas. A partir de entonces, Picasso cambió frecuentemente su estilo y experimentó con la pintura, la escultura y elementos surrealistas.

Pablo Picasso conoció pronto a la elegante Olga Khokhlova mientras trabajaba en la escenografía y el vestuario de los Ballets Rusos. Desde 1917, ella fue su modelo y, posteriormente, su esposa. El año anterior, ya había diseñado el vestuario y la escenografía de otro ballet.

Pablo Picasso atravesó una etapa estilísticamente diversa, inspirándose en el cubismo, la tradición clásica y los motivos clásicos. Aunque participó en una importante exposición surrealista en 1925, no se le considera parte del movimiento, ya que se inspiró principalmente en su entorno real. Por lo tanto, sus pinturas no reflejan los mundos oníricos ni los ámbitos difusos del subconsciente característicos del surrealismo.

A partir de 1934, Picasso exploró repetidamente el tema de la tauromaquia y en 1937 creó el importante cuadro Guernica , que critica la guerra. Esta obra se considera actualmente una obra clave del arte del siglo XX , inspirada en la destrucción de una ciudad española por los bombarderos alemanes durante la Guerra Civil Española .

Como partidario del gobierno republicano, Picasso luchó contra el general Francisco Franco y nunca regresó a España después de su victoria.

A partir de 1943, el pintor español mantuvo una relación con la artista francesa Françoise Gilot .

En los años siguientes, Picasso utilizó la litografía como su técnica gráfica predilecta y también experimentó con vidrieras y cerámica. Su segunda esposa, Jacqueline Roque, se convirtió en su modelo más retratada.

A diferencia de muchos artistas, Pablo permaneció en París durante la ocupación alemana. Desde 1946 hasta su muerte en 1973, residió principalmente en el sur de Francia, donde continuó creando una amplia gama de obras de arte, incluyendo pinturas , esculturas , grabados y cerámicas.

Pablo Ruiz y Picasso sufrió un infarto en Mougins, cerca de Cannes, en 1973, del que presumiblemente falleció (otras fuentes citan una embolia pulmonar como causa de muerte). Su legado perdura el Museo Picasso Museo Picasso de París se inauguró póstumamente en 1985

A lo largo de su vida, el apasionado pintor mantuvo diversas relaciones con mujeres que a menudo le sirvieron de musas artísticas y amantes. Fue padre de cuatro hijos.

Pablo Picasso – Vida y obra en detalle

1881-1896: Infancia y primeros años

El artista del siglo provenía de una familia en la que su padre, José Ruiz Blasco, era profesor de arte y su madre se llamaba María Picasso López.

Ya a los 10 años demostró un talento excepcional para el dibujo y se convirtió en alumno de su padre cuando la familia se trasladó a A Coruña en 1891. A partir de ese momento, comenzó a experimentar con lo aprendido y a desarrollar nuevas formas de expresión.

Su habilidad superó rápidamente la de su padre gracias a su enfoque exploratorio. En A Coruña, su padre lo apoyó en la exposición de sus primeras obras cuando Pablo tenía tan solo 13 años, una prueba de su talento y éxito.

En otoño de 1895, la familia se trasladó a Barcelona, ​​y Pablo se matriculó en la academia de arte de la ciudad ( La Llotja ), donde su padre trabajaba como profesor de dibujo. La familia albergaba grandes esperanzas en que su hijo triunfara como pintor académico.

1897-1898: Primeros honores y mayor formación artística en Madrid

En 1897, la fama posterior de Pablo en España parecía asegurada; su cuadro "Ciencia y Caridad" recibió una mención honorífica en la Exposición de Bellas Artes de Madrid

La joven capital de España parecía ser el siguiente paso para el prometedor artista Pablo Ruiz, quien aspiraba al reconocimiento y quería cumplir con las expectativas de su familia.

En el otoño de 1897, partió rumbo a Madrid y se matriculó en la prestigiosa Real Academia de San Fernando . Sin embargo, la formación allí le resultó improductiva y, en cambio, dedicó cada vez más tiempo a observar la vida a su alrededor: en cafés, en la calle, en burdeles y, especialmente, en el Museo del Prado , donde descubrió la pintura española

Escribió con entusiasmo:

El museo de arte es precioso. Velázquez es de primera; El Greco creó unas cabezas magníficas, pero Murillo no me convence con todas sus obras

Las obras de estos famosos maestros, entre otras, inspiraron a Picasso en diversos momentos de su dilatada carrera. Por ejemplo, en 1898, en el Prado, copió obras de Goya (un retrato del torero Pepe Illo y un dibujo para uno de los Caprichos que presenta a una Celestina revisando las medias de una joven maja).

Estos personajes reaparecen más tarde en la obra tardía de Pablo Picasso: Pepe Illo aparece en una serie de grabados al aguafuerte (1957) y Celestina se convierte en una especie de autorretrato voyeurista, particularmente en la serie de grabados conocida como Suite 347 (1968).

El pintor enfermó en la primavera de 1898 y pasó la mayor parte del resto del año recuperándose en el pueblo catalán de Horta de Ebro, acompañado por su amigo Manuel Pallarès de Barcelona.

1899-1901: Influenciado por el ambiente artístico de Barcelona

Cuando Picasso regresó a Barcelona , su vida había cambiado drásticamente: se había fortalecido, había aprendido a vivir solo en el campo y ahora hablaba catalán. Pero lo más importante, había decidido abandonar la escuela de arte y rechazar los planes de su familia para su futuro.

Incluso prefería el apellido de su madre y solía firmar sus obras como PR Picasso. A finales de 1901, había abandonado por completo el apellido Ruiz.

En Barcelona se movió en un círculo de artistas y escritores catalanes que centraban su atención en París.

Estos eran sus amigos del Café Els Quatre Gats («Los Cuatro Gatos»), llamado así por el Chat Noir («Gato Negro») parisino. Picasso expuso allí por primera vez en Barcelona en febrero de 1900, a la que le siguieron otras exposiciones, con más de 50 retratos (en diversas técnicas).

Además, había una pintura oscura y atmosférica de “modernista” llamada “Últimos momentos” (posteriormente cubierta con pintura), que representa a un sacerdote visitando la cama de una mujer moribunda.

Esta obra fue aceptada para la contribución española a la Exposición Universal de París. Deseoso de ver su propia obra en persona y experimentar París de primera mano, Pablo Picasso, junto con su compañero de estudio, el catalán Carlos Casagemas (1880-1901), se propuso conquistar al menos una parte de Montmartre, si no todo París.

1900-1901: El descubrimiento de París y la pérdida de un amigo fiel

Uno de los descubrimientos artísticos más significativos que Picasso realizó durante su viaje a París (octubre-diciembre) fue el uso de colores vibrantes . No se trataba de los colores apagados de la paleta española ni del negro de los pañuelos de las mujeres españolas, sino de tonos brillantes, como los que se encuentran Vincent van Gogh

Utilizando diversos medios como el carboncillo, el pastel, la acuarela y el óleo, Picasso capturó la vida en París ( Los amantes en la calle , 1900). En la obra "Moulin de la Galette" (1900), rindió homenaje a artistas franceses como Henri de Toulouse-Lautrec , así como al artista suizo Théophile Alexandre Steinlen y a su compatriota catalán Ramon Casas

Tras un breve periodo de tan solo dos meses, acompañó a Casagemas, quien se encontraba desesperado por el fracaso de una relación sentimental, de regreso a España. En Málaga, Picasso intentó en vano animar a su amigo y finalmente decidió viajar a Madrid. Allí encontró un puesto como editor de arte para la recién fundada revista «Arte Joven» .

Casagemas regresó a París, intentó dispararle a la mujer que amaba, luego se suicidó y murió. Las consecuencias para Pablo fueron graves: no solo había perdido a su fiel amigo y podría sentirse culpable por haberlo abandonado.

Aún más decisivo fue el hecho de que se inspiró en esta experiencia emocional y en el material recopilado, lo que produciría la poderosa expresividad de las obras de su llamado Período Azul.

Unos meses después, en 1901, Picasso pintó dos retratos del difunto Casagemas, así como dos escenas de duelo y un conjuro. En 1903, el propio Casagemas fue representado como artista en la misteriosa pintura "La Vida" .

1901-1904: El período azul de Pablo Picasso

se produjo Periodo Azul , durante el cual Pablo Picasso conoció a otros artistas con quienes conversó sobre sus obras. Ya residía en Montmartre, París, y se rodeó de poetas, pintores y escritores, entre ellos Max Jacob y Juan Gris (un importante representante del cubismo junto a Georges Braque), así como Guillaume Apollinaire, Gertrude Stein y Henri Matisse.

Entre 1901 y mediados de 1904, Picasso viajó entre Barcelona y París. Durante este tiempo, el azul fue el color dominante en sus pinturas. Transportaba materiales para su obra de un lugar a otro.

Un ejemplo de ello son sus visitas a la cárcel de mujeres de Saint-Lazare, en París, entre 1901 y 1902, que le proporcionaron modelos gratuitos y temas cautivadores ( La sopa, 1902).

Sus representaciones de la gente de la calle de Barcelona reflejaban estas visitas: mendigos ciegos o solitarios y náufragos en los años 1902-1903 ( Mujer agachada , 1902; La comida del ciego, 1903; Viejo judío y un niño, 1903).

la maternidad también preocupó a Picasso en esta época, ya que a las mujeres se les permitía quedarse con sus hijos lactantes en prisión. En su búsqueda de material para expresar temas históricos del arte tradicional de forma contemporánea, se inspiró en esto (el permiso para que las mujeres se quedaran con sus hijos lactantes en prisión).

1904-1906: Traslado a París y Período Rosa

En la primavera de 1904, Pablo Picasso tomó finalmente la decisión de trasladarse definitivamente a París, y su obra refleja un cambio de mentalidad y, en particular, una reacción a diferentes corrientes intelectuales y artísticas.

El circo ambulante y las volteretas se convirtieron en un tema que compartió con un nuevo e importante amigo, Guillaume Apollinaire . Tanto para el poeta como para el pintor, estos artistas itinerantes desarraigados ( "Muchacha balanceándose sobre una pelota", 1905; "El actor", 1905) se convirtieron en una especie de alusión a la posición del artista en la sociedad moderna.

Picasso hizo explícitamente esta identificación en "La familia de saltimbanquis" (1905), donde asume el papel de Arlequín y Apollinaire es el hombre fuerte (según su amigo en común, el escritor André Salmon).

Las circunstancias personales de Picasso también cambiaron cuando Fernande Olivier se convirtió en su amante a finales de 1904. Su presencia inspiró muchas obras en los años anteriores al cubismo, particularmente durante su viaje a Gósol en 1906 (Mujer con hogazas de pan).

Sorprendentemente, el color nunca fue algo que le resultara fácil al talentoso pintor, por lo que regresó a una paleta generalmente más española (es decir, monocromática).

Los tonos del Período Azul fueron reemplazados en el Período Rosa, desde finales de 1904 hasta 1906, por los de la cerámica, la carne y la propia tierra ( El Harén, 1906). Picasso parece haber trabajado con el color para acercarse a la forma escultórica, particularmente en 1906 ( Dos Desnudos ; La Toilette ).

Su retrato de Gertrude Stein (1906) y un autorretrato con paleta (1906) muestran esta evolución así como la influencia de su descubrimiento de la escultura ibérica arcaica .

1906-1909: Mucho revuelo sobre Les Demoiselles d'Avignon

En 1906, Pablo Picasso comenzó a trabajar en una controvertida obra titulada "Las señoritas de Avignon", caracterizada por su violenta representación del cuerpo femenino y la pintura de los rostros, similar a una máscara. Aunque arraigada en la tradición de la historia del arte, se percibió como un ataque directo porque las mujeres eran prostitutas y desafiaban las convenciones.

Picasso mantuvo la pintura oculta al público durante varios años, a pesar de que ya contaba con coleccionistas. En 1908, sustituyó las rayas de influencia africana y las cabezas con forma de máscara por una nueva técnica, elementos de las obras de Cézanne incorporaron.

Las pinturas de Picasso de 1909, en particular, mostraban el espacio plano y las pinceladas características que habían descubierto en la obra de Cézanne. Los bodegones se convirtieron en un tema importante para Picasso, inspirados por Cézanne. Las cabezas cubistas de Fernande incluían la escultura "Cabeza de mujer" (1909) y varias pinturas relacionadas, como "Mujer con peras" (1909).

1909-1912: La invención del cubismo

Picasso y Braque trabajaron estrechamente juntos en los años siguientes (1909-1912): ésta fue la única ocasión en la que Picasso colaboró ​​con otro artista de esta manera.

Juntos desarrollaron lo que se conoce como cubismo analítico . Las primeras pinturas cubistas fueron a menudo malinterpretadas por críticos y espectadores, pues se consideraban simplemente arte geométrico

Los propios pintores, sin embargo, estaban convencidos de que sus obras representaban una nueva forma de realidad , que se diferenciaba del estilo tradicional del Renacimiento , especialmente por la renuncia a la perspectiva y a las ilusiones .

Por ejemplo, en sus lienzos mostraban simultáneamente diferentes vistas de un objeto para transmitir más información de la que hubiera sido posible en una única representación limitada e ilusoria.

Para Kahnweiler —galerista franco-alemán, historiador del arte y escritor erudito de la época de Picasso— el cubismo era un método para abrir formas cerradas. En lugar de imitar objetos de forma ilusionista, estos se «reproducían» .

Apollinaire comparó este proceso analítico de fragmentación de objetos, espacio, luz y sombra y color con una disección quirúrgica.

Picasso aplicó este tipo de análisis a partir de 1909, especialmente en los paisajes que pintó durante un viaje a España en el verano de ese año ( Fábrica de Horta de Ebro ). En 1910 le siguieron una serie de retratos herméticos ( Ambroise Vollard ; Daniel-Henry Kahnweiler ); en sus pinturas de 1911-1912, las figuras suelen sentarse delante de instrumentos musicales ( El acordeonista, 1911).

Aquí, el artista fusionó figuras, objetos y espacio de forma inquieta. La paleta se limitó, una vez más, a tonos monocromáticos de ocre, marrón y gris.

Picasso, como muchos de sus ahora legendarios amigos, vivía en la residencia de artistas de Bateau-Lavoir en esa época; había mucho movimiento: el banquete de Picasso para Henri Rousseau fue el tema de conversación de la ciudad durante mucho tiempo, y Picasso y Apollinaire fueron acusados ​​de robar Mona Lisa

Ni Braque ni Picasso pretendieron abrazar plenamente la abstracción en sus obras cubistas. Sin embargo, aceptaron tácitamente inconsistencias como diferentes puntos de vista, ejes y fuentes de luz dentro de la misma imagen. Además, la combinación de elementos abstractos y figurativos en un mismo plano llevó a ambos artistas a reexaminar el significado de elementos bidimensionales como los pies de foto de los periódicos.

Un ejemplo de esto es el título de la canción «Ma Jolie», que podría referirse a eventos externos a la pintura o a elementos compositivos dentro de la propia pintura. La inclusión de texto creó la fuerte impresión de que las pinturas cubistas podían interpretarse desde el plano pictórico en lugar de (como suele ocurrir) sumergirse en ellas.

Además, la manipulación de la forma de la imagen por parte de los cubistas (por ejemplo, utilizando un óvalo) redefinió el borde de la obra de arte y enfatizó que en una pintura cubista el lienzo representa el espacio real.

las obras de Picasso ganaron gradualmente reconocimiento internacional; atrajeron la atención en Alemania en 1910 y en los EE. UU. en 1911. Después de un período de inactividad artística durante la Primera Guerra Mundial, hizo una incursión, tanto artística como de otro tipo, en el ballet, que culminó con su matrimonio, momento en el que abandonó su estilo de vida bohemio.

1912-1915: Cubismo sintético: el nacimiento del collage

A partir de 1912, Picasso y Braque pegaron papel real ( papier collé ) y otros materiales ( collage ) a sus lienzos.

De este modo, profundizaron en el concepto cubista de la obra de arte como objeto independiente y construido. Durante la fase sintética, de 1912 a 1914, se reintrodujeron los colores, al tiempo que se utilizaban con frecuencia materiales industriales como la arena o el papel pintado impreso.

Naturalezas muertas y, ocasionalmente, cabezas fueron los motivos principales de ambos artistas. En las obras de Picasso, diversas referencias se fusionan en sus composiciones sintéticas: curvas que aluden tanto a guitarras como a oídos.

Esto introduce un elemento lúdico en sus obras, característico de muchas de ellas (por ejemplo, «Estudiante con pipa», 1913). Estas referencias sugieren que una cosa se transforma en otra.

Un ejemplo de ello es la obra «Vaso de absenta» (1914; seis versiones). Consiste en parte en una escultura (fundición en bronce), en parte en un collage (un auténtico azucarero de plata soldado a la parte superior) y en parte en una pintura (pinceladas neoimpresionistas que cubren zonas blancas).

Pero esta obra no es escultura, ni collage, ni pintura; tiene capas que remiten a la bidimensionalidad, aunque el objeto sea en realidad tridimensional. La obra, por lo tanto, oscila entre la realidad y la ilusión.

Para 1915, la vida de Picasso dio un giro decisivo, y con ella, el rumbo de su arte. A finales de año, falleció su amada Eva, y el cuadro "Arlequín" (1915), en el que había trabajado durante su enfermedad, da testimonio de su dolor. Representa a un artista mitad Arlequín, mitad Pierrot, frente a un caballete con un lienzo inacabado sobre un fondo negro.

1915-1917: Primera Guerra Mundial, Vanguardia y Desfile

El círculo en torno al cubista se desintegró por la Primera Guerra Mundial. Mientras Apollinaire, Braque y otros fueron al frente, la mayoría de los compatriotas españoles de Picasso regresaron a su tierra natal neutral. Picasso permaneció en Francia y en 1916 entabló amistad con el compositor Erik Satie , lo que lo condujo a un nuevo círculo vanguardista que se mantuvo activo incluso durante la guerra.

El joven poeta Jean Cocteau se declaró líder de este talentoso grupo de personas que frecuentaban el Café de la Rotonde . La idea de Cocteau de una obra teatral sobre tiempos de guerra, en colaboración con los Ballets Rusos de Serge Diaghilev, dio lugar a la creación de "Parade ", una pieza sobre un espectáculo circense que presenta imágenes del nuevo siglo, como rascacielos y aviones.

Para la música, Cocteau recurrió a Satie, y para la escenografía y el vestuario, a Picasso. Las obras comenzaron en 1917, y aunque a Picasso no le gustaba viajar, aceptó ir a Roma con Cocteau para unirse a Diaghilev y al coreógrafo Léonide Massine.

Fue en esta ocasión que Picasso conoció a su futura esposa, Olga Khokhlova, entre los bailarines. «Parade» se estrenó en mayo de 1917 en el Théâtre du Châtelet de París y fue considerada un intento de socavar la solidaridad de la cultura francesa.

Satie parecía ser el blanco principal de los insultos, en parte por la inclusión de hélices de avión y máquinas de escribir en la partitura. Picasso desarmó al público con el contraste entre el telón, fundamentalmente realista, y las impresionantes construcciones cubistas sintéticas de los personajes del ballet, especialmente del director de la función.

1917-1924: El nuevo mediterraneismo

Las pinturas y dibujos de Picasso de finales de su adolescencia a menudo parecen sorprendentemente realistas en contraste con sus obras cubistas anteriores, que a veces fueron creadas en paralelo (como “Passeig de Colom”, 1917).

Tras sus viajes a Italia nuevo espíritu mediterráneo surgió en su obra , especialmente a través del uso de formas y técnicas de dibujo clásicas.

Esto se vio reforzado por su compromiso consciente con J.-A.-D. Ingres (por ejemplo, en los retratos de Max Jacob y Ambroise Vollard ), así como con el fallecido Pierre-Auguste Renoir . Incluso su obra cubista se vio influenciada.

Se convirtió en un pintor consagrado, representado mundialmente por dos marchantes de arte a partir de 1918. Ese año, Picasso rompió definitivamente con el cubismo, experimentando con diversos estilos hasta 1924.

Mediante una representación más precisa de superficies, formas y colores, el artista dotó a sus pinturas cubistas de una expresión clásica. Esto se aprecia claramente en el bodegón «Saint-Raphaël» (1919) o en las dos versiones de «Tres músicos» (1921).

El único hijo de Picasso con Olga, Paulo, nació en 1921. Con la recién adquirida reputación de Picasso como figura de la alta sociedad, continuó su colaboración con los Ballets Rusos. Durante esta época, Picasso diseñó el vestuario para El sombrero de tres picos (1919) de Manuel de Falla, Pulcinella (1920) de Igor Stravinsky Cuadro Flamenco de De Falla y el ballet Mercure in Soirées de Paris Kompanie (1924) de Satie.

André Breton describió los diseños de Picasso para este ballet como "juguetes trágicos para adultos" creados en el espíritu del surrealismo

1924-1935: Influencias surrealistas

Aunque Picasso nunca llegó a ser miembro oficial del grupo, mantuvo estrechos vínculos con el movimiento literario y artístico más importante del período de entreguerras, el surrealismo . La élite surrealista, incluido su principal propagandista, André Breton, lo reivindicó, y el arte de Picasso adquirió una nueva dimensión gracias al contacto con sus amigos surrealistas, especialmente los escritores.

Muchos elementos avalados por el círculo oficial ya estaban arraigados en la obra de Picasso desde Las señoritas. La creación de monstruos, por ejemplo, podía percibirse sin duda en las inquietantes yuxtaposiciones y los contornos fracturados de la figura humana en las obras cubistas; Breton destacó en particular La extraña mujer con camisa (1913).

Además, la idea subyacente del cubismo sintético, leer una cosa por otra, parecía alinearse con la imaginería onírica de los surrealistas.

Lo que Picasso ganó con el movimiento surrealista fueron nuevos temas , especialmente eróticos , así como una intensificación de elementos perturbadores que ya estaban presentes en su obra.

Las numerosas variaciones sobre el tema de los bañistas, con sus formas abiertamente sexuales y distorsionadas (serie Dinard, 1929), demuestran claramente la influencia del surrealismo. En otras obras, el efecto de la distorsión en las emociones del espectador también puede interpretarse como gratificante, lo cual se corresponde con los objetivos psicológicos del surrealismo. Los dibujos y pinturas de Picasso de la Crucifixión (1930-35) son un buen ejemplo de ello.

En la década de 1930, Picasso, como muchos escritores surrealistas, a menudo jugaba con la idea de la metamorfosis . Por ejemplo, la imagen del Minotauro, el monstruo de la mitología griega —mitad toro, mitad hombre—, tradicionalmente visto como la encarnación de la lucha entre el hombre y la bestia, se convierte en la obra de Picasso no solo en una alusión a esta idea, sino también en una especie de autorretrato.

Por esta época, su matrimonio también empezó a tambalearse; Picasso a veces tenía dos amantes simultáneamente, quienes, en su opinión, «deberían resolver su rivalidad entre ellos». durante este período conexión entre la sexualidad y la creatividad artística, un tema que lo preocuparía hasta el final de su vida.

Finalmente, Picasso encontró su propia forma única de surrealismo , que expresó principalmente a través de la poesía . En 1935, comenzó a escribir poemas, y en un año, desde febrero de 1935 hasta la primavera de 1936, Picasso prácticamente abandonó la pintura.

Sus poemarios se publicaron en Cahiers d'Art (1935) y La Gaceta de Arte (1936, Tenerife). Unos años más tarde, escribió la obra surrealista «Le Désir attrapé par la queue» (1941).

Primero, sin embargo, llegó la Guerra Civil Española (1936 – 1939), que sacudió a Picasso y dio lugar al famoso cuadro Guernica .

Inmediatamente después llegó la Segunda Guerra Mundial; durante este tiempo, Picasso permaneció en París. En 1945, el aislamiento terminó y Picasso se dirigió al sur de Francia, donde creó su obra tardía en diversos lugares.

Esto incluye también la paloma de la paz , que todos conocemos y que diseñó en 1949 para un cartel del Congreso Mundial de la Paz en París.

Obras de Pablo Picasso en nuestra galería online:

Una retrospectiva completa de la obra del maestro cubista:

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Lista de fuentes y bibliografía

libros

• Karmel, Pepe : Picasso y la invención del cubismo . New Haven: Yale University Press, 2003.
• Léal, Brigitte, Christine Piot y Marie-Laure Bernadac:  El Picasso definitivo . Nueva York: Abrams, 2003.
• Olivier, Fernande : Amando a Picasso: El diario privado de Fernande Olivier . Editado por Marilyn McCully. Nueva York: Abrams, 2001.
• Richardson, John:  Una vida de Picasso. 2 vols . Nueva York: Random House, 1991-96.

Internet

• Britannica : Pablo Picasso , https://www.britannica.com/biography/Pablo-Picasso/Cubism
• James Voorhies: Pablo Picasso (1881–1973) , Departamento de Pinturas Europeas, Museo Metropolitano de Arte, https://www.metmuseum.org/toah/hd/pica/hd_pica.htm
• NEUMEISTER – Casa de subastas de arte de Múnich : Pablo Picasso , https://www.neumeister.com/kunstwerksuche/kuenstler/3729/0/