Pablo Picasso: Maestro del Cubismo – Biografía, Obra y Vida

Pablo Picasso (1881-1973) fue un artista español conocido por su pintura, grabado y escultura.

El artista andaluz está considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX y creó un total aproximado de 50.000 obras de arte (incluidas más de 15.000 pinturas).

Picasso nació en Málaga , hijo del pintor José Ruiz Blasco y su esposa María Picasso y López. A partir de 1901, adoptó el apellido de su madre, italiana de nacimiento, como nombre artístico. Le gustaba especialmente este nombre por la presencia de dos «s»; le sonaba armonioso.

Si se tiene en cuenta la diversidad de expresiones artísticas en la obra de Picasso, resulta evidente que el pintor español fue un artista extraordinario.

Aunque su obra en general es enorme, Picasso nunca descuidó el cuidado meticuloso en ninguna de sus obras: para el cuadro «Las señoritas de Avignon» (marzo-julio de 1907 en el MoMA), realizó la impresionante cantidad de 809 estudios preliminares. Esta pintura, sin embargo, es una obra muy especial, considerada obra clave del Modernismo Clásico

Este artículo ofrece una visión general de la agitada vida de Picasso, su obra artística y su biografía. Adentrémonos juntos en el mundo de uno de los artistas más importantes de todos los tiempos.

Perfil y breve biografía

Perfil – Datos clave

Los datos más importantes sobre el artista que hoy goza de fama mundial:

Breve biografía

Pablo Ruiz nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, hijo de un profesor de arte. Posteriormente adoptó el apellido de su madre, Picasso, y creció en Barcelona, ​​donde mostró su talento artístico desde temprana edad.

A los 14 años ingresó en la Academia de La Llotja de Barcelona, ​​donde más tarde su padre trabajó como profesor de dibujo. Pablo Picasso también estudió brevemente en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

A principios del siglo XX, viajó repetidamente entre Francia y España antes de establecerse definitivamente en París en 1904. En la Ciudad del Amor, experimentó con diferentes estilos y desarrolló sus propias obras distintivas.

El marchante de arte Ambroise Vollard organizó una exposición de obras del artista español en su galería parisina. Estas obras se conocen hoy como el Período Azul . Durante este tiempo, Picasso creó principalmente pinturas melancólicas, cuyos profundos tonos azules dieron nombre a esta fase artística. El Período Rosa , en cambio, que abarcó de 1905 a 1907, se caracteriza por una atmósfera mucho más alegre e incluye temas relacionados con el mundo del circo.

En 1907, Picasso pintó la obra revolucionaria "Las señoritas de Avignon" , que introdujo un nuevo estilo: el cubismo .

Los meses siguientes estuvieron marcados por una intensa colaboración con su estrecho colaborador Georges Braque, quien compartía la admiración de Picasso por el arte de Paul Cézanne. Juntos desarrollaron el cubismo analítico, en el que los colores y las formas se descomponen en fragmentos geométricos.

Otra innovación revolucionaria de Picasso fue la introducción del collage , en la que integró materiales como trozos de tela, periódico o anuncios en sus pinturas. A partir de entonces, Picasso cambió frecuentemente de estilo y experimentó con la pintura, la escultura y elementos surrealistas.

Pablo Picasso conoció poco después a la elegante Olga Khokhlova mientras trabajaba en el diseño de escenografía y vestuario para los Ballets Rusos. Desde 1917, ella fue su modelo y más tarde su esposa. El año anterior, ya había diseñado el vestuario y la escenografía para otro ballet.

Pablo Picasso atravesó una fase estilísticamente diversa, inspirándose en el cubismo, la tradición clásica y los motivos clásicos. Si bien participó en una importante exposición surrealista en 1925, no se le considera parte del movimiento, ya que su inspiración provenía principalmente de su entorno cotidiano. Por lo tanto, sus pinturas no reflejan los mundos oníricos ni los reinos difusos del subconsciente característicos del surrealismo.

A partir de 1934, Picasso exploró repetidamente el tema de la tauromaquia y en 1937 creó el importante cuadro Guernica , que critica la guerra. Esta obra se considera ahora una pieza clave del arte del siglo XX , inspirada en la destrucción de una ciudad española por los bombarderos alemanes durante la Guerra Civil Española .

Como partidario del gobierno republicano, Picasso luchó contra el general Francisco Franco y nunca regresó a España tras su victoria.

Desde 1943 en adelante, el pintor español mantuvo una relación con la artista francesa Françoise Gilot .

En los años siguientes, Picasso empleó la litografía como su técnica gráfica predilecta y también experimentó con vidrieras y cerámica. Su segunda esposa, Jacqueline Roque, se convirtió en su modelo más retratada.

A diferencia de muchos artistas, Pablo permaneció en París durante la ocupación alemana. Desde 1946 hasta su muerte en 1973, vivió principalmente en el sur de Francia, donde continuó creando una amplia gama de obras de arte, incluyendo pinturas , esculturas , grabados y cerámica.

Pablo Ruiz Picasso sufrió un infarto en Mougins, cerca de Cannes, en 1973, del que presumiblemente falleció (otras fuentes citan una embolia pulmonar como causa de la muerte). Su legado perdura en el Museo Picasso de Barcelona, ​​fundado en 1963, que gestiona la mayor parte de su patrimonio. Además, el Museo Picasso de París se inauguró póstumamente en 1985.

A lo largo de su vida, el apasionado pintor mantuvo diversas relaciones con mujeres que a menudo fueron tanto sus musas artísticas como sus amantes. Fue padre de cuatro hijos.

Pablo Picasso: Vida y obra en detalle

1881-1896: Infancia y primeros años

El artista del siglo provenía de una familia en la que su padre, José Ruiz Blasco, era profesor de arte y su madre se llamaba María Picasso López.

Ya a los 10 años demostró un talento excepcional para el dibujo y se convirtió en alumno de su padre después de que la familia se mudara a A Coruña en 1891. A partir de ese momento, comenzó a experimentar con lo que había aprendido y a desarrollar nuevas formas de expresión.

Su habilidad superó rápidamente la de su padre gracias a su enfoque exploratorio. En A Coruña, su padre lo apoyó para que expusiera sus primeras obras cuando Pablo tenía solo 13 años, una prueba fehaciente de su talento y éxito.

En otoño de 1895, la familia se trasladó a Barcelona y Pablo se matriculó en la escuela de arte de La Llotja , donde su padre trabajaba como profesor de dibujo. La familia tenía grandes esperanzas de que su hijo triunfara como pintor académico.

1897-1898: Primeros honores y formación artística posterior en Madrid

En 1897, la posterior fama de Pablo en España parecía asegurada; su cuadro "Ciencia y Caridad" recibió una mención honorífica en la Exposición de Bellas Artes de Madrid

La joven capital española parecía ser el siguiente paso para el prometedor artista Pablo Ruiz, que aspiraba al reconocimiento y quería cumplir con las expectativas de su familia.

En otoño de 1897, partió hacia Madrid y se matriculó en la prestigiosa Real Academia de San Fernando . Sin embargo, encontró la enseñanza allí improductiva y, en cambio, dedicó cada vez más tiempo a observar la vida a su alrededor: en cafés, en la calle, en burdeles y, especialmente, en el Museo del Prado , donde se le reveló la pintura española

Escribió con entusiasmo:

El museo de arte es precioso. Velázquez es de primera; El Greco creó cabezas magníficas, pero Murillo no me convence con todas sus obras.

Las obras de arte de estos famosos maestros, así como de otros, inspiraron a Picasso en diversos momentos a lo largo de su larga carrera. Por ejemplo, en 1898, en el Prado, copió obras de Goya (un retrato del torero Pepe Illo y un dibujo para uno de los Caprichos que representa a una celestina [alcahueta] revisando las medias de una joven maja).

Estos personajes reaparecen más tarde en la obra tardía de Pablo Picasso: Pepe Illo aparece en una serie de grabados (1957) y Celestina se convierte en una especie de autorretrato voyeurista, particularmente en la serie de grabados conocida como Suite 347 (1968).

El pintor enfermó en la primavera de 1898 y pasó la mayor parte del resto del año recuperándose en el pueblo catalán de Horta de Ebro, acompañado por su amigo Manuel Pallarès de Barcelona.

1899-1901: Influenciado por el ambiente artístico de Barcelona.

Cuando Picasso regresó a Barcelona , su vida había cambiado drásticamente: se había fortalecido, había aprendido a vivir solo en el campo y ahora hablaba catalán. Pero, sobre todo, había decidido abandonar la escuela de arte y rechazar los planes que su familia tenía para su futuro.

Incluso prefería el apellido de su madre y solía firmar sus obras como PR Picasso. A finales de 1901, había abandonado por completo el nombre Ruiz.

En Barcelona se movió en un círculo de artistas y escritores catalanes que centraban su atención en París.

Estos eran sus amigos del Café Els Quatre Gats ("Los Cuatro Gatos"), llamado así por el gato parisino Chat Noir ("Gato Negro"). Picasso tuvo allí su primera exposición en Barcelona en febrero de 1900, y le siguieron otras exposiciones, con más de 50 retratos (en diversas técnicas).

Además, había una pintura oscura y atmosférica de “modernista” llamada “Últimos momentos” (posteriormente pintada encima), que representa a un sacerdote visitando el lecho de muerte de una mujer.

Esta obra fue aceptada como contribución española a la Exposición Universal de París. Deseoso de ver su propia obra en persona y experimentar París de primera mano, Pablo Picasso, junto con su colega de estudio, el catalán Carlos Casagemas (1880-1901), se propuso conquistar, al menos en parte, Montmartre, si no todo París.

1900-1901: El descubrimiento de París y la pérdida de un amigo leal

Uno de los descubrimientos artísticos más significativos que Picasso realizó durante su viaje a París (octubre-diciembre) fue el uso de colores vibrantes . No se refería a los colores apagados de la paleta española ni al negro de los pañuelos de las mujeres españolas, sino a tonalidades brillantes, como las que se encuentran Vincent van Gogh,

Utilizando diversos medios como el carboncillo, el pastel, la acuarela y el óleo, Picasso capturó la vida en París ( Los amantes en la calle , 1900). En la obra "Moulin de la Galette" (1900), rindió homenaje a artistas franceses como Henri de Toulouse-Lautrec, así como al artista suizo Théophile Alexandre Steinlen y a su compatriota catalán Ramon Casas

Tras un breve periodo de apenas dos meses, acompañó a Casagemas, quien se encontraba desesperado por una ruptura amorosa, de regreso a España. En Málaga, Picasso intentó en vano animar a su amigo y finalmente decidió viajar a Madrid. Allí encontró trabajo como editor de arte en la recién fundada revista «Arte Joven» .

Casagemas regresó a París, intentó disparar a la mujer que amaba, luego se suicidó y murió. Las consecuencias para Pablo fueron significativas: no se trataba solo de que hubiera perdido a su leal amigo y pudiera sentirse culpable por haberlo abandonado.

Aún más crucial fue el hecho de que se inspiró en esta experiencia emocional y en el material recopilado, lo que produciría la poderosa expresividad de las obras de su llamado Período Azul.

Pocos meses después, en 1901, Picasso pintó dos retratos del difunto Casagemas, así como dos escenas de dolientes y un conjuro. En 1903, el propio Casagemas fue representado «La Vie»

1901-1904: El período azul de Pablo Picasso

comenzó Período Azul , durante el cual Pablo Picasso conoció a otros artistas con quienes discutió sobre su obra. En ese momento ya vivía en Montmartre, en París, y se rodeó de poetas, pintores y escritores, entre ellos Max Jacob y Juan Gris (un importante representante del cubismo junto a Georges Braque), así como Guillaume Apollinaire, Gertrude Stein y Henri Matisse.

Entre 1901 y mediados de 1904, Picasso viajó frecuentemente entre Barcelona y París. Durante este periodo, el azul fue el color predominante en sus pinturas. Transportaba los materiales para su trabajo de un lugar a otro.

Un ejemplo de ello son sus visitas a la prisión de mujeres de Saint-Lazare en París entre 1901 y 1902, que le proporcionaron modelos gratuitos y sujetos cautivadores ( La sopa, 1902).

Sus representaciones de la gente de la calle de Barcelona reflejaron estas visitas: mendigos ciegos o solitarios y náufragos en los años 1902-1903 ( Mujer agachada , 1902; Comida del ciego, 1903; Viejo judío y un niño, 1903).

la maternidad también preocupó a Picasso en esta época, ya que a las mujeres se les permitía tener a sus hijos lactantes consigo en prisión. En su búsqueda de material para expresar temas tradicionales de la historia del arte de una manera contemporánea, se inspiró en este hecho (la posibilidad de que las mujeres tuvieran a sus hijos lactantes consigo en prisión).

1904-1906: Traslado a París y el período de las rosas

En la primavera de 1904, Pablo Picasso finalmente tomó la decisión de trasladarse definitivamente a París, y su obra refleja un cambio de mentalidad y, en particular, una reacción a diferentes corrientes intelectuales y artísticas.

El circo ambulante y las volteretas se convirtieron en un tema que compartía con un nuevo e importante amigo, Guillaume Apollinaire . Tanto para el poeta como para el pintor, estos artistas itinerantes sin raíces ( "Muchacha haciendo equilibrio sobre una pelota", 1905; "El actor", 1905) se convirtieron en una suerte de alusión a la posición del artista en la sociedad moderna.

Picasso hizo explícitamente esta identificación en "La familia de los saltimbancos" (1905), donde asume el papel de Arlequín y Apollinaire es el forzudo (según su amigo común, el escritor André Salmon).

Las circunstancias personales de Picasso también cambiaron cuando Fernande Olivier se convirtió en su amante a finales de 1904. Su presencia inspiró muchas obras en los años previos al cubismo, particularmente durante su viaje a Gosol en 1906 (Mujer con panes).

Sorprendentemente, el color nunca le resultó fácil al talentoso pintor, por lo que volvió a una paleta generalmente más española (es decir, monocromática).

Los tonos del Período Azul fueron reemplazados en el Período Rosa, desde finales de 1904 hasta 1906, por los de la cerámica, la carne y la propia tierra ( El harén, 1906). Picasso parece haber trabajado con el color para aproximarse a la forma escultórica, particularmente en 1906 ( Dos desnudos ; El tocador ).

Su retrato de Gertrude Stein (1906) y un autorretrato con paleta (1906) muestran este desarrollo, así como la influencia de su descubrimiento de la escultura ibérica arcaica .

1906-1909: Mucho revuelo sobre Les Demoiselles d'Avignon

En 1906, Pablo Picasso comenzó a trabajar en una obra controvertida titulada «Las señoritas de Avignon », caracterizada por su violenta representación del cuerpo femenino y el estilo de máscaras que pintaba los rostros. Aunque arraigada en la tradición artística, fue percibida como un ataque directo, ya que las mujeres eran prostitutas y desafiaban las convenciones.

Picasso mantuvo el cuadro fuera del alcance del público durante varios años, a pesar de que ya contaba con coleccionistas. En 1908, sustituyó las rayas de influencia africana y las cabezas con forma de máscara por una nueva técnica, elementos de las obras de Cézanne, habían integrado.

Las pinturas de Picasso de 1909, en particular, exhibieron la bidimensionalidad y las pinceladas características que habían descubierto en la obra de Cézanne. Los bodegones se convirtieron en un tema importante para Picasso, inspirado por Cézanne. Entre las cabezas cubistas de Fernande se incluyen la escultura «Cabeza de mujer» (1909) y varias pinturas relacionadas, como «Mujer con peras» (1909).

1909-1912: La invención del cubismo

Picasso y Braque trabajaron estrechamente juntos en los años siguientes (1909-1912); esta fue la única ocasión en que Picasso colaboró ​​con otro artista de esta manera.

Juntos desarrollaron lo que se conoce como cubismo analítico consideraba simplemente arte geométrico

Los propios pintores, sin embargo, estaban convencidos de que sus obras representaban una nueva forma de realidad , que difería del estilo tradicional del Renacimiento , particularmente por la renuncia a la perspectiva y las ilusiones .

Por ejemplo, en sus lienzos mostraban diferentes vistas de un mismo objeto simultáneamente para transmitir más información de la que hubiera sido posible en una única representación limitada e ilusoria.

Para Kahnweiler —un galerista, historiador del arte y autor erudito germano-francés contemporáneo de Picasso— el cubismo era un método para abrir las formas cerradas. En lugar de imitar ilusionistamente los objetos, estos se «reproducían» .

Apollinaire comparó este proceso analítico de fragmentación de objetos, espacio, luz y sombra, y color con una disección quirúrgica.

Picasso aplicó este tipo de análisis a partir de 1909, y particularmente en los paisajes que pintó durante un viaje a España en el verano de ese año ( Fábrica en Horta de Ebro ). En 1910 le siguió una serie de retratos herméticos ( Ambroise Vollard ; Daniel-Henry Kahnweiler ); en sus pinturas de 1911-1912, las figuras suelen estar sentadas frente a instrumentos musicales ( El acordeonista, 1911).

Aquí, el artista fusionó figuras, objetos y espacio de manera inquieta. La paleta se limitó nuevamente a tonos monocromáticos de ocre, marrón y gris.

Picasso, al igual que muchos de sus ahora legendarios amigos, vivía en la residencia de artistas Bateau-Lavoir en aquella época; sucedían muchas cosas: el banquete que Picasso ofreció a Henri Rousseau fue la comidilla de la ciudad durante mucho tiempo, y Picasso y Apollinaire fueron acusados ​​de robar Mona Lisa

Ni Braque ni Picasso pretendieron adoptar plenamente la abstracción en sus obras cubistas. Sin embargo, aceptaron tácitamente inconsistencias como diferentes puntos de vista, ejes y fuentes de luz dentro de una misma imagen. Además, la combinación de elementos abstractos y figurativos en un mismo plano llevó a ambos artistas a reexaminar el significado de elementos bidimensionales como los pies de foto de los periódicos.

Un ejemplo de ello es el título de la canción «Ma Jolie », que podría referirse a sucesos ajenos al cuadro o a elementos compositivos de la propia pintura. La inclusión de texto generó la fuerte impresión de que las pinturas cubistas podían interpretarse desde el plano pictórico, en lugar de (como tradicionalmente se hace) mediante la inmersión en ellas.

Además, la manipulación de la forma de la imagen por parte de los cubistas —por ejemplo, mediante el uso de un óvalo— redefinió el límite de la obra de arte y enfatizó que en una pintura cubista el lienzo representa el espacio real.

las obras de Picasso fueron ganando gradualmente reconocimiento internacional; atrajeron la atención en Alemania en 1910 y en los Estados Unidos en 1911. Después de un período de inactividad artística durante la Primera Guerra Mundial, incursionó —tanto artística como de otra manera— en el ballet, lo que culminó en su matrimonio, momento en el que abandonó su estilo de vida bohemio.

1912-1915: Cubismo sintético – El nacimiento del collage

A partir de 1912, Picasso y Braque adhirieron papel real ( papier collé ) y otros materiales ( collage ) a sus lienzos.

Al hacerlo, desarrollaron aún más el concepto cubista de obra de arte como objeto independiente y construido. Durante la fase sintética, entre 1912 y 1914, se reintrodujeron los colores y se emplearon con frecuencia materiales industriales como arena o papel pintado impreso.

Los bodegones y, ocasionalmente, las cabezas, fueron los motivos principales de ambos artistas. En las obras de Picasso, diversas referencias se fusionan en sus composiciones sintéticas: curvas que aluden tanto a guitarras como a orejas.

Esto introduce un elemento lúdico en sus obras, característico de muchas de ellas (por ejemplo, «Estudiante con pipa», 1913). Estas referencias sugieren que una cosa se transforma en otra.

Un ejemplo de ello es la obra "Vaso de absenta" (1914; seis versiones). Consta en parte de una escultura (fundición en bronce), en parte de un collage (un auténtico colador de azúcar de plata está soldado en la parte superior) y en parte de pintura (pinceladas neoimpresionistas cubren las zonas blancas).

Pero esta obra no es ni escultura, ni collage, ni pintura; posee capas que aluden a la bidimensionalidad, aunque el objeto en sí sea tridimensional. La obra, por tanto, oscila entre la realidad y la ilusión.

En 1915, la vida de Picasso dio un giro decisivo, y con ella, la dirección de su arte. A finales de ese año, falleció su amada Eva, y el cuadro «Arlequín» (1915), en el que había trabajado durante su enfermedad, da testimonio de su dolor. Representa una figura mitad arlequín, mitad Pierrot, artista, ante un caballete con un lienzo inacabado sobre un fondo negro.

1915-1917: Primera Guerra Mundial, Vanguardia y Desfile

La Primera Guerra Mundial desintegró el círculo cubista. Mientras Apollinaire, Braque y otros partieron al frente, la mayoría de los compatriotas de Picasso regresaron a su patria neutral. Picasso permaneció en Francia y en 1916 entabló amistad con el compositor Erik Satie , lo que lo introdujo en un nuevo círculo de vanguardia que se mantuvo activo incluso durante la guerra.

El joven poeta Jean Cocteau se autoproclamó líder de este talentoso grupo de personas que frecuentaban el Café de la Rotonde . La idea de Cocteau de realizar una representación teatral en tiempos de guerra en colaboración con los Ballets Rusos dio como resultado la creación de "Parade ", una pieza sobre una función de circo que presenta imágenes del nuevo siglo, como rascacielos y aviones.

Para la música, Cocteau recurrió a Satie, y para la escenografía y el vestuario, a Picasso. El trabajo comenzó en 1917, y aunque a Picasso no le gustaba viajar, aceptó ir a Roma con Cocteau para reunirse con Diaghilev y el coreógrafo Léonide Massine.

Fue en esta ocasión cuando Picasso conoció a su futura esposa, Olga Khokhlova, entre los bailarines. «Parade» se estrenó en mayo de 1917 en el Théâtre du Châtelet de París y fue interpretada como un intento de socavar la solidaridad de la cultura francesa.

Satie parecía ser el principal blanco de los insultos, en parte por la inclusión de hélices de avión y máquinas de escribir en su partitura. Picasso cautivó al público con el contraste entre el telón de fondo, de gran realismo, y las impresionantes construcciones cubistas sintéticas que portaban los personajes del ballet, especialmente el director del espectáculo.

1917-1924: El nuevo mediterráneoismo

Las pinturas y dibujos de Picasso de finales de su adolescencia a menudo parecen sorprendentemente realistas en contraste con sus obras cubistas anteriores, que a veces fueron creadas en paralelo (como "Passeig de Colom", 1917).

Tras sus viajes a Italia y su regreso a Barcelona en 1917, surgió un nuevo espíritu mediterráneo , particularmente a través del uso de formas clásicas y técnicas de dibujo.

Esto se vio reforzado por su compromiso consciente con J.-A.-D. Ingres (por ejemplo, en los retratos que Picasso hizo de Max Jacob y Ambroise Vollard ), así como con el último Pierre-Auguste Renoir . Incluso su obra cubista recibió esta influencia.

Se convirtió en un pintor consagrado, representado mundialmente por dos marchantes de arte a partir de 1918. Ese mismo año, Picasso rompió definitivamente con los cubistas, experimentando con diversos estilos hasta 1924.

Mediante una representación más precisa de superficies, formas y colores, el artista dotó a sus pinturas cubistas de una expresión clásica. Esto se aprecia claramente en el bodegón «San Rafael» (1919) o en las dos versiones de «Tres músicos» (1921).

Paulo, el único hijo de Picasso con Olga, nació en 1921. Gracias a su recién adquirida reputación como figura destacada de la sociedad, Picasso continuó su colaboración con los Ballets Rusos. Durante este periodo, diseñó el vestuario para El sombrero de tres picos (1919) de Manuel de Falla, Pulcinella (1920) de Igor Stravinsky Cuadro Flamenco de Falla y el ballet Mercure in Soirées de Paris Kompanie (1924) de Satie.

André Breton describió los diseños de Picasso para este ballet como "juguetes trágicos para adultos" creados en el espíritu del surrealismo

1924-1935: Influencias surrealistas

Aunque Picasso nunca llegó a ser miembro oficial del grupo, mantuvo estrechos vínculos con el movimiento literario y artístico más importante del período de entreguerras: el surrealismo . El establishment surrealista, incluyendo a su principal propagandista, André Breton, lo acogió como uno de los suyos, y el arte de Picasso adquirió una nueva dimensión gracias al contacto con sus amigos surrealistas, especialmente los escritores.

Muchos elementos avalados por el círculo oficial ya estaban presentes en la obra de Picasso desde Las señoritas de Avignon. La creación de monstruos, por ejemplo, podía percibirse claramente en las inquietantes yuxtaposiciones y los contornos fracturados de la figura humana en las obras cubistas; Breton señaló en particular La extraña mujer con camisa (1913).

Además, la idea subyacente del cubismo sintético, leer una cosa por otra, parecía alinearse con las imágenes oníricas de los surrealistas.

Lo que Picasso obtuvo del movimiento surrealista fueron nuevos temas –especialmente eróticos– , así como una intensificación de los elementos perturbadores que ya estaban presentes en su obra.

Las numerosas variaciones sobre el tema de las bañistas, con sus formas abiertamente sexuales y distorsionadas (serie Dinard, 1929), demuestran claramente la influencia del surrealismo. En otras obras, el efecto de la distorsión en las emociones del espectador también puede interpretarse como satisfactorio, lo cual se corresponde con los objetivos psicológicos del surrealismo. Los dibujos y pinturas de Picasso sobre la Crucifixión (1930-35) constituyen un buen ejemplo de ello.

En la década de 1930, Picasso, al igual que muchos escritores surrealistas, jugó a menudo con la idea de la metamorfosis . Por ejemplo, la imagen del Minotauro, el monstruo de la mitología griega —mitad toro y mitad hombre— tradicionalmente visto como la encarnación de la lucha entre el hombre y la bestia, se convierte en la obra de Picasso no solo en una alusión a esta idea, sino también en una suerte de autorretrato.

Por esta época, su matrimonio también empezó a tambalearse; Picasso a veces tenía dos amantes simultáneamente, quienes, en su opinión, «deberían zanjar su rivalidad entre ellos». durante este periodo conexión entre sexualidad y creatividad artística , un tema que lo preocuparía hasta el final de su vida.

Finalmente, Picasso encontró su propia forma única de surrealismo , que expresó principalmente a través de la poesía . En 1935, comenzó a escribir poemas y, en menos de un año, desde febrero de 1935 hasta la primavera de 1936, Picasso prácticamente abandonó la pintura.

Sus poemarios se publicaron en Cahiers d'Art (1935) y La Gaceta de Arte (1936 en Tenerife). Unos años más tarde, escribió la obra surrealista "Le Désir attrapé par la queue" (1941; El deseo atrapado por la cola).

Sin embargo, primero llegó la Guerra Civil Española (1936-1939), que sacudió a Picasso y dio como resultado la famosa pintura Guernica .

Inmediatamente después estalló la Segunda Guerra Mundial; durante este tiempo Picasso permaneció en París. En 1945, terminó el aislamiento y Picasso se trasladó al sur de Francia, donde creó su obra tardía en diversos lugares.

Esto incluye también la paloma de la paz , y que él diseñó en 1949 para un cartel del Congreso Mundial de la Paz en París.

Obras de Pablo Picasso en nuestra galería online:

Una retrospectiva completa de la obra del maestro cubista:

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Lista de fuentes y bibliografía

libros

• Karmel, Pepe : Picasso y la invención del cubismo . New Haven: Yale University Press, 2003.
• Léal, Brigitte, Christine Piot y Marie-Laure Bernadac:  El Picasso definitivo . Nueva York: Abrams, 2003.
• Olivier, Fernande : Amando a Picasso: El diario privado de Fernande Olivier . Edición de Marilyn McCully. Nueva York: Abrams, 2001.
• Richardson, John:  Una vida de Picasso. 2 vols . Nueva York: Random House, 1991-96.

Internet

• Britannica : Pablo Picasso , https://www.britannica.com/biography/Pablo-Picasso/Cubism
• James Voorhies: Pablo Picasso (1881–1973) , Departamento de Pintura Europea, Museo Metropolitano de Arte, https://www.metmuseum.org/toah/hd/pica/hd_pica.htm
• NEUMEISTER – Casa de subastas de arte de Múnich : Pablo Picasso , https://www.neumeister.com/kunstwerksuche/kuenstler/3729/0/