El camino de David Hockney hacia el arte: mucho más que talento

David Hockney es uno de los artistas más famosos del mundo. Ha figurado entre los 100 mejores artistas de la lista de las mejores arte desde que se lanzó esta clasificación (generada por computadora) en 2001.

Sin embargo, desde que Hockney nació en 1937 y se hizo famoso en el mundo artístico de habla inglesa en los años 1960, incluso el alemán promedio, de mayor edad y con educación, conoce a Hockney como un "artista famoso" desde hace bastante tiempo.

La pregunta es, ¿cuánto conocen los alemanes promedio (sin importar la edad) a David Hockney? A menudo, solo por sus bonitos, coloridos y algo kitsch carteles, y en el breve artículo habitual con motivo de la inauguración de una exposición, la obra de Hockney suele reducirse a un agradable pop art .

Eso no es suficiente; hay mucho más que eso. El arte atractivo que atrae a las masas de todo el mundo puede traer reconocimiento a corto plazo, pero no te convertirá en un artista aclamado internacionalmente. Esos artistas verdaderamente de talla mundial son amados y admirados porque ofrecen al mundo mucho más que solo arte hermoso, cada uno a su manera.

Para comprender verdaderamente a un artista, hay que profundizar, comprender ese algo más. No basta con observar su arte; se requieren múltiples perspectivas sobre la persona y su personalidad, idealmente llegando al corazón del artista. Algo que rara vez se les nota..

Por lo tanto, se requiere un trabajo de detective, una historia apasionante que pueda producir una amplia variedad de resultados e interpretaciones.

Retomemos el rastro, desde el principio, con el desarrollo de David Hockney como artista, detrás del cual se esconde un grado inusual de asertividad, perseverancia y capacidad de pensar de forma independiente entre varias de las personas implicadas:

¿Nacido para ser artista?

David Hockney nació el 9 de julio de 1937 en Bradford, Yorkshire. Bradford se encuentra en el corazón de la Inglaterra más antigua y antigua, y por aquel entonces era una ciudad industrial bastante descuidada; sus padres no estaban entre los jefes industriales, sino entre quienes trabajaban para ellos.

Algunos explican su asombroso ascenso sugiriendo que David Hockney nació siendo artista (una afirmación que se suele hacer sobre los grandes artistas). Eso estaría bien, pero el talento extraordinario solo aparece de repente por casualidad (quizás el aspirante a artista simplemente se deshace en cenizas), no por nacimiento. Así que no, Hockney no nació siendo artista. Ni se convirtió en uno; por suerte, los mecenas desinteresados ​​eran escasos incluso en aquella época.

Ese no es el punto, sino que alguien tenga la oportunidad de reconocer sus talentos y no se le impida desarrollarlos. Porque las personas nacen llenas de curiosidad y creatividad; todos quieren probar todo lo que puedan en su juventud y encontrar las áreas que les interesan especialmente.

En sociedades libres donde cada miembro es valorado y respetado, se fomentaría este tipo de exploración para que las personas puedan elegir profesiones que se ajusten a sus intereses y talentos. Cuando las personas pueden cultivar sus intereses y talentos, nadie necesita ser forzado ni coaccionado a una profesión en particular; este enfoque busca brindar a la economía un crecimiento sólido y constante, y al estado, ciudadanos satisfechos.

¿Entonces ya nadie querría ser recolector de basura? Sí, con un salario adecuado sí; sería un trabajo estupendo para jóvenes enérgicos que podrían ganarse bien la vida durante unos años (y, de paso, podrían liberar la agresividad que actualmente les cuesta a los contribuyentes más dinero del necesario para pagar adecuadamente a los recolectores de basura).

En la mayoría de las sociedades del planeta actual, la curiosidad se reprime desde muy temprano, y el impulso creativo aún más. En los países industrializados occidentales, al niño promedio ni siquiera se le permite explorar solo el camino a la escuela. Las escuelas a menudo fomentan un clima que transforma el deseo de aprender en profunda aversión, o incluso miedo y frustración, lo que conduce al acoso escolar y otras formas de abuso.

Las escuelas y la formación profesional solo sirven para producir robots de trabajo perfectos. Estos robots ocupan los puestos de trabajo que se necesitan actualmente en una economía orientada al máximo crecimiento (pero ¿dónde exactamente?). Puestos de trabajo necesarios para mantener funcionando a la perfección una máquina de consumo llena de productos desechables, no para satisfacer las necesidades humanas.

Estos trabajos a veces pagan lo suficiente como para permitirse un consumo sin límites (¿por qué? ¿con qué propósito?). Sin embargo, la apatía se ve agravada cada vez más por la frustración de no poder ganarse la vida dignamente con estos trabajos, porque el supuesto objetivo común de permitir la compra de la mayor cantidad posible de bienes de consumo con el salario, en realidad, solo proporciona una vida sin preocupaciones a unos pocos, y no satisface a nadie (lo insidioso es que algunos ciudadanos adinerados de clase media, que han declarado el consumo como su propósito en la vida por falta de otras ideas, se dan cuenta demasiado tarde de que no es suficiente).

Pero incluso en estas sociedades, siempre hay niños que persiguen la curiosidad y la creatividad con cierta persistencia, y padres que aceptan a sus hijos como son y simplemente los apoyan en su propio camino en y a través de esta extraña vida.

Qué suerte para el mundo del arte que David Hockney fuera un niño así y tuviera unos padres así: Hockney nació curioso y creativo como todos los niños; sus padres eran miembros perfectamente normales de la sociedad moderna, solo un poco diferentes. Su padre era dueño de una pequeña firma de contabilidad, y su madre, tras varios trabajos, al principio estuvo bastante ocupada criando a sus cinco hijos.

Hizo un trabajo tan bueno criándolo que pronto no tuvo que trabajar más en absoluto... Más sobre los padres en la tercera parte de los artículos de Hockney, pero de hecho, el camino de David Hockney para convertirse en artista comenzó justo después de su nacimiento, porque sus padres no sofocaron su creatividad y despertaron en él el arte y una vida autodeterminada

Una mirada al mundo de David Hockney: una conversación con la curadora Edith Devaney en su estudio de Los Ángeles (inglés)

Lo mejor, lo mejor: escuela, educación artística, compañeros de estudios

Desde muy joven, el joven David recibió un fuerte apoyo familiar. Este apoyo le permitió obtener una beca para la Bradford Grammar School, la cual completó con éxito en esta prestigiosa institución para estudiantes de último año. Posteriormente, de 1953 a 1957, Hockney asistió a la Escuela de Arte del Bradford College y fue aceptado en el Royal College of Art de Londres en otoño de 1959.

Ya entonces era uno de los principales centros mundiales de formación académica en arte; la universidad acaba de alcanzar el puesto de mejor universidad del mundo en arte y diseño QS World University Rankings

Hockney completó sus estudios de arte en la RCA en 1962; durante este tiempo hizo amistad con compañeros de estudios que pronto serían decisivos para su vida: al mismo tiempo que Hockney, el posterior ícono del arte pop RB Kitaj sus estudios en la RCA.

El norteamericano, ligeramente mayor, tenía casi 10 años de formación artística (Cooper Union Institute en Nueva York, Academia de Bellas Artes en Viena) y una considerable cantidad de experiencia de vida y mundial por delante de Hockney: casado desde 1953 y recién convertido en padre, había viajado por Europa con su esposa Elsie Roessler, y había tenido destinos del ejército estadounidense en Darmstadt y Fontainebleau.

Sin embargo, entre los dos estudiantes excepcionales se desarrolló una estrecha amistad, tan estrecha que Ronald Brooks Kitaj es la única persona en el mundo a la que se le permitió pintar a David Hockney casi desnudo.

Derek Boshier , Peter Phillips y Allen Jones también se unieron a la RCA en 1959. Durante su tedioso servicio militar, Boshier había estudiado a fondo la obra del filósofo y teórico de la comunicación canadiense Herbert Marshall McLuhan, quien, apenas 10 años después, sería conocido como el "padre de la teoría de los medios .

Phillips era originario de Birmingham y se había abierto camino a través de las escuelas de arte de la ciudad hasta llegar al Royal College of Art. Antes de matricularse, había acumulado impresiones artísticas en París e Italia, y, paralelamente a sus estudios, pudo comisariar sus primeras exposiciones en las Galerías RBA (un espacio expositivo para estudiantes con talento, que se explicará con más detalle más adelante).

Allen Jones había interrumpido sus estudios en el progresista Hornsey College of Art para pasar un año recibiendo formación artística consolidada en la prestigiosa institución. Un año después, Ridley Scott, , del West Hartlepool College of Art (donde acababa de graduarse con honores en diseño gráfico y pintura), y Patrick Caulfield, de la Chelsea School of Art, se unieron a él, y de repente se formó una camarilla vanguardista bastante desenfrenada, que se alimentaba mutuamente de su creatividad.

RB Kitaj jugó con influencias europeas y, aún más, con influencias nativas americanas; inspirado sobre todo por Robert Rauschenberg, la estrella de la escena artística internacional de la época. Derek Boshier desarrolló comentarios rigurosamente didácticos y críticos sobre la carrera espacial, las todopoderosas corporaciones multinacionales y la americanización de la cultura inglesa.

Allen Jones quiere romper con la sexualidad osificada de los años cincuenta ingleses, utilizando inicialmente mujeres en poses pornográficas como “muebles” para exponer tabú sexual

Peter Phillips quedó profundamente impresionado por los artistas estadounidenses Jasper Johns y Robert Rauschenberg , Ridley Scott se sumergió en todas estas influencias en su camino hacia un segundo diploma con distinción, Patrick Caulfield diseccionó a Juan Gris, Legér y René Magritte , y David Hockney absorbió todas las influencias para combinarlas en “lo suyo”.

Aquí no hay arte pop

Los estudiantes que se reunieron en el Royal College of Art sabían perfectamente que habían llegado a una de las mejores escuelas de arte del mundo. Querían contribuir a la creación del nuevo arte de su época; querían revelar lo que el arte tenía que decir sobre el desarrollo de la sociedad de posguerra. Las primeras grandes oleadas de arte pop ya llegaban desde Estados Unidos, y en Gran Bretaña, la vanguardia del período de entreguerras hacía tiempo que había concebido la versión inglesa del arte pop y creado obras iniciales en esta dirección.

El británico Richard Hamilton incluso había presentado una de las obras clave del Pop Art en 1956 con el collage “Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?” ; y Hamilton enseñó en el Royal College of Art de 1957 a 1961, por lo que fue uno de los profesores de la RCA en la época de Hockney.

A Hamilton se le atribuye ampliamente en la historia del arte la creación del término «Arte Pop»; su collage «Just What…» se presentó por primera vez al público en la exposición «This Is Tomorrow» en agosto de 1956 en la Whitechapel Art Gallery de Londres, evento el nacimiento del Arte Pop . Parecía casi imposible evitar el Arte Pop, especialmente para los estudiantes de la universidad donde Hamilton impartía clases.

Pero eso es lo que dicen los historiadores del arte en retrospectiva. Incluso si David Hockney hubiera visitado la exposición en la Whitechapel Gallery (sin duda le interesaba, pero Hockney estudiaba en Bradford por aquel entonces, y en aquel entonces no se viajaba a Londres solo para una exposición), la obra clave posterior no era más que un collage interesante para el joven artista de entonces.

No es necesario que Hockney haya conocido o visto a Hamilton en la RCA: en aquel entonces no era común asistir a conferencias o tutorías de otras personas, y se decía que Hockney era bastante tímido y reservado en su juventud.

En la RCA, Hockney asistió a la clase de pintura de Carel Weight , un venerable pintor británico que fue nombrado Artista de Guerra Británico oficial en 1945. Weight había presentado principalmente "pinturas de guerra", incluidas escenas de Austria, Grecia e Italia, a menudo con un tono educativo; aquí puede ver 178 pinturas que David Hockney ciertamente no quería pintar.

Hockney jamás habría llegado al Royal College of Art si no hubiera tenido la prudencia de evitar rebelarse en los lugares equivocados. Por lo tanto, es razonable suponer que absorbió todo lo que Weight pudo enseñarle sin dejar que la arrogancia juvenil saboteara su acceso a conocimientos cruciales.

Y Weight tenía algo que transmitir que Hockney –dada su crítica a la pintura tradicional y su orientación sexual entonces todavía criminalizada– podía más que utilizar; a saber, su propia actitud hacia el mundo del arte:

Carel Victor Morlais Weight nació en la clase media londinense, hijo de un empleado de banca y un podólogo, y consideraba que la prueba definitiva de una pintura era su atractivo para el ciudadano medio. Sentía una profunda aversión por el mundo del arte y los marchantes, y no temía a la crítica, a pesar de su obra altamente individualista (cuándo y dónde se le daba rienda suelta, véase, por ejemplo, "Recruit's Progress – Medical Inspection" de 1942; tales cosas "no se pintaban en aquel entonces").

Hockney también asistió a clases con otros pintores que le transmitieron sus conocimientos en el Royal College of Art. Estos profesores también dejaron su huella en las obras posteriores de Hockney

El pintor paisajista Roger de Grey, por ejemplo, aparece en avenidas y bosques arbolados y en las pinturas de Yorkshire de David Hockney.

Arte de Roger de Grey: t1p.de/blpa

Avenidas, bosques y escenas de Yorkshire de David Hockney: t1p.de/wwxb , t1p.de/bp84 , t1p.de/01pi

El pintor y músico Ceri Giraldus Richards el surrealismo en la década de 1930 y era uno de los artistas jóvenes más experimentales de Gran Bretaña en aquel momento. Ciertamente, tampoco estaba desfasado durante la época de Hockney en la RCA.

Sembró las semillas del impresionismo y el surrealismo en Hockney y probablemente fue quien lo impresionó profundamente con pinturas y dibujos basados ​​en la literatura poética (en el caso de Richard, poesía de Dylan Thomas, Vernon Watkins y otros). Hockney pronto retomó esta inspiración en su serie de pinturas sobre el legendario poeta lírico griego Constantino P. Cavafis.

Arte de Ceri Giraldus Richards: t1p.de/p8xi

impresionistas , excursiones surrealistas y homenajes a poetas de David Hockney:

• “La llegada de la primavera a Woldgate, East Yorkshire, en 2011” , dibujo para iPad impreso en papel, edición 6 de 25
• Enfoque en movimiento: una imagen de Gregorio, 1984
• “Enrique en la mesa”, 1976
• “La llegada” , 1963, placa 1 de: “El progreso de un libertino” , una serie de grabados sobre el primer viaje de Hockney a Nueva York en el verano de 1961, en los que hace referencia al famoso ciclo del mismo nombre del artista inglés William Hogarth
• 14 poemas de C. P. Cavafis. Seleccionados e ilustrados con 12 grabados de David Hockney, 1966

60 años de Hockney: una retrospectiva de su exposición en la Tate Britain

El pintor Colin Graham Frederick Hayes aplicó óleo y acuarela al lienzo, con énfasis en el color. Sin duda, contribuyó a que las pinturas de David Hockney rebosaran de color.

Arte de Colin Hayes: t1p.de/3tb1

Un derroche de color de David Hockney: “Un túnel invernal más cercano, febrero-marzo” , 2006, t1p.de/899o ; “Nichols Canyon” , 1980, t1p.de/u19d

Sandra Betty Blow , quien aún no había cumplido los 35 años cuando Hockney se matriculó, tuvo su primer contacto con el expresionismo abstracto poco después de sus años universitarios. Antes de impartir clases en la RCA, Blow colaboró ​​con el artista material italiano Alberto Burri, quien le inculcó una influencia informalista y una profunda apertura a nuevos materiales, incluyendo la representación bidimensional.

conocido a los artistas Lucian Freud "Tres estudios de Lucian Freud" , que se subastó por 142,4 millones de dólares en 2013 y siguió siendo la pintura más cara del mundo durante un año y medio) y estaba en medio de convertirse en una figura innovadora en el arte abstracto .

No hace falta mucha imaginación para trazar un paralelismo entre el arte de una mujer que podía crear la impresión de llamas y aerosoles, madera y alquitrán en pinturas al óleo ( t1p.de/b2ev) y las pinturas de agua en movimiento de David Hockney.

En la evolución de David Hockney hasta convertirse en un artista con estilo y perfil propio, como se describe a continuación, a menudo las personas atentas notarán que sus oídos zumban más que si Sandra Blow hubiera entrado directamente... (el autor no se atreve, el chiste es demasiado cursi, pero el nombre ya es un "desafío asociativo").

Arte de Sandra Blow: t1p.de/ldr4

Bocetos acuáticos y arte abstracto de David Hockney: t1p.de/kazp , t1p.de/d4ip ; “Casi como esquiar” , 1991, t1p.de/utbc ; “Tercer detalle (de la serie Snails Space)” , 1995, t1p.de/4oyf ; “El otro lado” , 1990-1993, t1p.de/djec

Lo que los artistas docentes Robert A. Buhler ( t1p.de/cq12 ) y Rodney Joseph Burns ( t1p.de/nk3m ) dejaron en la obra de David Hockney debe dejarse al propio descubrimiento del lector, pero ciertamente no fue Pop Art.

Lo mucho que David Hockney tenía que ver con el Pop Art se puede entender mejor a partir de entrevistas con él, por ejemplo, la de Die Zeit en octubre de 2012 con motivo de la exposición "A Bigger Picture" en el Museo Ludwig de Colonia: a menudo vivía bastante cerca del centro de la cultura pop, pensaba que el pop era genial, usó cabello rubio platinado durante 30 o 40 años (las rubias se divierten más y "los hombres son mejores mirando que pensando" también encaja aquí); pero eso fue todo, difícilmente oirás a David Hockney decir que pintó Pop Art.

La obra maestra de David Hockney rompe récord de subasta: “Retrato de un artista (estanque con dos figuras)”

Cuando se cataloga estilísticamente a David Hockney como Pop Art, contrariamente a su propia y muy clara declaración, se trata de una extralimitación por parte del respectivo crítico.

¿Es admisible tal intrusión? En la historia del arte, existen dos posturas opuestas para responder a esta pregunta: el artista crea arte y el historiador del arte lo evalúa y lo clasifica según su importancia para la sociedad, incluso en un estilo particular si es claramente adecuado.

O bien: El artista crea obras de arte, que también denomina arte, por su voluntad de ejercer la actividad artística. Si esto forma parte de los derechos de autor del artista , sin duda también debe incluir la facultad de asignar o no la obra de su propia creación a un estilo particular.