La trayectoria artística de David Hockney: Mucho más que talento

David Hockney es uno de los artistas más famosos del mundo. Ha figurado entre los 100 mejores artistas del mundo se creó esta clasificación (generada por ordenador) en 2001.

Sin embargo, dado que Hockney nació en 1937 y se hizo famoso en el mundo del arte de habla inglesa en la década de 1960, incluso el alemán medio mayor y educado conoce a Hockney como un "artista famoso" desde hace bastante tiempo.

La pregunta es: ¿cuánto saben los alemanes de a pie (independientemente de su edad) sobre David Hockney? A menudo solo lo conocen por sus bonitos y coloridos carteles, un tanto kitsch, y en los típicos artículos breves que suelen aparecer con motivo de la inauguración de una exposición, la obra de Hockney se reduce con frecuencia a un agradable arte pop .

Eso no basta; hay mucho más. El arte atractivo que gusta a las masas en todo el mundo puede brindar reconocimiento a corto plazo, pero no te convertirá en un artista de renombre internacional. Los artistas verdaderamente de talla mundial son amados y admirados porque ofrecen al mundo mucho más que arte bello, cada uno a su manera.

Para comprender verdaderamente a un artista, hay que profundizar, captar ese algo más. Basta con observar su obra; se requieren múltiples perspectivas sobre la persona y su personalidad, idealmente llegando a la esencia misma del artista. Algo que rara vez muestran abiertamente...

Así pues, se requiere trabajo detectivesco, una historia apasionante que puede producir una amplia variedad de resultados e interpretaciones.

Retomemos el rastro, justo desde el principio, con el desarrollo de David Hockney como artista, tras el cual subyace un grado inusual de asertividad, perseverancia y capacidad de pensar de forma independiente entre varias de las personas involucradas:

¿Naciste para ser artista?

David Hockney nació el 9 de julio de 1937 en Bradford, Yorkshire. Bradford se encuentra en el corazón de la vieja Inglaterra y por aquel entonces era una ciudad industrial bastante sucia; los padres de David Hockney no eran empresarios, sino empleados.

Algunos explican su asombroso ascenso sugiriendo que David Hockney nació artista (una afirmación frecuente sobre los grandes artistas). Sería maravilloso, pero el talento extraordinario solo surge de repente, como un rayo (quizás el aspirante a artista simplemente se desvanece en cenizas), no por nacimiento; así que no, Hockney no nació artista. Tampoco se convirtió en uno; por suerte, los mecenas desinteresados ​​eran escasos incluso en aquella época.

Ese no es el punto, sino que cada persona tenga la oportunidad de reconocer sus talentos y no se le impida desarrollarlos. Porque todos nacemos con curiosidad e impulso creativo; durante nuestra juventud, todos queremos experimentar al máximo y descubrir las áreas que nos interesan particularmente.

En las sociedades libres donde cada miembro es valorado y respetado, se fomentaría este tipo de exploración para que las personas puedan elegir profesiones acordes a sus intereses y talentos. Cuando las personas pueden desarrollar sus intereses y talentos, nadie tiene por qué ser obligado a ejercer una profesión en particular ni coaccionado a hacerlo; este enfoque busca impulsar un crecimiento económico sólido y sostenido, y lograr una ciudadanía satisfecha.

¿Entonces nadie querría ser recolector de basura? Sí, con un salario adecuado sí; sería un trabajo espléndido para gente joven y enérgica que podría ganarse bien la vida durante unos años (y, de paso, podrían liberar la agresividad que actualmente cuesta a los contribuyentes más dinero del necesario para pagar adecuadamente a los recolectores de basura).

En la mayoría de las sociedades actuales, la curiosidad se reprime desde muy temprana edad, y la creatividad aún más. En los países occidentales industrializados, a los niños ni siquiera se les permite ir solos al colegio. Las escuelas suelen fomentar un clima que transforma el deseo de aprender en una profunda aversión, o incluso en miedo y frustración, lo que conduce al acoso escolar y otras formas de abuso.

Las escuelas y la formación profesional no tienen más remedio que producir robots de trabajo perfectos. Estos robots, a su vez, cubren los puestos de trabajo que se necesitan en una economía orientada al máximo crecimiento (¿pero dónde exactamente?). Puestos de trabajo necesarios para que una maquinaria de consumo repleta de productos desechables funcione sin problemas, no para satisfacer las necesidades humanas.

Estos trabajos a veces pagan lo suficiente como para permitirse un consumo desmedido (¿por qué? ¿con qué fin?). Sin embargo, cada vez más, la apatía se ve agravada por la frustración de no poder ganarse la vida dignamente con estos empleos, ya que el supuesto objetivo común de adquirir la mayor cantidad posible de bienes de consumo con el salario, en realidad solo proporciona una vida despreocupada a unos pocos privilegiados y no satisface a nadie (lo insidioso es que algunos ciudadanos acomodados de clase media, que han declarado el consumo como su propósito en la vida por falta de otras ideas, se dan cuenta demasiado tarde de que no es suficiente).

Pero incluso en estas sociedades, siempre hay niños que persiguen la curiosidad y la creatividad con cierta persistencia, y padres que aceptan a sus hijos tal como son y simplemente los apoyan en su propio camino a través de esta extraña vida.

Qué afortunado fue el mundo del arte de que David Hockney fuera un niño así y tuviera unos padres así: Hockney nació curioso y creativo como todos los niños; sus padres eran miembros perfectamente normales de la sociedad moderna, solo que un poco diferentes. Su padre era dueño de una pequeña empresa de contabilidad y su madre, tras varios trabajos, estuvo inicialmente muy ocupada criando a sus cinco hijos.

Hizo un trabajo tan bueno criándolo que pronto ya no tuvo que trabajar en absoluto… Más sobre los padres en la tercera parte de los artículos de Hockney, pero de hecho, el camino de David Hockney para convertirse en artista comenzó justo después de su nacimiento, porque sus padres no reprimieron su creatividad y despertaron en él el arte y una vida autodeterminada

Perspectivas sobre el mundo de David Hockney: una conversación con la curadora Edith Devaney en su estudio de Los Ángeles (en inglés).

Lo mejor de lo mejor: la escuela, la educación artística, los compañeros de clase

Desde muy pequeño, David recibió un gran apoyo de su familia. Este apoyo fue suficiente para conseguir una beca para la Bradford Grammar School, donde completó con éxito sus estudios en esta prestigiosa institución para alumnos de clases altas. Posteriormente, entre 1953 y 1957, Hockney asistió a la Escuela de Arte del Bradford College y fue admitido Royal College of Art

Ya entonces era uno de los centros líderes mundiales en educación artística académica; la universidad acaba de alcanzar el puesto de mejor universidad del mundo en arte y diseño ranking QS World University Rankings

Hockney completó sus estudios de arte en el RCA en 1962; durante este tiempo hizo amistad con compañeros de estudios que pronto se volverían decisivos para su vida: Al mismo tiempo que Hockney, el futuro ícono del Pop Art, RB Kitaj, sus estudios en el RCA.

El estadounidense, un poco mayor que él, tenía casi diez años de formación artística (Cooper Union Institute en Nueva York, Academia de Bellas Artes de Viena) y una considerable experiencia vital y mundial por delante de Hockney: casado desde 1953 y recién convertido en padre, había viajado por Europa con su esposa Elsie Roessler y había estado destinado en el Ejército de Estados Unidos en Darmstadt y Fontainebleau.

Sin embargo, entre los dos estudiantes excepcionales se desarrolló una estrecha amistad, tan estrecha que Ronald Brooks Kitaj es la única persona en el mundo a la que se le permitió pintar a David Hockney casi desnudo.

Derek Boshier , Peter Phillips y Allen Jones también se unieron a RCA en 1959. Durante su tedioso servicio militar obligatorio, Boshier había estudiado a fondo la obra del filósofo y teórico de la comunicación canadiense Herbert Marshall McLuhan, quien, apenas 10 años después, sería conocido como el "padre de la teoría de los medios .

Phillips era de Birmingham y había ascendido a través de las escuelas de arte de la ciudad hasta llegar al Royal College of Art. Antes de matricularse, había recopilado impresiones artísticas en París e Italia, y paralelamente a sus estudios, pudo comisariar sus primeras exposiciones en las Galerías RBA (un espacio expositivo para estudiantes con talento, que se explicará con más detalle más adelante).

Allen Jones había interrumpido sus estudios en la vanguardista Escuela de Arte de Hornsey para pasar un año recibiendo formación artística en una institución de renombre. Un año después, Ridley Scott, , procedente de la Escuela de Arte de West Hartlepool (donde acababa de graduarse con honores en diseño gráfico y pintura), y Patrick Caulfield, de la Escuela de Arte de Chelsea. De repente, se formó un grupo de vanguardia bastante heterogéneo que alimentaba la creatividad de sus miembros.

R.B. Kitaj experimentó con influencias europeas y, sobre todo, con las de los nativos americanos; inspirado principalmente por Robert Rauschenberg, la figura más destacada del panorama artístico internacional de la época. Derek Boshier desarrolló comentarios rigurosamente didácticos y críticos sobre la carrera espacial, las todopoderosas corporaciones multinacionales y la americanización de la cultura inglesa.

Allen Jones quiere romper con la sexualidad fosilizada de la Inglaterra de los años cincuenta, utilizando inicialmente a mujeres en poses pornográficas como "mobiliario" para exponer tabúes sexuales

Peter Phillips impresionado por los artistas estadounidenses Jasper Johns y Robert Rauschenberg Ridley Scott se sumergió en todas estas influencias en su camino hacia un segundo diploma con distinción; Patrick Caulfield analizó a Juan Gris, Léger y René Magritte ; y David Hockney absorbió todas las influencias para combinarlas en "algo propio".

Aquí no hay arte pop.

Los estudiantes que se reunieron en el Royal College of Art sabían perfectamente que habían llegado a una de las mejores escuelas de arte del mundo. Querían contribuir a la creación del nuevo arte de su tiempo; querían revelar lo que el arte tenía que decir sobre el desarrollo de la sociedad de posguerra. Las primeras grandes oleadas del Pop Art ya llegaban desde Estados Unidos, y en Gran Bretaña, la vanguardia del período de entreguerras hacía tiempo que había concebido la versión inglesa del Pop Art y creado las primeras obras en esta línea.

El británico Richard Hamilton incluso había presentado una de las obras clave del Pop Art en 1956 con el collage "¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?" ; y Hamilton enseñó en el Royal College of Art de 1957 a 1961, por lo que fue uno de los profesores del RCA durante la época de Hockney.

En la historia del arte, se le atribuye ampliamente a Hamilton la creación del término "Arte Pop"; su collage "Just What…" se presentó por primera vez al público en la exposición "This Is Tomorrow" en agosto de 1956 en la Whitechapel Art Gallery de Londres, un evento el nacimiento del Arte Pop . Parecía casi imposible evitar el Arte Pop, especialmente para los estudiantes de la universidad donde Hamilton impartía clases.

Pero eso es lo que dicen los historiadores del arte en retrospectiva. Incluso si David Hockney hubiera visitado la exposición en la Whitechapel Gallery (sin duda le interesó, pero Hockney estudiaba en Bradford en ese momento, y por aquel entonces no se viajaba a Londres solo para una exposición), la obra clave posterior no era más que un collage interesante para el joven artista de la época.

Hockney no necesariamente habría conocido o visto a Hamilton en el RCA; en aquel entonces no era común simplemente asistir a las clases o tutorías de otras personas, y se decía que Hockney era bastante tímido y reservado en su juventud.

En el RCA, Hockney asistió a la clase de pintura de Carel Weight , un venerable pintor británico que fue nombrado artista de guerra oficial británico en 1945. Weight había presentado principalmente “pinturas de guerra”, incluidas las de Austria, Grecia e Italia, a menudo con un tono didáctico; aquí se pueden ver 178 pinturas que David Hockney ciertamente no quería pintar.

Hockney jamás habría llegado al Royal College of Art si no hubiera tenido la sensatez de evitar rebelarse en los lugares equivocados. Por lo tanto, es razonable suponer que asimiló todo lo que Weight pudo enseñarle sin permitir que la arrogancia juvenil saboteara su acceso a conocimientos cruciales.

Y Weight tenía algo que transmitir que Hockney —dada su crítica a la pintura tradicional y su orientación sexual, aún criminalizada en aquel entonces— podía aprovechar al máximo; a saber, su propia actitud hacia el mundo del arte:

Carel Victor Morlais Weight nació en el seno de la clase media londinense, hijo de un empleado de banca y una podóloga, y consideraba que la prueba definitiva de una pintura era su atractivo para el ciudadano medio. Le disgustaba profundamente el mundo del arte y, en especial, a los marchantes, y no temía a las críticas, a pesar de su obra sumamente individualista (cuando y donde se le daba libertad creativa, véase, por ejemplo, «Progreso del recluta: Inspección médica» de 1942; tales cosas «no se pintaban entonces»).

Hockney también asistió a clases impartidas por otros pintores que compartieron sus conocimientos en el Royal College of Art. Estos profesores también dejaron su huella en las obras posteriores de Hockney.

al pintor paisajista Roger de Grey se le puede encontrar en avenidas arboladas y bosques, y en las pinturas de Yorkshire de David Hockney.

Ilustraciones de Roger de Grey: t1p.de/blpa

Avenidas, bosques y paisajes de Yorkshire por David Hockney: t1p.de/wwxb , t1p.de/bp84 , t1p.de/01pi

El pintor y músico Ceri Giraldus Richards el surrealismo en la década de 1930 y fue uno de los jóvenes artistas más experimentales de Gran Bretaña en aquel entonces. Sin duda, seguía muy presente durante la época de Hockney en el Royal College of Art.

Él sembró en Hockney las semillas del impresionismo y el surrealismo, y probablemente fue quien lo impresionó profundamente con pinturas y dibujos basados ​​en la literatura poética (en el caso de Richard, la poesía de Dylan Thomas, Vernon Watkins y otros). Hockney pronto retomó esta inspiración en su serie de pinturas sobre el legendario poeta lírico griego Constantino Cavafis.

Ilustraciones de Ceri Giraldus Richards: t1p.de/p8xi

impresionistas , incursiones surrealistas y homenajes a poetas de David Hockney:

• “La llegada de la primavera a Woldgate, East Yorkshire, en 2011” , dibujo realizado con iPad e impreso en papel, edición 6 de 25
• “Enfoque en movimiento: una imagen de Gregory”, 1984
• “Henry en la mesa”, 1976
• “La llegada” , 1963, lámina 1 de: “La carrera del libertino” , una serie de grabados sobre el primer viaje de Hockney a Nueva York en el verano de 1961, en el que hace referencia al famoso ciclo del mismo nombre del artista inglés William Hogarth.
• "14 poemas de C.P. Cavafy. Seleccionados e ilustrados con 12 grabados de David Hockney.", 1966

60 años de Hockney: una retrospectiva de su exposición en la Tate Britain.

El pintor Colin Graham Frederick Hayes aplicó óleo y acuarela al lienzo, haciendo especial hincapié en el color. Sin duda, influyó en que las pinturas de David Hockney rebosen de color.

Ilustraciones de Colin Hayes: t1p.de/3tb1

Un estallido de color de David Hockney: «Un túnel de invierno más cercano, febrero-marzo» , 2006, t1p.de/899o ; «Cañón Nichols» , 1980, t1p.de/u19d

Sandra Betty Blow , que aún no tenía 35 años cuando Hockney se matriculó en la universidad, tuvo su primer contacto con el expresionismo abstracto poco después de terminar sus estudios. En los años previos a su labor docente en el RCA, Blow había colaborado con el artista italiano Alberto Burri, conocido por su trabajo con materiales, quien le inculcó una influencia informalista y una profunda apertura a nuevos materiales, incluso para la representación bidimensional.

Blow había conocido a los artistas Lucian Freud , John Minton y Francis Bacon (Bacon creó los "Tres estudios de Lucian Freud" arte abstracto al incorporar la forma abstracta, la luz, el espacio, la textura y el ritmo .

No hace falta mucha imaginación para trazar un paralelismo entre el arte de una mujer que podía crear la impresión de llamas y rocío, madera y alquitrán en pinturas al óleo ( t1p.de/b2ev) y las pinturas de agua en movimiento de David Hockney.

En el desarrollo de David Hockney como artista con estilo y perfil propios, como se describe a continuación, las personas atentas a menudo notarán que les zumban los oídos más que si Sandra Blow hubiera entrado directamente… (el autor no se atreve, el chiste es demasiado cursi, pero el nombre ya es un “desafío asociativo”).

Ilustraciones de Sandra Blow: t1p.de/ldr4

Bocetos al agua y arte abstracto de David Hockney: t1p.de/kazp , t1p.de/d4ip ; «Almost Like Skiing» , 1991, t1p.de/utbc ; «Third Detail (from Snails Space series)» , 1995, t1p.de/4oyf ; «The Other Side» , 1990-1993, t1p.de/djec

Lo que los artistas docentes Robert A. Buhler ( t1p.de/cq12 ) y Rodney Joseph Burns ( t1p.de/nk3m ) dejaron en la obra de David Hockney debería dejarse al propio descubrimiento del lector, pero ciertamente no fue Pop Art.

La influencia de David Hockney en el Pop Art se comprende mejor a través de entrevistas con él, como por ejemplo la que le realizó Die Zeit en octubre de 2012 con motivo de la exposición "A Bigger Picture" en el Museo Ludwig de Colonia: solía vivir muy cerca del centro de la cultura pop, le parecía genial, llevó el pelo rubio platino durante 30 o 40 años (las rubias se divierten más, y el dicho "los hombres miran mejor que piensan" también viene al caso); pero eso era todo, difícilmente se oirá a David Hockney decir que pintó Pop Art.

La obra maestra de David Hockney bate récords en subasta: "Retrato de un artista (Piscina con dos figuras)"

Cuando se categoriza estilísticamente a David Hockney como arte pop, en contra de su propia declaración muy clara, se trata de una exageración por parte del crítico en cuestión.

¿Es permisible tal intrusión? En historia del arte, existen dos posturas opuestas desde las cuales se puede responder a esta pregunta: el artista crea arte , y el historiador del arte lo evalúa y lo clasifica según su significado para la sociedad, también en un estilo particular si resulta claramente apropiado.

O bien: El artista crea obras de arte, a las que también denomina arte, mediante la voluntad de dedicarse a la actividad artística. Si esto forma parte de los derechos de autor del artista , entonces sin duda debe incluir también la capacidad de adscribir o no la obra de su propia creación a un estilo determinado.