Roy Lichtenstein – Camino a la fama y récords en el mercado del arte

Roy Lichtenstein, junto con Andy Warhol, uno de esos artistas cuyas obras son reconocidas por todos, en (casi) todo el mundo. Ha producido su arte distintivo desde la década de 1960 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más destacadas del arte moderno.

Y por ello, por supuesto, es uno de los protagonistas centrales del Pop Art ; su obra es considerada el arte que definió paródicamente los requisitos básicos del Pop Art mejor que la obra de cualquier otro artista.

El propio Lichtenstein describió el Pop Art como “no pintura ‘americana’, sino en realidad pintura industrial ”, pero una mirada a la carrera y ascenso del artista muestra que el precio de sus obras de arte evolucionó de una manera que recuerda no a la producción industrial en masa, sino más bien a la construcción de plantas en la industria a gran escala.

El cómodo comienzo de Lichtenstein en el mundo del arte

Roy Fox Lichtenstein nació en 1923 en la ciudad de Nueva York en el seno de una familia judía de clase media-alta, con un padre agente inmobiliario y una madre que ejercía el rol tradicional de ama de casa. Creció en el Upper West Side, la exclusiva zona de Manhattan situada entre Central Park y la orilla del río Hudson, y tras asistir a la escuela primaria pública, ingresó en la escuela privada Franklin School for Boys.

Lichtenstein ya dibujaba desde niño, pero como en Franklin no le enseñaban esta afición, se matriculó en la Escuela de Diseño Parsons para pintar acuarelas los sábados.

El joven Lichtenstein también se interesó por la antropología y las ciencias naturales; pasó mucho tiempo en el Museo Americano de Historia Natural, situado muy cerca de la casa de sus padres.

También se sabe que, de adolescente, Lichtenstein escuchaba con pasión las entonces populares obras de radio. Se dice que prefería especialmente aquellas cuyas historias giraban en torno a (anti)héroes, a veces oscuros, también conocidos por sus cómics, como "La Sombra" , "Flash Gordon" o "Buck Rogers" .

Más tarde, esta observación lúdica se interpretó de la siguiente manera: el joven Roy había absorbido inconscientemente clichés heroicos y místicos. El versátil y receptivo adolescente asistía entonces con frecuencia a conciertos de jazz en el Teatro Apollo de Harlem, donde dibujaba con devoción a los músicos.

En su último año de secundaria, Lichtenstein, anteriormente de la Escuela de Diseño Parsons, encontró su camino hacia su antigua organización matriz, la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York , donde se inscribió en la clase de verano.

Aquí trabajó bajo la supervisión de Reginald Marsh , un artista del regionalismo americano , en el que, además de una representación realista de la vida rural, se dio poco espacio a la comprensión del desarrollo de nuevas tecnologías y, por tanto, también a la comprensión del nuevo arte.

los "regionalistas realistas" desde su época de estudiante de secundaria; eran muy apreciados en Estados Unidos en la década de 1930. Durante la Gran Depresión, las imágenes idílicas de la vida rural estadounidense cumplían una función compensatoria similar a la de nuestras películas de Heimat después de la Segunda Guerra Mundial.

Probablemente a Lichtenstein le emocionó dibujar bajo la tutela de una celebridad sobre la que había leído en su primer libro de arte, “El arte moderno de Thomas Craven” de 1934.

Aunque Marsh ciertamente representó un realismo social que no se limitaba a bellos paisajes, su estudiante pronto se sintió decepcionado por su demanda de una práctica artística realista, que descuidaba tanto el rápido desarrollo de la tecnología como consideraba superfluo el desarrollo de un estilo artístico propio.

Tal vez Lichtenstein también había tomado una inspiración completamente diferente del regionalismo; en cualquier caso, después del bachillerato decidió explorar más de su país y optó por estudiar en la Universidad Estatal de Ohio (a partir de 1940).

Según la tradición, esto fue un verdadero golpe de suerte para el aspirante a artista, aunque a petición de sus padres inicialmente aspiraba a un título de docente: estudió con el artista y profesor Hoyt L. Sherman , quien ampliaría significativamente sus horizontes artísticos.

Sherman, devoto y maestro del arte moderno , introdujo a Lichtenstein en las influencias artísticas más importantes de la época: Cézanne y Van Gogh , Mondrian y Gauguin, Matisse y Picasso , y muchos más. Sobre todo, el estímulo de Sherman para buscar su propio enfoque y su concepto de la unidad de la percepción influirían de por vida en Lichtenstein.

Lichtenstein comenzó entonces a profundizar en la historia del arte; incluso se podría decir que quería saberlo todo sobre el arte desde las primeras pinturas rupestres. Como recordatorio de este período, la Fundación Lichtenstein "Arte a través de los tiempos" de Elizabeth Gardner , con la dirección de Lichtenstein en Columbus (capital de Ohio y sede de la universidad) impresa en el interior de la portada.

El autodescubrimiento artístico de Lichtenstein se interrumpe abruptamente

En 1943, la Segunda Guerra Mundial alcanzó a Lichtenstein; sirvió en el ejército hasta 1945, año en que fue enviado a Europa. Tras la guerra, Lichtenstein cursó historia y francés en París e intentó visitar a su ídolo, Picasso, pero no pudo hacerlo porque lo llamaron de vuelta a casa después de solo seis semanas: su padre se estaba muriendo.

Lichtenstein completó su formación docente en el verano de 1946 y comenzó un programa de Maestría en Bellas Artes , que terminó en 1950. Al mismo tiempo, se le ofreció un puesto de profesor de arte , que ocupó regularmente hasta 1951 y ocasionalmente a partir de entonces.

Mientras tanto, se casó con Isabell Wilson, con quien se mudó a Cleveland porque ella había encontrado trabajo allí. A diferencia de Lichtenstein, quien aceptó todo tipo de trabajos, como dibujante y diseñador de latas, pudo exponer en solitario por primera vez en Cleveland e incluso tuvo su primera exposición individual en Nueva York en 1951, pero la esperada ola de entusiasmo por sus pinturas, poco entusiastas y abstractas, no se materializó inicialmente.

Lichtenstein viajó entre Cleveland y Nueva York, trabajó como dibujante de diseño y como escaparatista, tuvo su primer hijo en 1954 y el segundo en 1956, y también pintó un poco entre ambos.

Durante este tiempo no ocurrió gran cosa en el ámbito artístico: Lichtenstein todavía oscilaba entre el expresionismo, el cubismo y la abstracción autodeterminada , distorsionó algunas pinturas típicas americanas y pintó construcciones de madera, probó suerte con esculturas de madera y metal y expuso un total de tres veces en Nueva York hasta 1955, pero apenas se vendió nada.

Éstas no eran buenas condiciones para contribuir al sustento de una familia de cuatro personas, por lo que en 1957 reanudó sus actividades docentes y en 1958 le ofrecieron un puesto en la New State University en Oswego como profesor asistente de arte, donde enseñó durante los siguientes años.

¡Por fin! – El ascenso de Lichtenstein a la fama

En 1960, Lichtenstein se trasladó a la Universidad Rutgers en el estado de Nueva Jersey. Allí conoció a Allan Kaprow , el inventor de los "happenings" , y a través de él a importantes artistas contemporáneos como Robert Watts, Jim Dine, Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg y Jasper Johns , es decir, los pioneros del arte pop en su forma concentrada.

Se dice que todos estos encuentros con sus influencias desencadenaron una especie de chispa inicial en Lichtenstein; en 1961 pintó sus primeros cuadros Pop Art, primero experimentando con imágenes de chicles, luego publicándolos en gran formato, rompiendo después con todas las tradiciones de su trabajo artístico anterior, incorporando el bocadillo de diálogo del cómic a sus imágenes y utilizando con entusiasmo técnicas de impresión industrial.

Su primera obra de gran formato, en la que utilizó figuras de bordes duros y puntos Ben Day (puntos de semitono especiales cuya técnica de impresión fue inventada por Ben Day), fue la obra “Look Mickey” de 1961, que ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte en Washington DC.

Esta fotografía fue tomada cuando uno de sus hijos golpeó con el dedo el medio de un libro de Mickey Mouse y dijo:

Apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿verdad, papá? ("Apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿verdad, papá?").

Ese mismo año, Lichtenstein produjo otras seis obras de arte que representaban personajes conocidos de envoltorios de chicles y dibujos animados: había encontrado su estilo.

Al año siguiente, también encontró en Leo Castelli que le garantizaba el alquiler mediante pagos continuos si Lichtenstein trabajaba exclusivamente para su galería, una forma de apoyo habitual para Castelli, que extendía a artistas prometedores.

Castelli ya había expuesto la obra de Lichtenstein, pero no estaba dispuesto a ofrecer este tipo de beca. Esto cambió abruptamente, ya que el arte reinventado de Lichtenstein fue un éxito rotundo, tanto que la exposición individual de 1962 en la Galería Castelli agotó las entradas incluso antes de su inauguración.

Cómo Liechtenstein está realmente poniendo al día el mercado internacional del arte

Lo que sigue es una digresión sobre el artista Lichtenstein; sin embargo, la representación de Lichtenstein por conocidos propietarios de galerías y los crecientes precios de venta de sus pinturas constituyen una pequeña historia muy interesante del negocio de las galerías de Nueva York y, al mismo tiempo, un informe sobre cómo este negocio de galerías está perdiendo su negocio ante el comercio internacional de subastas de arte .

Como ya se mencionó, Lichtenstein expuso en Nueva York por primera vez en 1951, en la galería Julius Carlebach . Por esa época, también tuvo la fortuna de atraer el interés del mecenas progresista Leo Castelli, quien también expuso las obras de Lichtenstein en su galería neoyorquina desde la década de 1950 y, tras la sorprendente exposición individual de 1962, asumió la representación exclusiva del artista. A partir de entonces, Castelli organizó exposiciones periódicas con las obras de Lichtenstein.

Antes y después de este año, se establecieron en Nueva York muchas galerías dedicadas al arte moderno, y las obras de Lichtenstein terminaron colgadas en cada una de estas galerías: inicialmente a menudo en John Heller, en la Pace Gallery y la Brooke Alexander Gallery , en Mary Boone y Rosa Esman, en Marilyn Pearl y James Goodman, en Blum Helman, Phyllis Kind, Hirschl & Adler, Getler Pall, en Holly Solomon y Condon Riley, en las Sperone Westwater Galleries y en Mitchell-Innes & Nash.

Hacia el final de su vida, su arte también estuvo bajo la influencia del poderoso de las Galerías Gagosian : se podría decir que Lichtenstein acompañó la historia de las galerías de Nueva York con sus obras de arte.

También a partir de la década de 1960, la obra de Lichtenstein fue presentada por Ileana Sonnabend (anteriormente Ileana Castelli) y su galería en París; gracias a ella surgió un mercado europeo para Andy Warhol , Roy Lichtenstein y otros artistas del pop art. Otras galerías exhibieron su arte en otras partes de Estados Unidos, como la Galería Ferus de Los Ángeles, fundada en 1957.

Gracias a la dedicación de todos estos galeristas, la fama de Lichtenstein creció de forma constante, pero el artista debió su verdadero éxito financiero a una forma de distribución diferente: desde muy temprano, sus obras alcanzaron resultados excepcionales en subastas de arte . Por ejemplo, en 1970, "Big Painting No. 6" (creado en 1965) se vendió por 75.000 dólares en una subasta celebrada en Sotheby's al comerciante de arte y galerista alemán Rudolf Zwirner.

Estos escasos récords no perdurarían: “Torpedo…Los!”, de 1963, se vendió por 5,5 millones de dólares en de Christie’s en 1989, lo que catapultó a Lichtenstein al triunvirato de artistas que pagaban los precios más altos por obras de arte individuales.

Dondequiera que permaneció, en la subasta del siguiente mes de noviembre de Christie's en Nueva York, “Kiss II” se vendió por 6,0 millones de dólares, superado por “Happy Tears” en la subasta de Christie's de noviembre de 2002, que alcanzó los 7,1 millones de dólares.

Luego siguió un salto grande y gratificante: en 2005, “In the Car” (1963) se vendió por 16,25 millones de dólares; en 2010, “Ohhh…Alright…” de 1964 se subastó por 42,6 millones de dólares; en 2011, la pintura de ojo de cerradura de Lichtenstein “¡Puedo ver toda la habitación!… ¡y no hay nadie en ella!” de 1961 se vendió por 43 millones de dólares, lo que le proporcionó a la viuda del director ejecutivo de Time Warner, Steve Ross, una ganancia de poco más del 2000 por ciento (Ross había comprado la pintura en 1988 por 2,1 millones de dólares).

Todo volvió a destacar en la subasta de noviembre de Christie's en Nueva York, excepto que en 2012 le tocó el turno a Sotheby's, ya que Christie's quería centrarse en los expresionistas abstractos, una buena idea, ya que una pintura de Mark Rothko se vendió por casi 87 millones de dólares. Sotheby's, en cambio, solo logró recaudar 44,8 millones de dólares por "Sleeping Girl" de Lichtenstein, de 1964, pero aun así fue un nuevo récord para Lichtenstein.

En la subasta de primavera de 2013, el arte de Lichtenstein regresó a Christie's y el 15 de mayo de 2013, la "Mujer con sombrero de flores" un nuevo precio récord de 56,1 millones de dólares de la manera habitual.

Lamentablemente, el propio Lichtenstein sólo vivió para ver algunos de esos éxitos multimillonarios; murió en 1997 .

Será interesante ver hasta dónde llegará la espiral de precios de sus obras, especialmente antes del H

Los registros de subastas en el siglo XXI

El precio más alto jamás pagado por una pintura de Roy Lichtenstein se alcanzó en Christie's de Nueva York en noviembre de 2015. La obra "Nurse 1964" se vendió por 95.365.000 dólares estadounidenses (aproximadamente 85 millones de euros). Originalmente titulada "Frightenedness", formó parte de las colecciones de varios renombrados amantes del arte, como Leon Kraushar y Karl Ströher.

La pintura cuadrada de 1964 mide un metro de alto y ancho y su valor se estimó en más de 80 millones de dólares. «Nurse» se subastó en la subasta especial «La Musa del Artista» , que incluye obras de pintores y escultores creadas entre las décadas de 1860 y 2000.

La pintura más cara que Lichtenstein haya creado podría ser su obra de 1962, "Obra Maestra", que perteneció a Agnes Gund. Según se informa, Steven Cohen se la compró en una venta privada en 2017 por 165 millones de dólares. Las subastas públicas de obras de Lichtenstein aún no han alcanzado esta suma. Sin embargo, con sus diez obras más vendidas en subastas públicas, el artista se encuentra entre los más vendidos y es considerado un pionero en el mercado del arte.

La segunda obra más cara es “Sleeping Girl” del artista pop, que alcanzó casi 45 millones de dólares en Nueva York en 2012. El cuadro de 1964 se vendió en una subasta de Sotheby's por 44.882.500 dólares (casi 35 millones de euros).

Las litografías firmadas y las serigrafías originales son muy codiciadas por coleccionistas de arte de todo el mundo, a pesar de ser producidas en masa. Entre las estampas originales más famosas se encuentran «Shipboard Girl» , «Crying Girl» y «Nude Reading» .

ALBERTINA celebró el centenario del nacimiento del maestro del Pop Art

Para celebrar su centenario, el Albertina al maestro del Pop Art este verano con una retrospectiva exhaustiva que incluyó más de 90 pinturas, esculturas y grabados del artista que combinó el Low Art y el High Art de una manera tan única.

Gracias a generosos préstamos de 30 renombrados museos de todo el mundo, las obras más importantes de su extensa producción artística llegan a Viena, incluidas exposiciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney, la Galería Nacional de Washington, la Galería de Arte de la Universidad de Yale en New Haven, el Museo Ludwig de Colonia, el Museo Louisiana de Humlebæk, el Moderna Museet de Estocolmo y el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

La exposición fue concebida en cooperación con la Fundación Roy Lichtenstein y se basó en una generosa donación de alrededor de 100 obras a ALBERTINA.

La exposición presentó obras tempranas de la década de 1960, incluyendo la obra maestra del Pop Art de la época: "Mira Mickey" . También se exhibieron icónicas pinturas en blanco y negro de materiales publicitarios, paisajes esmaltados y obras inspiradas en Picasso, Dalí, Kirchner y Pollock.

Un punto especialmente impresionante fue una escultura monumental con pinceladas que se desprendía del lienzo y dominaba la sala.