Roy Lichtenstein – Camino a la fama y récords en el mercado del arte

Roy Lichtenstein, junto con Andy Warhol , es uno de esos artistas cuyas obras son reconocidas por casi todo el mundo. Lleva creando su arte característico desde la década de 1960 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más importantes del arte moderno.

Y así, por supuesto se convirtió en uno de los protagonistas centrales del Pop Art ; su obra se considera el arte que definió paródicamente los requisitos básicos del Pop Art mejor que la de cualquier otro artista.

El propio Lichtenstein describió el Pop Art como "no pintura 'americana', sino pintura industrial ", pero un vistazo a la trayectoria y el ascenso del artista muestra que el precio de sus obras se desarrolló de una manera que recuerda no a la producción industrial en masa, sino más bien a la construcción de plantas en la industria a gran escala.

El cómodo comienzo de Lichtenstein en el mundo del arte

Roy Fox Lichtenstein nació en 1923 en la ciudad de Nueva York en el seno de una familia judía de clase media alta; su padre era agente inmobiliario y su madre se dedicaba a las labores del hogar. Creció en el Upper West Side, la exclusiva zona de Manhattan situada entre Central Park y las orillas del río Hudson, y tras asistir a la escuela primaria pública, ingresó en la escuela privada Franklin School for Boys.

Lichtenstein ya dibujaba desde niño, pero como esta afición no se enseñaba en Franklin, se matriculó en la Parsons School of Design para pintar acuarelas los sábados.

El joven Lichtenstein también se interesaba por la antropología y las ciencias naturales; pasaba mucho tiempo en el Museo Americano de Historia Natural, que estaba situado muy cerca de la casa de sus padres.

También se sabe que Lichtenstein, de adolescente, escuchaba con pasión los radioteatros que entonces gozaban de gran popularidad. Se dice que sentía especial predilección por aquellos cuyas historias giraban en torno a antihéroes, a veces oscuros, conocidos también por los cómics, como "La Sombra" , "Flash Gordon" o "Buck Rogers" .

Más tarde, esta observación lúdica se interpretó de la siguiente manera: el joven Roy había asimilado inconscientemente clichés heroicos y místicos. El versátil y receptivo adolescente asistía con frecuencia a conciertos de jazz en el Teatro Apollo de Harlem, donde dibujaba con devoción a los músicos.

En su último año de instituto, Lichtenstein, antiguo alumno de la Parsons School of Design, encontró su camino hacia su antigua organización matriz, la Art Students League de Nueva York , donde se matriculó en el curso de verano.

Aquí trabajó bajo la supervisión de Reginald Marsh , un artista del regionalismo estadounidense , en el que, además de una representación realista de la vida rural, se prestaba poca atención a la comprensión del desarrollo de las nuevas tecnologías y, por tanto, también a la comprensión del nuevo arte.

los "regionalistas realistas" desde sus años de instituto; eran muy respetados en Estados Unidos en la década de 1930. Durante esta época de la Gran Depresión, las imágenes idílicas de la vida rural estadounidense cumplieron una función compensatoria similar a la que cumplieron nuestras películas de Heimat después de la Segunda Guerra Mundial.

Probablemente Lichtenstein estaba encantado de dibujar bajo la tutela de una celebridad sobre la que había leído en su primer libro de arte, "El arte moderno de Thomas Craven", de 1934.

Si bien Marsh ciertamente plasmó un realismo social que no se limitaba a paisajes bellos, su alumno pronto se sintió decepcionado por la exigencia de Marsh de una práctica artística realista, que descuidaba tanto el rápido desarrollo de la tecnología como consideraba superfluo el desarrollo de un estilo artístico propio.

Tal vez Lichtenstein también se inspiró en el regionalismo por una razón completamente distinta; en cualquier caso, después de la secundaria decidió explorar más su país y optó por estudiar en la Universidad Estatal de Ohio (a partir de 1940).

Según la tradición, esto fue un verdadero golpe de suerte para el aspirante a artista, aunque a petición de sus padres inicialmente aspiraba a una titulación docente: estudió con el artista y profesor Hoyt L. Sherman , quien ampliaría significativamente sus horizontes artísticos.

Sherman, un apasionado y maestro del arte moderno , le presentó a Lichtenstein las figuras más influyentes del arte de la época: Cézanne y Van Gogh , Mondrian y Gauguin, Matisse y Picasso , entre muchos otros. Sobre todo, el aliento de Sherman para que buscara su propio camino y su concepto de la unidad de la percepción marcarían la vida de Lichtenstein para siempre.

Lichtenstein comenzó entonces a profundizar en la historia del arte; incluso podría decirse que quería saberlo todo sobre el arte desde las primeras pinturas rupestres. Como testimonio de este periodo, Fundación Lichtenstein «El arte a través de los tiempos» (1936), de Elizabeth Gardner, con la dirección de Lichtenstein en Columbus (capital de Ohio y sede de la universidad) impresa en la contraportada.

El proceso de autodescubrimiento artístico de Lichtenstein se ve abruptamente interrumpido.

En 1943, la Segunda Guerra Mundial alcanzó a Lichtenstein; sirvió en el ejército hasta 1945, año en que fue destinado a Europa. Tras la guerra, Lichtenstein cursó estudios de historia y francés en París e intentó visitar a su ídolo Picasso, pero no pudo hacerlo porque tuvo que regresar a casa tan solo seis semanas después: su padre estaba muriendo.

Lichtenstein completó su formación docente en el verano de 1946 y comenzó un programa de Maestría en Bellas Artes , que finalizó en 1950. Al mismo tiempo, le ofrecieron un puesto de profesor de arte , que desempeñó regularmente hasta 1951 y ocasionalmente después.

Mientras tanto, se había casado con Isabell Wilson, con quien se mudó a Cleveland porque ella había encontrado trabajo allí. A diferencia de Lichtenstein, que desempeñó todo tipo de empleos, como dibujante y diseñador de latas, pudo exponer individualmente por primera vez en Cleveland e incluso tuvo su primera exposición individual en Nueva York en 1951, pero la esperada ola de entusiasmo por sus pinturas abstractas, de estilo poco convincente, no se materializó inicialmente.

Lichtenstein viajaba entonces entre Cleveland y Nueva York, trabajaba como dibujante de diseño y como escaparatista, tuvo a su primer hijo en 1954 y al segundo en 1956, y también pintaba un poco entre medias.

Artísticamente, no ocurrió mucho durante este tiempo: Lichtenstein seguía vacilando entre el expresionismo, el cubismo y la abstracción autodeterminada , distorsionó algunas pinturas típicas estadounidenses y pintó construcciones de madera, probó suerte con esculturas de madera y metal , y expuso un total de tres veces en Nueva York hasta 1955, pero casi nada se vendió.

Estas no eran buenas condiciones para contribuir al sustento de una familia de cuatro personas, por lo que en 1957 reanudó sus actividades docentes, y en 1958 le ofrecieron un puesto en la New State University de Oswego como profesor asistente de arte, donde impartió clases durante los siguientes años.

¡Por fin! – El ascenso a la fama de Lichtenstein

En 1960, Lichtenstein se trasladó a la Universidad de Rutgers en el estado de Nueva Jersey. Allí conoció a Allan Kaprow , el inventor de los "Happenings ", y a través de él a importantes artistas contemporáneos como Robert Watts, Jim Dine, Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg y Jasper Johns , los pioneros del Pop Art en pocas palabras.

Se dice que todos estos encuentros con sus influencias desencadenaron una especie de chispa inicial en Lichtenstein; en 1961 pintó sus primeros cuadros de Pop Art, primero experimentando con imágenes de chicle, luego publicándolas en gran formato, y después rompiendo con todas las tradiciones de su trabajo artístico anterior, incorporando el bocadillo de cómic a sus cuadros y utilizando con entusiasmo técnicas de impresión industrial.

Su primera obra de gran formato, en la que utilizó puntos Ben Day “Look Mickey” de 1961, que ahora se exhibe en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C.

Esta fotografía fue tomada cuando uno de sus hijos golpeó con el dedo el centro de un libro de Mickey Mouse y dijo:

Apuesto a que no puedes pintar tan bien como eso, ¿verdad, papá?" ("Apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿verdad, papi?").

Ese mismo año, Lichtenstein produjo otras seis obras de arte que representaban personajes conocidos de envoltorios de chicles y dibujos animados; había encontrado su estilo.

Al año siguiente, también encontró en Leo Castelli que le garantizó el alquiler mediante pagos periódicos a cambio de que Lichtenstein trabajara exclusivamente para su galería, una forma común de apoyo para Castelli, que él extendía a artistas prometedores.

Castelli ya había expuesto la obra de Lichtenstein anteriormente, pero no había estado dispuesto a ofrecer este tipo de análisis. Esto cambió drásticamente, ya que el arte reinventado de Lichtenstein fue un éxito rotundo, hasta el punto de que la exposición individual de 1962 en la Galería Castelli agotó las entradas incluso antes de su inauguración.

Cómo Lichtenstein está realmente poniendo al día el mercado internacional del arte.

Lo que sigue es una digresión sobre el artista Lichtenstein; sin embargo, la representación de Lichtenstein por parte de conocidos galeristas y el aumento de los precios de venta de sus pinturas constituyen una pequeña historia muy interesante del negocio de las galerías de Nueva York y, al mismo tiempo, un informe sobre cómo este negocio está perdiendo terreno frente al comercio internacional de subastas de arte .

Como ya se mencionó, Lichtenstein pudo exponer en Nueva York por primera vez en 1951, en la Galería Julius Carlebach . Por aquel entonces, tuvo la fortuna de captar el interés del mecenas de arte Leo Castelli, quien también expuso sus obras en su galería neoyorquina desde la década de 1950 en adelante, y luego, tras la asombrosa exposición individual de 1962, se convirtió en su representante exclusivo. A partir de entonces, Castelli organizó exposiciones periódicas de las obras de Lichtenstein.

Antes y después de ese año, se establecieron en Nueva York muchas galerías dedicadas al arte moderno, y obras de Lichtenstein acabaron colgándose en todas ellas: inicialmente a menudo en John Heller, en la Pace Gallery y la Brooke Alexander Gallery , en Mary Boone y Rosa Esman, en Marilyn Pearl y James Goodman, en Blum Helman, Phyllis Kind, Hirschl & Adler, Getler Pall, en Holly Solomon y Condon Riley, las galerías Sperone Westwater y en Mitchell-Innes & Nash.

Hacia el final de su vida, su arte también estuvo bajo la influencia del poderoso de las Galerías Gagosian ; podría decirse que Lichtenstein acompañó la historia de las galerías de Nueva York con sus obras de arte.

También a partir de la década de 1960, la obra de Lichtenstein fue presentada por Ileana Sonnabend (antes Ileana Castelli) y su galería en París; gracias a ella surgió un mercado europeo para Andy Warhol , Roy Lichtenstein y otros artistas del Pop Art. Otras galerías exhibieron su arte en otras partes de Estados Unidos, como la Galería Ferus en Los Ángeles, fundada en 1957.

Gracias a la dedicación de todos estos galeristas, la fama de Lichtenstein creció de forma constante, pero el artista debió su verdadero éxito financiero a una forma distinta de distribución: desde muy pronto, sus obras alcanzaron resultados extraordinarios en las subastas de arte . Por ejemplo, en 1970, «Big Painting No. 6» (creada en 1965) se vendió por 75 000 dólares en una subasta de Sotheby's en Nueva York al marchante de arte y galerista alemán Rudolf Zwirner.

Esos modestos registros no iban a perdurar; “Torpedo…Los!” de 1963 se vendió por 5,5 millones de dólares en de Christie’s en noviembre de 1989, lo que catapultó a Lichtenstein al triunvirato de artistas que han recibido los precios más altos por obras de arte individuales.

Dondequiera que permaneciera, en la siguiente subasta de noviembre de Christie's en Nueva York, "Kiss II" se vendió por 6 millones de dólares, superada por "Happy Tears" en la subasta de Christie's de noviembre de 2002, que alcanzó los 7,1 millones de dólares.

Luego siguió un salto grande y gratificante: en 2005, "In the Car" (1963) se vendió por 16,25 millones de dólares; en 2010, "Ohhh…Alright…" de 1964 se subastó por 42,6 millones de dólares; en 2011, la pintura de Lichtenstein "I Can See the Whole Room!…and There's Nobody in It!" de 1961 se vendió por 43 millones de dólares, lo que le reportó a la viuda del director ejecutivo de Time Warner, Steve Ross, una ganancia de poco más del 2000 por ciento (Ross había comprado la pintura en 1988 por 2,1 millones de dólares).

Todo volvió a estar presente en la subasta de Christie's Nueva York de noviembre, con la excepción de que en 2012 le tocó el turno a Sotheby's, ya que Christie's quiso centrarse en los expresionistas abstractos; una buena idea, pues un cuadro de Mark Rothko se vendió por casi 87 millones de dólares. Sotheby's, por su parte, solo logró recaudar 44,8 millones de dólares por "La niña dormida" , de 1964, aunque aun así supuso un nuevo récord para Lichtenstein.

El arte de Lichtenstein regresó a Christie's en la subasta de primavera de 2013, y la obra "Mujer con sombrero de flores" de 1963 alcanzó un nuevo precio récord de 56,1 millones de dólares de la manera habitual el 15 de mayo de 2013.

Lamentablemente, el propio Lichtenstein solo vivió para ver algunos de los éxitos multimillonarios; murió en 1997 .

Será interesante ver hasta dónde llegará la espiral de precios de sus obras, especialmente antes de la H.

Récords de subastas en el siglo XXI

La mayor venta jamás realizada de una pintura de Roy Lichtenstein se produjo en Christie's, Nueva York, en noviembre de 2015. La obra «Enfermera 1964» se vendió por 95.365.000 dólares (aproximadamente 85 millones de euros). Originalmente titulada «Miedo», formaba parte de las colecciones de varios reconocidos amantes del arte, como Leon Kraushar y Karl Ströher.

El cuadro cuadrado de 1964 mide un metro de alto y ancho y su precio estimado superaba los 80 millones de dólares. «Enfermera» se subastó en la venta especial «La Musa del Artista» , que incluye obras de pintores y escultores creadas entre la década de 1860 y la de 2000.

La pintura más cara que Lichtenstein haya creado podría ser su obra de 1962 , «Obra maestra», que perteneció a Agnes Gund. Según se informa, Steven Cohen la adquirió en una venta privada en 2017 por 165 millones de dólares. Las subastas públicas de obras de Lichtenstein aún no han alcanzado esta cifra. Sin embargo, con sus diez mejores resultados en subastas públicas, el artista se encuentra entre los más vendidos y se le considera un pionero en el mercado del arte.

La segunda obra más cara es "Niña durmiendo" del artista pop, que alcanzó casi 45 millones de dólares en Nueva York en 2012. La pintura de 1964 se vendió en una subasta de Sotheby's por 44.882.500 dólares (casi 35 millones de euros).

Las litografías firmadas y las serigrafías originales son muy codiciadas por los coleccionistas de arte de todo el mundo, a pesar de ser producidas en masa. Entre las serigrafías originales más famosas se encuentran "Chica a bordo , "Chica llorando" y "Desnudo leyendo .

ALBERTINA celebró el centenario del nacimiento del maestro del Pop Art

museo ALBERTINA rindió homenaje este verano al maestro del Pop Art con una retrospectiva exhaustiva que incluyó más de 90 pinturas, esculturas y grabados del artista que combinó el arte popular y el arte culto de una manera tan singular.

Gracias a generosos préstamos de 30 museos de renombre mundial, las obras más importantes de su extensa producción artística llegan a Viena, incluyendo exposiciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney, la Galería Nacional de Arte de Washington, la Galería de Arte de la Universidad de Yale en New Haven, el Museo Ludwig de Colonia, el Museo Louisiana de Humlebæk, el Moderna Museet de Estocolmo y el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

La exposición fue concebida en cooperación con la Fundación Roy Lichtenstein y se basó en una generosa donación de alrededor de 100 obras a la ALBERTINA.

La exposición presentó obras tempranas de la década de 1960, incluyendo la obra maestra del Pop Art de esa época: "Look Mickey" . También se exhibieron pinturas icónicas en blanco y negro de materiales publicitarios, paisajes esmaltados y obras de arte inspiradas en Picasso, Dalí, Kirchner y Pollock.

Uno de los elementos más impresionantes fue una monumental escultura realizada con pinceladas que se desprendía del lienzo y dominaba la sala.