Claes Oldenburg: Hay arte en cada cosa simple.

Claes Oldenburg ha dedicado gran parte de su vida a transformar la vida cotidiana en arte utilizando los medios más sencillos.

Arte amigable, arte travieso, arte ligeramente irónico; en resumen, el tipo de arte que muchos consideran un grato enriquecimiento de su vida cotidiana. La obra de Claes Oldenburg es vista por muchos como un grato enriquecimiento de la vida cotidiana. Por eso se le considera uno de los representantes más importantes del Pop Art estadounidense, a la altura de Andy Warhol y Roy Lichtenstein .

Pero Andy Warhol ocupa el primer puesto en el ranking mundial de arte, mientras que Claes Oldenburg se sitúa en el puesto 80. Alrededor de 2008, estuvo cerca del puesto 50, y desde entonces su posición ha fluctuado entre los puestos 60 y 80 aproximadamente. Para Andy Warhol, no hay fluctuaciones, solo una línea recta hacia su inquebrantable primera posición.

Existen muchas razones para ello, pero todas comparten un principio común: en sociedades con mucha inseguridad, todos siguen a un líder porque no se atreven a expresar su propia opinión. Y el líder siempre es el que más grita. En este caso, sin duda se trata de Andy Warhol. Pero al menos él no pretendía dañar a sus seguidores, a diferencia de las siniestras figuras que han irrumpido en la escena política.

La trayectoria de Claes Oldenburg hacia el arte

Claes Oldenburg nació en Estocolmo en 1929, pero solo pudo disfrutar de una infancia sueca despreocupada en muy poco tiempo: su padre estaba destinado en Nueva York como diplomático sueco, donde Oldenburg creció inicialmente desde 1930 hasta 1933.

En su sexto y séptimo año, a Oldenburg se le permitió contar gnomos en Oslo, Noruega; no era exactamente su tierra natal, pero el pequeño Claes sin duda tenía “más Suecia” a su alrededor en Oslo que en Nueva York.

¿Quizás incluso leyó alguno de los cuentos navideños que Astrid Lindgren publicó anónimamente en un periódico de Estocolmo en 1933, en sus inicios literarios? Durante muchos años, Lindgren escribió relatos cortos de forma anónima para revistas. En 1941, cuando su hija estaba enferma en cama, adoptó el nombre de Pippi Calzaslargas y pidió historias sobre la recién nacida. Este encuentro fortuito la convirtió en escritora.

Astrid Lindgren inventó historias sobre y con Pippi Calzaslargas y también las escribió; “Pippi Calzaslargas” fue rechazada por algunas editoriales en 1944 y ganó el primer premio en un concurso organizado por una segunda editorial en 1945… pero Claes Oldenburg no podía imaginar en 1936 que una heroína importante pronto surgiría en el norte; más bien, siguió inocentemente a sus padres a Chicago, donde su padre fue nombrado Cónsul General de Suecia y donde Oldenburg fue a la escuela hasta 1946.

El hecho de haber escapado en gran medida de la Primera Guerra Mundial en su patria europea de esta manera también fue sin duda importante.

Oldenburg asistió a la prestigiosa Latin School de Chicago , una escuela privada diurna en el barrio de Gold Coast, donde se graduó en 1946. Desde la Latin School, tenía el camino libre hacia Yale (para quienes acaban de despertar y nacieron después de la era de Yale: se refiere a la Universidad de Yale, la tercera universidad más antigua de Estados Unidos y una de las instituciones de élite más famosas que, además de personas increíblemente talentosas, también producen personajes singulares como los hermanos Bush). Oldenburg estudió arte y literatura inglesa allí de 1946 a 1950.

Si alguna vez Oldenburg se vio obstaculizado en su libre desarrollo por el hogar de sus padres (lo cual es menos probable en hogares diplomáticos que en un hogar promedio, porque los diplomáticos viajan por el mundo y porque el mundo te hace más mundano), eso ya era historia después de su graduación en Yale:

Instituto de Arte de Chicago entre 1950 y 1954. El Instituto de Arte de Chicago consta de un museo de arte (que, con su colección de 300.000 obras que abarcan cinco milenios, fue nombrado el mejor museo del mundo en los premios Travelers' Choice de TripAdvisor de 2014) y una escuela de arte, y aunque fue fundado por iniciativa de ciudadanos adinerados, es, como la mayoría de las instituciones artísticas, bastante liberal.

La última vez que el Instituto de Arte de Chicago sorprendió al público en general fue en 2016, cuando "El dormitorio en Arlés" de Vincent Van Gogh en Chicago y lo alquiló a través de Airbnb en colaboración con la agencia de publicidad Leo Burnett (Marlboro Man, entre otros).

La campaña llegó en el momento justo para Leo Burnett Chicago, ya que la agencia había perdido recientemente como clientes a McDonald's (para niños, preadolescentes y el área de Chicago), a Kellogg's Special K (una bomba de azúcar) y también a la (¿horriblemente fea?) Chevrolet Silverado; en comparación con las campañas de Always Ultra para su único cliente importante restante, Procter & Gamble, comercializar un dormitorio famoso representa sin duda un aumento del 100% en sensualidad en la rutina laboral diaria.

Airbnb está contento con cualquier cosa que le genere dinero libre de impuestos, pero el verdadero ganador fue el Instituto de Arte de Chicago, que de esta manera atrajo la atención de Van Gogh

Aunque aún era 1950, Claes Oldenburg ya tenía 21 años y, como cualquier joven en una época en la que la explotación no acechaba en casi todos los trabajos, aspiraba a la independencia. Por ello, trabajó como periodista y diseñador gráfico para la Oficina de Prensa de Chicago mientras estudiaba.

Oldenburg expuso su obra por primera vez en 1953, dibujos satíricos , en gran medida figurativos como sus primeras pinturas, pero con una fuerte influencia del expresionismo abstracto . Ese mismo año, abrió su propio estudio y se nacionalizó estadounidense. Oldenburg estaba listo para conquistar el mundo del arte, pero el mundo del arte aún no estaba preparado para él.

Por lo tanto, en 1956 Oldenburg se trasladó por primera vez al centro del mundo artístico estadounidense, a la ciudad de Nueva York se ganaba la vida con un trabajo a tiempo parcial en la biblioteca del Museo Cooper Union de Artes Decorativas

Durante el resto del tiempo conoció a otros artistas, Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow, Lucas Samaras, George Segal y muchos otros artistas emergentes, quienes finalmente lo alejaron de las artes escénicas y despertaron su entusiasmo por los collages y los objetos .

A partir de 1958, Oldenburg comenzó objetos con papel maché y materiales de desecho , cubriéndolos con telas de colores vivos. Su primera exposición de obras tridimensionales también incluyó estos objetos (mayo de 1959, Galería Judson, Iglesia Memorial Judson, Washington Square).

En 1960, su barrio de Oldenburg, en el Lower East Side, lo inspiró a crear nuevas esculturas , figuras, letras y letreros de sencilla representación hechos de cartón, yute y periódico; en 1961, diseñó esculturas hechas de malla de gallinero cubierta con lienzo empapado en yeso y pintura esmaltada, representando por primera vez objetos cotidianos como ropa o comida.

En 1960, Oldenburg también comenzó a crear happenings con sus nuevos amigos del Pop Art, el "Ray Gun Theater" junto a Lucas Samaras, Tom Wesselman, Carolee Schneemann, Oyvind Fahlstrom y Richard Artschwager . Su primera esposa, Patty Mucha, no solo cosía las esculturas blandas de Oldenburg, sino que también participaba regularmente como intérprete en sus happenings. Los críticos de arte descubrieron colores chillones y una sensación de alienación en su obra, pero inicialmente poco más.

Obra de arte de Claes Oldenburg

Por lo tanto, Oldenburg no logró su gran avance hasta 1962.

Oldenburg tenía 33 años, se había casado recientemente con Patty Mucha, que nació como Patricia Muschinski en Milwaukee y había llegado a su marido cumpliendo todos los clichés: era una de sus modelos de desnudos cuando Oldenburg incursionó en la pintura de retratos (y probablemente también en la pintura de desnudos , pero se necesitan muy pocos modelos de desnudos para los retratos) en sus primeros días en Nueva York.

Patty Mucha también era artista, y la pareja comenzó a trabajar junta. Oldenburg ya había coqueteado brevemente con las "Esculturas Blandas" , pero la media femenina rellena de periódico y con secciones, ahora venerada "Salchicha" jessesartspace.wordpress.com ), no logró cautivar realmente al mundo del arte en aquel momento.

Ahora abordó nuevamente el tema de los Softies con Patty, en 1962 creando “de una sola vez” el “Floor Cake” , una rebanada de pastel hecha de látex sobre lienzo, pintada con pintura de polímero sintético, rellena de goma espuma y cartón: www.moma.org/collection/works/81450 .

y el “Floor Cone” , un cono de helado producido de la misma manera: www.moma.org/collection/works/81461 y, para concluir los rellenos estomacales soporíferos, la “Floor Burger” , en realidad una Whopper, completa con pan, carne y pepinillo.

Lo especial de estas tres obras eran sus dimensiones: “Pastel de suelo” 2,9 x 1,48 x 1,48 metros, “Cono de suelo” 3,45 x 1,42 x 1,36 metros, “Hamburguesa de suelo” 2,13 metros de diámetro y 1,3 metros de altura.

Las esculturas blandas fueron las estrellas de la exposición en la Galería Green de Nueva York , y cautivaron de inmediato al público estadounidense. Incluso mientras el gigantesco cucurucho de helado era transportado a la Galería Green en una camioneta por la calle 57 Oeste, los niños vitoreaban desde los autos que pasaban, y los adultos aplaudían dentro de la galería; todo marchaba a la perfección, Oldenburg era un artista consagrado.

¿Una tarta del tamaño de un sofá como obra de arte? ¿En serio?

Ya sea una porción de pastel del tamaño de un sofá, un helado gigante o una hamburguesa descomunal, nada de esto tendría la más mínima posibilidad de ser considerado una sensación en el mundo del arte actual. En el mejor de los casos, podría ser aclamado como tal en un restaurante con dificultades cuyo dueño, carente de habilidades culinarias, abre un restaurante XXL tras la visita de un chef famoso en un programa de telerrealidad. Pero un pastel del tamaño de un sofá es solo un éxito puntual.

¿Qué tenían estas obras de arte que cautivaron tanto a la gente en aquella época?

Sencillamente: era arte para la gente; por muy absurdo que fuera, este arte tomaba en serio a las personas y estaba dirigido a TODAS las personas.

Hasta la llegada del Pop Art, apenas existía arte irreverente y humorístico; el arte era algo para gente educada a la que había que explicarle este arte y las ideas que lo sustentaban en términos "profundos" por historiadores del arte aún más educados, para luego admirarlo con asombro.

Pero los jóvenes artistas de la década de 1960 —Oldenburg, Warhol, Liechtenstein e innumerables otros— no querían crear arte que inspirara admiración; al contrario, buscaban desmantelar la admiración que rodeaba al arte y crear arte para todos de una manera verdaderamente democrática. Esto, a su vez, explica sus motivaciones: quienes desean crear arte para todos no llegarán lejos encerrados en torres de marfil, sino que deberían optar por motivos que sean familiares para todos.

Gracias a este enfoque, el arte lleno de vitalidad de Oldenburg no solo alcanzó gran popularidad, sino que también proporciona la explicación, basada en el contenido, de por qué Warhol llegó al número 1 en el mercado del arte mientras que Oldenburg permaneció en los años 50 a 80.

Warhol adoptó un enfoque aún más radical: no solo liberó la obra de arte de su inquietante seriedad, sino que también, con su método de producción en serie, la despojó por completo del mito de la singularidad.

Las latas de sopa como arte —las "Latas de sopa Campbell" también aparecieron en 1962— eran ya algo inaudito, pues se trataba de un alimento cotidiano bastante común en comparación con pasteles, hamburguesas y helados. Ahora, las latas han aparecido pintadas con pintura polimérica sobre nada menos que 32 lienzos. 32 porque existían 32 variedades de sopa Campbell. Este hecho ridiculizaba al venerable mundo del arte, que podía escribir, o al menos escribía, extensos libros sobre la singularidad de obras de arte individuales, incluso con mayor detalle que cualquier pastel o hamburguesa.

A pesar del riesgo de sonar sarcástico: Oldenburg sigue vivo. En cuanto a popularidad en el mundo del arte, Andy Warhol tuvo una suerte desafortunada: dejó el panorama artístico en 1987, y Robert Rauschenberg en 2008, lo que permitió que su ahora limitada producción artística aumentara su valor. Al mismo tiempo, los historiadores del arte finalmente tuvieron la oportunidad de comentar sobre las obras respectivas sin temor a ser contradichos por los artistas.

Pero todo esto es una visión retrospectiva: cuando Oldenburg conquistó el mundo del arte, encabezó la lista de artistas junto a Robert Rauschenberg (actualmente en el puesto número 13) y fue invitado a la Bienal de Venecia y a la Documenta. Durante un tiempo considerable, fue mucho más solicitado que Andy Warhol. Con tan solo 40 años, el MoMA de Nueva York le dedicó su primera gran exposición; eso fue en 1969.

Esta es quizás la conclusión más divertida o macabra del espíritu de cambio de los años sesenta: hoy en día, los historiadores del arte siguen escribiendo extensos libros sobre las obras de arte y las personas de artistas como Oldenburg, Rauschenberg, Warhol, Lichtenstein y otros que querían liberar el arte de la historia del arte…

Décadas de arte que expande el mundo

Pero volvamos al arte optimista de Claes Oldenburg (que el poeta estadounidense Frank O'Hara, quien plasmó en palabras las obras de sus amigos artistas hasta que fue atropellado por un buggy en la playa en 1966, describió como "mágico y extraño"):

Las primeras creaciones de Claes Oldenburg fueron montañas de hamburguesas y porciones de pastel del tamaño de un sofá. A estas les siguieron papas fritas gigantes, hamburguesas dobles con queso y un inodoro colapsado, y a partir de 1965, Claes Oldenburg decidió definitivamente agrandar nuestro mundo, al menos visualmente, a través de objetos colosales.

• «Lipstick (Ascending) on ​​Caterpillar Tracks» fue creada en 1969 en Tower Pkwy, New Haven, CT 06511, EE. UU.
• 1970 el gran enchufe “Enchufe”
• 1976, «Clothespin» , Market St y S 15th St, Filadelfia, PA 19102, EE. UU.

Coosje van Bruggen se unió al grupo y comenzó a trabajar con Oldenburg tras ayudarlo a instalar una obra de arte en los jardines del Museo Kröller-Müller en Otterlo, Países Bajos. Eso fue en 1976; se casaron en 1977 y, a partir de entonces, crearon "Large-Scale Projects" .

• 1977 “Bolas de billar gigantes” , Proyectos de escultura Münster
• 1981 “Linterna ”, Universidad de Nevada, Las Vegas
• La escultura “Pickaxe” , de 12 metros de altura y creada para la Documenta 7 en Kassel en 1982

Y así continuó, hasta el famoso “Cupid’s Span” hecho de fibra de vidrio y acero (2002, Rincon Park, San Francisco en 2002) y los “Trumbling Tacks” (2009, Parque de Esculturas Kistefos al norte de Oslo, última obra conjunta antes de la muerte de van Bruggen en el mismo año).

La obra más reciente e importante de Oldenburg es la impresionante "Paint Torch" , un pincel hecho de acero y fibra de vidrio con iluminación LED, que se presentó en 2001 frente a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia.

El arte más bello para juegos de arte

Estos son solo algunos ejemplos; el mundo está lleno del arte lúdico e irónico de Oldenburg. Este arte también puede ser muy divertido para personas imaginativas, por ejemplo, como una búsqueda del tesoro. ¿Quién puede encontrar la bandeja de carne y el plato de pastel, las zapatillas verdes de dama, el pastel de queso, el lavabo independiente, el suave interruptor de luz sueco, las "Réplicas de Conjuntos de Dormitorio" y los "Tubos Sostenidos por su Contenido"? ¡Después de todo, están por todo el mundo en formato gigante!

Una incursión en el arte de la explicación también podría resultar entretenida si el debate se basara en una obra de arte de Claes Oldenburg: ¿Por qué hay una corbata de más de diez metros de altura, «aleteando» hacia arriba, frente a un rascacielos en Fráncfort del Meno? ¿Qué intenta decirnos el artista?

¿Antropología cultural, historia contemporánea, ciencia textil, esoterismo, teoría de los medios, sociología de la religión, cientometría, pedagógico-didáctica, cibernética, ingeniería geodésica, perspectiva médico-humana?

Algunas obras de arte de Oldenburg desatan una explosión de ideas de reciclaje : ¿Qué más se podría hacer con la "Manguera de jardín con grifo" de Friburgo de Brisgovia, además de dejarla simplemente tirada en el parque?

Todo esto constituye una aproximación bastante indigna al arte de Claes Oldenburg, pero una que sin duda le habría gustado al artista.

Claes Oldenburg: Vida pública, exposiciones, premios

No se llega a ser el octogésimo artista del mundo sin una presencia pública. Claes Oldenburg ha en más de 1000 exposiciones desde la década de 1960 , cien de ellas solo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Si existía la impresión de que el hermano de Claes Oldenburg, Richard E. Oldenburg, historiador del arte y director del MoMA de 1972 a 1993, había influido en ello, esta impresión se desmintió en 2009.

Este año, Claes Oldenburg vendió su escultura “Borrador de máquina de escribir” (de 1976, uno de los tres preciosos borradores grandes: c1.staticflickr.com/ ) por 2,2 millones de dólares a través de Christie’s Nueva York, a pesar de que su hermano, tras su paso por el MoMA, fue presidente de Sotheby’s para Norteamérica y Sudamérica hasta el año 2000 y posteriormente presidente honorario de Sotheby’s…

Premios y distinciones

Oldenburg cuenta con una impresionante lista de premios :

• Doctorado honorario del Oberlin College, Ohio, en 1970.
• Premio de Escultura de la Universidad de Brandeis de 1971
• Medalla Skowhegan de Escultura de 1972
• 1975 Miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras
• 1976 Instituto de Arte de Chicago, Primer Premio de Escultura en la 72ª Exposición Americana
• Medalla del Instituto Americano de Arquitectos de 1977
• 1978 Miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias
• Doctorado Honoris Causa, 1979, Instituto de Arte de Chicago, Illinois
• 1980 Ingreso en la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias
• 1981 Premio Wilhelm Lehmbruck de Escultura, Duisburg, Alemania
• Premio Wolf de Artes de 1989
• Premio de Artes Creativas de la Universidad de Brandeis de 1993 por su trayectoria artística + Medalla Jack I. y Lillian Poses de Escultura
• 1994 Distinción en Escultura, Sculpture Center, Nueva York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Premio de la Fundación Rolf Schock de 1995, Estocolmo, Suecia
• Doctorado Honoris Causa, 1995, Bard College, Nueva York
• Premio Nathaniel S. Saltonstall de 1996, Instituto de Arte Contemporáneo de Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• Doctorado Honoris Causa, 1996, Royal College of Art, Londres
• Doctorados honoríficos de 1996 del California College of the Arts, San Francisco, California (Oldenburg + Van Bruggen)
• Doctores Honoris Causa, 1999, Universidad de Teesside, Middlesbrough, Inglaterra (Oldenburg + Van Bruggen)
• Medalla Nacional de las Artes de EE. UU., año 2000
• 2002 Premio Socios en Educación, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Medalla de la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, 2004 (Oldenburg + Van Bruggen)
• Doctorados Honoris Causa 2005, Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, Nueva Escocia (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2005 Doctorados honorarios de la Facultad de Estudios Creativos de Detroit, Michigan (Oldenburg + Van Bruggen)

El artista, que suele irradiar alegría en persona, vive ahora en Nueva York, se acerca a los noventa años y, como el "Abuelo del Arte Pop", anima constantemente a los jóvenes artistas a tomarse el arte con la misma ligereza con la que él lo hizo.

La página web oficial de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen se podía encontrar en www.oldenburgvanbruggen.com (ya no está en línea) y ofrecía una galería de imágenes de proyectos a gran escala con estudios de caso, biografías de los artistas y publicaciones seleccionadas (todo en inglés).

Unos días antes de la publicación de este artículo, la revista de estilo del New York Times publicó un reportaje sobre Claes Oldenburg y, entre otras cosas, sobre el misterioso arte funerario que creó hace mucho tiempo en Nueva York, del que casi nadie sabe nada hasta el día de hoy. Incluso a los 88 años, Claes Oldenburg seguía siendo capaz de sorprendernos; esperemos que siga haciéndolo durante mucho tiempo ( www.nytimes.com/ , con una galería de imágenes de la obra de Claes Oldenburg a través de los años ).

Obras físicas de Claes Oldenburg se exhiben actualmente en Nueva York. La exposición «Shelf Life» en la Pace Gallery estará abierta hasta el 11 de noviembre de 2017 (obras de Oldenburg/van Bruggen; un artículo sobre la exposición aparecerá en The New Yorker el 6 de noviembre: www.newyorker.com/ ). «Three Dimensions: Modern & Contemporary Approaches to Relief and Sculpture» en Acquavella Galleries, Inc. estará abierta hasta el 17 de noviembre de 2017. Como alternativa, la exposición «Cultivating the Garden» se puede visitar en el Walker Art Center de Minneapolis, Minnesota, hasta el 19 de noviembre de 2017. Finalmente, la exposición «The Show Must Go On – From the Contemporary Art Collection» estará abierta hasta el 21 de enero de 2018.

colecciones de arte públicas

Si no puedes viajar allí ahora mismo, puedes encontrar sus obras en las pocas colecciones de arte públicas del mundo que han adquirido arte de Oldenburg:

• Australia : Galería Nacional de Australia, Canberra, Territorio de la Capital Australiana
• Bélgica : Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas
• Brasil : Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), São Paulo
• Dinamarca : Museo Luisiana de Arte Moderno, Humlebæk; Museet for Samtidskunst / Museo de Arte Contemporáneo, Roskilde
• Alemania : Museo Ludwig, Colonia; Museo de Arte Moderno (MMK), Frankfurt/Main; Hamburguesa Kunsthalle; Museo Wilhelm Hack Ludwigshafen; Museo Städtisches Abteiberg, Mönchengladbach; Museo del Diseño Vitra, Weil am Rhein
• Finlandia : Kiasma – Museo de Arte Contemporáneo, Helsinki
• Francia : Musee d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Niza; Centro Pompidou, París; Museo de arte moderno y contemporáneo de Saint-Étienne (MAMC), Saint-Etienne
• Gran Bretaña : Pallant House Gallery, Chichester, West Sussex; Leeds Art Gallery; Tate Britain y Tate Modern, Londres.
• Canadá : Galería Nacional de Canadá – Museo de Bellas Artes de Canadá, Ottawa, ON; Galería de Arte de Ontario, Toronto, ON
• Colombia : Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), Bogotá
• Israel : El Museo de Israel, Jerusalén
• Italia : Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC), La Spezia; Museo D'Arte Contemporanea Donna Regina (MADRE), Nápoles; Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento y Rovereto (MART), Rovereto; Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, Turín
• Japón : Museo de la ciudad de Kawasaki; Museo Hara de Arte Contemporáneo, Tokio
• Países Bajos : Museo Stedelijk de Ámsterdam, Ámsterdam; Museo Kröller-Müller, Otterlo; Museo Boijmans van Beuningen, Róterdam; Museo Vledder
• Austria : Museo de Arte Moderno Fundación Ludwig (MUMOK), Viena
• Portugal : Museo Berardo, Lisboa
• España : Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), Alicante; Fundación Joan Miró y Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Barcelona
• Suecia : Malmö Konsthall, Malmö; Museo Moderno, Estocolmo
• Suiza : Museo de Arte de Basilea
• Hungría : Museo Ludwig – Museo de Arte Contemporáneo de Budapest
• EE. UU .: Museo de Arte de Akron, Akron, OH; Museo de Arte de la Universidad de Michigan (UMMA), Ann Arbor, MI; Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, AR; Museo de Arte Cranbrook, Bloomfield Hills, MI; Museo de Arte Housatonic, Bridgeport, CT; Centro de Artes Visuales List (LVAC), Cambridge, MA; Centro de Artes Tarble, Charleston, IL; Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MCA), Chicago, IL;
  Museo de Arte del Pomona College, Claremont, CA; Museo de Arte de Columbia, Columbia, SC; Museo Meadows, Dallas, TX; Centro de Escultura Nasher, Dallas, TX; Instituto de Arte de Dayton, Dayton, OH;
  Centro de Arte de Des Moines, Des Moines, IA; Museo de Arte Koehnline, Des Plaines, IL; Museo de Arte Moderno de Fort Worth, Fort Worth, TX; Jardines y Parque de Esculturas Frederik Meijer, Grand Rapids, MI; Galería Faulconer, Grinnell, IA; Colección Menil, Houston, TX; Museo de Bellas Artes de Houston (MFAH), Houston, TX; Museo Kemper de Arte Contemporáneo, Kansas City, MO; Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City, MO; Galería Ewing de Arte y Arquitectura, Knoxville, TN; Museo de Arte Samek, Lewisburg, PA; Museo de Arte Sheldon, Lincoln, NE; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), Los Ángeles, CA; MOCA Grand Avenue, Los Ángeles, CA; Museo de Arte Contemporáneo de Madison (MMoCA), Madison, WI; Fundación Chinati, Marfa, TX; Colección Margulies, Miami, FL; Museo de Arte Contemporáneo del Norte de Miami (MOCA), Miami, FL; Museo de Arte Weisman, Minneapolis, MN; Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, NY; Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York, NY; Museo Whitney de Arte Estadounidense, Nueva York, NY; Museo de Arte Fred Jones Jr., Norman, OK; Museo de Arte Allen Memorial, Oberlin, OH; Museo de Arte de la Universidad de Miami, Oxford, OH; Museo de Arte Norton Simon, Pasadena, CA; The Fabric Workshop and Museum, Filadelfia, PA; Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, PA; Museo de Arte de San Luis, San Luis, MO;
  Museo de Young, San Francisco, CA; Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA; Museo de Arte de San José, San José, CA; Museo de Arte de Santa Bárbara, Santa Bárbara, CA; Centro de Arte de Sioux City, Sioux City, IA; Centro Iris & B. Gerald Cantor para las Artes Visuales, Stanford, CA; Galería de Arte de la Universidad Estatal de Indiana, Terre Haute, IN; Museo de Arte Palmer, University Park, PA; Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington, DC; Museo de Arte Norton, West Palm Beach, FL (se podría haber escrito: en casi todos los museos de arte contemporáneo de EE. UU., pero eso sería un poco injusto para quienes quieran elegir un museo de los mencionados en el artículo para su próximo viaje a EE. UU.).

Claes Oldenburg, breve biografía

• Claes Oldenburg nació el 28 de enero de 1929 en Estocolmo.
• De 1946 a 1950 estudió arte y literatura inglesa en la Universidad de Yale.
• Entre 1950 y 1954, Oldenburg asistió a cursos en el Instituto de Arte de Chicago.
• Oldenburg expuso su arte en más de 1000 exposiciones en todo el mundo a partir de 1960.
• Oldenburg se casó con su primera esposa, la artista Patty Mucha, en 1960; después de 10 años de trabajar juntos, este matrimonio terminó en divorcio en 1970.
• De 1969 a 1977, Oldenburg mantuvo una relación sentimental y profesional con la artista estadounidense Hannah Wilke.
• Oldenburg y el artista Coosje van Bruggen se casaron en 1977.
• Desde 1977 hasta la muerte de van Bruggen en 2009, se crearon numerosas obras de arte colaborativas.
• En 1992, Oldenburg y van Bruggen compraron el Château de la Borde, un pequeño castillo del Loira en Beaumont-sur-Dême, donde instalaron su propio pequeño museo con obras de Le Corbusier, Charles y Ray Eames, Alvar Aalto, Frank Gehry y Eileen Gray.
• Oldenburg ha recibido numerosos premios, galardones y doctorados honoris causa (en parte junto con Coosje van Bruggen).

Claes Oldenburg sobre el arte:

Me decanto por el arte que emerge de las alcantarillas en la niebla invernal. Me decanto por el arte que se resquebraja al pisar un charco helado. Me decanto por el arte del gusano en la manzana.

(Pasaje raramente citado de su obra más famosa, el manifiesto semisatírico "Yo estoy a favor de..." de 1961).

Claes Oldenburg ha fallecido a la edad de 93 años.

Claes Oldenburg, el artista pop estadounidense de origen sueco conocido por sus esculturas monumentales de objetos cotidianos, falleció el lunes 18 de julio de 2022 en su casa y estudio en el barrio de SoHo de Manhattan. Tenía 93 años.

Su fallecimiento fue confirmado por Adriana Elgarresta, portavoz de la galería Pace de Nueva York, que, junto con la galería Paula Cooper, lo había representado durante mucho tiempo. Todos los principales diarios, como el New York Times y el Süddeutsche Zeitung , se hicieron eco de la noticia.

Pocos encarnaron el éxito del arte público como él. Y pocos artistas reinterpretaron con tanta naturalidad la obra de Marcel Duchamp y el readymade. El maestro del humor monumental nos deja un legado imponente…