Claes Oldenburg: Hay arte en cada cosa sencilla

Claes Oldenburg ha pasado una larga vida transformando la vida cotidiana en arte utilizando los medios más simples.

Arte amigable, arte travieso, arte ligeramente irónico: en resumen, el tipo de arte que muchos ven como un bienvenido enriquecimiento de su vida cotidiana. El arte de Claes Oldenburg es visto por muchos como un bienvenido enriquecimiento de su vida cotidiana. Por eso se le considera uno de los representantes más importantes del arte pop estadounidense, a la altura de Andy Warhol y Roy Lichtenstein .

Pero Andy Warhol ocupa el primer puesto en el ranking mundial de arte, mientras que Claes Oldenburg solo ocupa el puesto 80. Alrededor de 2008, estaba cerca del puesto 50, y desde entonces su clasificación ha fluctuado entre el 60.º y el 80.º puesto aproximadamente. Para Andy Warhol, no hay fluctuaciones, solo una línea recta hacia su inquebrantable posición número uno.

Hay muchas razones para esto, pero todas comparten un principio común: en sociedades con mucha gente insegura, todas las ovejas siguen a un líder porque no se atreven a expresar su propia opinión. Y el líder siempre es quien más grita. En este caso, se trata claramente de Andy Warhol. Pero al menos no se propuso perjudicar a sus seguidores, a diferencia de las nuevas y siniestras figuras del escenario político.

El camino de Claes Oldenburg hacia el arte

Claes Oldenburg nació en Estocolmo en 1929, pero solo pudo disfrutar de una infancia sueca muy poco despreocupada: su padre estaba destinado en Nueva York como diplomático sueco, donde Oldenburg creció entre 1930 y 1933.

En su sexto y séptimo año, a Oldenburg le permitieron contar gnomos en Oslo, Noruega (no es exactamente su país natal, pero el pequeño Claes ciertamente tenía “más Suecia” a su alrededor en Oslo que en Nueva York).

¿Quizás incluso leyó uno de los cuentos navideños que Astrid Lindgren publicó anónimamente en un periódico de Estocolmo en 1933 como parte de sus primeros proyectos literarios? Durante muchos años, Lindgren escribió cuentos anónimos para revistas. En 1941, cuando su hija estaba enferma en cama, adoptó el nombre de Pippi Calzaslargas y le pidió historias sobre la protagonista recién nacida. Este encuentro casual la convirtió en escritora.

Astrid Lindgren inventó historias sobre y con Pippi Calzaslargas y también las escribió; “Pippi Calzaslargas” fue rechazada por algunos editores en 1944 y ganó el primer premio en un concurso organizado por un segundo editor en 1945… pero Claes Oldenburg no podía haber adivinado en 1936 que una heroína importante pronto surgiría en el norte; más bien, inocentemente siguió a sus padres a Chicago, donde su padre fue nombrado Cónsul General de Suecia y donde Oldenburg fue a la escuela hasta 1946.

Sin duda también fue importante haber logrado escapar en gran medida de la Segunda Guerra Mundial en su Europa natal.

Oldenburg asistió a la prestigiosa Escuela Latina de Chicago , una escuela privada diurna en el barrio de Gold Coast, donde se graduó en 1946. Desde allí, el camino a Yale abierto (para quienes acababan de despertar y nacieron en la era post-Y: se refiere a la Universidad de Yale, la tercera universidad más antigua de Estados Unidos y una de las más famosas de estas instituciones de élite que, además de gente increíblemente talentosa, también produce inadaptados como los hermanos Bush). Oldenburg estudió arte y literatura inglesa allí de 1946 a 1950.

Si Oldenburg alguna vez se vio obstaculizado en su libre desarrollo por el hogar de sus padres (lo cual es menos probable en los hogares diplomáticos que en el hogar promedio, porque los diplomáticos viajan por el mundo y porque el mundo lo hace a uno mundano), eso es historia después de su graduación de Yale:

Oldenburg estudió en el Instituto de Arte de Chicago El Instituto de Arte de Chicago está formado por un museo de arte (que, con su colección de 300.000 obras que abarcan cinco milenios, fue nombrado el mejor museo del mundo en los premios Travelers' Choice de TripAdvisor de 2014) y una escuela de arte, y aunque fue fundado por iniciativa de ciudadanos ricos, es, como la mayoría de las instituciones artísticas, bastante librepensador.

La última vez que el Instituto de Arte de Chicago sorprendió al público en general fue en 2016, cuando "El dormitorio en Arlés" de Vincent Van Gogh en Chicago y lo alquiló a través de Airbnb en colaboración con la agencia de publicidad Leo Burnett (Marlboro Man y más).

La campaña llegó justo en el momento adecuado para Leo Burnett Chicago, ya que la agencia había perdido recientemente al asesino de energía McDonald's (para niños, preadolescentes y el área de Chicago), la bomba de azúcar Kellogg's Special K y también la (¿horriblemente fea?) Chevrolet Silverado como clientes; en comparación con las campañas de Always Ultra para su único cliente importante restante, Procter & Gamble, promocionar un dormitorio famoso es ciertamente una ganancia del 100% en sensualidad en la rutina de trabajo diaria.

Airbnb está contento con cualquier cosa que le proporcione dinero libre de impuestos, pero el verdadero ganador fue el Instituto de Arte de Chicago, que de esta manera atrajo la atención de Van Gogh

Aunque aún era 1950, Claes Oldenburg ya tenía 21 años y, como cualquier joven en una época en la que la explotación no acechaba en ningún otro trabajo, aspiraba a la independencia. Por ello, trabajó como periodista y diseñador gráfico para el Chicago City News Bureau durante sus estudios.

Oldenburg expuso su obra por primera vez en 1953, presentando dibujos satíricos , en gran parte figurativos como sus primeras pinturas, pero con una fuerte influencia del expresionismo abstracto . Ese mismo año, abrió su propio estudio y se nacionalizó estadounidense. Oldenburg estaba listo para conquistar el mundo del arte, pero este aún no estaba listo para él.

Por ello, en 1956 Oldenburg se trasladó por primera vez al centro del mundo artístico norteamericano, a la ciudad de Nueva York sobrevivir con un trabajo a tiempo parcial en la biblioteca del Museo Cooper Union para las Artes de la Decoración

Durante el resto del tiempo conoció a otros artistas, Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow, Lucas Samaras, George Segal y muchos otros artistas del momento, que finalmente lo alejaron de las artes escénicas y despertaron su entusiasmo por los collages y los objetos .

A partir de 1958, Oldenburg comenzó objetos con papel maché y materiales de desecho , cubriéndolos con telas de colores brillantes. Su primera exposición de obras tridimensionales también incluyó estos objetos (mayo de 1959, Galería Judson, Iglesia Memorial Judson, Washington Square).

En 1960, su barrio de Oldenburg, en el Lower East Side, lo inspiró a crear nuevas esculturas : figuras, letras y signos simples hechos de cartón, yute y periódico; en 1961, diseñó esculturas hechas de malla de alambre cubierta con lienzo empapado en yeso y pintura de esmalte, que representaban por primera vez objetos cotidianos como ropa o comida.

En 1960, Oldenburg también comenzó a crear "happenings" con sus nuevos amigos del Pop Art, el "Ray Gun Theater" con Lucas Samaras, Tom Wesselman, Carolee Schneemann, Oyvind Fahlstrom y Richard Artschwager . Su primera esposa , Patty Mucha, no solo cosía las esculturas blandas de Oldenburg, sino que también participaba regularmente en sus "happenings". Los críticos de arte descubrieron colores estridentes y alienación en su obra, pero al principio no mucho más.

Arte de Claes Oldenburg

Por lo tanto, hubo que esperar hasta 1962 para que Oldenburg lograra su gran avance.

Oldenburg tenía 33 años, estaba recientemente casado con Patty Mucha, que nació como Patricia Muschinski en Milwaukee y había llegado a su marido en cumplimiento de todos los clichés: ella fue una de sus modelos desnudas cuando Oldenburg hizo incursiones en la pintura de retratos (y probablemente también en la pintura de desnudos , pero se necesitan muy pocos modelos desnudos para los retratos) en sus primeros días en Nueva York.

Patty Mucha también era artista, y la pareja comenzó a trabajar junta. Oldenburg había coqueteado brevemente con las "Esculturas Blandas" , pero la media de mujer con encaje seccional y llena de papel de periódico, ahora venerada "Salchicha" jessesartspace.wordpress.com ), no logró cautivar realmente al mundo del arte de la época.

Ahora abordó de nuevo los Softies con Patty, creando en 1962 “de una sola vez” el “Floor Cake” , un trozo de pastel hecho de látex sobre lienzo, pintado con pintura de polímero sintético, relleno de gomaespuma y cartón: www.moma.org/collection/works/81450 .

y el “Floor Cone” , un cono de helado producido de la misma manera: www.moma.org/collection/works/81461 y, para concluir los aburridos rellenos estomacales, el “Floor Burger” , en realidad un Whopper, completo con pan, hamburguesa y pepinillo.

Lo especial de estas tres obras eran sus dimensiones: “Floor Cake” 2,9 x 1,48 x 1,48 metros, “Floor Cone” 3,45 x 1,42 x 1,36 metros, “Floor Burger” 2,13 metros de diámetro y 1,3 metros de alto.

Las esculturas blandas fueron las estrellas de la exposición en la Green Gallery de Nueva York y cautivaron de inmediato al ávido público estadounidense. Incluso mientras el helado gigante era transportado a la Green Gallery en una camioneta por la calle Cincuenta y Siete Oeste, los niños vitoreaban en los coches que pasaban y los adultos dentro de la galería: todo estaba bien, Oldenburg era un hombre hecho y derecho.

¿Un pastel del tamaño de un sofá como obra de arte? ¿En serio?

Ya sea una rebanada de pastel del tamaño de un sofá, un helado gigante o una hamburguesa megalómana, nada de esto tendría la menor posibilidad de ser celebrado como una sensación en el mundo del arte actual. En el mejor de los casos, podría ser celebrado como una sensación en un restaurante en crisis cuyo dueño, sin ninguna habilidad culinaria, abre un restaurante XXL tras la visita de un chef famoso en un reality show. Pero un pastel del tamaño de un sofá es solo un éxito puntual.

¿Qué tenían estas obras de arte que cautivaban tanto a la gente en aquella época?

En términos simples: era arte para la gente; por más tonto que fuera, este arte tomaba a la gente en serio y estaba dirigido a TODAS las personas.

Hasta el Pop Art, casi no había arte atrevido y humorístico; el arte era algo para gente culta que necesitaba que historiadores del arte aún más cultos les explicaran en términos “profundos” este arte y las ideas que había detrás para luego admirarlo con asombro.

Pero los jóvenes artistas de la década de 1960 —Oldenburg, Warhol, Liechtenstein y muchos otros a su alrededor— no querían crear arte que inspirara asombro; al contrario, querían desmantelar el asombro que rodeaba al arte y crear arte para todos de una manera verdaderamente democrática. Esto, a su vez, explica sus motivos: quienes desean crear arte para todos no llegarán lejos en torres de marfil, sino que deberían elegir motivos que sean familiares para todos.

Gracias a este enfoque, el arte enérgico de Oldenburg no solo alcanzó gran popularidad, sino que también proporciona una explicación basada en el contenido de por qué Warhol ascendió al número 1 en el mercado del arte, mientras que Oldenburg permaneció entre los años 50 y 80.

Warhol adoptó un enfoque aún más radical: no sólo liberó la obra de arte de su perturbadora seriedad, sino también, con su método de producción en serie, muy completamente del mito de la unicidad.

"Latas de Sopa Campbell" de Andy Warhol también aparecieron por primera vez en 1962— ya eran algo inauditas, pues comparadas con los pasteles, las hamburguesas y el helado, eran comida cotidiana. Las latas han aparecido en pintura polimérica en nada menos que 32 lienzos. 32 porque existían 32 variedades de sopa Campbell. Este hecho ridiculizaba al venerable mundo del arte, que podía escribir, o al menos escribía, extensos libros sobre la singularidad de las obras de arte individuales, y lo hacía con mayor profundidad que cualquier pastel o hamburguesa.

A pesar del riesgo de sonar sarcástico: Oldenburg sigue vivo. En cuanto a popularidad en el mundo del arte, Andy Warhol fue un Andy Warhol bastante desafortunado: abandonó el escenario en 1987 y Robert Rauschenberg en 2008, lo que permitió que su ahora limitada producción artística se revalorizara. Al mismo tiempo, los historiadores del arte finalmente tuvieron la oportunidad de comentar sobre las obras respectivas sin temor a ser contradichos por el artista.

Pero todo esto es una visión retrospectiva: cuando Oldenburg conquistó el mundo del arte, encabezó el ranking de artistas junto a Robert Rauschenberg (ahora número 13), y fue invitado a la Bienal de Venecia y a la Documenta. Durante un tiempo considerable, fue mucho más solicitado que Andy Warhol. Con tan solo 40 años, el MoMA de Nueva York lo homenajeó con su primera gran exposición; eso fue en 1969.

Esta es quizás la conclusión más divertida o más macabra del espíritu de cambio de la década de 1960: hoy, los historiadores del arte siguen escribiendo gruesos libros sobre las obras de arte y las personas de artistas como Oldenburg, Rauschenberg, Warhol, Lichtenstein y otros que querían liberar el arte de la historia del arte…

Décadas de arte en expansión mundial

Pero volvamos al arte reconfortante de Claes Oldenburg (que el poeta estadounidense Frank O'Hara, que puso en palabras las obras de sus amigos artistas hasta que lo atropelló un buggy de playa en 1966, describió como "mágico y extraño"):

Montañas de hamburguesas y porciones de pastel del tamaño de un sofá fueron las primeras creaciones de Claes Oldenburg. A estas les siguieron patatas fritas gigantes, hamburguesas dobles con queso y un inodoro derrumbado. A partir de 1965, aproximadamente, Claes Oldenburg decidió definitivamente ampliar nuestro mundo, al menos visualmente, mediante objetos colosales

• “Lipstick (Ascending) on ​​Caterpillar Tracks” se creó en 1969 , Tower Pkwy, New Haven, CT 06511, EE. UU.
• 1970 el enchufe grande “Plug”
• 1976, la “Pinza de ropa” , Market St y S 15th St, Filadelfia, PA 19102, EE. UU.

Entonces Coosje van Bruggen y comenzó a trabajar con Oldenburg, tras haberlo ayudado a instalar una obra de arte en los terrenos del Museo Kröller-Müller en Otterlo, Países Bajos. Eso fue en 1976; se casaron en 1977 y, a partir de entonces, crearon "Proyectos a Gran Escala" .

• 1977 “Bolas de billar gigantes” , Proyectos escultóricos de Münster
• 1981 “Flashlight ”, Universidad de Nevada, Las Vegas
• La escultura “Pickaxe” , de 12 metros de altura y creada para la Documenta 7 en Kassel en 1982

Y así continuó hasta el famoso “Cupid’s Span” de fibra de vidrio y acero (2002, Rincon Park, San Francisco en 2002) y los “Tumbling Tacks” (2009, Kistefos Sculpture Park al norte de Oslo, último trabajo conjunto antes de la muerte de van Bruggen en el mismo año).

La obra más reciente e importante de Oldenburg es la impresionante "Paint Torch" , un pincel fabricado en acero y fibra de vidrio con iluminación LED, que se presentó en 2001 frente a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia.

El arte más bello para los juegos de arte

Estos fueron solo algunos ejemplos; el mundo está lleno del arte irónico y lúdico de Oldenburg. Este arte también puede ser muy divertido para personas imaginativas, por ejemplo, como una búsqueda del tesoro. ¿Quién puede encontrar la bandeja de carne y el plato de pastel, las zapatillas verdes de dama, la tarta de queso, el lavabo de pie, el suave interruptor sueco, las "Réplicas del Conjunto de Dormitorio" y los "Tubos Soportados por su Contenido"? Al fin y al cabo, ¡están por todo el mundo en formato gigante!

Una incursión en el arte de la explicación también podría resultar entretenida si el debate se basara en una obra de Claes Oldenburg: ¿Por qué hay una corbata de más de diez metros de altura, "revoloteando" hacia arriba, frente a un rascacielos en Fráncfort del Meno? ¿Qué intenta decirnos el artista?

¿Perspectiva antropológica cultural, histórica contemporánea, ciencia textil, esotérica, mediático-teórica, sociológica de la religión, cienciométrica, pedagógico-didáctica, cibernética, ingeniería geodésica, médica humana?

Algunas obras de arte de Oldenburg despiertan un fuego artificial de ideas de reciclaje : ¿Qué más se podría hacer con la “Manguera de jardín con grifo” de Friburgo de Brisgovia, además de dejarla tirada en el parque?

Todo esto es una aproximación bastante indigna al arte de Claes Oldenburg, pero que al artista seguramente le habría gustado.

Claes Oldenburg: vida pública, exposiciones, premios

Nadie se convierte en el artista número 80 del mundo sin presencia pública. Claes Oldenburg ha en más de 1000 exposiciones desde la década de 1960 , 100 de las cuales se realizaron solo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Si bien existía la impresión de que el hermano de Claes Oldenburg, Richard E. Oldenburg, historiador del arte y director del MoMA de 1972 a 1993, tuvo algo que ver en esto, esta impresión se corrigió en 2009.

Este año, Claes Oldenburg vendió su escultura “Typewriter Eraser” (de 1976, una de tres preciosas gomas de borrar grandes: c1.staticflickr.com/ ) por 2,2 millones de dólares a través de Christie’s Nueva York, a pesar de que su hermano, después de su etapa en el MoMA, fue presidente de Sotheby’s Norteamérica y Sudamérica hasta 2000 y posteriormente presidente honorario de Sotheby’s…

Premios y honores

Oldenburg cuenta con una impresionante lista de premios :

• 1970 Doctorado honorario del Oberlin College, Ohio
• Premio de Escultura de la Universidad Brandeis de 1971
• Medalla Skowhegan de Escultura de 1972
• 1975 Miembro de la Academia Estadounidense y del Instituto de Artes y Letras
• 1976 Instituto de Arte de Chicago, Primer Premio de Escultura en la 72.ª Exposición Americana
• Medalla del Instituto Americano de Arquitectos de 1977
• 1978 Miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias
• 1979 Doctorado honorario, Instituto de Arte de Chicago, Illinois
• 1980 Inducción a la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias
• 1981 Premio Wilhelm Lehmbruck de Escultura, Duisburg, Alemania
• Premio Wolf de Artes de 1989
• Premio de Artes Creativas de la Universidad Brandeis de 1993 por logros artísticos de toda una vida + Medalla Jack I. y Lillian Poses por escultura
• 1994 Distinción en Escultura, Sculpture Center, Nueva York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Premio de la Fundación Rolf Schock 1995, Estocolmo, Suecia
• 1995 Doctorado honorario, Bard College, Nueva York
• Premio Nathaniel S. Saltonstall 1996, Instituto de Arte Contemporáneo, Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• 1996 Doctorado honorario Royal College of Art, Londres
• 1996 títulos honorarios del California College of the Arts, San Francisco, California (Oldenburg + Van Bruggen)
• 1999 Doctores honorarios Universidad de Teesside, Middlesbrough, Inglaterra (Oldenburg + Van Bruggen)
• Medalla Nacional de las Artes 2000, EE. UU
• 2002 Premio Socios en Educación, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Medalla 2004 de la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2005 Doctorados honorarios del Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, Nueva Escocia (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2005 Doctorados honorarios de la Facultad de Estudios Creativos de Detroit, Michigan (Oldenburg + Van Bruggen)

El artista, que en persona suele irradiar buen humor, vive ahora en Nueva York, se acerca a su década número 90 y como el "Abuelo del Pop Art" alienta constantemente a los jóvenes artistas a tomar el arte tan poco en serio como lo hizo él.

El sitio web oficial de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen se podía encontrar en www.oldenburgvanbruggen.com (ya no está en línea) y ofrecía una galería de imágenes de proyectos a gran escala con historias de casos, biografías de los artistas y publicaciones seleccionadas (todo en inglés).

Unos días antes de escribir este artículo, la revista de estilo del New York Times publicó un artículo sobre Claes Oldenburg y, entre otras cosas, el misterioso arte funerario que creó hace mucho tiempo en Nueva York, del que casi nadie sabe nada hasta el día de hoy. Incluso a sus 88 años, Claes Oldenburg seguía siendo capaz de sorprendernos; esperemos que siga así durante mucho tiempo ( www.nytimes.com/ , con una presentación de diapositivas del arte de Claes Oldenburg "a través de los años" ).

Las obras físicas de Claes Oldenburg se exhiben actualmente en Nueva York. La exposición "Shelf Life" en la Pace Gallery estará abierta hasta el 11 de noviembre de 2017 (obras de Oldenburg/van Bruggen; un artículo sobre la exposición aparecerá en The New Yorker el 6 de noviembre: www.newyorker.com/ ). "Three Dimensions: Modern & Contemporary Approaches to Relief and Sculpture" en las Acquavella Galleries, Inc. estará abierta hasta el 17 de noviembre de 2017. Como alternativa, la exposición "Cultivating the Garden" "The Show Must Go On – From the Contemporary Art Collection" podrá visitarse hasta el 21 de enero de 2018

Colecciones de arte público

Si no puedes viajar allí ahora mismo, puedes encontrar sus obras en las pocas colecciones de arte público del mundo que han adquirido arte de Oldenburg:

• Australia : Galería Nacional de Australia, Canberra, ACT
• Bélgica : Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas
• Brasil : Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), São Paulo
• Dinamarca : Museo Luisiana de Arte Moderno, Humlebæk; Museet for Samtidskunst / Museo de Arte Contemporáneo, Roskilde
• Alemania : Museo Ludwig, Colonia; Museo de Arte Moderno (MMK), Frankfurt/Main; Hamburguesa Kunsthalle; Museo Wilhelm Hack Ludwigshafen; Museo Städtisches Abteiberg, Mönchengladbach; Museo del Diseño Vitra, Weil am Rhein
• Finlandia : Kiasma – Museo de Arte Contemporáneo, Helsinki
• Francia : Musee d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Niza; Centro Pompidou, París; Museo de arte moderno y contemporáneo de Saint-Étienne (MAMC), Saint-Etienne
• Gran Bretaña : Pallant House Gallery, Chichester, West Sussex; Leeds Art Gallery; Tate Britain y Tate Modern, Londres
• Canadá : Galería Nacional de Canadá – Museo de Bellas Artes de Canadá, Ottawa, Ontario; Galería de Arte de Ontario, Toronto, Ontario
• Colombia : Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), Bogotá
• Israel : El Museo de Israel, Jerusalén
• Italia : Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC), La Spezia; Museo D'Arte Contemporanea Donna Regina (MADRE), Nápoles; Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento y Rovereto (MART), Rovereto; Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, Turín
• Japón : Museo de la Ciudad de Kawasaki; Museo Hara de Arte Contemporáneo, Tokio
• Países Bajos : Museo Stedelijk de Ámsterdam, Ámsterdam; Museo Kröller-Müller, Otterlo; Museo Boijmans van Beuningen, Róterdam; Museo Vledder
• Austria : Museo de Arte Moderno Fundación Ludwig (MUMOK), Viena
• Portugal : Museo Berardo, Lisboa
• España : Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), Alicante; Fundación Joan Miró y Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Barcelona
• Suecia : Malmö Konsthall, Malmö; Museo Moderno, Estocolmo
• Suiza : Museo de Arte de Basilea
• Hungría : Museo Ludwig – Museo de Arte Contemporáneo de Budapest
• EE. UU .: Akron Art Museum, Akron, OH; The University of Michigan Museum of Art (UMMA), Ann Arbor, MI; Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, AR; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Housatonic Museum of Art, Bridgeport, CT; List Visual Arts Center (LVAC), Cambridge, MA; Tarble Arts Center, Charleston, IL; Museum of Contemporary Art Chicago (MCA), Chicago, IL;
  Pomona College Museum of Art, Claremont, CA; Columbia Museum of Art, Columbia, SC; Meadows Museum, Dallas, TX; Nasher Sculpture Center, Dallas, TX; The Dayton Art Institute, Dayton, OH;
  Des Moines Art Center, Des Moines, IA; Koehnline Museum of Art, Des Plaines, IL; The Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth, TX; Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, MI; Faulconer Gallery, Grinnell, IA; The Menil Collection, Houston, TX; Museum of Fine Arts Houston (MFAH), Houston, TX; Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO; The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, MO; Ewing Gallery of Art and Architecture, Knoxville, TN; Samek Art Museum, Lewisburg, PA; Sheldon Museum of Art, Lincoln, NE; Los Angeles County Museum of Art (LACMA), Los Angeles, CA; MOCA Grand Avenue, Los Angeles, CA; The Madison Museum of Contemporary Art (MMoCA), Madison, WI; The Chinati Foundation, Marfa, TX; The Margulies Collection, Miami, FL; Museum of Contemporary Art North Miami (MOCA), Miami, FL; Weisman Art Museum, Minneapolis, MN; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, NY; Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, NY; Whitney Museum of American Art, Nueva York, NY; Fred Jones Jr. Museum of Art, Norman, OK; Allen Memorial Art Museum, Oberlin, OH; Miami University Art Museum, Oxford, OH; Norton Simon Museum of Art, Pasadena, CA; The Fabric Workshop and Museum, Filadelfia, PA; Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, Pensilvania; Museo de Arte de San Luis, San Luis, Misuri;
  Museo de Young, San Francisco, California; Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, California; Museo de Arte de San José, San José, California; Museo de Arte de Santa Bárbara, Santa Bárbara, California; Centro de Arte de Sioux City, Sioux City, Iowa; Centro de Artes Visuales Iris & B. Gerald Cantor, Stanford, California; Galería de Arte Universitaria de la Universidad Estatal de Indiana, Terre Haute, Indiana; Museo de Arte Palmer, University Park, Pensilvania; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington, D. C.; Museo de Arte Norton, West Palm Beach, Florida (probablemente se podría haber escrito: en casi todos los museos de arte contemporáneo de EE. UU., pero sería un poco injusto para quienes quieran elegir un museo del artículo para su próximo viaje a EE. UU.)

Claes Oldenburg, breve biografía

• Claes Oldenburg nació el 28 de enero de 1929 en Estocolmo
• De 1946 a 1950 estudió arte y literatura inglesa en la Universidad de Yale.
• De 1950 a 1954, Oldenburg asistió a cursos en el Instituto de Arte de Chicago
• Oldenburg expuso su arte en más de 1.000 exposiciones en todo el mundo desde 1960 en adelante
• Oldenburg se casó con su primera esposa, la artista Patty Mucha, en 1960; después de 10 años de trabajar juntos, este matrimonio terminó en divorcio en 1970
• Entre 1969 y 1977, Oldenburg vivió una relación sentimental y profesional con la artista estadounidense Hannah Wilke
• Oldenburg y el artista Coosje van Bruggen se casaron en 1977
• Desde 1977 hasta la muerte de van Bruggen en 2009, se crearon numerosas obras de arte colaborativas
• En 1992, Oldenburg y van Bruggen compraron el Château de la Borde, un pequeño castillo del Loira en Beaumont-sur-Dême, donde montaron su propio pequeño museo con obras de Le Corbusier, Charles y Ray Eames, Alvar Aalto, Frank Gehry y Eileen Gray.
• Oldenburg ha recibido numerosos premios, distinciones y doctorados honoris causa (en parte junto con Coosje van Bruggen)

Claes Oldenburg sobre el arte:

Estoy a favor del arte que emerge de los agujeros de las alcantarillas en la niebla invernal. Estoy a favor del arte que se parte al pisar un charco helado. Estoy a favor del arte del gusano en la manzana

(un pasaje raramente citado de su pieza más famosa, el manifiesto semisatírico “I Am For…” de 1961).

Claes Oldenburg falleció a la edad de 93 años

Claes Oldenburg, artista pop estadounidense de origen sueco, conocido por sus esculturas monumentales de objetos cotidianos, falleció el lunes 18 de julio de 2022 en su casa y estudio del barrio de SoHo de Manhattan. Tenía 93 años.

Su fallecimiento fue confirmado por Adriana Elgarresta, portavoz de la Galería Pace de Nueva York, que, junto con la Galería Paula Cooper, lo representaba desde hacía tiempo. Todos los principales diarios, como el New York Times y el Süddeutsche Zeitung , informaron al respecto.

Pocos encarnaron el éxito del arte público como él. Y pocos artistas reinterpretaron con tanta soltura la obra de Marcel Duchamp y el ready-made. El maestro del humor monumental nos deja un legado abrumador…