¿Arte degenerado u obras maestras revolucionarias? La influencia trascendental de Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918) , uno de los artistas austriacos más importantes del siglo XX , tuvo un impacto revolucionario en el mundo del arte con sus obras.

Durante su vida, fue percibido como un artista provocador y, por lo tanto, controvertido; fue despreciado por los nazis, quienes prohibieron su "arte degenerado ". Solo después de su muerte se reconoció al expresionista como un talento excepcional.

Egon Schiele, nacido hace 133 años, el 12 de junio de 1890, suscitó controversia a lo largo de su vida. Aún hoy, existen fervientes defensores de su arte, así como quienes lo condenan por considerarlo pornográfico.

Hasta su muerte en 1918, Schiele solo era conocido como artista en Viena y entre algunos germanoparlantes. Sin embargo, ahora se le considera una figura clave del expresionismo y sus pinturas alcanzan precios elevados en el mercado del arte .

Sin embargo, su obra no ha sido descifrada por completo hasta el día de hoy, como Klaus-Albrecht Schroeder , experto en la obra de Schiele y director de la Albertina de Viena.

Su expresividad y estilo único desafiaron las convenciones tradicionales de su época. La influencia revolucionaria de Schiele puede apreciarse Museo Belvedere o el Museo Leopold se presentan Gustav Klimt y otros artistas vieneses

Egon Schiele, junto con Gustav Klimt y Oskar Kokoschka, considerado uno de los representantes más importantes del expresionismo austriaco. Se desvinculó de las influencias del Art Nouveau y los elementos simbolistas que caracterizaron la Secesión de Viena y desarrolló un estilo con aspectos realistas que resultó escandaloso en su época.

Su obra no solo revela su fascinante vida, sino también los cambios sociales y artísticos de su época.

Considerar su arte como «degenerado» o como obras maestras revolucionarias es cuestión de opinión personal, ya que el legado artístico de Schiele es a la vez controvertido y fascinante. En Tulln, su ciudad natal, se puede visitar una exposición sobre su vida y obra, que ofrece una visión de su desarrollo artístico y destaca su estrecha relación con Wally Neuzil , su musa y amante.

La influencia e importancia de Egon Schiele son innegables, y sus obras seguirán dando forma al mundo del arte.

La controversia en torno al arte degenerado y las obras maestras revolucionarias

Egon Schiele, destacado artista austriaco del siglo XX, ha provocado tanto admiración como controversia con sus obras.

Sus representaciones vanguardistas del cuerpo humano y su estilo moderno han ejercido una influencia duradera en el mundo del arte. Sus obras, a menudo de carácter erótico , han sido históricamente consideradas obscenas e inmorales.

La vida de Egon Schiele estuvo marcada por la controversia. Su intensa expresión artística y su comportamiento poco convencional a menudo lo enfrentaron con la sociedad de su época. Fue criticado por los temas sexuales presentes en sus obras y por su representación franca del cuerpo humano.

Schiele también contó con un grupo de seguidores fieles, entre ellos su musa Wally Neuzil, quien le sirvió de inspiración para muchas de sus obras maestras. El mundo del arte se transformó gracias al enfoque expresivo e innovador de Schiele hacia el retrato y la representación del cuerpo humano.

Su uso de colores vivos y líneas audaces aportó una nueva perspectiva a las representaciones tradicionales. La influencia de Schiele en la escena artística vienesa fue significativa y sentó las bases del expresionismo y otros movimientos artísticos modernos.

El modernismo vienés, cuyos exponentes más famosos incluyen a Schiele, se caracterizó por la tensión entre «estética y oscuridad », tema central del año temático 2018 en Viena. Las obras de Schiele tienden hacia la oscuridad, ya que exploran experimentalmente los abismos y las superficialidades del yo, que se encontraba en crisis alrededor de 1900, a través de sus expresiones faciales a veces extremas y gestos misteriosos.

En 1910, el emperador Francisco José expresó su horror ante un desnudo femenino de Egon Schiele:

"Esto es verdaderamente terrible."

Si el artista hubiera tenido la oportunidad, podría haber respondido al Emperador: “¡Incluso la obra de arte más sensual alberga un significado sagrado!” – al menos eso es lo que Schiele señaló en una carta en 1911 ( Sonntagsblatt ).

En la primavera de 1918, el crítico Arnim Friedemann escribió en el "Wiener Abendpost" sobre el enfant terrible del modernismo clásico:

Schiele disfrutaba enormemente pintando y dibujando el vicio supremo y la depravación absoluta: la mujer como un animal primitivo de manada, desprovista de toda inhibición
moral y de vergüenza. Su arte —¡y es arte!— no sonríe, nos mira con una horrible distorsión.

Como parte de la política cultural nazi, numerosas obras suyas fueron confiscadas.

La unidad de investigación “Arte Degenerado” del Instituto de Historia del Arte de la Universidad Libre de Berlín ha compilado un inventario que enumera un total de 23 obras de Egon Schiele que fueron confiscadas durante el Tercer Reich.

De los objetos confiscados, 17 procedían del Museo Folkwang y cinco de otros museos alemanes; se desconoce la procedencia exacta de una obra. El centro de investigación indica el 25 de agosto de 1937 como la fecha exacta de la confiscación ( base de datos «Arte Degenerado» ).

La vida de Egon Schiele – Una breve biografía

Infancia, impronta temprana y formación artística

Egon Schiele nació el 12 de junio de 1890 en Tulln, una ciudad cercana a Viena. Su vida y obra están estrechamente ligadas a la capital austriaca.

Schiele creció en un mundo de una hipocresía . Su padre era comandante de estación; para los niños, debió de parecer un emperador: todos seguían sus órdenes. Tenía cuarenta empleados y una estructura jerárquica muy estricta. Daba órdenes a gritos y, por supuesto, también dentro de la familia. Pero Schiele también debió de intuir que este régimen, esta etiqueta, esta vida en la estación no era toda la verdad.

El hecho de que el padre viaje repetidamente a Viena; que haga repetidamente cosas que no se ajustan a estas etiquetas; que su padre visite regularmente a prostitutas, lo cual podemos suponer, no debería haber pasado desapercibido para el joven Egon.

En 1905, cuando Egon tenía apenas catorce años, un giro trágico marcó su vida: su padre falleció de sífilis. Ante esta dolorosa pérdida, el joven Egon Schiele buscó consuelo y plenitud en el arte.

Ya a la temprana edad de dos años, dibujaba trenes y paisajes, mientras que su profesor de arte, Ludwig Karl Strauch, lo animaba en todo lo que podía en la escuela. Con su apoyo, el talentoso Egon incluso se atrevió a solicitar su ingreso en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Viena , con gran éxito: a los dieciséis años, fue admitido y pudo seguir desarrollando sus dotes artísticas.

Aquí estudió pintura y dibujo, pero se sintió frustrado por el conservadurismo de la escuela.

Klimt como mentor

En 1907 conoció a Gustav Klimt, quien lo animó e influyó en su obra. Klimt y Schiele entablaron rápidamente una relación de mentor y aprendiz que tendría un gran impacto en el desarrollo inicial del joven artista.

Klimt ejerció su influencia sobre Schiele no solo en el estudio, sino también presentándole a mecenas, modelos y la obra de otros artistas —como Vincent van Gogh , Edvard Munch y Jan Toorop— con quienes Schiele mantenía una estrecha relación a pesar de su gran admiración.

conoció la Wiener Werkstätte estilos de arte moderno de la época.

En 1908, cuando Schiele tenía dieciocho años, participó en su primera exposición, una exposición colectiva en Klosterneuburg, una pequeña ciudad al norte de Viena.

Protesta y el Nuevo Grupo de Arte

Al año siguiente, Schiele y algunos compañeros abandonaron la academia en señal de protesta, alegando los métodos de enseñanza conservadores de la escuela y su falta de adopción de prácticas artísticas más vanguardistas que estaban muy extendidas por toda Europa.

Como parte de esta rebelión, Schiele fundó el Neukunstgruppe , que estaba formado por otros jóvenes artistas descontentos que habían abandonado la academia.

El nuevo grupo no perdió el tiempo y organizó varias exposiciones públicas por toda Viena, mientras que Schiele exploraba nuevas formas de expresión pictórica, incorporando distorsiones y contornos irregulares, así como una paleta de colores más oscura que la preferida por el estilo Art Nouveau, más decorativo y elaborado.

En esencia, Schiele se fue distanciando gradualmente del estilo popularizado por Klimt, aunque ambos hombres siguieron siendo cercanos hasta la muerte de Klimt a principios de 1918. Si el contenido de la obra de Schiele sirve de indicio, parece que mentor y discípulo compartían un apetito insaciable por las mujeres.

Con motivo de la primera exposición del Neukunstgruppe en 1909 en el Salón Piska de Viena, Schiele conoció al crítico de arte y escritor Arthur Roessler , quien se hizo amigo suyo y escribió sobre su obra con gran admiración.

En 1910, inició una amistad duradera con el coleccionista Heinrich Benesch . Para entonces, Schiele ya había desarrollado un estilo expresionista personal para retratos y paisajes y había recibido varios encargos de retratos de la intelectualidad vienesa .

Escándalos en Viena y autorretratos alegóricos

Si bien la obra de Schiele escandalizó a la sociedad vienesa, simultáneamente vendió muchas de sus pinturas explícitas a coleccionistas privados mientras los periódicos criticaban su trabajo.

Este desarrollo de representaciones explícitas de los genitales femeninos y masculinos en el arte es un fenómeno que solo pudo haber ocurrido en Viena alrededor de 1900. La ciudad ha estado sacudida por escándalos durante algún tiempo, y las discusiones públicas sobre los límites del arte son omnipresentes.

Las damas de las clases sociales más altas cubrían con recato sus piernas y los escotes de sus vestidos. Artistas como Gustav Klimt y Oskar Kokoschka , con sus explícitas representaciones de mujeres desnudas, la doble moral de esta metrópolis del Danubio.

Músicos como Gustav Mahler y Arnold Schoenberg cruzan audazmente la frontera hacia la modernidad; de Arthur Schnitzler sacuden los cimientos de la sociedad, mientras que Sigmund Freud habla públicamente por primera vez sobre la sexualidad femenina.

Aunque Schiele no conocía personalmente al psicoanalista, toda Viena está al tanto de los espectaculares hallazgos de Freud.

Egon Schiele conocía esta doble moral desde su infancia. En contraste con el ideal de belleza de la Secesión vienesa, representaba lo feo y lo deformado. Las extremidades de sus jóvenes, tanto hombres como mujeres, son anormalmente largas y demacradas, mientras que sus genitales se presentan de forma provocativa y colorida.

Buscando aislamiento, Schiele dejó Viena en 1911 para vivir en varios pueblos pequeños; se centró cada vez más en autorretratos y alegorías de la vida, la muerte y el sexo, y produjo acuarelas eróticas .

La transición de la niñez a la adultez, tanto en niñas como en niños, fascinaba particularmente al artista, que entonces tenía 20 años. Sus obras a menudo se centraban en el tema del autodescubrimiento durante la pubertad. Este enfoque artístico provocó un escándalo en 1912 en Neulengbach, un pequeño pueblo en los bosques de Viena.

Los primeros estudios de Schiele fueron particularmente controvertidos porque utilizó niños como modelos desnudos y representó a niñas púberes en situaciones implícitamente eróticas.

El año siguiente fue de crucial importancia para Schiele, tanto a nivel personal como artístico. Además de participar en numerosas exposiciones colectivas —en Budapest, Colonia y Viena—, la galería Hans Goltz de Múnich lo invitó a exponer su obra junto a miembros del grupo expresionista «Der Blaue Reiter» (El Jinete Azul) , entre los que se encontraban Wassily Kandinsky y Franz Marc .

Las obras de Schiele en este momento incluyeron su más famoso Autorretrato con Physalis (1912), un estudio cautivador del artista, su rostro y otros rasgos llenos de líneas, cicatrices y deformaciones sutiles.

La exposición de Goltz le brindó a Schiele la mayor atención hasta la fecha y reveló al público su rico uso del simbolismo personal y las alegorías oscuras.

Detención de modelos menores de edad

También en 1912, mientras Schiele vivía en la ciudad austriaca de Neulengbach, fue arrestado en su estudio y encarcelado durante veinticuatro días, acusado de secuestrar y violar a una niña de doce años.

Este cargo fue finalmente retirado y fue declarado culpable de exponer a menores a imágenes eróticas . La policía confiscó 125 de sus "degeneradas" y, en un gesto simbólico, el juez quemó uno de sus dibujos en la sala del tribunal (la obra, que representaba a una niña desnuda de cintura para abajo, había sido expuesta previamente en la pared de su estudio).

El incidente tuvo un impacto significativo en Schiele, ya que posteriormente dejó de usar niños como modelos, aunque la morbosidad y la crudeza sexual de su obra —en particular sus dibujos— aparentemente aumentaron después de su liberación de prisión.

El servicio militar, el matrimonio, las tragedias y el final de la vida

En 1913, la galería Hans Goltz de Múnich acogió la primera exposición individual de Schiele. En 1914 tuvo lugar una exposición individual de su obra en París.

Su vida privada también dio un giro cuando, en 1915, le escribió a un amigo: "Tengo la intención de casarme, y de una manera que me beneficie", y le propuso matrimonio a Edith Harms, una joven con buena posición social.

Aunque esperaba continuar su relación con Wally Neuzil, ella lo dejó al enterarse de su compromiso. Esta pérdida se expresa claramente "La muerte y la doncella"

Cuatro días después de su boda, Schiele fue finalmente reclutado para el servicio militar. Sin embargo, no participó en ningún combate durante toda la guerra y, en cambio, se le permitió seguir practicando y exponiendo su arte allá donde estuviera destinado.

Inspirado por sus viajes durante la guerra, Schiele creó en esta época una serie de paisajes y vistas urbanas que carecían de los contornos exagerados habituales del artista.

En 1917, Schiele regresó a Viena y trabajó arduamente. Ese mismo año, junto con Klimt, fundó la Kunsthalle de la ciudad, un nuevo espacio expositivo destinado a incentivar a los artistas austriacos a permanecer en su país. El año siguiente le deparó al artista tanto grandes éxitos como tragedias de diversa índole.

En febrero, su mentor y amigo Klimt sufrió un derrame cerebral y neumonía. Tan solo un mes después, la Secesión de Viena celebró su 49.ª exposición anual (1918) y dedicó la sala principal a la obra de Schiele, lo que se tradujo en un gran éxito comercial.

Murió unos meses después, a los 28 años, el 31 de octubre de 1918, en Viena, víctima de la gripe española, la misma enfermedad que había acabado con la vida de su esposa tres días antes. Durante los tres días que transcurrieron entre sus muertes, Schiele realizó varios bocetos de su difunta esposa.

En sus últimos momentos, el joven artista austriaco Egon Schiele experimentó un fenómeno extraordinario: en su lecho de muerte a finales de octubre de 1918, mientras sus fuerzas disminuían cada vez más, susurró las siguientes palabras:

Tras mi muerte, sin duda la gente me elogiará y admirará mi arte.”

El estilo único de Egon Schiele

El arte de Schiele tiene la capacidad de retratar a las personas en su época de una manera única y conmovedora. Este estilo sigue teniendo una profunda resonancia en nuestro mundo visual y emocional del siglo XXI.

Hasta el momento, no existe nada comparable que pueda escenificar el cuerpo con tanta habilidad, ya sea como campo de batalla, parque infantil o escena del crimen.

Se trata de una ingeniosa puesta en escena en la que cada expresión emocional, desde la desesperación intensa hasta la melancolía apática, cobra vida con color, formas fragmentadas o líneas, como un signo de decadencia o una mancha que se filtra en una superficie.

Estaba obsesionado con los muslos y las nalgas, con los genitales femeninos y masculinos, con los abrazos heterosexuales, homosexuales y lésbicos. Dibujaba los géneros y los coloreaba como fruta demasiado madura. Y se representaba a sí mismo como un santo, desnudo con un pene obscenamente erecto. Los cuerpos son dolorosamente delgados contra fondos vacíos que se convierten en abismos.

Hacia 1914, sus figuras pintadas parecen tambalearse en trance, sin orientación ni propósito. Esto se debe a la «geometría» con la que Schiele creó sus figuras. Por ejemplo, construyó una mujer reclinada a partir de dos triángulos. Incluso sus genitales tienen forma triangular.

Las representaciones de Schiele de lo obsesivo, lo abismal y lo mórbido, plasmadas mediante el dibujo puro, resultan hoy más mágicas que nunca, y a la vez profundamente humanas. Esta contorsión casi voluptuosa del cuerpo revela sutiles influencias del Simbolismo y el Art Nouveau vienés ; en la actualidad, se interpreta como la búsqueda de identidad del pintor, más que como la obra de un niño prodigio con un talento precoz.

La representación del cuerpo desnudo en las obras de Schiele

La representación del cuerpo en las obras de Schiele desempeña un papel central en su producción artística y contribuye a su controvertida reputación como artista.

En sus obras, rompe con los ideales tradicionales de belleza y representa el cuerpo en su forma auténtica y, a menudo, sin adornos. Sus dibujos de desnudos, en los que revela la anatomía humana con detalle y sin restricciones, son especialmente conocidos.

Evita las proporciones idealizadas y representa el cuerpo con una perspectiva distorsionada para reflejar los estados internos y las emociones de las personas retratadas. Schiele se centra en la individualidad de cada cuerpo, demostrando así su fascinación por la singularidad de la existencia humana.

Una obra muy conocida de Schiele que ilustra este enfoque es el "Retrato de Wally Neuzil" de 1912. En esta pintura, muestra a Wally Neuzil, su amante y musa, en una pose segura de sí misma con la parte superior del cuerpo descubierta.

La representación del cuerpo en esta obra es honesta y directa, lo que en su momento se consideró provocativo y escandaloso. Sin embargo, la representación artística del cuerpo que hizo Schiele fue revolucionaria para el movimiento del arte moderno e influyó en muchos artistas de su generación.

La representación del cuerpo en la obra de Schiele es un tema central que subraya su influencia revolucionaria en el mundo del arte. Sus obras siguen provocando debates sobre los límites de la representación del cuerpo y el significado de la belleza en el arte .

Gestos enigmáticos y patrones de puesta en escena religiosa

La exposición “Libertad del yo” en el Museo Georg Schäfer de Schweinfurt en 2018 dejó claro que Schiele era una persona espiritual, aunque no en el sentido religioso tradicional.

La exposición en Schweinfurt se dividió en tres áreas: representación del yo y del cuerpo, mundo emocional y subjetividad.

La exposición incluyó importantes obras de arte, como el «Autorretrato con la cabeza inclinada» , de 1912 (véase la imagen superior) . En esta pintura, el artista forma una V con los dedos índice y medio de su mano derecha. ¿Podría tratarse de una alusión al gesto de bendición de Cristo, frecuente en el arte bizantino?

El historiador de arte Stefan Kutzenberger ( según se publicó en el periódico dominical protestante ) señala en el catálogo adjunto que este gesto del pintor puede representar una referencia a Cristo Pantocrátor en la iglesia de Chora en Estambul.

Según Kutzenberger, el gesto de Schiele podría ser, por tanto, un símbolo de carisma artístico, actualizando así de forma impresionante la imagen romántica del artista como sacerdote en los años en torno a 1900, o así escribe el experto en la materia.

También ofrece otra explicación: Schiele pudo haber experimentado con su amigo Dominik Osen, pintor y mimo, para determinar qué poses expresionistas tenían mayor efecto; sin embargo, esta explicación no excluye la mencionada anteriormente.

Schiele, católico que se casó en 1915 según el rito protestante, empleó con frecuencia motivos religiosos en sus autorretratos. Kutzenberger subrayó que las representaciones de Schiele como santo, profeta, predicador, heraldo o anarquista no revelan nada sobre su persona ni su verdadera historia de vida.

Más bien, son el resultado de atribuciones sociales y modelos ; por lo tanto, se encuentra en buena compañía con los discursos posmodernos emergentes posteriores.

Los autorretratos dobles de Schiele dan testimonio de su profundo interés por el ocultismo y el espiritismo , que estaban de moda alrededor de 1900. En una carta a su hermana, describe un notable incidente espiritista:

Hoy tuve una experiencia espiritual realmente fascinante. Estaba despierto, pero cautivado por el espíritu que se me había manifestado en un sueño antes de despertar. Mientras me hablaba, permanecí paralizado y sin palabras.

Las obras de Schiele a menudo muestran rastros de iconografía cristiana . Un ejemplo es la pintura al óleo " Madre con dos niños II" de 1915, que se inspira en el tipo de Piedad de la Edad Media.

Una imagen navideña algo diferente es «Madre muerta I» (1910), que representa a una madre fallecida con la mano protegiendo a su hijo. El propio Schiele consideraba esta pintura al óleo una de sus mejores obras.

Obras de arte importantes de Egon Schiele

A pesar de su corta vida y la destrucción de algunas de sus obras durante la época nazi, Schiele nos legó un impresionante legado de obras.

Llegados a este punto, nos gustaría presentar y explicar brevemente seis de las obras más importantes de su extensa producción, en orden cronológico.

Retrato de Gerti Schiele, 1909

Este es uno de los numerosos retratos que Schiele hizo de su hermana menor, Gerti , la modelo favorita del artista al principio de su carrera y el miembro de su familia con quien tenía más cercanía.

Este retrato temprano, pintado por Gerti en su adolescencia, muestra tanto la fuerte conexión estilística entre la obra de Schiele y la de Klimt, como la ruptura con el estilo de su mentor.

Por su pose y las joyas, que consisten en una serie de parches planos con detalles de oro y plata, la figura de Gerti recuerda a obras de Klimt como el retrato de Adele Bloch-Bauer (1907).

Pero a diferencia de su predecesor de Klimt, la pintura es menos decorativa, más estática y suave, como si Schiele estuviera modelando a su sujeto en arcilla. Además, Schiele sustituyó la paleta de Klimt, rica en brillo y dominada por el oro, por colores más apagados, dando como resultado una pintura que parece reseca y sugiere decadencia en lugar de crecimiento.

Medios : Óleo, pintura plateada, bronce dorado y lápiz sobre lienzo

Ubicación actual : Museo de Arte Moderno de Nueva York

Desnudo masculino sentado (Autorretrato), 1910

Los autorretratos de Schiele son excepcionales no solo por la frecuencia con la que el artista se representaba a sí mismo, sino también por la forma en que lo hacía: representaciones erotizadas en las que a menudo desnudo en poses muy reveladoras ; autorretratos masculinos que prácticamente no tienen parangón en este sentido en el mundo del arte occidental.

En este dibujo, el artista ha creado una visión intensa y casi aterradora de sí mismo: demacrado, con los ojos de un rojo brillante, las piernas deformadas y sin pies, el cuerpo completamente expuesto, pero el rostro parcialmente oculto, sugiriendo quizás un sentimiento de vergüenza; una pose retorcida que, como sospechan muchos autores, se debe a la significativa influencia de la danza moderna.

Característico del estilo expresionista que Schiele practicó cada vez más en esta época, expresa su miedo a través de líneas y contornos, así como a través de una piel que aparece desgastada y expuesta a elementos ásperos.

Medios : Tiza negra, acuarela y gouache sobre papel

Ubicación actual : Museo Leopold, Viena

Autorretrato con physalis, 1912

Este es quizá el autorretrato más famoso de Schiele. En esta obra, creada durante un período en el que Schiele participó en numerosas exposiciones, mira directamente al espectador y su expresión transmite confianza en su talento artístico.

Aunque Schiele utiliza menos distorsiones que en otros autorretratos, la pintura se niega a idealizar a su sujeto y presenta cicatrices y otras líneas características de la naturaleza contorneada del estilo de dibujo del artista.

El cuadro se expuso en Múnich en 1912 junto a obras de otros artistas expresionistas y tiene un retrato complementario de su entonces amante, Wally Neuzil (este retrato fue robado por los nazis de la casa de un judío austriaco, pero se salvó). Regresó a Viena en 2010 tras una batalla legal de doce años.

Hoy en día sirve como “emblema” del Museo Leopold de Viena, que alberga la mayor colección de Schiele del mundo.

Técnica : Óleo sobre lienzo

Ubicación actual : Museo Leopold, Viena

Los ermitaños, 1912

Este singular retrato doble , una de las obras más alegóricas de Schiele, representa a Schiele y Klimt uno al lado del otro, casi como una sola entidad. A pesar de su estrecha relación y todas sus similitudes, Schiele dedicó gran parte de su carrera a intentar liberarse de la influencia de Klimt.

En «Los ermitaños», ambos hombres visten sus característicos caftanes negros largos, prenda por la que Klimt era conocido y que Schiele, quizá a modo de homenaje, utilizó en su propia obra. Schiele no es partidario de la modestia y sitúa a Klimt en un segundo plano, ciego y prácticamente oculto, como si estuviera siendo absorbido por el artista más joven.

La forma resultante se asemeja a una única figura oscura y sugiere que el sucesor, Schiele, seguro de sí mismo, está asumiendo el legado del antiguo maestro. El motivo del ermitaño también evoca la visión existencialista de Schiele sobre el artista como una figura al margen de la sociedad.

Técnica : Óleo sobre lienzo

Ubicación actual : Museo Leopold, Viena

La muerte y la doncella, 1915

En este cuadro, una de las obras más complejas e inquietantes de Schiele, la figura femenina, demacrada y harapienta, se aferra a la figura masculina de la muerte, rodeada por un paisaje igualmente harapiento y casi surrealista.

Como en toda su obra, Schiele combina lo personal con lo alegórico en esta composición; en este caso, recurriendo a un tema que proviene del concepto medieval de la Danza de la Muerte, que alcanzó su apogeo en el arte alemán del siglo XV.

«La muerte y la doncella» fue creada aproximadamente cuando Schiele se separó de su amante de muchos años, Wally Neuzil, y pocos meses antes de casarse con su nueva pareja, Edith Harms. El cuadro conmemora el fin de su relación con Neuzil y parece representar esta separación como la muerte del verdadero amor.

Curiosamente, la forma en que las figuras de Schiele están casi consumidas por su ropa y el entorno abstracto sugiere el retrato de Klimt, quien también situaba a sus sujetos en entornos indescifrables.

Técnica : Óleo sobre lienzo

Ubicación actual : Galería Austriaca, Belvedere, Austria

Ciudad entre la vegetación (La Ciudad Vieja III), 1917

Aunque su arte se centraba en la figura humana, Schiele —que tuvo la oportunidad de viajar por toda Europa durante su carrera— también se sintió atraído por el campo y las ciudades.

Krumau la ciudad natal de su madre , donde vivió brevemente en 1911.

Los paisajes de Schiele, aunque a menudo carecen de figuras humanas, presentan fascinantes paralelismos con su obra figurativa. Su frecuente uso de la vista aérea en sus paisajes recuerda uno de los elementos más radicales de su retrato: su tendencia a representar a sus modelos desde arriba.

Esta pintura contiene otros elementos característicos del estilo de Schiele, en particular el uso de contornos marcados y líneas definidas. Lo que distingue esta obra de sus retratos es el uso del color y la paleta por parte del artista, por los que Schiele no era conocido anteriormente.

Técnica : Óleo sobre lienzo

Ubicación actual : Neue Galerie, Nueva York

¿Cuánto cuesta una obra de arte de Egon Schiele?

Un dibujo de Schiele, que hoy tiene un valor promedio de 100.000 euros, se vendió entonces por tan solo 50 chelines, ni siquiera por 4 euros. Su valor estimado era increíblemente bajo durante su vida.

Rudolf Leopold recorrió el mundo del arte en busca de las obras del artista, las adquirió y las reunió para una espectacular gira mundial.

Desde la década de 1970, la obra de Schiele ha experimentado un renacimiento en el mercado, y sus pinturas y dibujos alcanzan actualmente precios de entre 400.000 y 27 millones de euros en subasta . Sin embargo, Schiele sigue estando a la sombra de Gustav Klimt hasta el día de hoy.

Literatura y libros ilustrados sobre el genio artístico austriaco

Una obra de referencia sobre Schiele con un personaje representativo: un tesoro para coleccionistas y fans.

La obra de Schiele se encuentra entre las más importantes del modernismo temprano posterior a 1900 y es a la vez clásica y atemporalmente relevante en su existencialismo sensual-corporal.

editorial Taschen publicó un volumen suntuoso: papel de alta calidad, elegante cubierta de lino con letras doradas en relieve, que contiene las 221 pinturas de los años 1909-1918, así como 146 dibujos.

Este exhaustivo libro de arte impresiona en todos los sentidos con sus nueve capítulos que combinan imágenes y texto. Somos testigos del extraordinario talento y la naturaleza rebelde de Schiele al experimentar su intensa estética de la transformación: una apasionada mezcla de curiosidad insaciable y provocativa energía sexual.

Además, el libro nos ofrece una visión de las pinturas de guerra de Schiele de 1914 a 1918: cuerpos humanos, retratos y escenas naturales fragmentadas como mapas abiertos: heridos, desfigurados, torturados y recompuestos.

El historiador del arte y experimentado profesional de museos Tobias G. Natter , quien creció en la misma región que Schiele, ha creado una impresionante obra de referencia sobre Schiele . Esta obra es de un valor incalculable para coleccionistas y admiradores del artista.

Este voluminoso libro ilustrado está en edición de tapa dura en Amazon .

Otras recomendaciones de libros:

• Egon Schiele: La Colección Leopold, Viena; por Rudolf Leopold y Elisabeth Leopold
• Gustav Klimt y Egon Schiele (1965), Catálogo de la Exposición Guggenheim / por Thomas Messer
• Egon Schiele, de Klaus Albrecht Schröder
• Egon Schiele, por Erwin Mitsch

Fuentes, referencias e información adicional:

• La historia del arte , Egon Schiele , https://www.theartstory.org/artist/schiele-egon/
• Frankfurter Rundschau , El cuerpo, un campo de batalla , https://www.fr.de/kultur/kunst/koerper-schlachtfeld-11032975.html
• MANUSCRITO SWR2 , El artista Egon Schiele, “enfant terrible” del modernismo clásico – Por Martina Conrad
• El periódico dominical de la Asociación de Prensa Evangélica de Baviera (EPV), Schweinfurt Museum, presenta la exposición de Egon Schiele "Libertad del yo", https://www.sonntagsblatt.de/artikel/kultur/schweinfurter-museum-zeigt-egon-schieles-ausstellung-freiheit-des-ichs