¿Arte degenerado u obras maestras revolucionarias? La influencia revolucionaria de Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918) , uno de los artistas austriacos más importantes del siglo XX , tuvo un impacto revolucionario en el mundo del arte con sus obras.

Durante su vida, fue percibido como un artista provocador y, por lo tanto, controvertido; fue despreciado por los nazis, quienes prohibieron su "arte degenerado ". Solo después de su muerte se reconoció al expresionista como un talento excepcional.

Egon Schiele, nacido hace 133 años, el 12 de junio de 1890, generó controversia a lo largo de su vida. Incluso hoy en día, hay fervientes defensores de su arte, así como quienes lo condenan por considerarlo pornográfico.

Hasta su muerte en 1918, Schiele solo era conocido como artista en Viena y entre algunos germanoparlantes. Sin embargo, ahora se le considera una figura clave del expresionismo, y sus pinturas alcanzan altos precios en el mercado del arte .

Sin embargo, su obra no ha sido descifrada en su totalidad hasta el día de hoy, como Klaus-Albrecht Schröder , experto en la obra de Schiele y director de la Albertina de Viena.

Su fuerza expresiva y su estilo único desafiaron las convenciones tradicionales de su época. La influencia innovadora de Schiele se puede descubrir Museo Belvedere o el Museo Leopold Gustav Klimt y otros artistas vieneses .

Egon Schiele, junto con Gustav Klimt y Oskar Kokoschka, considerado uno de los representantes más importantes del expresionismo austriaco. Se separó de las influencias del Art Nouveau y los elementos simbolistas que caracterizaron a la Secesión vienesa y desarrolló un estilo con tintes realistas que causó un escándalo en su época.

Su obra no sólo revela su fascinante vida, sino también los cambios sociales y artísticos de su tiempo.

Que uno considere su arte "degenerado" o una obra maestra revolucionaria es cuestión de opinión personal, ya que el legado artístico de Schiele es tan controvertido como fascinante. En Tulln, la ciudad natal de Egon Schiele, también hay una exposición sobre su vida y obra, que ofrece una perspectiva de su desarrollo artístico y destaca su estrecha relación con Wally Neuzil , su musa y amante.

La influencia y la importancia de Egon Schiele son innegables, y sus obras seguirán dando forma al mundo del arte.

La controversia en torno al arte degenerado y las obras maestras revolucionarias

Egon Schiele, un destacado artista austriaco del siglo XX, ha provocado tanto admiración como controversia con sus obras.

Sus representaciones vanguardistas del cuerpo humano y su estilo moderno han tenido una influencia perdurable en el mundo del arte. Sus obras, a menudo de carácter erótico , han sido históricamente consideradas obscenas e inmorales.

La vida de Egon Schiele estuvo marcada por la controversia. Su intensa expresión artística y su comportamiento poco convencional a menudo lo llevaron a entrar en conflicto con la sociedad de su época. Fue criticado por los temas sexuales en sus obras y su franca representación del cuerpo humano.

Schiele también contó con un dedicado grupo de seguidores, entre ellos su musa Wally Neuzil, quien inspiró muchas de sus obras maestras. El mundo del arte se transformó gracias a su enfoque expresivo e innovador del retrato y el cuerpo humano.

Su uso de colores intensos y líneas atrevidas aportó una nueva perspectiva a las representaciones tradicionales. La influencia de Schiele en la escena artística vienesa fue significativa y sentó las bases del expresionismo y otros movimientos artísticos modernos.

El modernismo vienés, entre cuyos exponentes más famosos se encuentra Schiele, se caracterizó por la tensión entre la estética y la oscuridad , tema central del año temático de 2018 en Viena. Las obras de Schiele tienden hacia la oscuridad, explorando experimentalmente los abismos y las aguas superficiales del yo, en crisis alrededor de 1900, a través de sus expresiones faciales a veces extremas y gestos misteriosos.

En 1910, el emperador Francisco José expresó su horror ante un desnudo femenino de Egon Schiele:

“Esto es realmente terrible.”

Si el artista hubiera tenido la oportunidad, tal vez habría respondido al Emperador: “¡Incluso la obra de arte más sensual alberga un significado sagrado!” – al menos eso es lo que Schiele anotó en una carta de 1911 ( Sonntagsblatt ).

En la primavera de 1918, el crítico Arnim Friedemann escribió en el "Wiener Abendpost" sobre el enfant terrible del modernismo clásico:

A Schiele le gustaba pintar y dibujar el vicio supremo y la depravación absoluta: la mujer como animal primigenio de manada,
despojada de toda inhibición moral y vergüenza. Su arte —¡y es arte!— no sonríe, sino que nos sonríe con una distorsión horrorosa.

Como parte de la política cultural nazi, numerosas obras suyas fueron confiscadas.

La unidad de investigación “Arte degenerado” del Instituto de Historia del Arte de la Universidad Libre de Berlín ha elaborado un inventario con un total de 23 obras de Egon Schiele que fueron confiscadas durante el Tercer Reich.

De los objetos confiscados, 17 procedían del Museo Folkwang y cinco de otros museos alemanes; se desconocía la procedencia exacta de una obra. El centro de investigación indica el 25 de agosto de 1937 como fecha exacta de la confiscación ( base de datos «Arte Degenerado» ).

La vida de Egon Schiele: una breve biografía

Infancia, impronta temprana y formación artística

Egon Schiele nació el 12 de junio de 1890 en Tulln, ciudad cercana a Viena. Su vida y obra están estrechamente vinculadas a la capital austriaca.

Schiele creció en un mundo de increíble hipocresía . Su padre era comandante de estación; para los niños, debió parecer un emperador: todos bailaban a su son. Tenía 40 empleados, una estructura jerárquica muy estricta. Daba órdenes a gritos y, por supuesto, también las daba dentro de la familia. Pero Schiele también debió intuir que este régimen, esta etiqueta, esta vida en la estación no era toda la verdad.

El hecho de que el padre viaje repetidamente a Viena, que haga repetidamente cosas que no entran en esas etiquetas, que su padre visite regularmente prostitutas, lo cual podemos suponer, no debería haber escapado a la atención del joven Egon.

En 1905, cuando Egon tenía tan solo catorce años, un trágico giro en su vida se produjo: su padre falleció de sífilis. Ante esta dolorosa pérdida, el joven Egon Schiele buscó consuelo y plenitud en el arte.

Ya a la tierna edad de dos años dibujaba trenes y paisajes, mientras su profesor de arte, Ludwig Karl Strauch, lo animaba a dar lo mejor de sí en la escuela. Con su apoyo, el talentoso Egon incluso se atrevió a solicitar ingreso en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Viena , con gran éxito: a los dieciséis años fue aceptado y pudo seguir desarrollando su talento artístico.

Aquí estudió pintura y dibujo, pero se sintió frustrado por el conservadurismo de la escuela.

Klimt como mentor

En 1907 conoció a Gustav Klimt, quien lo animó e influyó en su obra. Klimt y Schiele forjaron rápidamente una relación de mentoría que tendría un gran impacto en el desarrollo temprano del joven artista.

Klimt ejerció su influencia sobre Schiele no sólo en el estudio, sino también presentándole a mecenas, modelos y el trabajo de otros artistas, como Vincent van Gogh , Edvard Munch y Jan Toorop , con quienes Schiele era muy cercano a pesar de su gran admiración.

A través de Klimt, Schiele también conoció Wiener Werkstätte estilos de arte moderno de la época.

En 1908, cuando Schiele tenía dieciocho años, participó en su primera exposición, una exposición colectiva en Klosterneuburg, una pequeña ciudad al norte de Viena.

La protesta y el nuevo grupo de arte

Al año siguiente, Schiele y algunos compañeros abandonaron la academia en protesta, citando los métodos de enseñanza conservadores de la escuela y su fracaso en adoptar prácticas artísticas más progresistas que estaban extendidas por toda Europa.

Como parte de esta rebelión, Schiele fundó el Neukunstgruppe , que estaba formado por otros artistas jóvenes e insatisfechos que abandonaron la academia.

El nuevo grupo no perdió tiempo y realizó varias exposiciones públicas por toda Viena, mientras Schiele exploraba nuevas formas de expresión pictórica, incorporando distorsiones y contornos irregulares, así como una paleta de colores más oscura que la favorecida por el estilo Art Nouveau, más decorativo y elaborado.

En esencia, Schiele se distanció gradualmente del estilo popularizado por Klimt, aunque los dos hombres siguieron siendo cercanos hasta la muerte de Klimt a principios de 1918. Si el contenido de la obra de Schiele es una indicación, parece que mentor y aprendiz compartían un apetito insaciable por las mujeres.

Con motivo de la primera exposición del Neukunstgruppe en 1909 en el Salón Piska de Viena, Schiele conoció al crítico de arte y escritor Arthur Roessler , quien se hizo amigo suyo y escribió sobre su obra con gran admiración.

En 1910, comenzó una larga amistad con el coleccionista Heinrich Benesch . Para entonces, Schiele había desarrollado un estilo expresionista personal para retratos y paisajes y recibió numerosos encargos de retratos de la intelectualidad vienesa .

Escándalos en Viena y autorretratos alegóricos

Mientras la obra de Schiele escandalizaba a la sociedad vienesa, al mismo tiempo vendía muchas de sus pinturas explícitas a coleccionistas privados mientras los periódicos criticaban su trabajo.

Este desarrollo de representaciones explícitas de genitales femeninos y masculinos en el arte es un fenómeno que sólo pudo haber ocurrido en Viena alrededor de 1900. La ciudad ha estado sacudida por escándalos durante algún tiempo y los debates públicos sobre los límites del arte son omnipresentes.

Las damas de los círculos sociales más altos se cubrían modestamente las piernas y el escote de sus vestidos. Artistas como Gustav Klimt y Oskar Kokoschka , con sus representaciones explícitas de mujeres desnudas, la doble moral de esta metrópolis del Danubio.

Músicos como Gustav Mahler y Arnold Schoenberg cruzan audazmente la frontera hacia la modernidad; de Arthur Schnitzler sacuden los cimientos de la sociedad, mientras que Sigmund Freud habla públicamente por primera vez sobre la sexualidad femenina.

Aunque Schiele no conoció personalmente al psicoanalista, toda Viena conoce los espectaculares hallazgos de Freud.

Egon Schiele conocía este doble rasero desde su infancia. En contraste con el ideal de belleza de la Secesión vienesa, retrataba lo feo y lo deforme. Las extremidades de sus jóvenes, mujeres y hombres, son anormalmente largas y demacradas, mientras que sus genitales se presentan de forma sugerente y colorida.

En busca de aislamiento, Schiele abandonó Viena en 1911 para vivir en varios pueblos pequeños; se centró cada vez más en autorretratos y alegorías de la vida, la muerte y el sexo, y produjo acuarelas eróticas .

La transición de la infancia a la edad adulta, tanto en niñas como en niños, fascinó especialmente al artista, que entonces tenía veinte años. Sus obras a menudo se centraban en el tema del autodescubrimiento durante la pubertad. Este enfoque artístico provocó un escándalo en 1912 en Neulengbach, un pequeño pueblo de los Bosques de Viena.

Los primeros estudios de Schiele fueron particularmente controvertidos porque utilizó niños como modelos desnudos y representó a niñas púberes en situaciones implícitamente eróticas.

El año siguiente fue crucial para Schiele, tanto a nivel personal como artístico. Además de participar en numerosas exposiciones colectivas en Budapest, Colonia y Viena, Schiele fue invitado por la Galería Hans Goltz de Múnich a exponer su obra junto a miembros del grupo expresionista "Der Blaue Reiter" (El Jinete Azul) , entre ellos Wassily Kandinsky y Franz Marc .

Las obras de Schiele en esta época incluyen su más famoso Autorretrato con Physalis (1912), un estudio cautivador del artista, su rostro y otros rasgos llenos de líneas, cicatrices y deformaciones sutiles.

La exposición de Goltz le brindó a Schiele la mayor atención hasta la fecha y reveló al público su rico uso de simbolismo personal y alegorías oscuras.

Arresto de modelos menores de edad

También en 1912, mientras Schiele vivía en la ciudad austriaca de Neulengbach, fue arrestado en su estudio y encarcelado durante veinticuatro días, acusado de secuestrar y violar a una niña de doce años.

Este cargo finalmente fue retirado y fue condenado por exponer a menores a imágenes eróticas . La policía confiscó 125 de sus "degeneradas" y, en un gesto simbólico, el juez quemó uno de sus dibujos en la sala del tribunal (la obra, que representaba a una joven desnuda de cintura para abajo, había estado expuesta previamente en la pared de su estudio).

El incidente tuvo un impacto significativo en Schiele, ya que posteriormente dejó de utilizar niños como modelos, aunque la morbosidad y la explicitud sexual de su obra –en particular sus dibujos– aparentemente habían aumentado después de su liberación de prisión.

Servicio militar, matrimonio, tragedias y el final de la vida

En 1913, la Galería Hans Goltz de Múnich acogió la primera exposición individual de Schiele. En 1914, tuvo lugar una exposición individual de su obra en París.

Su vida privada también dio un giro cuando, en 1915, escribió a un amigo: "Tengo la intención de casarme, y de una manera que me beneficie", y le propuso matrimonio a Edith Harms, una joven de buena posición social.

Aunque esperaba continuar su relación con Wally Neuzil, ella lo abandonó al enterarse de su compromiso. Esta pérdida queda claramente plasmada "La Muerte y la Doncella"

Cuatro días después de su boda, Schiele finalmente fue reclutado para el servicio militar. Sin embargo, nunca entró en combate durante toda la guerra y, en cambio, se le permitió seguir practicando y exhibiendo su arte dondequiera que estuviera destinado.

Inspirado por sus viajes de guerra, Schiele creó en esta época una serie de paisajes y ciudades que carecían de los contornos exagerados habituales del artista.

En 1917, Schiele regresó a Viena y trabajó arduamente. Ese mismo año, él y Klimt fundaron conjuntamente la Kunsthalle de la ciudad, un nuevo espacio expositivo destinado a animar a los artistas austriacos a permanecer en su patria. El año siguiente trajo al artista tanto éxitos conmovedores como tragedias de diversas formas.

En febrero, su mentor y amigo Klimt sufrió un derrame cerebral y neumonía. Tan solo un mes después, la Secesión vienesa celebró su 49.ª exposición anual (1918) y dedicó la sala principal de exposiciones a la obra de Schiele, lo que resultó en un gran éxito comercial.

Murió pocos meses después, a los 28 años, el 31 de octubre de 1918, en Viena, a causa de la gripe española, la misma enfermedad a la que su esposa había sucumbido tres días antes. En los tres días que transcurrieron entre sus muertes, Schiele realizó varios bocetos de su difunta esposa.

En sus últimos momentos, el joven artista austríaco Egon Schiele experimentó un fenómeno extraordinario: en su lecho de muerte, a finales de octubre de 1918, mientras sus fuerzas declinaban cada vez más, susurró estas palabras:

Después de mi muerte, sin duda la gente me elogiará y admirará mi arte”

El estilo único de Egon Schiele

El arte de Schiele tiene la capacidad de retratar a las personas de su época de una manera única y conmovedora. Este estilo aún resuena profundamente en nuestro mundo visual y emocional del siglo XXI.

Hasta ahora no hay nada comparable que pueda escenificar el cuerpo con tanta habilidad, ya sea como campo de batalla, como patio de recreo o como escena del crimen.

Se trata de una artística puesta en escena en la que cada expresión emocional, desde la intensa desesperación hasta la melancolía apática, cobra vida mediante el color, la forma rota o las líneas, como un signo de decadencia o una mancha que se filtra sobre una superficie.

Estaba obsesionado con los muslos y las nalgas, con los genitales femeninos y masculinos, con los abrazos heterosexuales, homosexuales y lésbicos. Dibujó los géneros y los coloreó como si fueran fruta madura. Y se representó a sí mismo como un santo, desnudo con un pene obscenamente erecto. Los cuerpos son dolorosamente delgados contra fondos vacíos que se convierten en abismos.

Alrededor de 1914, sus figuras pintadas parecen tambalearse en trance, sin orientación ni propósito. Esto se debe a la geometría con la que Schiele creó sus figuras. Por ejemplo, construyó una mujer reclinada a partir de dos triángulos. Incluso sus genitales tienen formas triangulares.

Las representaciones de Schiele de lo obsesivo, lo abismal y lo mórbido, plasmadas mediante el dibujo puro, parecen hoy más mágicas que nunca, y a la vez profundamente humanas. Esta contorsión casi voluptuosa del cuerpo revela vagas influencias del simbolismo y el Art Nouveau vienés ; hoy en día, se considera la búsqueda de identidad de un pintor, no tanto la obra de un prodigio precoz.

La representación del cuerpo desnudo en las obras de Schiele

La representación del cuerpo en las obras de Schiele juega un papel central en su obra y contribuye a su controvertida reputación como artista.

En sus obras, rompe con los ideales tradicionales de belleza y representa el cuerpo en su forma auténtica, a menudo sin adornos. Son especialmente conocidos los dibujos de desnudos de Schiele, en los que revela la anatomía humana con detalle y sin restricciones.

Evita las proporciones idealizadas y representa el cuerpo en una perspectiva distorsionada para reflejar los estados de ánimo y las emociones de las personas retratadas. Schiele se centra en la individualidad de cada cuerpo, demostrando así su fascinación por la singularidad de la existencia humana.

Una obra conocida de Schiele que ilustra este enfoque es el “Retrato de Wally Neuzil” de 1912. En esta pintura, muestra a Wally Neuzil, su amante y musa, en una pose segura de sí misma con la parte superior de su cuerpo expuesta.

La representación del cuerpo en esta obra es honesta e inquebrantable, lo que se consideró provocador y escandaloso en su época. Sin embargo, la representación artística del cuerpo por parte de Schiele fue pionera en el movimiento artístico moderno e influyó en muchos artistas de su generación.

La representación del cuerpo en las obras de Schiele es un tema central que subraya su influencia revolucionaria en el mundo del arte. Sus obras continúan provocando debates sobre los límites de la representación del cuerpo y el significado de la belleza en el arte .

Gestos enigmáticos y patrones de puesta en escena religiosa

La exposición “La libertad del yo” en el Museo Georg Schäfer de Schweinfurt en 2018 dejó claro que Schiele era una persona espiritual, aunque no en el sentido religioso tradicional.

La exposición en Schweinfurt se dividió en tres áreas: representación del yo y del cuerpo, mundo emocional y subjetividad.

La exposición presentó importantes obras de arte, como el "Autorretrato con la cabeza inclinada" , de 1912 (véase la imagen superior) . En esta pintura, el artista forma una V con los dedos índice y medio de la mano derecha. ¿Será una posible alusión al gesto de bendición de Cristo, tan frecuente en el arte bizantino?

El historiador de arte Stefan Kutzenberger ( según informa el periódico dominical protestante ) señala en el catálogo adjunto que este gesto del pintor puede representar una referencia a Cristo Pantocrátor en la Iglesia de Chora en Estambul.

Según Kutzenberger, el gesto de Schiele podría ser un símbolo de carisma artístico, actualizando de forma impresionante la imagen romántica del artista como sacerdote en torno a 1900, escribe el experto en el tema.

También ofrece otra explicación: Schiele puede haber experimentado con su amigo Dominik Osen, un pintor y mimo, para determinar qué poses expresionistas tenían el mayor efecto; sin embargo, esta explicación no excluye la mencionada anteriormente.

Schiele, católico que se casó en 1915 según el rito protestante, empleó con frecuencia escenografías religiosas en sus autorretratos. Kutzenberger enfatizó que las representaciones de Schiele como santo, profeta, predicador, heraldo o anarquista no revelan nada sobre su propia persona ni sobre su vida real.

Más bien, son el resultado de atribuciones sociales y modelos de rol , por lo que está en buena compañía con los discursos posmodernos que surgieron posteriormente.

Los autorretratos dobles de Schiele dan testimonio de su profundo compromiso con el ocultismo y el espiritismo , que estaban de moda alrededor de 1900. En una carta a su hermana, describe un notable incidente espiritista:

Hoy tuve una experiencia espiritual verdaderamente fascinante. Estaba despierto, pero cautivado por el espíritu que se había anunciado en un sueño antes de despertar. Mientras me hablaba, me quedé paralizado y sin palabras

Las obras de Schiele a menudo muestran rastros de iconografía cristiana . Un ejemplo es el óleo " Madre con dos hijos II" de 1915, que se inspira en el estilo de la Piedad medieval.

Una imagen navideña algo diferente es «Madre muerta I» (1910), que representa a una madre fallecida con la mano sobre su hijo en actitud protectora. El propio Schiele consideraba esta pintura al óleo una de sus mejores obras.

Obras de arte importantes de Egon Schiele

A pesar de su corta vida y de la destrucción de algunas de sus obras durante la era nazi, Schiele nos dejó una impresionante riqueza de obras.

En este punto nos gustaría presentar y explicar brevemente seis de las obras más importantes de su extensa obra, en orden cronológico.

Retrato de Gerti Schiele, 1909

Este es uno de los numerosos retratos que realizó Schiele de su hermana menor Gerti , la modelo favorita del artista al principio de su carrera y el miembro de su familia con quien tenía una relación más cercana.

Este retrato temprano, pintado por Gerti cuando era adolescente, muestra tanto la fuerte conexión estilística entre la obra de Schiele y la de Klimt, como el alejamiento del estilo de su mentor.

En su pose y en las joyas, que consisten en una serie de parches planos con acentos dorados y plateados, la figura de Gerti recuerda a obras de Klimt como el retrato de Adele Bloch-Bauer (1907).

Pero a diferencia de su predecesora, Klimt, la pintura es menos decorativa y más estática y suave, como si Schiele estuviera moldeando su tema en arcilla. Además, Schiele sustituyó la paleta ricamente brillante y dorada de Klimt por colores más apagados, dando como resultado una pintura que parece reseca y sugiere decadencia en lugar de crecimiento.

Medio : Óleo, plata, pintura dorada-bronce y lápiz sobre lienzo.

Ubicación actual : Museo de Arte Moderno, Nueva York

Desnudo masculino sentado (autorretrato), 1910

Los autorretratos de Schiele son excepcionales no sólo por la frecuencia con la que el artista se representó a sí mismo, sino también por el modo en que lo hizo: representaciones erotizadas en las que a menudo desnudo en poses muy reveladoras ; autorretratos masculinos que prácticamente no tienen parangón en este aspecto en el mundo del arte occidental.

En este dibujo, el artista ha creado una visión intensa y casi aterradora de sí mismo: demacrado, con brillantes ojos rojos, piernas deformadas y sin pies, su cuerpo completamente expuesto, pero su rostro parcialmente oculto, tal vez sugiriendo un sentimiento de vergüenza, una pose torcida que, como muchos autores sospechan, se debe a la importante influencia de la danza moderna.

Característico del estilo expresionista que Schiele practicó cada vez más en esta época, expresa su miedo a través de líneas y contornos, así como a través de una piel que parece desgastada y expuesta a elementos ásperos.

Medio : Tiza negra, acuarela y gouache sobre papel.

Ubicación actual : Museo Leopold, Viena

Autorretrato con physalis, 1912

Este es quizás el autorretrato más famoso de Schiele. En esta obra, creada durante un período en el que Schiele participó en numerosas exposiciones, mira directamente al espectador y su expresión transmite confianza en su talento artístico.

Aunque Schiele utiliza menos distorsiones que en otros autorretratos, la pintura se niega a idealizar su tema y presenta cicatrices y otras líneas características de la naturaleza contorneada del estilo de dibujo del artista.

El cuadro se expuso en Múnich en 1912 junto con obras de otros artistas expresionistas y cuenta con un retrato que representa a su entonces amante, Wally Neuzil (el retrato de Wally fue robado por los nazis de la casa de un judío austriaco, pero fue rescatado). Regresó a Viena en 2010 tras doce años de litigio.

Hoy en día sirve como “buque insignia” del Museo Leopold de Viena, que alberga la colección de Schiele más grande del mundo.

Medio : Óleo sobre lienzo

Ubicación actual : Museo Leopold, Viena

Los ermitaños, 1912

Este raro retrato doble , una de las obras más alegóricas de la obra de Schiele, representa a Schiele y Klimt uno al lado del otro, casi como una sola entidad. A pesar de su estrecha relación y todas sus similitudes, Schiele dedicó gran parte de su carrera a intentar liberarse de la influencia de Klimt.

En Ermitaños, ambos hombres visten sus característicos caftanes negros largos, una prenda por la que Klimt era conocido y que Schiele, quizás como homenaje, utilizó en su propia obra. Schiele no es amigo de la modestia y sitúa a Klimt en un segundo plano, ciego y en gran parte oculto, como si estuviera siendo absorbido por el joven artista.

La forma resultante se asemeja a una única figura oscura y sugiere que el seguro de sí mismo sucesor Schiele asume el relevo del antiguo maestro. El motivo del ermitaño también evoca la visión existencialista de Schiele del artista como una figura marginada de la sociedad.

Medio : Óleo sobre lienzo

Ubicación actual : Museo Leopold, Viena

La muerte y la doncella, 1915

En esta pintura, una de las obras más complejas e inquietantes de Schiele, la figura femenina, demacrada y andrajosa, se aferra a la figura masculina de la muerte, mientras está rodeada por un paisaje igualmente andrajoso y casi surrealista.

Como en toda su obra, Schiele combina en esta composición lo personal con lo alegórico, en este caso recurriendo a un tema que tiene su origen en el concepto medieval de la Danza de la Muerte, que alcanzó su apogeo en el arte alemán del siglo XV.

"La Muerte y la Doncella" fue creada en torno a la época en que Schiele se separó de su amante de muchos años, Wally Neuzil, y unos meses antes de casarse con su nueva amante, Edith Harms. La pintura conmemora el fin de su romance con Neuzil y parece representar esta separación como la muerte del amor verdadero.

Curiosamente, la forma en que las figuras de Schiele están casi consumidas por su ropa y el entorno abstracto sugiere el retrato de Klimt, quien también colocaba a sus sujetos en entornos indescifrables.

Medio : Óleo sobre lienzo

Ubicación actual : Galería Austriaca, Belvedere, Austria

Ciudad entre vegetación (La Ciudad Vieja III), 1917

Aunque su arte se centró en la figura humana, Schiele –quien tuvo la oportunidad de viajar por toda Europa durante su carrera– también se sintió atraído por el campo y las ciudades.

De hecho, las pinturas del artista que representan el paisaje y su ciudad natal, Viena, constituyen una parte importante de su obra. Esta pintura se inspiró en parte en Krumau , donde vivió brevemente en 1911.

Los paisajes de Schiele, aunque a menudo carecen de personajes, presentan fascinantes paralelismos con su obra figurativa. Su frecuente uso de la vista aérea en sus paisajes evoca uno de los elementos más radicales de su retratismo: su tendencia a retratar a sus sujetos desde arriba.

Esta pintura contiene otros elementos característicos del estilo de Schiele, en particular el uso de contornos marcados y definidos. Lo que distingue esta obra de sus retratos es el uso del color y la paleta por parte del artista, por lo que Schiele no era conocido previamente.

Medio : Óleo sobre lienzo

Ubicación actual : Neue Galerie, Nueva York

¿Cuánto cuesta una obra de arte de Egon Schiele?

Un dibujo de Schiele, que hoy tiene un valor medio de 100.000 €, se vendió entonces por tan solo 50 chelines, ni siquiera 4 €. Su valor estimado era increíblemente bajo en vida.

Rudolf Leopold recorrió el mundo del arte en busca de las obras del artista, las adquirió y las reunió para una espectacular gira mundial.

Desde la década de 1970, el arte de Schiele ha experimentado un renacimiento en el mercado, y sus pinturas y dibujos alcanzan actualmente entre 400.000 y 27 millones de euros subastas

Literatura y libros ilustrados sobre el genio artístico austriaco

Una obra de referencia sobre Schiele con un carácter representativo: un tesoro para coleccionistas y aficionados

La obra de Schiele se encuentra entre las más importantes del modernismo temprano después de 1900 y es a la vez clásica y atemporalmente relevante en su existencialismo sensual-corpóreo.

Ahora, casi un siglo después, la renombrada editorial Taschen un suntuoso volumen: papel de alta calidad, elegante cubierta de lino con letras doradas en relieve, que contiene las 221 pinturas de los años 1909-1918, así como 146 dibujos.

Este completo libro de arte impresiona en todos los sentidos con nueve capítulos que combinan imágenes y texto. Somos testigos del extraordinario talento y la naturaleza rebelde de Schiele al experimentar su intensa estética de transformación: una apasionada mezcla de curiosidad insaciable y energía sexual provocadora.

Además, el libro nos permite comprender las pinturas de guerra de Schiele de 1914 a 1918: cuerpos humanos, retratos y escenas naturales rotas como mapas abiertos: heridos, desfigurados, torturados y reensamblados.

El historiador de arte y experimentado museólogo Tobias G. Natter , quien posteriormente creció en la misma región que Schiele, ha creado una impresionante obra de referencia sobre Schiele . Esta obra es de inestimable valor para coleccionistas y aficionados al artista.

El voluminoso libro ilustrado está como edición de tapa dura en Amazon .

Más recomendaciones de libros:

• Egon Schiele: La Colección Leopold, Viena; por Rudolf Leopold, Elisabeth Leopold
• Gustav Klimt y Egon Schiele (1965), Catálogo de la Exposición Guggenheim / por Thomas Messer
• Egon Schiele, de Klaus Albrecht Schröder
• Egon Schiele, por Erwin Mitsch

Fuentes, referencias y más información:

• La HISTORIA DEL ARTE , Egon Schiele , https://www.theartstory.org/artist/schiele-egon/
• Frankfurter Rundschau , El cuerpo, un campo de batalla , https://www.fr.de/kultur/kunst/koerper-schlachtfeld-11032975.html
• MANUSCRITO SWR2 , El artista Egon Schiele “Enfant terrible” del modernismo clásico – Por Martina Conrad
• El periódico dominical de la Asociación de Prensa Evangélica de Baviera (EPV), el Museo de Schweinfurt, presenta la exposición de Egon Schiele «La libertad del yo», https://www.sonntagsblatt.de/artikel/kultur/schweinfurter-museum-zeigt-egon-schieles-ausstellung-freiheit-des-ichs