Beroemde olieverfschilderijen – Top 100 van museumwaardige reproducties

meesterwerk uit de kunstgeschiedenis en een beroemd olieverfschilderij willen bezitten ? Voor ons gewone consumenten zijn de vaak zeven- of achtcijferige prijzen echter simpelweg onbetaalbaar. Het beste alternatief is dan ook een hoogwaardige en getrouwe reproductie van een werk van een oude of nieuwe meester.

Geniet van de pracht van hoogwaardige kunst door reproducties van olieverfschilderijen van museumkwaliteit . Kunstreproducties zijn een uitstekende manier om schilderijen van wereldberoemde topkunstenaars tegen een betaalbare prijs aan te schaffen.

Professionele en ervaren meesters in hun vak bieden handgeschilderde olieverfschilderijen op canvas aan, gemaakt door uitzonderlijk getalenteerde kunstenaars. Deze reproducties tonen dezelfde schittering, aandacht voor detail en artistieke stijl als de originelen. Kunstenaars met jaren, of zelfs decennia, ervaring creëren waardevolle kunstreplica's op zorgvuldig geprepareerde doeken.

Reproducties omvatten zowel prenten als handgeschilderde schilderijen, en de twee opties verschillen aanzienlijk op een aantal punten. Of een handgeschilderde kopie of een giclée-print ( kunstprint ) beter bij u past, leggen we uit in onze gedetailleerde vergelijking in het artikel "Hoogwaardige kunst- en schilderijreproducties voor uw huis – Een korte handleiding" .

Bij leveranciers zoals HandmadePiece maken professionele kunstenaars reproducties van olieverfschilderijen van de hoogste kwaliteit, geen prints. Dankzij de nauwkeurige reproducties kunt u elke penseelstreek op het voltooide kunstwerk zien.

Elke reproductie van een schilderij wordt gemaakt in het eigen atelier van de kunstenaar, die meer dan 20 jaar ervaring heeft. Alle kunstenaars volgen een specifiek en gedetailleerd proces om fantastische resultaten te bereiken.

Voor hoogwaardige kunstprints en kunstprints van meestervaklieden raden wij MeisterDrucke . Meer dan een half miljoen kunstwerken zijn al getrouw gereproduceerd als kunstkopieën, allemaal handgemaakt in Oostenrijk. De vele positieve en zeer tevreden klantbeoordelingen (bijvoorbeeld op ProvenExpert) spreken voor zich.

Olieverfschilderen – De eeuwenoude techniek van de meesters

De olieverftechniek, waarbij met pigmenten wordt geschilderd en drogende olie als bindmiddel wordt gebruikt, dateert uit de 7e eeuw na Christus en omvat daarmee een breed scala aan bekende stijlperioden en kunststromingen . Talloze beroemde kunstwerken zijn met deze techniek gemaakt.

Boeddhistische kunstenaars in Afghanistan schilderden de vroegst bekende voorbeelden van olieverfschilderijen. In Europa werd de techniek vanaf de 12e eeuw door kunstenaars gebruikt.

Veel van de beroemdste olieverfschilderijen die de westerse wereld tegenwoordig kent, zijn in de eeuwen die volgden gemaakt door Europese kunstenaars, waaronder oude meesters, die in de voetsporen traden van hun boeddhistische voorgangers.

De geschiedenis van de olieverfschilderkunst in Europa

Het waren Nederlandse kunstenaars die als eersten in Europa de olieverftechniek toepasten. Talrijke voorbeelden hiervan zijn te vinden in de vroege Nederlandse schilderkunst.

Olieverfschilderen was in die vroege tijden een arbeidsintensief proces, omdat traditionele oliën (waaronder lijnzaad-, klaproos-, walnoot- en saffloerolie) ongeveer één tot drie weken nodig hadden om te drogen. De oliën werden soms met een hars gekookt, wat resulteerde in een glanzende vernislaag.

Hoewel de olieverftechniek wijdverbreid raakte, vervingen veel beroemde kunstenaars in heel Europa deze techniek tijdens de hoogtijdagen van de Renaissance door tempera.

Waardevolle olieverfschilderijen zijn echter nog steeds zeer gewild op veilingen, en veel van de beroemdste werken in olieverf op doek worden met onverminderd enthousiasme bewonderd door talloze museumbezoekers.

Als u dus een virtuele rondleiding wilt langs de beroemdste en populairste olieverfschilderijen van de afgelopen eeuwen, dan vindt u hieronder de 100 populairste kunstwerken ooit geschilderd met olieverf. De meeste van deze beroemde olieverfschilderijen bevinden zich in hun originele vorm in topmusea over de hele wereld.

Onze top 100

1. Mona Lisa van Leonardo da Vinci

Jaar: ca. 1503-06 | Medium: Olieverf op populierenhouten paneel | Locatie: Louvre Museum, Parijs

De absolute publiekstrekker in het Louvre in Parijs (waar zo'n 6000 schilderijen te zien zijn, maar 90% van de bezoekers direct naar de Mona Lisa gaat). Leonardo da Vinci's meesterwerk uit de Italiaanse Renaissance is misschien wel het beroemdste olieverfschilderij aller tijden en zonder twijfel onze nummer één.

Het is beschreven "het beroemdste, meest bezochte, meest beschreven, meest bezongen en meest geparodieerde kunstwerk ter wereld". Mona Lisa is geschilderd in olieverf op een wit paneel van Lombardische populier en staat onder andere bekend om de verbijsterende uitdrukking van het onderwerp (naar verluidt Lisa Gherardini, een Italiaanse edelvrouw), het atmosferische illusionisme en de uitzonderlijk unieke compositie.

Sinds het schilderij werd verworven door koning Frans I van Frankrijk, is het eigendom van Frankrijk en hangt het sinds 1797 in het Louvre. Het is wellicht het meest waardevolle olieverfschilderij ter wereld en heeft een record voor de hoogste verzekeringswaarde ooit: 100 miljoen dollar in 1962, wat overeenkomt met 660 miljoen dollar in 2019.

2. De Sterrennacht van Vincent van Gogh

Jaar: 1889 | Medium: Olieverf op doek | Locatie: Museum of Modern Art (MoMA), New York City

Vincent van Goghs Sterrennacht wordt beschouwd als een van de beroemdste schilderijen in de westerse kunstgeschiedenis en is een schitterend werk in olieverf op doek, dat momenteel in het MoMA hangt.

Dit schilderij, gemaakt in 1889, toont het uitzicht van de postimpressionistische schilder vanuit zijn sanatoriumkamer (met een denkbeeldig dorp beneden) in Saint-Rémy-de-Provence, Frankrijk. Hoewel Van Gogh verschillende schilderijen van dit specifieke uitzicht maakte, is De Sterrennacht het enige dat 's nachts is afgebeeld. Het wordt beschouwd als het magnum opus van de kunstenaar – zijn meesterwerk.

3. De Kus van Gustav Klimt

Jaar: 1907-1908 | Medium: Olieverf en papier op canvas | Locatie: Belvedere, Wenen

Gustav Klimt was een Oostenrijkse schilder die geassocieerd wordt met het symbolisme en de art nouveau. Hij maakte De Kus tussen 1907 en 1908. Kunstkenners beschouwen dit als het hoogtepunt van Klimts "Gouden Periode".

Dit schitterende werk is geschilderd met olieverf op doek, maar Klimt voegde bladgoud, zilver en platina toe om het te laten glanzen. Het schilderij toont twee omhelzende geliefden (vandaar de oorspronkelijke titel 'De Geliefden'), gekleed in art nouveau-kleding.

Tegenwoordig hangt dit beroemde olieverfschilderij in het barokke Belvedere-gebouwencomplex in Wenen, Oostenrijk. Het wordt beschouwd als een meesterwerk van de Weense traditie (een Weense variant van de Art Nouveau) en is Klimts beroemdste werk.

4. Het meisje met de parel van Johannes Vermeer

Jaar: ca. 1665 | Medium: Olieverf op doek | Locatie: Mauritshuis, Den Haag

De Nederlandse Gouden Eeuw-schilder Johannes Vermeer schilderde het meisje met de parel, een portret in olieverf op doek, rond 1665.

Hoewel het in de loop der eeuwen verschillende namen heeft gehad, kreeg het in de 20e eeuw zijn huidige naam, naar de oorbel die het meisje op het schilderij draagt ​​(ze draagt ​​ook een exotische jurk en een oosterse tulband).

Tegenwoordig hangt het werk in het Mauritshuis, een kunstmuseum in Den Haag, en is het door de jaren heen een populair onderwerp in de literatuur geweest (onder meer in Tracy Chevaliers roman "Girl with a Pearl Earring" , een fictief verhaal over de totstandkoming van het werk).

5. Guernica van Pablo Picasso

Jaar: 1937 | Medium: olieverf op doek | Locatie: Museo Reina Sofía, Madrid

De beroemde Spaanse kunstenaar Pablo Picasso schilderde een van zijn bekendste werken, Guernica, in 1937 tijdens de Spaanse Burgeroorlog.

Dit zwart-wit olieverfschilderij op doek toont lijdende mensen en dieren te midden van chaotisch geweld. Picasso schilderde het in zijn huis in Parijs nadat nazi-Duitsland en fascistisch Italië Guernica, een stad in Baskenland, hadden gebombardeerd. Het bombardement was aangevraagd door Spaanse nationalisten uit die tijd.

Guernica's schokkende weergave van de wreedheden van de oorlog maakte het tot wat kunstcritici beschrijven als een van de meest invloedrijke anti-oorlogsschilderijen in de geschiedenis, waardoor de Spaanse Burgeroorlog de broodnodige aandacht kreeg.

Het enorme schilderij is 3,49 meter hoog en 7,76 meter breed en toont duidelijk een paard met een hoorns op de horens, een schreeuwende vrouw, vlammen, een stier en verminking. Tegenwoordig hangt het schilderij in het Reina Sofía Museum voor 20e-eeuwse kunst in Madrid, Spanje.

6. De Nachtwacht van Rembrandt van Rijn

Jaar: 1642 | Medium: Olieverf op doek | Locatie: Rijksmuseum, Amsterdam

Rembrandt van Rijns schilderij "De Nachtwacht" uit 1642, ook bekend als de militiecompagnie van het 2e district onder bevel van kapitein Frans Banninck Cocq, is een van de beroemdste werken in de collectie van het Rijksmuseum in Amsterdam.

Nog een beroemd olieverfschilderij op doek uit de Nederlandse Gouden Eeuw het gebruik van tenebrisme door de kunstenaar

Rembrandt leidt de kijker naar zijn belangrijkste picturale motieven door zijn meesterlijke gebruik van licht en schaduw: de twee mannen in het midden en de vrouw met een kip achter hen in het midden links.

7. Zonsopgang van Claude Monet

Jaar: 1872 | Medium: olieverf op doek | Locatie: Musée Marmottan Monet, Parijs

De Franse impressionistische schilder Claude Monet creëerde dit dromerige werk. Zonsopgang, geschilderd in 1872, werd voor het eerst tentoongesteld op de impressionistische in Parijs in april 1874. Dit olieverfschilderij op doek zou ook zijn naam hebben gegeven aan de impressionistische stroming.

Monet beeldt de haven van Le Havre, zijn geboortestad in het noordwesten van Frankrijk, af met een prachtige combinatie van grijze, oranje en roze tinten.

hangt ‘Impression, Sunrise’ in het Musée Marmottan Monet in Parijs, Frankrijk.

8. American Gothic van Grant Wood

Jaar: 1930 | Medium: Olieverf op karton van beverhuid | Locatie: Art Institute of Chicago

Grant Woods' American Gothic, een iconisch werk van de Amerikaanse regionalistische beweging , werd geschilderd in 1930 tijdens de Grote Depressie in Amerika.

Het schilderij, dat momenteel deel uitmaakt van de collectie van het Art Institute of Chicago, toont een boer die naast zijn dochter staat (hoewel ze vaak ten onrechte voor zijn vrouw wordt aangezien).

Het schilderij, dat de naam American Gothic draagt ​​naar de architectuurstijl van het huis op de achtergrond, is een van de beroemdste schilderijen uit de 20e-eeuwse Amerikaanse kunst . Het verwierf al snel wereldwijde bekendheid en wordt vaak geparodieerd in de Amerikaanse populaire cultuur.

Het werk werd voor het eerst buiten de Verenigde Staten tentoongesteld in 2016 en 2017 in het Musée de l'Orangerie in Parijs en de Royal Academy of Arts in Londen.

9. De volharding van het geheugen door Salvador Dalí

Jaar: 1931 | Medium: Olieverf op doek | Locatie: Museum of Modern Art (MoMA), New York City

In 1931 creëerde de Spaanse schilder Salvador Dalí zijn wereldberoemde werk "De volharding van het geheugen" . Dit surrealistische kunstwerk groeide al snel uit tot een van de belangrijkste werken van de surrealistische stroming.

Sinds de creatie ervan is het talloze malen in de popcultuur genoemd, met name vanwege het meest opvallende kenmerk: de "smeltende" zakhorloges.

Deze zachte, smeltende objecten ondersteunen de theorie van de kunstenaar over 'zachtheid' en 'hardheid', die hij intensief onderzocht en die centraal stond in zijn werk uit die periode.

Hoewel sommigen meenden dat De Volharding van het Geheugen Dalí's visie op Albert Einsteins speciale relativiteitstheorie weergaf, was het volgens de kunstenaar zelf "de surrealistische waarneming van een Camembert die in de zon smelt".

10. Christus in de storm op het Meer van Galilea door Rembrandt van Rijn

Jaar: 1633 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 160 cm × 128 cm | Stijlperiode: Barok | Locatie: Onbekend

Nog een werk van de beroemde olieverfschilder en Nederlandse meester Rembrandt . De storm op de Zee van Galilea, gemaakt in 1633.

Dit werk beeldt de discipelen van Christus af in een vissersboot op volle zee, worstelend in een storm en de controle over hun schip kwijtgeraakt.

Een van de leerlingen braakt overboord, een ander staart de kijker recht in de ogen terwijl hij zijn pet vastklemt. Dit is een zelfportret van Rembrandt zelf.

Alleen Christus wordt afgebeeld, die zijn kalmte bewaart. De scène is ontleend aan een bijbels verhaal uit het vierde hoofdstuk van het Evangelie van Marcus, waarin Christus een storm tot bedaren brengt.

De storm op de Zee van Galilea, bekend als Rembrandts enige zeegezicht , werd voor het laatst tentoongesteld in het Isabella Stewart Gardner Museum in Boston, maar was een van de 13 werken die in 1990 uit het museum werden gestolen. De huidige verblijfplaats is onbekend.

11. De oude gitarist van Pablo Picasso

Jaar: 1903-04 | Medium: Olieverf op hout | Locatie: Art Institute of Chicago

Een van Pablo Picasso's vroegste en beroemdste werken is De oude gitarist , een olieverfschilderij op paneel gemaakt tussen 1903 en 1904. Het werk toont een oude, blinde, uitgemergelde muzikant die gebogen over zijn gitaar in de straten van Barcelona zit.

Picasso werd in deze periode beïnvloed door stromingen als modernisme , impressionisme , postimpressionisme en symbolisme . Hijzelf leefde in deze tijd in armoede. Ondertussen pleegde een goede vriend van hem zelfmoord, wat het begin markeerde van Picasso's Blauwe Periode .

Een interessant feit over dit beroemde schilderij is dat, zoals röntgenonderzoek heeft aangetoond, drie verschillende figuren zich achter de oude gitarist verschuilen. Tegenwoordig kunnen bezoekers dit meesterwerk bewonderen in het Art Institute of Chicago.

12. Irissen van Vincent van Gogh

Jaar: 1889 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 71 cm x 93 cm | Stijl: Postimpressionisme | Locatie: J. Paul Getty Museum, Los Angeles

Nog een beroemd olieverfschilderij van de Nederlandse kunstenaar Vincent van Gogh , geschilderd in mei 1889. Dit is een van de vele werken in een serie die eveneens tot stand kwamen in het museum Saint Paul-de-Mausole in Saint-Rémy-de-Provence.

Dit prachtige werk werd slechts een jaar voor Van Goghs dood in 1890 gemaakt. De irissen die hij schilderde, bevonden zich in de ziekenhuistuin, en er wordt gesuggereerd dat de stijl van deze serie beïnvloed is door Japanse Ukiyo-e houtsneden, zoals ook te zien is in veel van Van Goghs werken.

Het schilderij wordt gewaardeerd om zijn zachtheid en lichtheid en is "vol lucht en leven", zoals Van Goghs broer Theo het beschreef.

Tegenwoordig is het werk te zien in het J. Paul Getty Museum in Los Angeles, Californië.

13. Las Meninas van Diego Velazquez

Jaar: 1656 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 3,18 m x 2,76 m | Stijl: Barok | Locatie: Museo del Prado, Madrid

De Spaanse schilder Diego Velázquez, een van de belangrijkste kunstenaars van de Spaanse Gouden Eeuw , schilderde zijn iconische werk Las Meninas .

Het schilderij staat vooral bekend om zijn complexiteit, omdat dit olieverfschilderij op doek de relatie tussen realiteit en illusie, en die tussen de kijker en de afgebeelde personen, ter discussie stelt. Las Meninas is een van de meest geanalyseerde werken uit de westerse schilderkunst.

Hoewel de betekenis ervan breed wordt betwist, beeldt Las Meninas volgens de Spaanse kunsthistoricus FJ Sánchez Cantón de hoofdkamer van het koninklijke Alcázar in Madrid af tijdens het bewind van de Spaanse koning Filips IV.

De afgebeelde figuren zijn leden van het Spaanse hof – Infanta Margaretha Theresa, samen met haar hofdames, chaperonnes, lijfwachten, twee dwergen en een hond. In het midden staat Velázquez zelf, die de kijker recht aankijkt en schildert op een groot doek. De koning en koningin zouden zich op de achtergrond bevinden.

Tot op de dag van vandaag blijft Las Meninas een van de belangrijkste schilderijen in de westerse kunst en wordt het, eerst door de barokschilder Luca Giordano en vervolgens door vele anderen, beschreven als een weergave van theologie in de schilderkunst.

Het werk is momenteel in al zijn pracht te bewonderen in een speciale zaal in het Museo del Prado in Madrid, Spanje.

14. “De geboorte van Venus” (La nascita di Venere) door Sandro Botticelli

Jaar: ca. 1485 | Medium: Tempera | Originele afmetingen: 180 x 280 cm | Stijlperiode: Italiaanse Renaissance | Locatie: Uffizi Galerij, Florence, Italië

Het schilderij van Sandro Botticelli (1445-1510) beeldt de geboorte van de godin Venus , die aankomt op het vasteland van het eiland Cyprus, verwekt in een schelp die door de wind wordt voortgedreven: Zephyr en mogelijk Aura .

De godin wordt ontvangen door een jonge vrouw, die in sommige gevallen wordt herkend als een van de Gratiën of als de Hora van de Lente, en zij houdt een doek vast om Venus mee te bedekken.

De Romeinen vereenzelvigden hun godin van de liefde, Venus, met de Griekse Aphrodite, die volgens de legende uit het schuim van de zee werd geboren nadat Cronus zijn vader Uranus had gecastreerd en diens fallus in de zee had geworpen.

Voor de Italianen had Venus, als moeder van Aeneas, de voorvader van de Romeinen, samen met Mars, de vader van Romulus en Remus, wiens moeder uit de lijn van Aeneas stamde, een bijzondere betekenis als bewijs van de goddelijke oorsprong van hun volk.

15. “Het caféterras op de Place du Forum, Arles” van Vincent van Gogh

Jaar: 1888 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 81 x 65,5 cm | Stijl: Postimpressionisme | Locatie: Kröller-Müller Museum Otterlo, Nederland

Caféterras is een olieverfschilderij uit 1888 van de beroemde Nederlandse kunstenaar Vincent van Gogh . Het wordt vaak aangeduid als Het caféterras op het Place du Forum.

Toen het in 1891 voor het eerst werd tentoongesteld, droeg het de titel 'Koffiehuis 's nachts'.

16. “Bal du moulin de la Galette” van Pierre-Auguste Renoir

Jaar: 1876 | Medium: Olieverf | Afmetingen: 31 × 175 cm | Kunststroming: Impressionisme | Locatie: Musée d'Orsay

Bal du moulin de la Galette is een schilderij van de Franse kunstenaar Pierre-Auguste Renoir uit 1876. Het bevindt zich in het Musée d'Orsay in Parijs en is een van de beroemdste werken van het impressionisme .

Het kunstwerk beeldt een zondagavond af in de eerste Moulin de la Galette in Montmartre, Parijs.

17. “De schepping van Adam” van Michelangelo Buonarroti

Jaar: 1510 | Plafondfresco van de Sixtijnse Kapel

De Schepping van Adam is ongetwijfeld een van die werken die een diepe indruk achterlaten. Dat is niet verwonderlijk, aangezien het ons een overweldigend beeld van God .

Hoewel het origineel geen olieverfschilderij is, maar een plafondfresco , wordt het motief zeer vaak als olieverfschilderij nagebootst .

Het schilderij beeldt uit hoe God Adam schiep uit de overblijfselen van de aarde. Op het schilderij is Adam links afgebeeld, bijna ontspannen op de grond liggend. Michelangelo zou Adam in deze houding hebben geschilderd om te laten zien dat God hem nog geen leven had ingeblazen.

Volgens onderzoek van een neurowetenschapper is de afbeelding van God, met zijn helpers en het rode doek, bedoeld als een dwarsdoorsnede van het menselijk brein. Dit was waarschijnlijk bedoeld om de eenheid van lichaam en geest te weerspiegelen.

Kenmerkend voor Michelangelo's werk is het gebruik van gespierde lichamen en het schilderen van figuren die op beeldhouwwerken . Dit was waarschijnlijk te danken aan het feit dat Michelangelo in de eerste plaats een beeldhouwer was.

18. “Napoleon steekt de Alpen over” van Jacques Louis David

Jaar: 1803 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 2,6 m x 2,21 m | Stijl: Classicisme, Neoclassicisme | Locatie: Paleis van Versailles

Tussen 1801 en 1805 schilderde de Franse kunstenaar Jacques-Louis David een serie van vijf olieverfschilderijen op doek van de grote militaire leider Napoleon Bonaparte .

Het schilderij, in opdracht van de koning van Spanje, toont een sterk geromantiseerde versie van Napoleons daadwerkelijke oversteek van de Alpen via de Grote Sint-Bernardpas in mei 1800, kort voor zijn overwinning op de Oostenrijkers in de Tweede Coalitieoorlog (1799-1802).

De afbeelding van een heerser te paard is gebaseerd op een lange traditie die teruggaat tot het oude, keizerlijke Rome. De afwezigheid van militaire elementen in deze afbeelding is bedoeld om Napoleon af te beelden als een soeverein denker en strateeg die zijn overwinningen behaalde door intellect, niet door wapens.

Of Napoleon zelf de opdrachtgever was, is onderwerp van discussie.

Desondanks is het een van de meest herdrukte afbeeldingen van Napoleon geworden.

19. “Les Demoiselles d'Avignon” van Pablo Picasso

Jaar: 1907 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 243,9 × 233,7 cm | Kunststroming: Kubisme | Locatie: Museum of Modern Art, New York

Een beroemd olieverfschilderij van de Spaanse kunstenaar Pablo Picasso , voltooid in 1907. Het schilderij, dat deel uitmaakt van de permanente collectie van het Museum voor Moderne Kunst, toont vijf naakte vrouwelijke prostituees in een bordeel in de Carrer d'Avinyó (Calle de Avión) in Barcelona.

Geen van de personages is conventioneel vrouwelijk, en elk personage wordt op een verontrustend verdraaide en maskerachtige manier neergezet.

Het olieverfschilderij van de Spaanse kunstenaar uit de 20e eeuw wordt beschouwd als een keerpunt in de geschiedenis van de westerse schilderkunst en luidde tevens de opkomst van het kubisme in.

20. “De zwerver boven de mistzee” van Caspar David Friedrich

Jaar: 1818 | Medium: Olieverf | Afmetingen: 95 cm x 75 cm | Kunststroming: Duitse Romantiek | Locatie: Hamburger Kunsthalle

De wandelaar boven de mistzee is een schilderij van Caspar David Friedrich , een Duitse romantische schilder , geschilderd in 1818. Het wordt beschouwd als een van de grootste werken van de romantiek en een van de meest iconische stukken ervan. Het kunstwerk is te bewonderen in de Hamburger Kunsthalle in Hamburg.

De wandelaar, van achteren gezien, is het centrale onderwerp van de foto. Hij staat op een rotsachtige top met uitzicht op een mistig berglandschap. Zijn donkerblonde haar wappert in de wind. Ondanks de hachelijke situatie oogt zijn hele houding evenwichtig, zelfverzekerd en kalm.

In het midden en op de achtergrond van het schilderij zien we een grillig berglandschap, dat doorkruist wordt door verschillende mistbanken.

Op de achtergrond, aan de linkerkant van het schilderij, zien we een hoge, kegelvormige berg die verscholen ligt achter mistbanken. Aan de rechterkant is een kleinere tafelberg te zien. Dit is waarschijnlijk de Zirkelstein, een rotsformatie in Saksisch Zwitserland .

Caspar David Friedrich weet door zijn veelzijdige weergave van de verschillende bergen en slierten mist de indruk van een bijna eindeloze uitgestrektheid te wekken. We zien de grenzeloze grootsheid van de natuur zoals die door de ogen van de zwerver wordt ervaren, alsof we achter hem staan.

21. De twee zussen op het terras (1881) van Pierre Auguste Renoir

Jaar: 1881 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 100,5 x 81 cm | Kunststroming: Postimpressionisme | Locatie: Art Institute of Chicago, Verenigde Staten

De titel "Twee Zusters" (Frans: les deux sœurs) werd door Renoir zelf aan het olieverfschilderij gegeven. De bijnaam "Op het Terras" (Frans: Sur la terrasse) werd later aan het schilderij gegeven door de eerste eigenaar, Paul Durand-Ruel .

Renoir werkte aan het schilderij op het terras van Maison Fournaise, een restaurant op een eiland in de Seine in Chatou, een voorstad van Parijs.

Het schilderij toont een jonge vrouw en haar jongere zusje die buiten zitten met een mandje wol. Struiken en bladeren zijn zichtbaar boven de balustrade van het terras, met de Seine op de achtergrond.

Jeanne Darlot (1863-1914), een toekomstige actrice, destijds nog maar 18 jaar oud, poseerde als "de oudere zus". Het is niet bekend wie poseerde als de "jongere zus". Er wordt echter beweerd dat de twee modellen geen familie van elkaar waren.

Renoir begon in april 1881 aan het schilderij en in juli van hetzelfde jaar werd het voor 1500 frank gekocht door kunsthandelaar Paul Durand-Ruel.

Het schilderij werd voor het eerst aan het publiek getoond op de 7e Impressionistische Tentoonstelling in het voorjaar van 1882. In 1883 werd bekendgemaakt dat het was opgenomen in de collectie van Charles Ephrussi. In 1892 keerde het schilderij terug naar de collectie van de familie Durand-Ruel.

22. Arrangement in grijs en zwart nr. 1 (Portret van de moeder van de kunstenaar) door James Abbott McNeill Whistler

Jaar: 1871 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 144,3 × 162,4 cm | Kunststroming: Amerikaans realisme | Locatie: Musée d'Orsay, Parijs

De informele naam "Whistler's Mother" werd aan dit olieverfschilderij op doek gegeven uit oogpunt van eenvoud. De oorspronkelijke titel, "Arrangement in Grey and Black No. 1 (Portrait of the Artist's Mother)" van James Abbott McNeil Whistler, was voor de meeste kijkers te omslachtig.

Het onderwerp is in werkelijkheid Anna McNeil Whistler, de moeder van Whistler, die voor dit meesterwerk poseerde toen ze in 1871 met haar zoon in Londen woonde.

De Amerikaanse schilder portretteerde niet alleen zijn moeder, maar creëerde ook een schilderij dat grenst aan abstractie. Grijstinten en zwart domineren het schilderij, evenals rechthoeken in verschillende vormen: een gordijn aan de linkerkant, een afbeelding met een zwarte lijst en een licht passe-partout aan de rechterkant, en een bijgesneden afbeelding, eveneens met een zwarte lijst, helemaal rechts in het schilderij.

Hoewel het een iconisch voorbeeld van Amerikaanse kunst is (het wordt ook wel de Victoriaanse Mona Lisa ), siert Whistlers moeder nu het Musée d'Orsay in Parijs. Het olieverfschilderij werd in 1891 voor het eerst aangekocht door kunstminnende Fransen.

Het blijft een van de beroemdste schilderijen van een Amerikaanse kunstenaar buiten de Verenigde Staten.

23. Waterlelies (1906) van Claude Monet

Jaar: 1906 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 89,9 × 94,1 cm | Kunststroming: Impressionisme | Locatie: Art Institute of Chicago, Illinois, Verenigde Staten

"Waterlelies" werd in 1906 door Claude Monet impressionistische stijl . Dit beroemde kunstwerk van Claude Monet volgt het typische naturalistische thema van de impressionisten.

Monet schilderde hetzelfde schilderij meerdere keren, maar elke dag zagen de waterlelies er anders uit; de details, de belichting en de penseelstreken verschillen sterk, waardoor elk schilderij van waterlelies uniek is.

Claude Monet zei ooit dat zijn tuin zijn passie was. Hij had een vijver in zijn achtertuin met een Japanse brug eroverheen, een perfecte plek voor hem om zijn beroemde werken te creëren.

In zijn eerste serie Waterlelies (1897-1899) schilderde Monet de vijver met zijn planten, bruggen en bomen, duidelijk afgebakend door een vaste horizon. Na verloop van tijd hechtte de kunstenaar steeds minder waarde aan de conventionele beeldruimte. Tegen de tijd dat hij het schilderij Waterlelies maakte, dat tot zijn derde serie behoort, had hij de horizonlijn volledig losgelaten.

Op dit ruimtelijk ambigue doek keek de kunstenaar naar beneden en concentreerde zich uitsluitend op het oppervlak van de vijver met zijn begroeiing, die dreef te midden van de weerspiegeling van de lucht en de bomen.

De schilder gebruikte overigens niet veel aardse kleuren zoals bruin en aardetinten. Hij concentreerde zich vooral op koele tinten zoals blauw en groen om een ​​kalme en ontspannen sfeer over te brengen, precies zoals hij die ervoer wanneer hij tijd doorbracht in zijn tuin.

24. De dansles van Edgar Degas

Jaar: 1874 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 85 x 75 cm | Kunststroming: Impressionisme | Locatie: Musée d'Orsay, Parijs

Toen dit werk en de variaties erop in het midden van de jaren 1870 werden gemaakt, waren het, afgezien van de historiestukken, Degas' meest ambitieuze figuratieve composities .

Ongeveer tweeëntwintig vrouwen, ballerina's en hun moeders, wachten in een pose terwijl een danseres een houding voor haar examen. Jules Perrot, een van Europa's meest gerenommeerde dansers en balletmeesters, geeft de fictieve dansles in een repetitieruimte in de oude Parijse Opera, die onlangs is afgebrand.

Het schilderij werd in 1872 in opdracht gemaakt voor de operazanger en kunstverzamelaar Jean-Baptiste Fauré. Het was een van de weinige opdrachten die Degas ooit aannam. Hij werkte er twee jaar lang met tussenpozen aan voordat hij het uiteindelijk voltooide.

25. Een zondag op La Grande Jatte van Georges Seurat

Jaar: 1884 | Medium: Olieverf op doek | Afmetingen: 207,6 × 308 cm | Kunststroming: Pointillisme, Neo-impressionisme | Locatie: Art Institute of Chicago, Verenigde Staten

Een zondagmiddag op het eiland La Grande Jatte is het beroemdste werk van de Franse schilder Georges Seurat. Het toont Parijzenaars die ontspannen en met elkaar praten in een park langs de Seine.

Het werk verwierf bekendheid door het gebruik van de pointillistische techniek, een schilderstijl waaraan Seurat een belangrijke rol speelde in de ontwikkeling ervan. Pointillisme houdt in dat kleine verfstippen in patronen worden aangebracht om een ​​afbeelding te creëren.

Seurat was slechts 26 jaar oud toen hij dit werk voor het eerst aan een publiek toonde op de achtste en tevens laatste impressionistische tentoonstelling in 1886.

Qua omvang, techniek en compositie leek het een bewuste provocatie voor de eerste vertegenwoordigers ervan, zoals Renoir en Monet. Het veranderde onmiddellijk de koers van de avant-garde schilderkunst en luidde een nieuwe kunststroming in die ' kreeg.

Seurat stierf op 31-jarige leeftijd. Hij maakte nog andere ambitieuze doeken, maar La Grande Jatte blijft zijn magnum opus. Hoewel het schilderij in de drie decennia na zijn dood in 1891 zelden te zien was, nam de bekendheid ervan dramatisch toe in 1924 toen Frederic Clay Bartlett het schilderij kocht en uitleende Art Institute of Chicago

Sindsdien hangt het daar en is het uitgegroeid tot een icoon en een van de beroemdste schilderijen in de kunstwereld.

Lees meer over onze ranglijsten van plaats 26 tot en met 50 in het volgende deel van deze serie…