Abstracte sacrale kunst – Visuele iconografie van het transcendente

Moderne sacrale kunst staat voor een fundamentele vraag: hoe kunnen de diepe, metafysische mysteries van het geloof en het ongrijpbare goddelijke worden weergegeven met de materiële middelen van doek en verf? Eeuwenlang was de overdracht van religieuze inhoud in het Westen gebaseerd op mimesis – de realistische, figuratieve weergave van Bijbelse taferelen en heiligen. Maar de 20e en 21e eeuw hebben radicaal gebroken met deze beeldtaal. Waar de puur menselijke vorm zijn grenzen bereikt in het vatten van het metafysische, opent zich het domein van de pure abstractie.

Wanneer we in een spirituele context de stap zetten van figuratieve naar non-figuratieve kunst, openbaart zich een uitgebreidere visuele expressie van het heilige. Deze expressie maakt enerzijds gebruik van abstracte oppervlakken, kleuren en structuren, en anderzijds van de vormgevende middelen van het kubisme met zijn constructieve geometrie – dat wil zeggen, de ontleding van de werkelijkheid in kubussen, prisma's, hoekige of gebogen oppervlakken en tektonische lijnen. In deze geometrische abstractie bevrijdt de heilige iconografie zich van traditionele figuratieve conventies en transformeert zij van een verhalende illustratie in een uitnodiging tot transcendente contemplatie.

De christelijke wortels van spirituele abstractie

De weg naar pure abstractie in het westerse modernisme had van meet af aan filosofische wortels en werd in grote mate expliciet ingegeven door christelijke overtuigingen. De pioniers van de non-figuratieve schilderkunst zagen de afstandelijkheid van het materiële object als de enige manier om het puur spirituele zichtbaar te maken.

Wassily Kandinsky (1866-1944): Als een van de grondleggers van de abstracte schilderkunst beschouwde hij artistieke creatie als een heilige dienst. In zijn programmatische essay "Over het spirituele in de kunst" beschreef hij kunst als een dienst aan het heilige. Zijn vroege abstracte kleurdynamiek was een interpretatie van christelijke eschatologische thema's zoals de Openbaring, het Laatste Oordeel en de zondvloed. Wassily Kandinsky's schilderij "Allerheiligen II" werd gemaakt in 1911. Het behoort tot zijn vroegste werken op weg naar abstractie en illustreert Kandinsky's overgang van expressionisme naar pure non-objectiviteit. De religieuze motieven zijn nog steeds herkenbaar in een verhulde vorm, maar ze lossen al op in een vrije dynamiek van kleur en vorm.

Hilma af Klint (1862-1944): Deze Zweedse pionier schilderde al aan het begin van de 20e eeuw puur abstract. Ze beschouwde haar geometrische werken als een directe spirituele opdracht. Haar belangrijkste werk, de "Schilderijen voor de Tempel", waaraan ze in 1906 begon, was bedoeld als een theosofisch-antroposofische meditatieruimte en wordt tegenwoordig beschouwd als het eerste abstracte oeuvre van het westerse modernisme.

Het hier getoonde werk (nr. 1) van Hilma af Klint vormt de chronologische afsluiting van deze baanbrekende cyclus.

Mark Rothko (1903-1970): In de VS radicaliseerde Rothko de abstracte kunstvorm door middel van color field painting. Met de beroemde Rothko Chapel in Houston (Texas) creëerde hij een niet-confessionele, sacrale ruimte, opgebouwd uit donker glinsterende, monumentale doeken die elke traditionele symboliek vermijden om een ​​diepgaand, meditatief effect te bereiken.

Alfred Manessier (1911-1993): Een vooraanstaande figuur in de Franse Informel. Manessier vond zijn weg naar de christelijke sacrale kunst na een persoonlijke crisis in een trappistenklooster en een religieuze bekering. Zijn lichtgevende, lyrisch-abstracte schilderijen en glas-in-loodramen vertalen katholieke mystiek in pure kleuren.

Georg Meistermann (1911-1990) gaf vorm aan het naoorlogse sacrale modernisme in Duitsland door theologische thema's in talloze kerkramen en muurschilderingen te laten opgaan in verfijnde, vloeiende lijn- en abstracte kleurcomposities.

Gerhard Richter (geboren 1932) demonstreerde de meditatieve kracht van pure abstractie met zijn grote raam in de Dom van Keulen (2007). Het bestaat uit ongeveer 11.500 gekleurde glasvierkantjes die in een willekeurig patroon zijn gerangschikt. In plaats van religieuze afbeeldingen Richters een fonkelend lichtspel, dat in het hedendaagse discours vaak wordt geïnterpreteerd als een symbolische ruimte voor het ervaren van het transcendente.

De connectie tussen geometrie en sacrale verlichting is ook duidelijk zichtbaar in het Catalaans modernisme. In zijn meesterwerk, de Sagrada Família in Barcelona, Antoni Gaudí (1852-1926) een formele versmelting van geometrie en licht. Terwijl de buitenfaçades van de kerk gekenmerkt worden door een expressief, figuratief narratief programma, onthult het interieur een wending naar abstracte principes.

Binnenin zijn afbeeldingen van heiligen grotendeels weggelaten, zodat het pure, gemoduleerde licht van de kleurrijke, abstracte glas-in-loodramen de hoofdrol speelt. Deze ramen werden voornamelijk ontworpen door de Catalaanse schilder en glaskunstenaar Joan Vila-Grau (1932-2022) , die zo de intense mystiek van het licht, zoals die in vroegere gotische kathedralen te vinden was, in een eigentijdse stijl nieuw leven inblies.

Kubisme in heilige ruimtes

Zuiver emotionele abstractie krijgt een gestructureerde ordening door de formele principes van het kubisme. De opdeling van de ruimte in elementaire wiskundige vormen biedt de christelijke kunst een formele basis om de goddelijke orde zichtbaar te maken.

Robert Delaunays (1885-1941) vroege analytisch-kubistische verkenning van de gotische architectuur en het binnenvallende licht in de Parijse kerk Saint-Séverin (1909) bleek baanbrekend voor de moderne sacrale kunst. Vanaf 1912 ontwikkelde dit zich tot een pure kleur- en lichtschilderstijl: het Orfisme . Gefascineerd door deze wisselwerking, gebruikte hij de dynamiek van de gewelfbogen om het licht op het doek te ontleden in zijn spectrale componenten – een principe dat een diepgaande invloed had op het mystieke effect van het binnenvallende licht in moderne kerken.

Lyonel Feininger (1871-1956) creëerde eveneens schilderachtige, kristalachtige composities op het snijvlak van kubisme en expressionisme. Zijn beroemde, prismatisch gefragmenteerde afbeeldingen van kerken (zoals de kerk in Gelmeroda) genereren een dichte, architectonische lichtatmosfeer en tonen de kerk niet als een star gebouw, maar als een levendig samenspel van licht en vorm.

In Tsjechië ontwikkelde zich een zeldzame samensmelting van christelijke kunst en puur kubisme . Vóór de Eerste Wereldoorlog was Praag een centrum van architectonisch kubisme . De Tsjechische avant-garde bracht de fragmentatie van kubistische schilderijen rechtstreeks over naar sacrale ruimtes, bijvoorbeeld naar het interieur van de Huskerk in Pečky. Deze kerk wordt beschouwd als een zeldzaam voorbeeld van een kerkinterieur dat volledig in kubistische stijl is ontworpen: altaar, preekstoel, kerkbanken en kroonluchters zijn allemaal gebaseerd op strakke, hoekige oppervlakken.

Deze Tsjechische traditie vond haar tegenhanger in de schilderijen van František Kupka (1871-1957) . Kupka, een pionier van de pure abstractie, creëerde "Katedrála" (1912/13), een werk dat vaak wordt aangehaald in de context van abstracte kunst. Hij beeldt geen echte kerkmuren af, maar ontleedt de gotische architectuur in verticale en diagonale lijnen en overlappende, prismatische kleurvlakken. Hij gaf de torenhoge pilaren en het ritmische samenspel van het heilige glas-in-loodlicht weer op een puur abstracte en geometrische manier.

Terwijl Kupka zich dus bewoog binnen het domein van het Orfisme en de pure lichtabstractie, experimenteerden Tsjechische schilders zoals Emil Filla (1882-1953) en Bohumil Kubišta (1884-1918) met hoekige vormverschuivingen op het doek, die nauw verwant waren aan de christelijke architectuur.

Picasso's passie-iconografie en de erfenis van "Guernica"

Een centraal referentiepunt voor de christelijke kubistische schilderkunst is het werk van Pablo Picasso (1881-1973). Picasso gedurende zijn leven "Abstracte kunst bestaat niet. Je moet altijd ergens mee beginnen." (Zervos 1935, p. 173). Zijn religieuze en seculiere meesterwerken zijn daarom altijd gebaseerd op reële, zij het extreem vervormde, kubistische figuren om onderliggende, existentiële thema's uit te beelden.

In zijn expliciet religieuze meesterwerk "De Kruisiging" (1930) versmelten late kubistische, vlijmscherpe vormen met een surrealistisch-expressieve figuratie om een ​​dramatische ontknoping van het lijdensverhaal te creëren. Jezus aan het kruis, Maria Magdalena en de soldaten die dobbelen, worden afgebeeld met ernstig misvormde lichamen. Deze vermenging van kubisme en surrealisme verbeeldt het lijden op een aangrijpende en pijnlijke manier.

Slechts zeven jaar later verwerkte hij christelijke passie-iconografie in zijn politiek gemotiveerde werk "Guernica" (1937). Hoewel het schilderij voornamelijk wordt beschouwd als een politiek manifest dat de brute verwoesting van de Baskische stad aan de kaak stelt, vertoont de compositie duidelijke structurele parallellen met motieven uit de traditionele christelijke iconografie. Picasso zag radicaal af van alle kleur en gebruikte in plaats daarvan de grijstinten van de grisaille-schilderkunst. Dit maakt het Pietà- aan de linkerkant, waar een schreeuwende moeder haar dode kind wiegt, des te krachtiger, terwijl in het midden van de gruwel de verminkte soldaat die op de grond ligt het martelaarschap belichaamt.

Het originele schilderij "Guernica" van Pablo Picasso (waarvan nog geen foto's in het publieke domein beschikbaar zijn) hangt in het Museo Reina Sofía in Madrid, Spanje, en meet ongeveer 3,50 × 7,80 meter.

De combinatie van historische tragedie en abstracte structuur vormde ook het uitgangspunt voor mijn acrylverfschilderij "Guernica" en andere abstract-figuratieve schilderijen.

In mijn interpretatie van het Guernica-thema streefde ik naar een evenwicht tussen expressieve kleuren en abstracte geometrische structuren. Waar Picasso het kleurenpalet bewust beperkte tot documentaire grijstinten, werkte ik doelbewust met kleurcontrasten om de pijn voelbaar te maken. Deze kleurspanningen concentreren zich als een laaiende vuurzee in de poorten en ramen van het centrale kerkgebouw, terwijl de omringende compositie gehuld blijft in nachtelijke duisternis.

De reliëfachtige structuren en heldere geometrische arrangementen verdelen het beeld met visuele barrières en ruimtes. Ze dwingen de blik van de kijker om het lijden emotioneel te ervaren. De blik wordt geleid over de straaljagers bovenaan het beeld, en naar beneden over de brandende kerk en het vermanende kruisbeeld naar een dichte, asgrijze structuur, waaronder de strak gefixeerde, reliëfachtige silhouetten van de slachtoffers zichtbaar zijn: een anti-oorlogsbeeld.

Het heilige werk van prof. dr. Michael Kastor

De focus op expliciet christelijke thema's werd vanaf het begin van de 21e eeuw steeds prominenter in mijn eigen werk. Dit werk is niet bedoeld als een historiserende imitatie, maar eerder als een poging om de kunsthistorische vraagstukken van het modernisme in het hedendaagse atelier verder te ontwikkelen – een pad dat ik al heb geschetst in mijn eerdere essay over het constructief kubisme.

Vanaf 2004/05, toen ik me wijdde aan een reeks abstracte, kubistische hoofdstudies – de zogenaamde ‘Hoofden’ – een puur formele, artistieke weergave van hoofden, veranderde mijn perceptie van de compositie toen ik het laatste schilderij uit deze reeks bekeek: de geometrische lijnen, de scherpe randen en de kubistische schaduwpartijen van het geschilderde hoofd versmolten plotseling tot een gezicht vol lijdende waardigheid. Dat was het eerste schilderij in deze heilige cyclus. Er volgden nog meer ‘JEZUS’ en ‘CHRISTOS’ schilderijen, die voornamelijk van elkaar verschilden in kleur.

Een eerdere serie van tien kleine schilderijen met de titel "VIA CRUCIS"werd in 2001 gemaakt. Deze schilderijen beelden het kruis in verschillende vormen uit, met een breed scala aan kleuren en materialen. De schilderijen bieden de kijker ruime ruimte voor persoonlijke contemplatie en de christelijke hoop op transformatie.

Conclusie: De heilige abstractie en geometrie van het geloof

Christelijke abstracte kunst en abstracte kunst illustreren niet langer louter het verleden, maar maken spirituele thema's direct aanwezig. Het kubisme, met zijn geometrische vervorming, hiervoor een nieuwe representatievorm. Het combineert de wiskundige precisie van de constructie met de expressieve kracht van kleur.

Hoewel Picasso zich altijd aan het object hield, wijst zijn verbrijzeling van de vorm niettemin de weg: abstractie zelf, als een ervaringsruimte zonder beelden, brengt het onbegrijpelijke over door traditionele symbolen op te lossen in licht, vormen en kleuren die de kijker leiden naar de sfeer van spirituele en meditatieve innerlijkheid.

Laten we tot slot luisteren naar de gerenommeerde schilder Markus Lüpertz (geboren 1941) . Lüpertz , die van 1988 tot 2009 hoogleraar en rector was aan de prestigieuze Kunstacademie van Düsseldorf, heeft de naoorlogse kunst aanzienlijk beïnvloed met zijn expressieve, krachtige stijl, die zich beweegt tussen figuratie en abstractie. Decennialang heeft de kunstenaar zich intensief toegelegd op religieuze kunst en ontwierp hij talloze glas-in-loodramen in verschillende historische kerken.

Tot zijn belangrijke werken in de openbare ruimte behoren de glas-in-loodramen in de Sint-Andrieskerk in Keulen, de Elisabethcyclus in de Sint-Elisabethkerk in Bamberg en het Reformatievenster in de Marktkerk in Hannover. Lüpertz beschrijft deze glaskunst als een fascinerend "schilderen met licht", waarbij het kunstwerk verbonden blijft met de liturgische ruimte.

Hoewel Lüpertz nooit omschreven wilde worden als een klassieke 'hedendaagse christelijke kunstenaar' in de zin van een dogmatische classificatie – aangezien hij de absolute autonomie van de kunst verdedigt – is zijn werk onlosmakelijk verbonden met zijn spirituele identiteit. Hij beschrijft de essentie van de kunstenaar als een goddelijk instrument: "Een kunstenaar heeft talent van God ontvangen en daarmee heeft hij de taak op zich genomen om kunst te creëren" (Lüpertz 2015, p. 44). Elders licht hij dit verder toe: "De kunstenaar is een uitzondering. Hij is een metgezel, gezonden door God om de wereld aan de mensheid uit te leggen" (Lüpertz 2013, p. 45).

Literatuurbronnen

• Düchting, Hajo: Hoe herken ik het? De kunst van het kubisme, Belser, Stuttgart 2007.
• Elger, Dietmar: abstracte kunst, Taschen, Keulen 2017.
• Aartsbisdom Freiburg (red.): Michael Kastor – Christos, in: Catalogus voor de reizende tentoonstelling "Zuwendung – barmherzig-sein-konkret" (Compassie – Barmhartig zijn – Concreet), kunsttentoonstelling van herfst 2025 tot zomer 2026, Hegne – Mosbach – Emmendingen – Freiburg, 2025, p. 38.
• Imdahl, Max: Picasso's Guernica – Een kunstmonografie, Insel Verlag, Frankfurt am Main 1985.
• Kandinsky, Wassily: Over het spirituele in de kunst, 10e editie, Benteli, Bern 1980.
• Kastor, Michael: Constructief kubisme – Synthese van structuur en intuïtie, in: Kunstplaza Magazine, 16 juli 2026, online te vinden op: www.kunstplaza.de/kuenstler/constructive-cubism-synthesis/ (geraadpleegd op 28 juli 2026).
• Lamarová, Milena et al. (red.): Tsjechisch kubisme – architectuur en design 1910-1925, Vitra Design Museum, Weil am Rhein 1991.
• Lüpertz, Markus: “De kunstenaar is geen mens”, in: Handelsblatt, nr. 191 (4 oktober 2015), p. 44 (online, geraadpleegd op 20 juli 2026).
• Lüpertz, Markus: De kunstenaar is een uitzondering, in: kunst – Het kunsttijdschrift, nr. 11, november 2013, pp. 42–49.
• Rodriguez y Romero, Joachim: Pablo Picasso: Meester van het kubisme – Biografie, werk, leven, in: Kunstplaza Magazine, online op: www.kunstplaza.de/kuenstler/pablo-picasso/ (geraadpleegd op 18.07.2026).
• Spieler, Reinhard / Auer, Barbara (red.): Tegen alle reden: Surrealisme Parijs – Praag, ter gelegenheid van de tentoonstelling in het Wilhelm-Hack-Museum en Kunstverein Ludwigshafen, Belser, Stuttgart 2009.
• Zervos, Christian: Gesprek met Picasso, in: Cahiers d'Art, Vol. 10, nr. 7-10, Parijs 1935, pp. 173-178.

Over de auteur en kunstenaar

Prof. dr. Michael Kastor – Emeritus hoogleraar, schilder, muzikant, auteur.

Michael Kastor, geboren in 1958, onderzoekt de beeldende kunst van het sacrale op het snijvlak van abstractie en geometrie. Hij combineert kunsthistorische analyse met het creëren van zijn eigen sacrale iconografie. Zijn teksten en schilderijen overbruggen de kloof tussen de christelijke avant-garde van het modernisme en een hedendaagse mystiek van licht en kleur, beïnvloed door het constructief kubisme.