Abstracte kunst – een overzicht van de non-figuratieve kunststroming

Heb je ooit voor een kunstwerk gestaan ​​en was je zowel onder de indruk van de visuele intensiteit als volkomen verbijsterd door de boodschap ervan? Wat moet het nu eigenlijk voorstellen? Is het kunst , of kan ik het weggooien? Wat probeert de kunstenaar me over te brengen?

Als je ooit zulke gedachten hebt gehad tijdens het bekijken van een kunstwerk en je het toch niet kon loslaten, dan was het hoogstwaarschijnlijk een abstract kunstwerk.

Wat is abstracte kunst? – Kenmerken en definitie

Abstracte kunst "non-figuratieve kunst" of "non-objectieve kunst" genoemd – is per definitie een verzamelnaam voor kunststromingen uit de 20e eeuw die na 1900 zijn ontstaan. Het maakt gebruik van artistieke expressiemiddelen die gedeeltelijk of volledig abstract zijn van het object en vertoont daardoor raakvlakken met het kubisme.

Abstracte kunstenaars creëren werken die volledig losstaan ​​van de natuur en reële objecten. Ze verwerpen fundamenteel elke vorm van representatie. Hun bewustzijn en creatieve drijfveer zijn gebaseerd op esthetiek omwille van de esthetiek zelf.

Abstracte kunst eenvoudig en bondig uitgelegd:

Abstracte kunst is kunst die niet tracht een nauwkeurige weergave van de visuele werkelijkheid te creëren, maar gebruikmaakt van oppervlakken, lijnen, kleuren, vormen, texturen en gebaren om het gewenste effect te bereiken

"Concrete Kunst" ook vaak op, en een duidelijk onderscheid met Abstracte Kunst is slechts in beperkte mate mogelijk. De term werd in 1924 geïntroduceerd door Theo van Doesburg Art Concret- groep in 1930 .

Strikt genomen vertegenwoordigt het een specifieke kunstvorm die idealiter gebaseerd is op wiskundige en geometrische principes.

Abstracte kunst is, naast muziek, wellicht een van de puurste vormen van artistieke expressie . Het geeft kunstenaars volledige vrijheid om gevoelens en emoties over te brengen, ongehinderd door figuratieve elementen binnen de objectieve realiteit.

Abstracte kunst draagt ​​vaak ook een morele dimensie in zich, waarbij deugden zoals orde, zuiverheid, eenvoud en spiritualiteit worden verbeeld en in beeldende vorm worden verspreid. Het is sinds het begin van de 20e eeuw een centrale stroming in de moderne kunst .

Abstracte schilderijen kunnen met veel verschillende materialen worden gemaakt, waarbij veel kunstenaars acrylverf gebruiken. Abstracte olieverfschilderijen en aquarellen zijn ook erg populair onder hedendaagse kunstenaars. Hun schilderijen op doek zijn zeer gewild bij verzamelaars, galeriehouders en kunstliefhebbers wereldwijd.

Welk idee ligt ten grondslag aan deze kunststroming?

Zoals in het begin al vermeld, is het centrale thema esthetiek als zodanig en de bevrijding van expressievormen van representatieve beperkingen.

De conceptuele wortels gaan waarschijnlijk terug tot het oude Griekenland. Het filosofische kader voor het classificeren en waarderen van de formele kwaliteiten van een kunstwerk is dus afgeleid van een uitspraak van Plato :

Rechte lijnen en cirkels zijn niet alleen mooi... maar eeuwig en absoluut mooi

Plato wilde in wezen uitdrukken dat niet-representatieve beelden (bijvoorbeeld eenvoudige geometrische vormen) een absolute, onveranderlijke schoonheid bezitten.

Een kunstwerk kan derhalve uitsluitend op basis van zijn lijnen en kleuren worden gewaardeerd – het hoeft niet per se een natuurlijk object of een realistische scène af te beelden.

De Franse schilder, lithograaf en kunsttheoreticus Maurice Denis (1870-1943) was zich kennelijk zeer bewust van dit idee van Plato toen hij schreef:

Bedenk dat een schilderij, voordat het een oorlogspaard of een naakte vrouw wordt, in wezen een plat oppervlak is dat in een bepaalde volgorde met kleuren is bedekt."

Sommige abstracte kunstenaars omschrijven hun ambitie als het creëren van het visuele equivalent van een muziekstuk, iets dat op zichzelf bekeken en gewaardeerd kan worden. Ze willen niet dat kijkers zich hoeven af ​​te vragen: "Waar gaat dit schilderij eigenlijk over? "

De geschiedenis van abstracte kunst – van het begin tot nu

Voorlopers in het stenen tijdperk

Als we iets verder teruggaan in de tijd, dan zien we dat abstracte kunst al zo'n 70.000 jaar geleden betekenis had, bijvoorbeeld in de vorm van prehistorische gravures. Zo werden er bijvoorbeeld in de Blombos-grot in Zuid-Afrika twee rotsblokken gevonden met abstracte geometrische patronen uit die periode.

Daarnaast werden er archeologische vondsten gedaan van abstracte rode okerkleurige stippen en handstencils die gebruikt werden in de schilderingen van de El Castillo-grot uit de periode 39.000-34.000 v.Chr.

Daarna werden abstracte symbolen blijkbaar lange tijd de overheersende vorm van paleolithische grotkunst en werden ze ongeveer twee keer zo vaak aangetroffen als figuratieve afbeeldingen.

Oorsprong en begin in de 19e eeuw

Abstracte kunstvormen, zoals we die vandaag kennen, zijn veel recenter. Hun oorsprong ligt in de afwijking van de klassieke academische schilderkunst in het Europa van eind 19e en begin 20e eeuw.

Voorheen volgden schilderijen en sculpturen de traditionele principes van het klassieke realisme, zoals onderwezen aan de grote Europese academies . Deze principes stelden de voornaamste taak van kunst vast als het afbeelden van een herkenbare scène of een concreet object.

Het tijdperk van het einde van de 19e en het begin van de 20e eeuw, gekenmerkt door een enorme overvloed aan artistieke creaties, bracht een hele reeks schilders voort die de verbanden en inherente mechanismen van licht en visuele waarneming tot in detail onderzochten.

Veel gerenommeerde kunstenaars van vóór deze tijd schilderden met behulp van de methoden van het klassieke realisme , waarbij ze realistische perspectieven, schaduwen en andere technieken gebruikten om historische scènes en objecten weer te geven.

De Romantiek het classicisme verwierp. In plaats daarvan werd de rol van verbeelding en het onbewuste benadrukt als essentiële creatieve factoren .

Geleidelijk aan gingen veel schilders uit deze periode de nieuw verworven creatieve vrijheid en de nieuwe eisen die de samenloop van deze opvattingen met zich meebracht, waarderen. Het impressionisme als kunststroming (ca. 1870-1880) vertoonde al de eerste tekenen van een afwijking van de strikt figuratieve schilderkunst .

Met name de varianten neo-impressionistisch pointillisme en post-impressionisme vestigden de aandacht op het bijzondere effect van kleur als stijlmiddel.

Het Duitse expressionisme vestigde uiteindelijk het vrije gebruik van vormen en kleuren als hoeksteen van de schilderkunst. De daaropvolgende Art Nouveau-beweging (ca. 1890-1914) beïnvloedde eveneens de ontwikkeling van de abstracte kunst.

Het citaat van Maurice Denis uit 1890 (zie hierboven) vat deze verschuiving perfect samen. Het geeft op treffende wijze de heersende opvatting weer onder de symbolistische en postimpressionistische kunstenaars van zijn tijd.

begin 20e eeuw

Alle belangrijke stromingen van de eerste twee decennia van de 20e eeuw, waaronder het fauvisme, expressionisme , kubisme en futurisme, benadrukten op een of andere manier de kloof tussen kunst en de natuurlijke verschijningsvorm van de afgebeelde onderwerpen.

Er bestaat echter een belangrijk verschil tussen het simpelweg abstraheren van het daadwerkelijke uiterlijk van een onderwerp en het creëren van kunstwerken uit vormen, lijnen en structuren die geen equivalent hebben in onze natuurlijke omgeving.

In de jaren vóór de Eerste Wereldoorlog wendden kunstenaars als Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Kasimir Malevich en Vladimir Tatlin tot fundamenteel abstracte kunst.

"Over het spirituele in de kunst", gepubliceerd in 1911, werd een baanbrekend manifest.

Men neemt nu echter aan dat de Zweedse kunstenares Hilma af Klint vijf jaar vóór Kandinsky het eerste abstracte schilderij in Stockholm maakte. Haar futuristische werken, met biomorfe en geometrische vormen tegen een opvallende achtergrond, waren revolutionair voor hun tijd.

Terwijl Vassily Kandinsky een reputatie opbouwde als succesvol schilder, bleven de werken van Klint lange tijd grotendeels onopgemerkt vanwege hun ingetogen karakter. Ze hield het grootste deel van haar werk voor zichzelf en exposeerde het zelden.

Ze vroeg haar familie om de publicatie van haar werk uit te stellen tot twintig jaar na haar dood, omdat ze geloofde dat de wereld nog niet klaar was voor haar visie. Haar kunstwerken bleven verborgen tot 1986, toen ze grote belangstelling trokken.

Deze nieuwe schilderstijl werd beschouwd als 'pure kunst', omdat de motieven uitsluitend in de verbeelding van de kunstenaars ontstonden en niet werden gekopieerd of gebaseerd op de werkelijkheid. De formele kwaliteiten van een kunstwerk werden benadrukt boven de figuratieve inhoud.

Deze volledige afwijzing van elke vorm van representatie werd door de meeste kunstenaars, zelfs de progressieven, destijds nogal kritisch bekeken. Tijdens de Eerste Wereldoorlog verbreedden de opkomst van de De Stijl-groep in Nederland en de Dada-groep in Zürich het spectrum van de abstracte kunst verder.

Paul Klee wordt vaak over het hoofd gezien in discussies over abstractie in de kunst van de vroege 20e eeuw – en dat is onterecht. Zijn omvangrijke oeuvre, dat zowel zijn vroege als late periode omvat, biedt een schat aan indrukwekkende voorbeelden van de ontwikkeling van abstracte beeldwerelden en effectieve processen van schilderkunstige abstractie.

Terwijl zijn tijdgenoten vaak radicaal met het onderwerp omgingen en het publiek bijna choqueerden met hun non-figuratieve composities, streefde Paul Klee naar verbanden en continuïteit in zijn abstracte schilderijen. Hij integreerde figuratieve elementen in veel van zijn werken en opende, door zorgvuldig gekozen titels, nieuwe interpretatiemogelijkheden. Dit is wellicht zelfs een doorslaggevende reden geweest voor het opmerkelijke succes van deze kunstenaar.

Abstractie. De koele romantiek van deze stijl, verstoken van pathos, is ongekend.”

Klee merkte dit al op in 1915. Een andere observatie over de mate van abstractie in de kunst uit hetzelfde jaar lijkt vandaag de dag relevanter dan ooit en kan universeel worden toegepast op het moderne bestaan:

Hoe angstaanjagender deze wereld, hoe abstracter de kunst, terwijl een gelukkige wereld aardse kunst voortbrengt

Deze inzichten tonen niet alleen Klee's diepe betrokkenheid bij kunst aan, maar nodigen ons ook uit om zijn werk te herontdekken en na te denken over de relevantie ervan in onze huidige tijd.

Klee's abstracte werk "Vuur bij volle maan" is een schitterend voorbeeld van het gebruik van abstracte vormen om een ​​veelzijdig idee uit te beelden. Vuur en maan worden gesymboliseerd door herhalende geometrische vormen, omgeven door donkere vlakken die de dansende vlammen en de zwaartekracht van de maan benadrukken. De intense kleuren versterken het gevoel van pulserende beweging, terwijl de donkere en grijze vlakken een kalmerend contrast bieden.

De abstracte werken van Paul Klee zijn diep geworteld in de thema's natuur, architectuur, muziek en literatuur. Deze elementen stelden hem in staat de essentie van de schilderkunst te destilleren. Zijn kunst kenmerkt zich door een rijk gebruik van lijn en kleur, wat een grote diversiteit aan mogelijkheden onthult. Zo verschilt de kleurrijke abstractie van zijn aquarel tuingezichten van Hammamet (1914) aanzienlijk van de explosieve composities die hij tijdens de Eerste Wereldoorlog creëerde.

Tijdens de Bauhaus-periode transformeerden Klee's color field-schilderijen, die bloeiende bomen afbeeldden, in minimalistische vormen met architectonische associaties. Zijn latere werken zijn bijzonder opvallend, met donkere vormen die doen denken aan planten of schrifttekens. Klee was een enthousiast musicus en vond ook ritmische structuren in zijn abstracte composities, waaruit muzikale tonen en melodieën duidelijk te onderscheiden zijn.

Wereldoorlogen en de naoorlogse periode

De opmars van deze kunststroming werd gestuit door de wereldoorlogen. In het licht van totalitaire politiek en kunststromingen die zich steeds meer richtten op surrealistische en maatschappijkritische realistische , kregen abstracte werken in deze periode weinig aandacht.

Pas na het einde van de Tweede Wereldoorlog ontstond er een energieke Amerikaanse stroming binnen de abstracte schilderkunst – deze werd "Abstract Expressionisme" en zou een grote, blijvende invloed op de kunstwereld hebben.

Sinds de jaren vijftig is abstracte kunst een erkende en wijdverbreide stroming in de Europese en Amerikaanse schilderkunst en beeldhouwkunst. Deze kunststroming heeft ongetwijfeld veel mensen in verwarring gebracht en roept bij sommige kijkers waarschijnlijk nog steeds hoofdschudden op.

Voor kunstliefhebbers die de niet-referentiële taal ervan accepteren en waarderen, bestaat er echter geen twijfel over de waarde ervan en de prestaties van de kunstenaars.

7 vormen van non-figuratieve kunst in detail

Om binnen deze verzamelterm een ​​logische classificatie te maken, kunnen de volgende zes basistypen in principe stilistisch van elkaar worden onderscheiden op basis van bepaalde kenmerken:

01 Curvilineaire kunst

Dit type gebogen abstractie is nauw verwant aan de Keltische kunst, die gebruik maakte van diverse abstracte motieven en patronen. Denk hierbij aan knopen, vlechtwerk en spiralen (waaronder de triskel).

Verrassend genoeg waren de Kelten niet de bedenkers. Oudere culturen hadden deze Keltische ontwerpen al eeuwen eerder gebruikt. Het valt echter niet te ontkennen dat de Kelten deze kunstvorm nieuw leven inbliezen, de mate van detail en verfijning verder ontwikkelden en aanzienlijk bijdroegen aan de verspreiding ervan.

Later keerden gebogen motieven terug tijdens de Keltische heroplevingsbeweging van de 19e eeuw en de invloedrijke Art Nouveau-beweging van de 20e eeuw, met name in boekomslagen, textiel, behang en chintz-ontwerpen van William Morris (1834-96) en Arthur Mackmurdo (1851-1942).

William Morris

William Morris werd in 1834 geboren in de buurt van Londen, meer precies in Walthamstow. Zijn familie behoorde tot de welgestelde klasse, aangezien zijn vader op de effectenbeurs werkte en hem daardoor een aanzienlijke erfenis naliet.

Morris had uiteenlopende interesses en talenten, variërend van schilderkunst en poëzie tot decoratieve kunsten en architectuur.

Morris was een gepassioneerd natuurliefhebber, wat tot uiting kwam in zijn uitgebreide decoraties, versierd met delicate bloemen en vogels. Zijn kleurrijke werken maskeerden zijn soms opvliegende temperament.

Onder zijn leiding groeide het bedrijf aanzienlijk en produceerde het nu ook tapijten, wandkleden en behang.

Hoewel Morris tot aan zijn dood druk bezig bleef met zijn bedrijf, vond hij toch nog tijd om zich te wijden aan zijn passie voor tapijtweven en het schrijven van gedichten en legendes.

Arthur Heygate Mackmurdo

Arthur Heygate Mackmurdo was een visionaire architect en ontwerper uit Engeland wiens ideeën een grote invloed hadden op de Arts and Crafts-beweging . Met name door de oprichting van het Century Guild of Artists in 1882, in samenwerking met Herbert Horne, gaf hij een belangrijke impuls aan de ontwikkeling van abstracte kunst.

Als pionier van de moderne stijl wordt hij beschouwd als een drijvende kracht achter de wereldwijde art nouveau-beweging.

Ook de curvilineaire abstractie de islamitische kunst .

02 Kunst met een sterke focus op kleur en licht

Voorbeelden van dit type werk zijn de werken van William Turner (1775-1851) en Claude Monet (1840-1926). Zij gebruiken kleur of licht zo vakkundig dat ze het kunstwerk loskoppelen van de figuratieve realiteit, terwijl het object oplost in een werveling van pigmenten.

William Turner

William Turner , een van de belangrijkste Engelse kunstenaars, werd in 1789 toegelaten tot de Royal Academy. Naast zijn studie liep hij ook stage bij de aquarellist Thomas Malton. Hij exposeerde zijn aquarellen voor het eerst op een tentoonstelling van de Royal Academy in 1790 en diende daar zes jaar later zijn eerste olieverfschilderij in.

Na een periode van reizen die hem naar Schotland, Zwitserland en Frankrijk brachten, opende Turner in 1804 zijn eigen galerie. In 1807 werd hij benoemd tot professor aan de Royal Academy en begon hij "Liber Studiorum ", een catalogus waarin hij schilderijen categoriseerde volgens specifieke criteria.

Een reis naar Italië in 1819/20, waarbij hij langere tijd in Rome verbleef, leidde tot een verandering in Turners stijl. Zijn schilderijen namen steeds meer afstand van het realisme, wat hem scherpe kritiek opleverde. Sommige van zijn latere werken werden niet langer tentoongesteld in de Royal Academy vanwege het verdwijnen van figuratieve elementen.

Turner reisde later herhaaldelijk naar Zuid-Europa, met name naar Venetië, dat hem fascineerde met zijn bijzondere kleuren en hem inspireerde tot verschillende schilderijen. Met zijn heldere en pure kleuren wordt hij beschouwd als een van de meest opmerkelijke landschapsschilders van de Romantiek .

Fauvisme

Op dezelfde manier kunnen verschillende fauvistische werken van Henri Matisse (1869-1954) tot dit type worden gerekend. Hetzelfde geldt voor een aantal expressionistische schilderijen van Kandinsky en voor werken van zijn collega Franz Marc (1880-1916).

Bovendien maakte de Tsjechische schilder Frank Kupka (1871-1957) enkele van de eerste abstracte schilderijen met veel kleur, die later Robert Delaunay (1885-1941) beïnvloedden. Delaunay, in zijn Orphistische , die ook geïnspireerd was door het kubisme, maakte eveneens gebruik van kleur.

Kleurveldschilderkunst en lyrische abstractie

In de late jaren veertig en de jaren vijftig herleefde de kleurgerelateerde abstractie in de vorm van color field painting, Mark Rothko (1903-70) en Barnett Newman (1905-70)

De color field painting-techniek, waarbij grote vlakken met heldere en intense kleuren worden gebruikt, werd ook gepromoot door Clyfford Still . Color field painting kenmerkt zich door de focus op de wisselwerking tussen kleuren in plaats van op specifieke ideeën of vormen. Er werden grote doeken gebruikt om de werken een opvallende expressiviteit te geven.

Door conventionele beeldarrangementen en figuratieve voorstellingen los te laten, kreeg de directe impact van pure kleurvlakken alle ruimte. Mark Rothko is een van de belangrijkste vertegenwoordigers van deze stroming. Abstracte composities met talloze rechthoekige vlakken in verschillende tinten van hetzelfde of een vergelijkbaar karakter kenmerken zijn oeuvre. Hoewel hij ook sterke primaire kleuren gebruikt, overheersen warme aardetinten.

Op vergelijkbare wijze experimenteerde Clyfford met nog grotere abstractie in zijn werk. Daarbij creëerde hij grootschalige schilderijen met krachtige, contrasterende kleuren. Op deze manier riep de kunstenaar een sterke emotionele reactie op.

De color field painting creëerde, door haar revolutionaire aanpak, nieuwe ruimtes voor persoonlijke gevoelens en wekte emoties op bij de kijker door conventionele, figuratieve methoden te vermijden. Lyrische abstractie , als concurrerende vorm van deze stijl, ontstond voor het eerst in Frankrijk in de jaren 50.

03 Geometrische abstractie

Deze meer intellectuele kunstvorm, die gebruikmaakt van geometrische vormen, ontstond tegen het einde van het eerste decennium van de 20e eeuw. Een vroege, nog onderontwikkelde vorm was het kubisme, met name het analytisch kubisme.

Hij verwierp het lineaire perspectief en de illusie van ruimtelijke diepte in de schilderkunst volledig, waarmee hij brak met veel voorheen gangbare normen in de kunstwereld. Deze radicale heroriëntatie bracht kunstenaars ertoe zich volledig te concentreren op de tweedimensionale aspecten van een schilderij.

Geometrische abstractie staat ook bekend als concrete kunst en non-objectieve kunst – met een sterke focus op niet-naturalistische beelden, waarbij gebruik wordt gemaakt van eenvoudige geometrische vormen zoals cirkels, vierkanten, driehoeken, rechthoeken, enzovoort.

Het volledig ontbreken van enige verwijzing naar, of zelfs enige connectie met, de natuurlijke wereld maakt het tot de puurste vorm van abstractie.

Voorbeelden van concrete kunst zijn:

• Zwarte Cirkel (1913) van Kasimir Malevich (1878-1935) – tentoongesteld in het Staats Russisch Museum in Sint-Petersburg
• Broadway Boogie-Woogie (1942) van Piet Mondrian (1872-1944) – tentoongesteld in het MoMA in New York
• Composition VIII (De Koe) (1918) van Theo van Doesburg (1883-1931) – ook tentoongesteld in het MoMA in New York.
• Een eerbetoon aan het plein door Josef Albers (1888-1976)

04 Op Art

Optische kunst Op Art genoemd , ontstond in de jaren 60. De Hongaarse kunstenaar Victor Vasarely (1906-1997), die optische verschijnselen intensief bestudeerde, heeft deze stroming aanzienlijk vormgegeven.

Om visuele illusies te creëren, speelden Op Art-kunstenaars – waaronder gerenommeerde kunstenaars als Julio Le Parc , François Morellet en Yaacov Agam – met kleuren, vormen en licht. Het was als een omkering van de abstract-expressionistische beweging van de voorgaande decennia.

Terwijl Op Art zich richtte op het misleiden van de blik van de kijker en het opwekken van een visuele obsessie, communiceerden abstract expressionistische kunstenaars hun gevoelens en emoties door middel van dynamische penseelstreken. Geometrische patronen en illusionaire effecten kenmerkten deze kunststroming.

De resulterende beelden, gecreëerd door een vakkundig samenspel van kleur- en vormcontrasten, maakten het voor de kijker onmogelijk om voorgrond van achtergrond of realistische weergave van puur ontwerp te onderscheiden. De makers van Op Art waren niet alleen geïnteresseerd in een esthetische ervaring, maar ook in de actieve betrokkenheid van het publiek.

Ze nodigden de kijker als het ware uit om door de visuele illusies heen te kijken en het mysterie achter het kunstwerk te ontrafelen door hun zintuigen te gebruiken. Dankzij dit interactieve element was Op Art een opmerkelijke kunststroming.

Optische kunst had ook een enorme invloed op andere gebieden, zoals design en architectuur. De principes ervan werden toegepast op het ontwerp van alledaagse voorwerpen, gevels van gebouwen en zelfs mode.

05 Emotionele of intuïtieve abstracte kunst

Dit is een kunstvorm . Het wordt in essentie gekenmerkt door een mengeling van stijlen. Er is een gemeenschappelijk thema te herkennen, dat zich kenmerkt door een naturalistische tendens.

Deze neiging tot naturalisme komt tot uiting in de manier waarop vormen en kleuren worden gebruikt. In tegenstelling tot geometrische abstractie, die vrijwel volledig zonder verwijzingen naar de figuratieve natuur te werk gaat, kiest deze kunstvorm een ​​enigszins andere richting.

Intuïtieve abstractie probeert de natuur in haar werken tot leven te wekken, maar op een minder figuratieve manier.

Twee belangrijke bronnen voor dit type kunst zijn organische abstractie (ook wel biomorfische abstractie ) en surrealisme .

De wellicht bekendste vertegenwoordiger van deze schilderkunstvorm was de in Rusland geboren Mark Rothko .

Voorbeelden van intuïtieve abstractie zijn, naast de schilderijen van Mark Rothko:

• Compositie nr. 4 (1911) en compositie VII (1913) van Wassily Kandinsky – tentoongesteld in de Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen en Tretjakow Gallery
• Het typische bord, de vork en de navel (1923) van Jean Arp (1887-1966) – in een privécollectie
• Vrouw (1934) van Joàn Miró (1893-1983) – eveneens in een privécollectie
• Inscape: Psychologische morfologie nr. 104 (1939) van Matta (1911-2002) – ook in een privécollectie
• Oneindige deelbaarheid (1942) van Yves Tanguy (1900-55) – tentoongesteld in de Allbright-Knox Art Gallery in Buffalo (VS)

Voorbeelden in beeldhouwkunst en houtsnijwerk:

• De kus (1907) van Constantin Brancusi (1876-1957) – Kunsthalle, Hamburg
• Moeder en Kind (1934) van Barbara Hepworth (1903-1975) – tentoongesteld in de Tate Gallery
• Reuzenpit (1937) van Jean Arp – tentoongesteld in het Nationaal Kunstmuseum, Centre Georges Pompidou, Frankrijk
• Drie staande figuren (1953) van Henry Moore (1898-1986) – Guggenheim Museum, Venetië

06 Gebarenabstractie

Gesturale abstractie is een variant of subvorm van abstract expressionisme. In deze stijl wordt meer belang gehecht aan het creatieproces van het schilderij dan voorheen gebruikelijk was.

Zo kan verf hier bijvoorbeeld op ongebruikelijke manieren worden aangebracht. Ook de penseelstreken zijn doorgaans erg los, spontaan en snel.

Bekende Amerikaanse vertegenwoordigers van de gebarenschilderkunst zijn Jackson Pollock (1912-1956), de uitvinder van Action Painting en de druppeltechniek , en zijn vrouw Lee Krasner (1908-1984), die hem inspireerde met haar eigen vorm van druppelschilderkunst.

Jackson Pollock beschreef abstracte kunst als een "onthulde energie en beweging" die zijn psyche bevrijdde en een stem gaf. In deze kunstvorm vond hij de vrijheid om verder te gaan dan getrouwe reproducties van de omgeving. Abstracte kunstenaars werden aangemoedigd om kunst te maken zonder zelfcensuur en intuïtief, "vanuit het onderbuikgevoel .

Andere belangrijke figuren zijn Willem de Kooning (1904-97), beroemd om zijn serie "Woman", en Robert Motherwell (1912-56), die wereldwijde bekendheid verwierf met zijn serie "Elegy to the Spanish Republic" .

geïllustreerd door het tachisme en de CoBrA-groep – met name Karel Appel

7 Minimalisme

Als tegenbeweging tegen de gebarenrijke schilderkunst van het abstract expressionisme het minimalisme als een avant-garde kunststroming in de VS. Een soort postmodernisme , om het zo maar te zeggen.

Het werd ook bevrijd van alle externe verwijzingen en associaties. Het is gereduceerd tot wat je daadwerkelijk ziet – niets meer.

Minimalisme neemt vaak een geometrische vorm aan of is gestructureerd volgens geometrische principes. Deze kunststroming wordt gedomineerd door beeldhouwers en is met name sinds de jaren 80 prominent aanwezig in de architectuur en het moderne design.

het Museum Barberini in Potsdam een ​​indrukwekkende tentoonstelling met meer dan negentig kunstwerken van de schilder Gerhard Richter . De focus lag op abstracte kunst. Deze tentoonstelling plaatste Richters werk, dat meer dan vijftig jaar omspant, in een bredere context. Het van Berlin-av kreeg de gelegenheid om Gerhard Richter te ontmoeten tijdens de opening van de tentoonstelling. In de video bespreekt hij verschillende aspecten van zijn artistieke werk tijdens een persconferentie.

Gerhard Richter, vaak de "Picasso van de 21e eeuw " genoemd, wordt geroemd om zijn veelzijdige oeuvre. Een tentoonstelling in het Haus der Kunst in 2009 presenteerde voor het eerst een uitgebreide selectie van zijn abstracte schilderijen die hij sinds de jaren 70 maakte. Deze grootformaat werken, veelal in series gemaakt, weerspiegelen Richters intensieve onderzoek naar de principes en grenzen van de schilderkunst.

Zijn creatieve proces wordt gekenmerkt door een "geplande spontaneïteit ", waarbij hij zonder vooropgezet motief werkt en het toeval benut. Met penselen, rakelgereedschap en spatels creëert hij laag na laag van veranderende kleurelementen, wat vaak resulteert in ruimtelijke structuren, maar nooit in duidelijk herkenbare objecten. Veel van deze schilderijen doorlopen meer dan dertig stadia, waarbij de overblijfselen van het proces op een fascinerende manier zichtbaar blijven.

De meer dan vijftig werken in de tentoonstelling werden gekenmerkt door hun adembenemende kleurintensiteit en vormen een visuele ervaring van "watervallen van bedwelmende, psychedelische kleuren" .

Waarom fascineert abstracte kunst ons zo?

Misschien heb je dit ook wel eens meegemaakt: je bleef maar kijken naar een bepaald abstract kunstwerk, je voelde je erdoor aangetrokken – zonder precies te kunnen begrijpen waarom.

Het is niet makkelijk uit te leggen, maar het valt niet te ontkennen. Abstracte kunst kan een unieke fascinatie oproepen die onze geest boeit. Het kan bij de kijker diverse associaties en denkprocessen teweegbrengen en onze verbeelding op reis sturen.

Abstracte kunst begrijpen is op zich niet bijzonder moeilijk – je hebt eigenlijk alleen een open geest en een flinke dosis verbeelding nodig.

De eerste stap is het loslaten van vertrouwde ideeën en vastgeroeste overtuigingen. Abstracte kunst begrijpen draait vooral om verder kijken dan hoe we dingen kennen en waarnemen. Pas dan ontvouwt zich de ware kracht van deze werken.

De in Armenië geboren tekenaar en schilder Arshile Gorky vat het als volgt samen:

Abstractie stelt de mens in staat om met zijn geest te zien wat hij fysiek niet met zijn ogen kan waarnemen. Abstracte kunst stelt de kunstenaar in staat om het oneindige voorbij het tastbare te zien en het uit het eindige te halen. Het is de bevrijding van de geest. Het is een verkenning van onbekende gebieden

(ruwe vertaling uit het Engels)

Abstractie vindt zijn oorsprong in de "intuïtie" en in "vrijheid" (voor zowel de kunstenaar als de kijker). Het is het vermogen van de kunstenaar om zijn of haar verbeelding te gebruiken om verder te kijken dan het fysiek zichtbare en om immateriële emoties op het doek over te brengen.

Het gaat er ook om dat het publiek in staat is zich te verbinden met de intentie van de kunstenaar in abstracte kunst en zijn eigen geest te bevrijden van visuele beperkingen.

Het belangrijkste om te begrijpen over deze kunstvorm is dat deze geen specifieke betekenis, geschiedenis of zelfs een duidelijke verklaring hoeft te hebben.

Het voornaamste doel is eerder het stimuleren van de verbeelding en een intuïtieve benadering. Deze kunstvorm draait primair om het bieden van een ongrijpbare en emotionele ervaring aan de kijker – en deze ervaring is meestal volkomen anders voor elke persoon, afhankelijk van hun individuele persoonlijkheid en gemoedstoestand op het moment van kijken.

Dit alles maakt abstracte kunst zo ongelooflijk spannend en verrijkend.

Abstracte kunst begrijpen – een korte handleiding

We hebben geleerd dat het er niet om gaat bekende figuren of patronen in abstracte werken te herkennen en te vinden.

Als de uitleg in het vorige gedeelte te algemeen voor u is en u nog steeds niet zeker weet hoe u verder moet, dan kunnen de volgende tips u wellicht helpen:

• Bij het proberen te begrijpen van abstractie is het belangrijk te erkennen dat er verschillende manieren om kunst te benaderen en te classificeren.
• Om moderne kunst te waarderen, moet de focus niet liggen op hoe realistisch de kunstenaar iets of iemand heeft geschilderd en hoeveel verfijnde details er aanwezig zijn, maar veeleer op hoe goed een werk erin slaagt emoties op te roepen en een diepe verbinding met de kunstenaar te creëren.
• Abstracte schilderijen kunnen ook worden gewaardeerd op basis van hun individuele elementen : kleur, vorm, lijn, textuur, ruimte, intensiteit, enz. De vaardigheid van een abstract kunstenaar schuilt in zijn of haar vermogen om kleuren en texturen zo effectief mogelijk te gebruiken en uit deze elementen een complete (harmonieuze) compositie te creëren.
• Kijk niet op de klok! Je hoeft niet urenlang voor een abstract kunstwerk te staan. Neem echter wel zoveel tijd als je er intuïtief door geraakt wordt. Tijd zou geen rol moeten spelen. Stel in geen geval van tevoren een tijdslimiet.
• We weten allemaal dat kunst subjectief is , en soms zijn er werken waar we simpelweg geen connectie mee kunnen maken, vooral als het om abstracte kunst gaat. Accepteer dit feit of probeer het later nog eens.
• Onderschat de verbeeldingskracht van de kunstenaar of de waarde ervan niet! Als je een werk niet mooi vindt of er geen connectie mee voelt, denk dan eens na over wat je precies dat gevoel geeft. Misschien opent dat je ogen voor een nieuw perspectief. En dat is tenslotte het geheim van deze kunstvorm.
• Negeer de titel! Abstracte schilderijen hebben in de meeste gevallen zeer vage titels (bijvoorbeeld "Nummer 4" of "Zwart en Rood"). Laat je hierdoor niet misleiden. De meeste abstracte kunstenaars vermijden bewust betekenisvolle of zelfs promotionele titels. Ze benadrukken dat je interactie moet aangaan met hun kunst en er uiteindelijk je eigen persoonlijke betekenis in moet vinden. Slechts in sommige gevallen kan een titel nuttig zijn om je verbeelding in een bepaalde richting te sturen.
• Lees de teksten op de muur of de toelichtingen in de bijbehorende kunstgidsen of brochures. Deze informatie kan u belangrijke details geven over de achtergrond of artistieke intentie van de kunstenaar. Tip: Probeer het kunstwerk eerst zonder context te bekijken – dit zorgt voor een intensere en onbelemmerde ervaring.
• Laat het schilderij tot je spreken! Maak je hoofd leeg van alle andere gedachten. Geef het kunstwerk de tijd en laat de emoties ervan op je inwerken. Observeer de kleuren en texturen. Wat voel je? Welke gedachten schieten er door je hoofd? Jackson Pollock zei ooit: "Laat het schilderij de vragen stellen, in plaats van andersom."
• Leg jezelf geen druk op! Maak je geen zorgen als je niet meteen iets voelt bij elk schilderij. Een abstract schilderij hoeft geen contextuele connectie op te roepen; je hoeft dus niet elke emotie te voelen die het overbrengt. Als het niets met je doet, is dat helemaal prima. Negatieve emoties zijn ook mogelijk en moeten erkend worden.
• Vergeet niet dat abstractie niet per se betekenis hoeft te hebben! Hoewel het begrijpen van een kunstwerk een kortstondig gevoel van overwinning kan oproepen, brengt het je verdiepen in het mysterie ervan blijvend plezier.

Wat is abstracte fotografie?

In de wereld van de abstracte fotografie gebruiken fotografen de esthetiek en technieken van abstracte kunst en reproduceren deze in hun fotografie. Dit doen ze door een combinatie van alledaagse objecten, scènes en fotografische technieken om beelden te creëren die aansluiten bij andere vormen van abstracte kunst.

Barbara Crane was een fotograaf die extreme close-ups, overdreven schaduwen en overbelichting gebruikte om experimentele optiek te creëren die traditionele stadsgezichten vervormde.

In haar Loop-serie transformeerde ze wolkenkrabbers en flatgebouwen tot contrastrijke, geometrisch abstracte beelden. De kunstenares beschreef haar aanpak als volgt:

Hoewel ik mijn ervaringen uit het verleden als basis gebruik, probeer ik oude denk- en kijkpatronen los te laten. Ik ben voortdurend op zoek naar iets dat visueel nieuw voor me is. Tegelijkertijd hoop ik dat vorm en inhoud samensmelten

Kimberly Poppe gebruikt haar camera ook om nieuwe perspectieven te verkennen. Haar landschapsfoto's zijn meer beïnvloed door de schilderijen van Rothko dan door de oceaanpanorama's die hij fotografeert. De Amerikaanse abstract expressionist is een van haar belangrijkste inspiratiebronnen.

Sven Pfrommer, een hedendaagse fotograaf en beeldend kunstenaar die in Berlijn woont, wijdt zich ook op indrukwekkende wijze aan abstracte fotografie en werkt wereldwijd met groot succes.

In welke musea en tentoonstellingen kan ik belangrijke abstracte kunstwerken vinden?

Hoewel abstracte kunst in de meeste grote kunstmusea ter wereld te zien is, bevinden zich in prestigieuze musea een aantal opmerkelijke collecties met belangrijke en bijzondere werken uit deze kunstvorm.

Een bezoek aan de volgende belangrijke musea is zeker de moeite waard:

• Museum voor Moderne Kunst (MoMA), New York
• Samuel R. Guggenheim Museum, New York
• Albright-Knox Kunstgalerie, Buffalo, NY
• Tate Modern Gallery, Londen
• Georges Pompidou-centrum, Parijs
• Guggenheim Bilbao
• Guggenheim Venetië
• Kunstmuseum, Basel
• Stedelijk Museum, Amsterdam
• Musée National d'Art Moderne, Parijs
• MOMAT, het Nationaal Museum voor Moderne Kunst, Tokio
• Kunstinstituut van Chicago
• Museum voor Hedendaagse Kunst, Sydney

Abstracte kunst kopen: waar moet je op letten?

Door uitwisselingen en discussies met andere galerieën, en ook in de kunsthandelsrapporten van de afgelopen jaren, hebben we een trend waargenomen naar een nieuwe generatie jonge kunstverzamelaars die kunnen worden omschreven als digitale natives en die bijna uitsluitend online kunst kopen.

Naast urban art en street art is abstracte kunst bijzonder populair voor online aankopen. Er is een bovengrens van ongeveer € 25.000 ontstaan, wat een aanzienlijke stijging van de waarde van online verhandelde kunstwerken in de afgelopen jaren betekent.

Volgens het Art Basel en UBS Global Art Market Report 2024 is het vertrouwen in de wereldwijde online verkoop in 2023 opnieuw toegenomen en bereikte een geschatte waarde van 11,8 miljard dollar, een stijging van 7% ten opzichte van het voorgaande jaar (2022) en goed voor 18% van de totale omzet van de markt.

Abstracte kunst in onze online galerie

In onze virtuele kunstgalerie heeft u ook de mogelijkheid om unieke en kleurrijke abstracte kunstwerken te kopen – rechtstreeks van de kunstenaar of partnergalerie.

Elk van deze schilderijen is gemaakt met de passie en uitzonderlijke vaardigheid van een getalenteerde kunstenaar. Ontdek de diversiteit van de meest artistieke vormen in hun meest abstracte expressie en laat u inspireren door beelden die uw persoonlijke verhaal vertellen.

Dompel jezelf onder in een wereld vol creatieve inspiratie met ons uitgebreide assortiment aan prachtige abstracte meesterwerken.

De werken in deze collectie zijn te koop, rechtstreeks bij de kunstenaar of via hun galerie. Klik op de werken van uw keuze voor meer informatie.

Abstracte schilderijen bij onze partnergalerieën

Onze partnergalerieën Singulart  en Artfinder  bieden ook een gevarieerde collectie moderne kunstwerken aan. Deze online galerieën staan ​​bekend om hun zorgvuldig samengestelde collecties, waarin zowel gevestigde als opkomende internationale kunstenaars te zien zijn.

ars mundi vindt u werken van uitzonderlijke expressiviteit en creatieve diversiteit .

Deze partnergalerieën bieden een ruime selectie abstracte kunstwerken die passen bij elke denkbare interieurstijl, of u nu de voorkeur geeft aan levendige kleuren, energieke vormen of zachte texturen.

Meer tips en handleidingen

Voor meer informatie, tips en aanbevelingen over de aankoop van abstracte kunstwerken, kunt u onze gerelateerde artikelen raadplegen:

• Hoe koop ik abstracte kunst online?
• Kunst online kopen – 10 essentiële tips voor uw online kunstaankoop

Hedendaagse Duitse en Oostenrijkse expressieve abstractiekunst

Wie op zoek is naar hedendaagse kunstenaars met een duidelijke voorkeur voor non-figuratieve expressievormen, vindt wat hij zoekt in het hart van kunst- en cultuurstad Dresden .

Hier Thomas Stephan Inspire Art op, een centrum voor kunstenaars die zich richten op expressieve abstractie. Dit centrum is sindsdien gestaag gegroeid en tot bloei gekomen, mede dankzij een getalenteerd, authentiek en toegewijd team van kunstenaars, en is uitgegroeid tot een ontmoetingsplaats voor kunstliefhebbers, kunstenaars en kunsthandelaren.

De vaste kerngroep van Inspire Art bestaat uit Etienne Donnay, Florian Maiorescu, Marcin Marz, Mila Plaickner en Elena Drobychevskaja.

informele schilderkunst verwarrend, bizar en overweldigend zijn. Het team van Inspire Art wil dit tegengaan door moderne kunstwerken op een voor de hand liggende, begrijpelijke en authentieke manier te presenteren. Boeiende en creatieve discussies worden in de lichtrijke ruimtes van de kunstgalerie in Dresden van harte aangemoedigd.

Blijf op de hoogte van nieuwe publicaties van Duitse en internationale kunstenaars via www.inspire-art.de .

Op de website van de galerie vindt u een overzicht van haar uitgebreide portfolio van moderne kunst, evenals haar fascinerende en diverse collectie hedendaagse kunstposities uit verschillende kunststromingen – met een sterke focus op abstracte kunst.