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Pittura a olio: la tecnica secolare dei maestri
La tecnica della pittura a olio, caratterizzata dall'uso di pigmenti con olio essiccante come legante, risale al VII secolo d.C. e comprende quindi un ampio spettro di periodi stilistici e movimenti artistici . Innumerevoli opere d'arte famose sono state create utilizzando questa tecnica.
Gli artisti buddisti in Afghanistan crearono i primi esempi conosciuti di pittura a olio. In Europa, la tecnica fu utilizzata dagli artisti a partire dal XII secolo.
Molti dei più famosi dipinti a olio oggi conosciuti nel mondo occidentale furono realizzati da artisti europei, tra cui antichi maestri, nei secoli successivi, seguendo le orme dei loro predecessori buddisti.
La storia della pittura a olio in Europa
Gli artisti olandesi furono i primi ad adottare la tecnica della pittura a olio in Europa. Numerosi esempi si possono trovare nella prima pittura olandese.
La pittura a olio ha una lunga storia in Europa Fonte immagine:Depositphotos
A quei tempi, la pittura a olio richiedeva un processo laborioso, poiché gli oli tradizionali (tra cui quelli di lino, papavero, noce e cartamo) impiegavano circa 1-3 settimane per asciugarsi. A volte, gli oli venivano anche bolliti con una resina, ottenendo una vernice lucida.
Nonostante la diffusione della tecnica della pittura a olio, all'apice del Rinascimento molti artisti famosi in tutta Europa la sostituirono con la pittura a tempera.
i dipinti a olio di pregio sono ancora oggi molto ricercati alle aste e molte delle più famose opere a olio su tela sono ammirate con instancabile entusiasmo da innumerevoli visitatori dei musei.
Quindi, se avete voglia di un tour virtuale dei dipinti a olio più famosi e popolari dei secoli scorsi, qui sotto troverete le 100 opere d'arte più popolari mai dipinte a olio. La maggior parte di questi famosi dipinti a olio si trova nella sua forma originale nei migliori musei di tutto il mondo.
I nostri 100 migliori
1. Monna Lisa di Leonardo da Vinci
Anno: c. 1503-06 | Tecnica: Olio su pannello di pioppo | Ubicazione: Museo del Louvre, Parigi
L'attrazione principale del Louvre di Parigi (ci sono circa 6.000 dipinti esposti, ma il 90% dei visitatori si dirige direttamente alla Gioconda). di Leonardo da Vinci è forse il ritratto a olio più famoso di tutti i tempi e anche indiscutibilmente il nostro numero uno.
Dopotutto, è stata descritta "l'opera d'arte più famosa, più visitata, più descritta, più cantata e più parodiata al mondo".Gioconda è nota, tra le altre cose, per la sconcertante espressione del suo soggetto (presumibilmente Lisa Gherardini, una nobildonna italiana), il suo illusionismo atmosferico e la sua composizione straordinariamente unica.
Da quando il dipinto fu acquistato dal re Francesco I di Francia, è ora proprietà della Francia ed è esposto al Louvre dal 1797. Forse il dipinto a olio più prezioso al mondo, detiene il record per la più alta valutazione assicurativa conosciuta nella storia: 100 milioni di dollari nel 1962, equivalenti a 660 milioni di dollari nel 2019.
Anno: 1889 | Tecnica: Olio su tela | Ubicazione: Museum of Modern Art (MoMA), New York City
di Vincent Van Gogh è una splendida opera a olio su tela attualmente esposta al MoMA.
Dipinto nel 1889, raffigura la vista del pittore postimpressionista dalla sua stanza in un sanatorio (con un villaggio immaginario sottostante) a Saint-Rémy-de-Provence, in Francia. Sebbene Van Gogh abbia dipinto diversi dipinti di questa particolare veduta, "La notte stellata" è l'unico notturno. È considerato il capolavoro dell'artista.
Anno: 1907-1908 | Tecnica: Olio e foglio su tela | Ubicazione: Belvedere, Vienna
Gustav Klimt è stato un pittore austriaco, legato al Simbolismo e all'Art Nouveau. Realizzò "Il Bacio" tra il 1907 e il 1908. Gli esperti d'arte ritengono che questo sia stato l'apice del "periodo d'oro" di Klimt.
Questa scintillante opera fu dipinta a olio su tela, ma Klimt aggiunse foglie d'oro, d'argento e di platino per esaltarne la lucentezza. L'opera raffigura due amanti abbracciati (da cui il nome originale "Liebespaar"), adornati con abiti Art Nouveau.
Oggi, questo celebre dipinto a olio è esposto nel complesso barocco del Belvedere di Vienna, in Austria. È considerato un capolavoro della "Successione viennese" (una versione viennese dell'Art Nouveau) e l'opera più famosa di Klimt.
4. La ragazza con l'orecchino di perla di Johannes Vermeer
Anno: c. 1665 | Tecnica: Olio su tela | Ubicazione: Mauritshuis, L'Aia
Il pittore olandese del Secolo d'oro , Johannes Vermeer , dipinse La ragazza con l'orecchino di perla, un ritratto a olio su tela, intorno al 1665.
Sebbene abbia avuto nomi diversi nel corso dei secoli, ha assunto il nome attuale nel XX secolo, in onore dell'orecchino indossato dalla ragazza nel dipinto (che, tra l'altro, indossa anche un abito esotico e un turbante orientale).
Oggi l'opera è esposta al Mauritshuis, un museo d'arte dell'Aia, nei Paesi Bassi, ed è stata nel corso del tempo un soggetto popolare in letteratura (anche nel romanzo del 1999 di Tracy Chevalier "La ragazza con l'orecchino di perla ", un racconto romanzato della creazione dell'opera).
Anno: 1937 | medie: Olio su tela | Ubicazione: Museo Reina Sofía, Madrid
Il famoso artista spagnolo Pablo Picasso dipinse una delle sue opere più famose, Guernica, nel 1937, durante la guerra civile spagnola.
Questo olio su tela in bianco e nero raffigura persone e animali sofferenti immersi in una violenza caotica. Picasso lo dipinse nella sua casa di Parigi dopo che la Germania nazista e l'Italia fascista bombardarono Guernica, una città nei Paesi Baschi, in Spagna. Il bombardamento fu voluto dai nazionalisti spagnoli dell'epoca.
La sconvolgente rappresentazione delle atrocità della guerra da parte di Guernica lo ha reso uno dei dipinti antibellici più influenti della storia, secondo i critici d'arte, e ha portato l'attenzione, di cui c'era tanto bisogno, sulla guerra civile spagnola.
L'enorme dipinto è alto 3,49 metri e largo 7,76 metri e raffigura chiaramente un cavallo trafitto da una lancia, una donna urlante, fiamme, un toro e uno smembramento. Oggi il dipinto è esposto al Museo Reina Sofía di Madrid, in Spagna, dedicato al XX secolo.
Anno: 1642 | Tecnica: Olio su tela | Ubicazione: Rijksmuseum, Amsterdam
Il dipinto di Rembrandt van Rijn "La ronda di notte" del 1642, chiamato anche Compagnia della milizia del secondo distretto sotto il comando del capitano Frans Banninck Cocq, è una delle opere più famose della collezione del Rijksmuseum di Amsterdam.
Un altro famoso dipinto a olio su tela del Secolo d'oro olandese , La ronda di notte, è famoso per le sue dimensioni imponenti, per l' uso tenebrismo
Grazie alla sua padronanza della luce del sole e delle ombre, Rembrandt attira l'osservatore sui suoi motivi più importanti: i due uomini al centro e la donna con un pollo dietro di loro, al centro a sinistra.
Anno: 1872 | medie: Olio su tela | Ubicazione: Museo Marmottan Monet, Parigi
Il pittore impressionista francese Claude Monet creò quest'opera sognante. "Levar del sole" del 1872 fu esposto per la prima volta alla Impressionista di Parigi nell'aprile del 1874. Si dice che questo dipinto a olio su tela abbia dato il nome al movimento impressionista.
Utilizzando una splendida combinazione di toni grigi, arancioni e rosa, Monet ritrae il porto di Le Havre, la sua città natale nel nord-ovest della Francia.
“Impression, Sunrise” è esposta al Musée Marmottan Monet di Parigi, Francia.
Anno: 1930 | Tecnica: Olio su tavola di castoro | Ubicazione: Art Institute of Chicago
American Gothic di Grant Wood, un'opera iconica del movimento regionalista americano , fu dipinta nel 1930 durante la Grande Depressione americana.
Il dipinto, attualmente parte della collezione dell'Art Institute of Chicago, raffigura un contadino in piedi accanto alla figlia (anche se spesso viene scambiata per sua moglie).
Chiamato "American Gothic" per lo stile architettonico della casa sullo sfondo, è uno dei dipinti più riconoscibili dell'arte americana del XX secolo . Ha rapidamente ottenuto un ampio riconoscimento in tutto il mondo ed è spesso parodiato nella cultura popolare americana.
L'opera è stata esposta per la prima volta fuori dagli Stati Uniti nel 2016 e nel 2017, presso il Musée de l'Orangerie di Parigi e la Royal Academy of Arts di Londra.
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Anno: 1931 | Tecnica: Olio su tela | Ubicazione: Museum of Modern Art (MoMA), New York City
Il pittore spagnolo Salvador Dalí creò la sua opera di fama mondiale "La persistenza della memoria" Quest'opera surrealista divenne rapidamente una delle opere più importanti del movimento surrealista.
Fin dalla sua creazione, è stato più volte citato nella cultura pop, in particolare per la sua caratteristica più sorprendente: gli orologi da tasca "che si sciolgono".
Questi oggetti morbidi e fondenti supportano la teoria dell'artista sulla "morbidezza" e sulla "durezza", da lui ampiamente esplorata e che era centrale nel suo lavoro dell'epoca.
Mentre alcuni credevano che La persistenza della memoria rappresentasse la visione di Dalí della teoria della relatività speciale di Albert Einstein, secondo l'artista stesso, si trattava di "la percezione surrealista di un Camembert che si scioglie al sole".
10. Cristo nella tempesta sul mare di Galilea di Rembrandt van Rijn
Anno: 1633 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 160 cm × 128 cm | Periodo: Barocco | Ubicazione: Sconosciuta
Un'altra opera del famoso pittore a olio e maestro olandese Rembrandt , La tempesta sul mare di Galilea, fu realizzata nel 1633.
Quest'opera raffigura i discepoli di Cristo su una barca da pesca in alto mare, alle prese con una tempesta e mentre perdono il controllo della loro nave.
Un discepolo vomita in mare, un altro fissa direttamente l'osservatore stringendo il berretto. Questo è un autoritratto di Rembrandt stesso.
Solo Cristo è raffigurato mentre mantiene la calma. La scena è tratta dal racconto biblico di Cristo che placa la tempesta, tratto dal quarto capitolo del Vangelo di Marco.
La Tempesta sul mare di Galilea, nota come l'unica marina , è stata esposta l'ultima volta all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston, ma è stata una delle 13 opere rubate dal museo nel 1990. La sua ubicazione rimane sconosciuta.
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Anno: 1903-04 | Tecnica: Olio su tavola | Ubicazione: Art Institute of Chicago
Una delle prime e più famose opere di Pablo Picasso è Il vecchio chitarrista , un dipinto a olio su tavola realizzato tra il 1903 e il 1904. L'opera raffigura un musicista anziano, cieco ed emaciato, curvo sulla sua chitarra per le strade di Barcellona.
In questo periodo, Picasso fu influenzato dai modernisti , impressionisti , postimpressionisti e simbolisti . Lui stesso visse in povertà durante questo periodo. Nel frattempo, il suo caro amico si suicidò, segnando il periodo blu .
Un dettaglio interessante di questo famoso dipinto è che, come hanno dimostrato le radiografie, dietro il vecchio chitarrista si celano tre figure diverse. Oggi, gli spettatori possono ammirare questo capolavoro all'Art Institute di Chicago.
12. Iris di Vincent van Gogh
Anno: 1889 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 71 cm x 93 cm | Periodo: Postimpressionismo | Ubicazione: J. Paul Getty Museum, Los Angeles
Un altro famoso dipinto a olio dell'artista olandese Vincent van Gogh , dipinto nel maggio del 1889. Si tratta di una delle numerose opere di una serie realizzata anch'essa presso l'asilo Saint Paul-de-Mausole a Saint-Rémy-de-Provence.
Questa splendida opera fu realizzata appena un anno prima della morte di van Gogh, avvenuta nel 1890. Gli iris da lui dipinti si trovavano nel giardino dell'ospedale e si è ipotizzato che lo stile di questa serie sia stato influenzato dalle stampe xilografiche giapponesi ukiyo-e, come si può osservare in molte opere di Van Gogh.
Il dipinto è amato per la sua morbidezza e leggerezza ed è "pieno di aria e di vita", come lo descrisse il fratello di van Gogh, Theo.
Oggi l'opera è esposta al J. Paul Getty Museum di Los Angeles, California.
Anno: 1656 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 3,18 m x 2,76 m | Periodo: Barocco | Ubicazione: Museo del Prado, Madrid
Il pittore spagnolo e artista di spicco del Secolo d'oro spagnolo , Diego Velázquez, dipinse la sua opera iconica Las Meninas .
È noto soprattutto per la sua complessità, poiché questo dipinto a olio su tela mette in discussione il rapporto tra realtà e illusione, così come quello tra l'osservatore e i soggetti raffigurati. Las Meninas è una delle opere più analizzate della pittura occidentale.
Sebbene il suo significato sia ampiamente dibattuto, secondo lo storico dell'arte spagnolo FJ Sánchez Cantón, Las Meninas raffigura la sala principale dell'Alcazar reale di Madrid durante il regno del re spagnolo Filippo IV.
I personaggi raffigurati sono membri della corte spagnola: l'Infantina Margherita Teresa, le sue dame di compagnia, gli accompagnatori, le guardie del corpo, due nani e un cane. Al centro c'è Velázquez stesso, che guarda direttamente l'osservatore e dipinge su una grande tela. Le figure del re e della regina dovrebbero essere sullo sfondo.
Las Meninas rimane ancora oggi uno dei dipinti più importanti dell'arte occidentale ed è stato descritto come una rappresentazione della teologia in pittura, prima dal pittore barocco Luca Giordano e poi da molti altri dopo di lui.
Attualmente l'opera è esposta in tutto il suo splendore in una sala dedicata del Museo del Prado di Madrid, in Spagna.
Anno: c. 1485 | Tecnica: Tempera | Dimensioni originali: 180 x 280 cm | Periodo: Rinascimento italiano | Ubicazione: Galleria degli Uffizi, Firenze, Italia
Il dipinto di Sandro Botticelli (1445-1510) raffigura la nascita della dea Venere che giunge sulla terraferma dell'isola di Cipro, concepita in una conchiglia spinta dalle brezze: Zefiro e forse Aura .
La dea viene accolta da una giovane donna, che in alcuni casi viene riconosciuta come una delle Grazie o l'Ora della Primavera, e tiene in mano un telo pronto per coprire Venere.
I Romani paragonavano la loro dea dell'amore, Venere, alla greca Afrodite, che, secondo la leggenda, nacque dalla schiuma del mare dopo che Crono evirò il padre Urano e ne gettò il fallo in mare.
Per gli Italici, Venere, in quanto madre di Enea, progenitore dei Romani, insieme a Marte, padre di Romolo e Remo, la cui madre proveniva dalla stirpe di Enea, aveva un significato speciale in quanto prova dell'origine divina del loro popolo.
15. “La terrazza del caffè in Place du Forum, Arles” di Vincent van Gogh
Anno: 1888 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 81 x 65,5 cm | Periodo: Postimpressionismo | Ubicazione: Kroller-Mueller Museum Otterlo, Paesi Bassi
La terrazza del caffè è un dipinto a olio del 1888 del famoso artista olandese Vincent van Gogh . Viene spesso chiamato La terrazza del caffè in Place du Forum.
Quando fu esposta per la prima volta nel 1891, il titolo era Coffeehouse at Night.
Bal du moulin de la Galette è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir del 1876. Si trova al Musée d'Orsay di Parigi ed è una delle opere più famose dell'Impressionismo .
L'opera raffigura una domenica sera nel primo Moulin de la Galette a Montmartre, Parigi.
17. “La creazione di Adamo” di Michelangelo Buonarroti
Anno: 1510 | Affresco del soffitto della Cappella Sistina
La Creazione di Adamo è senza dubbio una di quelle opere che lascia un profondo segno negli spettatori. Non c'è da sorprendersi, poiché ci offre una visione travolgente di Dio .
Sebbene l'originale non sia un dipinto a olio ma un affresco sul soffitto , il motivo viene spesso riprodotto come dipinto a olio .
Mostra come Dio creò Adamo dai resti della terra. Sulla sinistra, Adamo è raffigurato sdraiato a terra, quasi rilassato. Si dice che Michelangelo abbia dipinto Adamo in questa posizione per mostrare che Dio non gli aveva ancora soffiato la vita.
Secondo una ricerca di un neuroscienziato, la raffigurazione di Dio, con i suoi aiutanti e il drappo rosso, corrisponderebbe alla sezione trasversale del cervello umano. Probabilmente si voleva riflettere l'unità di mente e corpo.
L'opera di Michelangelo è caratterizzata dall'uso di corpi muscolosi e dalla raffigurazione di figure che sembrano sculture . Ciò era probabilmente dovuto al fatto che Michelangelo era prima di tutto uno scultore.
18. “Napoleone attraversa le Alpi” di Jacques Louis David
Anno: 1803 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 2,6 m x 2,21 m | Periodo stilistico: Classicismo, Neoclassicismo | Ubicazione: Reggia di Versailles
Tra il 1801 e il 1805, l' artista francese Jacques-Louis David una serie di cinque ritratti di cavalli, realizzati a olio su tela, del grande condottiero Napoleone Bonaparte .
Il dipinto, commissionato dal re di Spagna, raffigura una versione fortemente romanzata dell'effettiva traversata delle Alpi da parte di Napoleone attraverso il passo del Gran San Bernardo nel maggio del 1800, poco prima della sua vittoria contro gli austriaci nella guerra della seconda coalizione (1799-1802).
La raffigurazione di un sovrano a cavallo si basa su una lunga tradizione che risale all'antica Roma imperiale. L'assenza di aspetti militari in questa immagine ha lo scopo di ritrarre Napoleone come un sovrano, pensatore e stratega, che ottenne le sue vittorie con la mente piuttosto che con le armi.
Non è chiaro se il commissario fosse Napoleone stesso.
Ciononostante è diventata una delle immagini di Napoleone più frequentemente ristampate.
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Anno: 1907 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 243,9 × 233,7 cm | Periodo: Cubismo | Ubicazione: Museum of Modern Art, NY
Un famoso dipinto a olio dell'artista spagnolo Pablo Picasso , completato nel 1907. Parte della collezione permanente del Museo d'Arte Moderna, il dipinto raffigura cinque prostitute nude in un bordello in Carrer d'Avinyó (Calle de Avión [es]) a Barcellona.
Nessuno dei personaggi è convenzionalmente femminile e ciascuno è ritratto in modo inquietantemente contorto e simile a una maschera.
Il dipinto a olio dell'artista spagnolo del secolo è considerato una svolta nella storia della pittura occidentale e allo stesso tempo inaugura il nascente cubismo.
20. “Il viandante sul mare di nebbia” di Caspar David Friedrich
Anno: 1818 | Tecnica: pittura a olio | Dimensioni: 95 cm x 75 cm | Periodo stilistico: romanticismo tedesco | Ubicazione: Hamburger Kunsthalle
Viandante sul mare di nebbia è un dipinto di Caspar David Friedrich , pittore romantico tedesco , realizzato nel 1818. È considerato una delle più grandi opere del periodo romantico e una delle sue opere più emblematiche. L'opera è esposta alla Hamburger Kunsthalle di Amburgo.
Il motivo centrale dell'immagine è un escursionista, visto di spalle, in piedi su una cima rocciosa che domina un paesaggio montano avvolto nella nebbia. I suoi capelli biondo scuro ondeggiano al vento. La sua postura generale appare equilibrata, sicura e calma, nonostante la situazione pericolosa.
Al centro e sullo sfondo del dipinto vediamo un paesaggio montuoso sfalsato attraversato da diversi banchi di nebbia.
Sullo sfondo, sul lato sinistro del dipinto, dietro banchi di nebbia, vediamo un'alta montagna conica. Sul lato destro, è visibile una montagna tavola più piccola. Si tratta probabilmente dello Zirkelstein, una formazione rocciosa nella Svizzera sassone .
Attraverso la sua composizione multistrato di montagne e fasce di nebbia, Caspar David Friedrich riesce a creare l'impressione di una distesa pressoché infinita. Vediamo la sconfinata distesa della natura così come la vede l'escursionista, come se fossimo alle sue spalle.
21. Le due sorelle sulla terrazza (Le due sorelle sulla terrazza, 1881) di Pierre Auguste Renoir
Anno: 1881 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 100,5 x 81 cm | Periodo stilistico: Postimpressionismo | Ubicazione: Art Institute of Chicago, USA
Il titolo "Le due sorelle" (in francese: les deux sœurs) fu dato al dipinto a olio dallo stesso Renoir. In seguito, il suo primo proprietario, Paul Durand-Ruel , gli diede il soprannome "Sulla terrazza" (in francese: Sur la terrasse).
Renoir lavorò al dipinto sulla terrazza della Maison Fournaise, un ristorante su un'isola della Senna a Chatou, un sobborgo di Parigi.
Il dipinto raffigura una giovane donna e la sorella minore sedute all'aperto con un piccolo cesto di gomitoli di lana. Sopra la ringhiera della terrazza si vedono cespugli e fogliame, con la Senna sullo sfondo.
Jeanne Darlot (1863-1914), futura attrice, all'epoca diciottenne, si atteggiò a "sorella maggiore". Non si sa chi si atteggiò a "sorella minore". Tuttavia, si afferma che le due modelle non fossero in realtà imparentate.
Renoir iniziò a lavorare al dipinto nell'aprile del 1881 e nel luglio dello stesso anno il dipinto fu acquistato dal mercante d'arte Paul Durand-Ruel per 1.500 franchi.
Il dipinto fu esposto per la prima volta al pubblico alla VII Esposizione Impressionista nella primavera del 1882. Nel 1883, fu annunciato che era entrato a far parte della collezione di Charles Ephrussi. Nel 1892, il dipinto tornò alla collezione della famiglia Durand-Ruel.
22. Disposizione in grigio e nero n. 1 (Ritratto della madre dell'artista) di James Abbott McNeill Whistler
Anno: 1871 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 144,3 × 162,4 cm | Periodo: Realismo americano | Ubicazione: Musée d'Orsay, Parigi
Il nome colloquiale "La madre di Whistler" è stato dato a quest'opera olio su tela per semplicità. Il titolo originale, "Composizione in grigio e nero n. 1 (Ritratto della madre dell'artista)" di James Abbott McNeil Whistler, risultava un po' troppo ingombrante per la maggior parte degli spettatori.
In realtà, il soggetto è Anna McNeil Whistler, la madre di Whistler, che posò per questo capolavoro quando viveva a Londra con il figlio nel 1871.
L'artista americano non ha dipinto solo sua madre, ma anche un quadro al limite dell'astrazione. Il dipinto è dominato da sfumature di grigio e nero, così come da rettangoli di varie forme: a sinistra, una tenda; a destra, un quadro con cornice nera e montatura chiara; e sul bordo destro del quadro, un'immagine ritagliata, anch'essa con cornice nera.
Sebbene sia un esempio iconico dell'arte americana (è stato anche chiamato la Monna Lisa ), la madre di Whistler ora adorna il Musée d'Orsay di Parigi. Il dipinto a olio fu acquistato per la prima volta dall'artista francese amante dell'arte nel 1891.
Rimane uno dei dipinti più famosi di un artista americano al di fuori degli Stati Uniti.
Anno: 1906 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 89,9 × 94,1 cm | Periodo: Impressionismo | Ubicazione: Art Institute of Chicago, IL, USA
"Ninfee" fu realizzata da Claude Monet in impressionista . Questa celebre opera d'arte di Claude Monet segue il tema naturalistico tipico dell'impressionismo.
Monet dipinse lo stesso quadro più volte, ma ogni giorno le ninfee apparivano diverse; i dettagli, l'illuminazione e le pennellate erano molto diversi, rendendo ogni dipinto di ninfea unico.
Claude Monet una volta disse che il suo giardino era la sua passione. Aveva uno stagno nel suo cortile con un ponte giapponese che lo attraversava, creando il luogo perfetto per creare le sue famose opere.
Nella sua prima serie di Ninfee (1897-1899), Monet dipinse lo stagno con le sue piante, i ponti e gli alberi, nettamente separati da un orizzonte fisso. Col tempo, l'artista si interessò sempre meno allo spazio pittorico convenzionale. Con Ninfee, che appartiene al suo terzo gruppo di opere, aveva completamente eliminato la linea dell'orizzonte.
In questa tela spazialmente ambigua, l'artista guardava verso il basso, concentrandosi esclusivamente sulla superficie dello stagno con il suo gruppo di vegetazione che galleggiava tra il riflesso del cielo e degli alberi.
Tra l'altro, il pittore non usava molti colori terrosi come il marrone e le tonalità della terra. Si concentrava principalmente su toni freddi come il blu e il verde per trasmettere un'atmosfera calma e rilassante, proprio come quella che provava quando si soffermava nel suo giardino.
Anno: 1874 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 85 x 75 cm | Periodo: Impressionismo | Ubicazione: Musée d'Orsay, Parigi
le composizioni figurative più ambiziose di Degas , a parte i dipinti storici .
Circa ventidue donne, ballerine e le loro madri, rimangono in posizione di attesa mentre una ballerina esegue un atteggiamento per il suo esame. Jules Perrot, uno dei ballerini e maestri di balletto più famosi d'Europa, tiene una lezione di danza immaginaria in una sala prove della vecchia Opéra di Parigi, recentemente distrutta da un incendio.
Il dipinto fu commissionato nel 1872 dal cantante lirico e collezionista d'arte Jean-Baptiste Faure. Fu una delle rarissime commissioni che Degas accettò. Ci lavorò a intermittenza per due anni prima di completarlo definitivamente.
25. Una domenica alla Grande Jatte di Georges Seurat
Anno: 1884 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 207,6 × 308 cm | Periodo stilistico: Puntinismo, Neoimpressionismo | Ubicazione: Art Institute of Chicago, USA
"Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte" è l'opera più famosa del pittore francese Georges Seurat. Raffigura parigini che si rilassano e conversano in un parco lungo la Senna.
L'opera divenne famosa per la sua tecnica puntinista, uno stile pittorico il cui sviluppo Seurat ebbe un ruolo chiave. Il puntinismo prevede l'uso di piccoli punti di colore applicati secondo schemi geometrici per creare un'immagine.
Seurat aveva solo 26 anni quando mostrò per la prima volta quest'opera al pubblico in occasione dell'ottava e ultima mostra annuale degli impressionisti nel 1886.
Per portata, tecnica e composizione, apparve come una deliberata provocazione per i suoi primi rappresentanti, come Renoir e Monet. Cambiò immediatamente il corso della pittura d'avanguardia e inaugurò un nuovo movimento artistico soprannominato "Neoimpressionismo".
Seurat morì all'età di 31 anni. Realizzò altre tele ambiziose, ma La Grande Jatte rimane il suo capolavoro. Sebbene il dipinto fosse raramente esposto nei tre decenni successivi alla sua morte, avvenuta nel 1891, la sua visibilità aumentò notevolmente nel 1924, quando Frédéric Clay Bartlett acquistò il quadro e prestò Institute di Chicago
Da allora è rimasto lì ed è diventato un'icona e uno dei dipinti più famosi nel mondo dell'arte.
Scoprite i nostri luoghi dal 26 al 50 nella prossima parte di questa serie...
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Titolare e Amministratore Delegato di Kunstplaza. Pubblicista, redattore e blogger appassionato di arte, design e creatività dal 2011. Laureato in web design presso un corso di laurea triennale (2008), ha approfondito le sue tecniche creative attraverso corsi di disegno a mano libera, pittura espressiva e teatro/recitazione. Ha maturato una conoscenza approfondita del mercato dell'arte attraverso anni di ricerca giornalistica e numerose collaborazioni con stakeholder e istituzioni del settore artistico e culturale.
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