Piccolo regalo di Natale – Alla scoperta degli angeli artisti (Parte 2)

Parte 2 – Dal 1476 al 2013

Hugo van der Goes

nacque intorno al 1440 a Gand e morì nel 1482 nel monastero di Rood vicino a Bruxelles.

Il pittore fiammingo Hugo van der Goes ha compiuto grandi cose, nonostante la sua vita sia durata solo quattro decenni: è considerato uno dei principali maestri della pittura fiamminga primitiva della seconda metà del XV secolo.

Hugo van der Goes divenne noto agli storici per la prima volta il 4 maggio 1467. Quel giorno fu ammesso come maestro alla "Corporazione dei pittori di Luca " di Gand e Justus van Gent è registrato come suo testimone e garante.

Le Corporazioni di San Luca erano confraternite di arti e mestieri che si svilupparono nel XV secolo, principalmente nei Paesi Bassi. Chiunque desiderasse diventare maestro doveva dimostrare la cittadinanza della città in questione, a volte la proprietà di beni immobili e solitamente anche lo stato civile. Tuttavia, non si fa mai menzione di una certa signora van der Goes.

È possibile che il pittore fosse già così coinvolto in una confraternita religiosa a quel tempo che il requisito del matrimonio divenne obsoleto; o forse aveva già una moglie, di cui non ci è pervenuta alcuna notizia fino ad oggi. In ogni caso, l'iscrizione come maestro era un alto onore e anche un prerequisito per ricoprire le più alte cariche politiche ed economiche della corporazione.

Hugo van der Goes era quindi sicuramente già attivo come pittore prima della sua ammissione alla corporazione, ma non ci è pervenuta alcuna prova di opere precedenti del neo-incoronato maestro.

L'appartenenza alla corporazione diede rapidamente i suoi frutti: nel 1468, Hugo van der Goes fu incaricato di decorare la città di Bruges per le nozze di Carlo il Temerario e Margherita di York. Lavorò con il maestro della corporazione Jacques Daret di Tornai e altri artisti della corporazione.

Dal 1474 all'autunno del 1476, Hugo van der Goes ricoprì la carica di decano della corporazione dei pittori. Già nel 1475 entrò nel monastero degli Agostiniani vicino a Bruxelles, ma non abbandonò mai la sua attività di frate agostiniano . È documentata una visita al monastero del futuro imperatore Massimiliano, che commissionò dipinti.

Sappiamo da questi resoconti che Hugo van der Goes divenne famoso durante la sua vita e che le sue opere erano molto apprezzate. Tutte le opere sopravvissute furono commissionate da cittadini facoltosi o membri della nobiltà.

Del periodo di massimo splendore della carriera del maestro, gli anni Settanta del Quattrocento, si sono conservate diverse opere magnifiche: l' "Altare Monforte" , l '"Altare di Ippolito" , una "Morte della Vergine" e una "Pala di Maria" , il "Trittico Portinari" , il "Dittico di Vienna" e un '"Adorazione dei pastori" .

Ciononostante, il maestro si ritirò dal centro della società rifugiandosi in un monastero. Durante un viaggio a Colonia nel 1481, vi sono prove di un attacco con intenzioni suicide. Dopo essere tornato al monastero, rinunciò a tutti i privilegi e i vantaggi e morì nel 1482 per cause ignote. Si presume che sia impazzito a causa del suo successo artistico.

Gli Angeli del 24 dicembre è un particolare dell'Altare Portinari , particolare, realizzato tra il 1475 e il 1478, il trittico è oggi visibile agli Uffizi di Firenze.

Pietro Perugino

nacque tra il 1446 e il 1452 a Città della Pieve (Perugia) e morì nel 1523 a Fontignano presso Città della Pieve.

“Il Perugino” (“quello di Perugia”) in realtà si chiamava Pietro Vannucci , e suo padre Cristoforo Vannucci era uno degli uomini più ricchi della zona.

Pietro Perugino iniziò probabilmente a studiare pittura nelle botteghe locali, forse sotto Bartolomeo Caporali o Fiorenzo di Lorenzo. Tra il 1466/1470 e il 1479 si recò a Firenze nella bottega di Andrea del Verrocchio formò accanto a Leonardo da Vinci , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi , Filippino Lippi

Questo è quanto afferma il suo biografo, Giorgio Vasari (senza specificare la data esatta). Vasari sostiene anche che studiò l'arte della prospettiva sotto Piero della Francesca . Si dice che il suo apprendistato con il Verrocchio si concluse nel 1492, poiché da quell'anno in poi è registrato come membro della corporazione dei pittori.

Perugino era già noto ai suoi contemporanei molto prima: nel 1481 realizzò la “Consegna delle chiavi a Pietro”, un'imponente sezione di 3,35 x 5,50 m del ciclo di affreschi murali della Cappella Sistina in Vaticano.

I più famosi pittori italiani dell'epoca collaborarono a questo ciclo di affreschi "Cristo" è considerato il dipinto più famoso del Perugino. La profondità prospettica del dipinto colpì profondamente i contemporanei del Perugino, e quest'opera lo rese il pittore più famoso del Paese.

Si dice che Pietro Perugino abbia successivamente aperto studi a Perugia e Firenze, dove iniziò una sorta di produzione in serie, principalmente dei popolari ritratti mariani. Ciò, tuttavia, non gli impedì di creare opere d'arte indimenticabili:

Nel 1485, la "Crocifissione di Gesù" sopra l'ingresso interno della Cappella della Porziuncola (ufficialmente Santa Maria degli Angeli) ad Assisi. Una cappella famosa perché Francesco Bernardone (meglio conosciuto come San Francesco o Francesco d'Assisi) vi morì il 3 ottobre 1226. I suoi compagni fondarono in seguito l'Ordine Francescano.

Tra il 1489 e il 1493 il Perugino realizzò la "Visione di San Bernardo" , dal 1493 al 1497 lavorò a una "Crocifissione" in Santa Maria Maddalena dei Pazzi a Firenze, tra il 1496 e il 1500 realizzò un polittico in San Pietro a Perugia e (le opere sono oggi distribuite tra i musei delle città francesi di Nantes, Rouen e Lione e in Vaticano), dal 1497 al 1500 affreschi nel Collegio del Cambio a Perugia.

Perugino è oggi considerato il maestro più importante della scuola pittorica umbra del Rinascimento . Forse ancora più importante è il fatto che abbia trasmesso le sue competenze al leggendario Raffaello , considerato il più grande pittore di tutti i tempi fino al XIX secolo inoltrato.

L'influenza del Perugino è chiaramente evidente nelle prime opere del giovane Raffaello. L'angelo del 20 dicembre è l'Arcangelo Michele de "L'Assunzione di Maria con quattro santi ", realizzata nel 1500 per la chiesa del monastero di Vallombrosa, ora alla Galleria degli Uffizi di Firenze.

Maestro della leggenda di Ursula di Colonia

(o Maestro di Colonia della Leggenda di Ursula) è solo un nome di emergenza.

questo pittore tardogotico della Vecchia Scuola di Colonia, attivo a Colonia dal 1480 (1489/90) al 1510/15. Anche del Ciclo di Sant'Orsola, realizzato per la chiesa di San Severino a Colonia, non tutte le raffigurazioni della leggenda di Sant'Orsola sono sopravvissute. Il maestro dedicò almeno 19 dipinti alla leggenda di Sant'Orsola, alcuni dei quali andarono distrutti durante la Seconda Guerra Mondiale, altri sono andati perduti. Quelli sopravvissuti sono ora distribuiti in vari musei d'Europa.

Poiché la sua opera mostra uno stretto legame con la pittura olandese dell'epoca, è possibile che il maestro sia nato lì o che abbia lavorato a lungo nei Paesi Bassi. Tuttavia, la sua presenza a Colonia è certa grazie alle opere della chiesa di San Severino, motivo per cui otto delle sue opere sono ora conservate al Wallraf-Richartz Museum di Colonia. A questo maestro è attribuita anche una piccola pala d'altare a tre ante, parte di una pala d'altare raffigurante la Vergine Maria, oggi conservata nella Pinacoteca dei Maestri Antichi delle Collezioni d'Arte Statali di Dresda .

Il Maestro della Leggenda di Orsola di Colonia è così chiamato perché non è l'unico maestro ad aver dipinto scene degne di nota tratte dalla Leggenda di Orsola e il cui nome è rimasto sconosciuto. Anche un maestro di Bruges si dedicò a Sant'Orsola, oggi noto come il Maestro di Bruges della Leggenda di Orsola, il Maestro della Leggenda di Orsola di Bruges o il Maestro fiammingo della Leggenda di Orsola.

Questo pittore tardogotico delle Fiandre dipinse pale d'altare raffiguranti la leggenda di Sant'Orsola per il monastero delle Suore Nere di Bruges già nel 1485 (databili grazie alle immagini dell'allora città di Bruges sullo sfondo).

Sebbene Sant'Orsola con Colonia che con Bruges, la principessa britannica aveva dedicato la sua vita a Cristo e avrebbe dovuto comunque sposarsi con un re pagano. Chiese un periodo di grazia di tre anni, intraprese un viaggio per mare e ebbe un'apparizione a Colonia in cui un angelo le ordinò di compiere un pellegrinaggio a Roma (e profetizzò il suo martirio).

Ursula obbedisce e sulla via del ritorno passa per Colonia, ora assediata dagli Unni. I compagni di Ursula vengono assassinati e Ursula stessa deve diventare la moglie del principe unno. Quando lei rifiuta, lui la uccide. Un grave errore: undicimila angeli appaiono e mettono in fuga gli Unni. I cittadini di Colonia costruiscono quindi una chiesa a Sant'Orsola in segno di gratitudine e la proclamano patrona della città .

L'Angelo del 22 dicembre, l' "Apparizione dell'Angelo", appartiene al Ciclo di Orsola realizzato dal Maestro di Colonia intorno al 1500 e oggi può essere ammirato nel Museo Wallraf-Richartz .

Domenico Beccafumi

nacque intorno al 1486 nei pressi di Siena, probabilmente a Montaperti (oggi frazione di Castelnuovo Berardenga), morì il 18 maggio 1551 a Siena.

Altro artista con diversi nomi, Domenico nacque figlio del contadino Giacomo di Pace, Domenico di Pace. Il contadino lavorava per Lorenzo Beccafumi, e anche suo figlio entrò al suo servizio. Beccafumi riconobbe presto il talento artistico del ragazzo, adottò Domenico e lo mandò a Siena per la formazione.

Lì studiò con l'artista Mechero, molto conosciuto a livello regionale, motivo per cui i suoi contemporanei lo chiamavano "il Mecherino" , il piccolo Mechero (altri credono che questo soprannome derivi dalla sua piccola statura).

Nel 1509/1510, Domenico Beccafumi si recò a Roma per studiare gli ultimi sviluppi della pittura: a Siena, la gente era più conservatrice e lavorava secondo i principi tradizionali.

A Roma, Domenico ebbe modo di studiare le innovazioni rivoluzionarie: Raffaello e i suoi allievi avevano iniziato nel 1508 le “Stanze” , la decorazione pittorica dei quattro appartamenti papali al secondo piano del Palazzo Apostolico voluta da papa Giulio II, che fu continuata sotto papa Leone X fino al 1524.

Nello stesso periodo, Michelangelo gli affreschi della volta della Cappella Sistina abbia studiato pittori rinascimentali a Roma

Beccafumi tornò ben presto a Siena, dove ricevette numerose commissioni pubbliche, ad esempio nel 1513 dipinse gli affreschi per la cappella dell'ospedale comunale di Siena, Santa Maria della Scala, l' "Incontro di Gioacchino con Anna" .

Sono documentate anche numerose opere per committenti privati, come gli affreschi sulla facciata di Palazzo Borghesi. Tuttavia, di entrambe le commissioni sono sopravvissute solo le bozze; altre opere giovanili di Beccafumi, risalenti ai suoi esordi a Siena o al periodo romano, non sono sopravvissute.

Fu solo verso la fine di questo decennio che le commissioni di Beccafumi furono meglio documentate: nel 1519, Beccafumi ricevette "l'incarico della sua vita", la decorazione del pavimento marmoreo del Duomo di Siena, a cui lavorò fino alla morte.

Da allora, Beccafumi continuò a lavorare per il Comune di Siena e per committenti privati, prevalentemente senesi. Non divenne mai un ricercato "pittore di spicco" (pittore di corte presso una delle corti principesche italiane), e le commissioni provenienti da altre parti d'Italia, come quella per l'ammiraglio Andrea Doria a Genova nel 1540, furono rare.

La maggior parte delle opere superstiti di Beccafumi si possono quindi ammirare anche a Siena; una pala d'altare ( "Mosè infrange le tavole della legge" ) del 1537 si trova nel duomo di Pisa; due delle sue "Sacre Famiglie" si possono ammirare a Firenze, agli Uffizi e a Palazzo Pitti; la "Madonna col Bambino e Giovannino" adorna Palazzo Barberini a Roma.

Beccafumi è accusato di non aver assorbito molto dal suo soggiorno romano, a differenza di altri artisti senesi. Mentre Il Sodoma e Baldassarre Peruzzi ad esempio, assorbirono tutte le sfumature dei principali artisti dell'epoca durante il loro soggiorno romano, Beccafumi rimase provinciale nel suo stile pittorico.

Beccafumi sarà pure stato profondamente legato alla sua terra d'origine, ma fu certamente un artista che sviluppò una creatività indipendente e talvolta idiosincratica. Forse scelse consapevolmente di lasciarsi influenzare solo in minima parte dalla corrente manierista allora prevalente, poiché si dice che le sue opere posseggano un'eccentricità del tutto particolare, talvolta con dettagli onirici ed emozionali.

Anche le sue raffigurazioni differiscono per tonalità dalle opere, spesso piuttosto colorate, dei maestri classici romani. Beccafumi predilige colori più delicati e dall'aspetto molto naturale, utilizza una linea leggermente frastagliata, non necessariamente lineare, e spesso avvolge i suoi dipinti in una leggera nebulosità, dipingendo con transizioni fluide, in contrasto con la nitidezza netta dei dipinti dei maestri più in voga del suo tempo.

Fu anche molto versatile: non solo dipinse, ma sperimentò anche varie tecniche di xilografia, lavorò come scultore (statua equestre dell'imperatore Carlo V, sculture di angeli nel duomo di Siena) e fu attivo come illustratore di manoscritti .

L’Angelo del 17 dicembre appartiene all’ “Annunciazione” che Domenico Beccafumi realizzò nel 1545/1546 per la chiesa di San Martino a Siena.

Tiziano

nacque probabilmente tra il 1488 e il 1490 (a.C. circa 1477) a Pieve di Cadore presso Belluno (Repubblica di Venezia) e morì a Venezia nel 1576.

di Tiziano era Tiziano Vecellio, ma durante la sua vita veniva chiamato "Tiziano da Cadore" (dal Cadore) dal suo luogo di nascita, o anche "il sole tra le stelle": del suo talento si parlò fin da subito.

Per le generazioni successive, il pittore è considerato un rappresentante di spicco della pittura veneziana del XVI secolo e uno dei principali maestri dell'Alto Rinascimento italiano in generale. "Tiziano" è sufficiente per l'amante dell'arte per capire a chi si riferisce.

Tiziano Vecellio era il maggiore di quattro figli di una ricca famiglia della piccola nobiltà; suo padre Gregorio era il capo ecclesiastico del castello di Pieve e suo nonno ricopriva una posizione di rilievo nell'amministrazione cittadina.

È documentato che il talento del piccolo Tiziano e di suo fratello Francesco fu notato fin da piccoli; all'età di nove anni, Tiziano fu mandato da uno zio a Venezia per trovargli un apprendistato artistico.

Tiziano e Francesco furono inizialmente formati dal mosaicista Sebastiano Zuccato, che in seguito introdusse i fratelli nelle botteghe dei più famosi pittori veneziani. Durante il suo apprendistato nelle botteghe di Gentile e Giovanni Bellini, Tiziano entrò in contatto con altri pittori, tra cui Giorgione .

Fortunatamente per Tiziano, che all'epoca era ancora molto giovane, nel 1507 il già noto Giorgione ricevette dalla città di Venezia l'incarico di realizzare gli affreschi esterni del Fondaco dei Tedeschi, appena ricostruito dopo un incendio.

Giorgione dipinse personalmente la facciata, mentre i suoi allievi Tiziano e Morta da Feltre i lati meno prestigiosi. L'"Arte Moderna" segnò la svolta professionale di Tiziano; a circa 17 anni era un artista ricercato.

Nel 1507 Gentile Bellini ; nel 1510 morì Giorgione, che nel frattempo era diventato un suo rivale; nel 1513 Tiziano aprì la sua bottega a Venezia; la morte di Giovanni Bellini nel 1516 liberò Tiziano dall'ultimo serio rivale della scuola veneziana. Da questa posizione favorevole, Tiziano si trasformò in un artista celebrato a livello mondiale; per i successivi sessant'anni, sarebbe rimasto il maestro indiscusso della pittura veneziana nel mondo culturale dell'epoca.

All'inizio del suo secondo decennio, Tiziano ottenne diversi privilegi comunali che, tra le altre cose, gli consentirono di completare le opere dei suoi celebri maestri, come il dipinto di Bellini nella Sala del Maggior Consiglio di Venezia. Negoziò anche contratti ingegnosi con la città di Venezia, offrendo uno stipendio fisso e l'esenzione dalle tasse in cambio dell'obbligo di dipingere i ritratti di tutti i Dogi a un prezzo fisso.

La sua ascesa fu inarrestabile: Tiziano ritrasse i personaggi più in vista del suo tempo e commissionò loro opere. Si sposò nel 1525, si trasferì in quella che probabilmente era la zona più signorile di Venezia all'epoca e nel 1533 fu nominato pittore di corte dall'imperatore Carlo V e elevato al rango di nobile (in precedenza, si dice che Tiziano avesse dipinto due ritratti molto lusinghieri dell'imperatore).

Fin dal 1542, Papa Paolo III desiderava vedere Tiziano a Roma, ma Tiziano aveva raggiunto una tale fama che solo nel 1545 ritenne necessario accettare la chiamata. Nel 1548 e nel 1550, Tiziano accompagnò l'imperatore Carlo V e suo figlio Filippo II alla Dieta imperiale di Augusta. Durante i suoi ultimi anni, fino al 1576, Tiziano lavorò principalmente per l'imperatore Filippo II. Tiziano morì di peste in età avanzata nel 1576, probabilmente il pittore di maggior successo che la storia veneziana avesse mai prodotto.

La "carriera" di Tiziano ricorda molto quella di un allievo d'élite di oggi: con il sostegno fin dalla nascita, l'accesso alla giusta istruzione e alle giuste cerchie, perfino i "metodi di marketing moderni" come la firma dei suoi dipinti che ne valorizzava il valore e la produzione in serie di stampe, Tiziano sapeva come usarli, e anche la fortuna (se così si può chiamare la morte tempestiva dei rivali) ha certamente giocato un ruolo.

Ma il talento (indipendente dalla nascita) e lo sviluppo delle proprie capacità contribuirono al successo di Tiziano: fu un pittore versatile, soprattutto per il suo tempo, che spesso si limitava a temi religiosi; dipinse anche ritratti, paesaggi, motivi mitologici e affrontò persino temi di amore terreno.

Inventò una combinazione di colori caratteristica e distintiva per le sue opere, fu uno dei primi pittori in Italia a utilizzare i moderni colori a olio e, attraverso diversi sconvolgimenti e crisi, trovò il suo stile scultoreo, plasmato dalla sua infanzia trascorsa sulle Dolomiti.

L’angelo del 1° dicembre è l’ “Angelo dell’Annunciazione” “Resurrezione di Cristo” dipinta tra il 1520 e il 1522 per la chiesa dei Santi Nazzaro e Celso a Brescia.

Campione Bavarese

è il nome dato all'artista sconosciuto che dipinse l' "Annunciazione a Maria" in stile tardo gotico su tavola intorno al 1500, misurando 107 × 80,5 cm.

Non sappiamo nulla dell'artista; non ci ha lasciato né il suo nome né le sue date di nascita e di morte, ma nel suo dipinto sono presenti diversi simboli che ci dicono molto: l'angelo che porge a Maria il vaso di fiori è l'Arcangelo Gabriele, l'angelo della resurrezione, della grazia e dell'annunciazione, quando nell'arte cristiana appare come essere femminile.

Quando Gabriele è raffigurato in forma maschile, è considerato un messaggero di Dio in grado di spiegare le visioni. Secondo le credenze cristiane ed ebraiche, è anche il capo dei cherubini (creature alate, sia animali che umane, che svolgono funzioni protettive o servono Dio) e dei serafini (angeli con sei ali che volano intorno al trono di Dio, gridando "Santo, santo, santo!"). Gabriele – Jibril, Jabrā'īl, Jabrā'īl – svolge anche un ruolo importante nell'Islam come trasmettitore della rivelazione al profeta Maometto.

Nel vaso donato dall'angelo dell'Annunciazione sono presenti dei gigli bianchi, simbolo cristiano di amore puro e verginale. Il maestro non dipinse qui dei gigli bianchi qualsiasi, bensì la specie "Lilium candidum" del genere botanico Lilium, il giglio della Madonna.

Quando Gabriele annuncia la nascita di Gesù a Maria, il suo attributo è il giglio della Madonna, che porta con sé o tra le mani, come in questo dipinto del maestro bavarese. Può anche tenere in mano un rotolo – come in questo caso – o una tromba, oppure il suo indice alzato indica l'Annunciazione.

Un altro simbolo che il Maestro bavarese ci offre è l' uccello in gabbia . Simboleggia il potere del pensiero, che eleva ed espande l'anima all'interno del corpo, permettendo alle persone di parlare con consapevolezza. Nell'"Annunciazione a Maria", l'angelo del 16 dicembre annuncia la nascita di Gesù alla Madre di Dio; il dipinto è oggi esposto al Kunsthaus di Zurigo.

Rembrandt

nacque il 15 luglio 1606 a Leida e morì il 4 ottobre 1669 ad Amsterdam.

Rembrandt è il nome del più famoso e importante artista barocco olandese Rembrandt Harmenszoon van Rijn , nato nel 1606 come ottavo di nove figli del mugnaio Harmen Gerritszoon van Rijn e della figlia del fornaio Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck e vissuto all'epoca della famosa pittrice barocca italiana Artemisia Gentileschi .

Dopo la scuola elementare e la scuola latina, con lezioni di storia biblica, lettura dei classici e retorica, Rembrandt si iscrisse alla facoltà di filosofia dell'Università di Leida nel 1620, ma abbandonò gli studi dopo poco tempo per diventare pittore.

Rembrandt divenne allievo del pittore storico di Leida Jacob Isaacsz van Swanenburgh . Il maestro, formatosi in Italia, gli insegnò le basi della pittura dal 1620 al 1624 e la sua specializzazione, la pittura architettonica e le rappresentazioni sceniche dell'inferno; si dice che i fuochi infernali dipinti durante questa formazione siano responsabili della maestria di Rembrandt nella rappresentazione di luci e ombre nei suoi dipinti.

Rembrandt iniziò quindi un apprendistato di sei mesi con il famoso pittore storico Pieter Lastman ad Amsterdam, che si dice abbia avuto su di lui un impatto maggiore rispetto agli anni trascorsi con van Swanenburgh. la pittura storica godeva del più alto riconoscimento tra tutti i generi pittorici e Lastman offrì al suo allievo un'introduzione approfondita alla materia.

Con un successo duraturo, Rembrandt aprì il suo primo studio a Leida nel 1625 e attirò rapidamente l'attenzione con i suoi dipinti. Tanto che, alla fine del 1628, il segretario dello statolder dei Paesi Bassi Uniti (l'antenato degli odierni Paesi Bassi) iniziò a sostenere l'artista e a fornirgli commissioni. Nel 1629 e nel 1630, Rembrandt riuscì persino a vendere dipinti al re d'Inghilterra.

Successivamente, nel 1631, Rembrandt abbandonò il suo studio di Leida e si trasferì ad Amsterdam, dove utilizzò i proventi dei suoi dipinti reali per acquistare un posto nella grande e importante bottega del mercante d'arte Hendrick van Uylenburgh. Nella bottega, che prosperò principalmente grazie alla copia e al restauro, Rembrandt si assicurò rapidamente commissioni di ritratti da ricchi mercanti. Il governatore Federico Enrico, tramite il suo segretario, acquistò dipinti e commissionò un ciclo della Passione. Nel 1632, Rembrandt aveva dipinto 30 dipinti ed era finanziariamente benestante, all'età di 26 anni.

A Rembrandt mancavano ancora alcuni dei prerequisiti per l'ammissione alla Gilda di Amsterdam (una condizione per l'indipendenza della città), che vennero soddisfatti nel corso degli anni successivi, dal lavoro nella bottega di un altro maestro al matrimonio; Rembrandt completò quest'ultimo nel 1634, cosa comoda per la nipote del suo mercante d'arte e figlia di un ricco patrizio, e nello stesso anno si unì alla Gilda di San Luca.

L'Angelo del 12 dicembre è stato creato da Rembrandt, "La lotta di Giacobbe con l'angelo" del 1659; il destino successivo di Rembrandt è descritto nel testo dell'Angelo del 15 dicembre.

Rembrandt

Fu ammesso alla Corporazione di San Luca nel 1634 e sembrò aver raggiunto grandi traguardi. La sua ascesa fu descritta nel testo che accompagnava l'immagine del calendario del 12 dicembre, come segue:

Come maestro indipendente, Rembrandt poteva ora accogliere studenti e apprendisti, formarli e farli lavorare per lui. Continuò a dipingere e vendere le sue opere e, poco dopo, lui e la moglie si trasferirono in una casa di loro proprietà. Nel 1635, Rembrandt iniziò a commerciare opere d'arte e a collezionare vari tesori storici e scientifici, piante rare, animali e oggetti esotici (oggetti costosi provenienti da terre lontane).

Quella che sembra la carriera da manuale di un nuovo ricco che non ne ha mai abbastanza, inizialmente continuò in modo abbastanza tipico: nel 1638, Rembrandt aveva speso l'eredità della moglie, pari a circa 40.000 fiorini.

Forse entrambi i coniugi si abbandonarono a stravaganze; in ogni caso, fu Saskia Rembrandt a essere rimproverata dai suoi parenti per stravaganza, al che Rembrandt fece causa ai parenti della moglie per diffamazione.

Forse chiedendo un risarcimento danni, Rembrandt acquistò comunque una nuova casa il 5 gennaio 1639, una vera e propria grande casa di città, per la quale contrasse anche un prestito che avrebbe dovuto essere estinto in cinque o sei anni.

La strada verso la rovina, che la prodigalità e il prestigio avevano spianato alla grande proprietà, fu ora accelerata da una serie di colpi del destino: il primo figlio di Rembrandt era sopravvissuto solo pochi mesi nel 1635; nell'anno del processo per diffamazione, la sua prima figlia morì poco dopo la nascita; nel 1640, non solo la seconda figlia di Rembrandt morì poco dopo il battesimo, ma un mese dopo morì anche la madre di Rembrandt. Sebbene il loro figlio, Titus, fosse nato nel 1641, sua madre, la moglie di Rembrandt, Saskia, morì nel giugno del 1642.

Nel periodo precedente la morte di Saskia, Rembrandt era riuscito a mantenere un alto livello di produttività nonostante tutte le perdite. La morte della moglie fu ora un colpo troppo profondo e la sua attività artistica subì un significativo declino. A ciò si aggiunsero la preoccupazione per il figlioletto, l'impiego di due tate, le relazioni sentimentali di Rembrandt con loro, i successivi litigi tra le due donne e le cause legali che le riguardavano, gli assegni di mantenimento e i testamenti.

Rembrandt alla fine non fu più in grado di pagare i suoi prestiti e dovette chiedere in prestito ancora più denaro. Poco prima di essere dichiarato fallito, cedette la sua casa al figlio nel 1656. Tuttavia, nemmeno l'asta della casa e delle collezioni fu sufficiente a saldare i debiti.

Rembrandt fu costretto a trasferirsi in un quartiere povero, dove condusse una vita appartata per quattro anni. Questa vita fu ripresa nel 1660 dal figlio e dalla madre adottiva, che lo assunsero nella loro galleria d'arte. Rembrandt riuscì a mantenere contatti commerciali, accettare commissioni e insegnare agli studenti. La madre adottiva morì nel 1663 e suo figlio Titus morì nel 1668 all'età di soli 27 anni. Rembrandt lo seguì poco più di un anno dopo.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn fu un artista brillante, già celebrato e ben pagato dai suoi contemporanei, e venerato dai posteri come uno degli artisti più importanti di tutti i tempi. Visse in un'Età dell'Oro, un periodo di prosperità economica, artistica e politica. Lavorò diligentemente per tutta la vita, realizzando centinaia di dipinti molto quotati, eppure riuscì a impoverirsi a causa di consumi sconsiderati e di un prestito garantito solo da aspettative di guadagni futuri.

L'angelo del 15 dicembre è stato creato da Rembrandt nel 1626, è l'angelo del dipinto "Il profeta Balaam e l'asina" .

Semyon Fedorovich Ushakov

nacque intorno al 1626 a Mosca e vi morì il 25 giugno 1686.

Semyon o Simon Ushakov è stato un rinomato pittore di icone russo . Nulla si sa della sua vita fino al momento in cui assunse l'incarico. Semyon Fedorovich Ushakov lavorò come artista al servizio dello Stato russo e, in qualità di direttore del laboratorio di icone dell'Armeria del Cremlino, fu un artista molto noto e stimato.

Agli artisti che creavano opere d'arte per gli zar e i sovrani russi non veniva concessa alcuna gloria personale: creavano icone (immagini di santi delle chiese orientali, in particolare delle chiese ortodosse) in nome dei loro sovrani, che avrebbero dovuto ricevere sostegno religioso, e arte secolare per la gloria dei loro sovrani.

Molte delle opere di Semyon Ushakov ci sono quindi sconosciute, ma si dice che il suo principale campo di lavoro e la sua maestria siano stati la creazione di icone.

Semyon Ushakov, ad esempio, fu coinvolto nella decorazione miracolosa della Cattedrale dell'Assunzione nel Monastero della Trinità di San Sergio di Posad (1930-1991, Zagorsk). La costruzione di questa cattedrale in onore della Madre di Dio fu iniziata dallo zar Ivan il Terribile nel 1559 e, sotto il regno di suo figlio Fëdor, la chiesa fu completata entro il 1585.

Fu modellato sulla Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca, la chiesa più grande del Cremlino (e oggi l'edificio più antico completamente conservato a Mosca); il Monastero della Trinità, situato a circa 70 km a nord-est di Mosca, fu fondato intorno al 1340 da San Sergio di Radonež e da allora è uno dei centri religiosi più importanti della Chiesa ortodossa russa.

La magistrale decorazione dell'interno della cattedrale fu iniziata nel 1684, con il pittore di corte Simon Ushakov coinvolto nei lavori sull'iconostasi a cinque file . Un'iconostasi è una parete decorata con icone, con porte tra la navata interna e il presbiterio. L'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione doveva essere composta da 76 icone.

Anche le due magnifiche icone di un'iconostasi in legno dorato conservate nella chiesa della Trinità di Nikitniki, nel quartiere moscovita di Kitai-Gorod, sono attribuite a Simon Fyodorovich Ushakov.

Semyon Ushakov è tornato di recente alla ribalta a Mosca quando, nella primavera/estate del 2012, il Palazzo sfaccettato del Cremlino di Mosca (la parte più antica del Gran Palazzo del Cremlino, il più antico edificio laico di Mosca) è stato restaurato riportandolo alla sua forma originale: gli arredi interni sono stati restaurati sulla base delle descrizioni che il pittore di icone aveva fatto nel XVII secolo.

Ssemyon Fedorovich Ushakov creò l'Angelo del 19 dicembre, l' Arcangelo Gabriele, come icona russa ; è datato al secondo terzo del XVII secolo.

Un artista russo sconosciuto

ci ha lasciato un'icona di San Nicola.

Non sappiamo nulla di questo artista, poiché raffigura una figura di San Nicola e, trattandosi di un'icona, si tratta ovviamente di un santo della Chiesa ortodossa. Questa particolare forma di venerazione dei santi attraverso immagini dipinte su pannelli di legno è una forma di culto esclusiva della Chiesa ortodossa. Anche la scelta di raffigurare San Nicola in un'icona è tipica della Chiesa ortodossa:

Ci sono due San Nicola nella storia della Chiesa. Il vescovo Nicola di Myra nacque intorno al 270/280 nei pressi di Myra, a est di Rodi (oggi Demre, Antalya, Turchia); vi morì nel 345/351. Il vescovo Nicola di Pinara fu abate del monastero di Sion, vicino a Myra, e, per gli ultimi cinque anni della sua vita, vescovo di Pinara. La sua data di nascita è sconosciuta; morì nel 564.

Entrambi i San Nicola sono strettamente legati alla città di Myra e furono venerati come santi dalla Chiesa greco-ortodossa già nel VI secolo. Da allora, Myra è stata meta di pellegrinaggio per la Chiesa ortodossa e San Nicola è un motivo popolare anche nelle Chiese ortodosse orientali; è probabilmente il santo più frequentemente raffigurato nelle icone.

Il santo è riconoscibile come Nicola dai suoi attributi. Indossa la veste di un vescovo ortodosso, l'omoforion, una striscia di broccato decorata con croci, sulle spalle, e tiene un libro in mano. La tecnica dell'opera – tempera all'uovo applicata su legno e decorata con un'aureola d'argento – e la cornice e lo sfondo in lamina d'argento rivelano che questa icona fu creata circa 350 anni fa, intorno al 1665.

Anche in Occidente si venera San Nicola, in particolare il vescovo di Myra, tanto che le sue spoglie furono trafugate da mercanti italiani nel 1078. A partire dal 1087, attorno alle "resti trafugate" fu costruita una chiesa, la Basilica di San Nicola a Bari , a cui ogni anno si recano in pellegrinaggio circa 200.000 fedeli.

Tuttavia, Nicola non è venerato come santo solo perché era un vescovo; ci sono molte leggende che circondano Nicola di Myra: si dice che abbia salvato degli imputati innocenti dalla morte, che abbia salvato le figlie di un debitore dalla vendita in un bordello e che abbia dato loro tre pepite d'oro come dote, che abbia riportato in vita dei giovani uomini che erano stati assassinati e messi in salamoia da padrone di casa arrabbiate, che abbia moltiplicato magicamente il grano per salvare la gente di Myra dalla fame, che abbia guarito i malati, che abbia salvato dei ragazzi dall'annegamento e che abbia scacciato i demoni dai pozzi avvelenati.

Si dice che Nicola di Sion/Pinara fosse semplicemente gentile e caritatevole; entrambi i santi si fondono nella figura di un grande benefattore.

San Nicola di Myra morì il 6 dicembre 343. In seguito, il giorno della sua commemorazione divenne il nostro giorno di San Nicola, in cui San Nicola riempie le scarpe di doni .

L'ignoto artista russo ha creato l'Angelo del 6 dicembre, l' icona di San Nicola .

Guglielmo Blake

nacque a Londra il 28 novembre 1757 e vi morì il 12 agosto 1827.

William Blake nacque in una famiglia benestante di un commerciante di calze e fu educato a casa dalla madre, Catherine Wright Armitage Blake. Si dice che avesse un temperamento così ostinato che i suoi genitori non osarono mandarlo a scuola.

Sembrava altrettanto inadatto a una professione normale e subordinata, motivo per cui all'età di dieci anni fu iscritto a una scuola di disegno. Era una delle scuole di disegno più importanti di Londra e ovviamente la scelta giusta per William Blake. A partire dal 1772, completò un apprendistato come incisore e nel 1779 entrò alla Royal Academy of Arts .

Sebbene l'ammissione alla Royal Academy gli avesse in realtà assicurato una brillante carriera come pittore storico, Blake si scontrò con il presidente dell'Accademia, Sir Joshua Reynolds, un ritrattista più devoto alla tradizione che all'originalità, e le sue speranze di una grande carriera andarono in frantumi.

Trovò la donna giusta per questo, Catherine Boucher, che proveniva da umili origini e che sposò nel 1783. Catherine non sapeva nemmeno leggere, ma era dotata di una forte curiosità, imparò dal marito e si istruì da sola.

Dopo qualche tempo, divenne un valido aiuto per Blake, che aprì una tipografia nel 1784; alcune difficoltà legate alla mancanza di figli della coppia furono superate e il matrimonio, che durò fino alla morte di Blake (oltre 40 anni), si dice sia stato un'unione eccezionalmente felice e fruttuosa.

Nella sua vita professionale, William Blake non ebbe successo senza il sostegno dei circoli giusti. Lavorò come stampatore, incisore e illustratore fino alla morte, povero e inosservato dalla crème de la crème del mondo dell'arte. Tuttavia, amici e benefattori lo aiutarono nei momenti finanziariamente più difficili, offrendogli commissioni.

Solo molto tardi nella sua vita Blake poté constatare che una nuova generazione di artisti cominciò ad apprezzare il suo lavoro: dal 1818 circa in poi, la carriera di un artista di grande talento, che si rivelò scomodo e incompreso per i pensatori lenti, nel campo dei libri illustrati prese lentamente una piega positiva.

Questi giovani artisti avevano uno spiccato senso del talento, anche se era prematuro, e queste erano le opere altamente innovative di William Blake, scoperte dai Preraffaelliti verso la metà del XIX secolo e ora ampiamente riconosciute: il pittore era quasi un secolo avanti ai suoi tempi.

Da allora, è rimasto popolare, sia nell'alta cultura che in quella popolare. I dipinti e le incisioni di questo eccezionale artista, la sua opera di poeta e le sue visioni di mistico della natura sono stati continuamente riscoperti. William Blake aveva molti talenti sorprendenti; ad esempio, l'incisione a rilievo e diede sfogo alla sua esuberante immaginazione in visioni, che trasformò in poesie e dipinti.

L'elenco di scrittori, compositori classici, compositori jazz, musicisti rock, musicisti pop e registi il ​​cui lavoro è stato significativamente influenzato da William Blake è leggendario e non sembra destinato a finire tanto presto.

"Arcangelo Raffaele con Adamo ed Eva", fu creato da William Blake nel 1808.

Inga Schnekenburger

è nata il 28 giugno 1949 come Ingrid Hübler a Winsen an der Luhe ed è morta il 20 novembre 2013 a Tenerife.

Inga Schnekenburger è l'artista che, insieme al marito Willi Schnekenburger, ci ha donato il Calendario dell'Avvento degli angeli su www.onlinekunst.de/engel con i modelli di immagini per un calendario degli angeli.

Inga Schnekenburger (allora Ingrid Hübler) vinse presto premi in concorsi creativi, studiò alla Werkkunstschule di Amburgo dal 1967 al 1968; la sua prima mostra personale si tenne a Geesthacht nel 1969 e completò la sua formazione come graphic designer entro il 1971.

Nel 1969 sposò Artur Kaesmacher; i loro figli nacquero nel 1971 e nel 1973; dal 1976 al 1980 studiò arte, artigianato, pedagogia, psicologia e filosofia presso l'Università di scienze applicate di Lüneburg e superò il primo esame di Stato per l'insegnamento di arte e artigianato nel 1980.

Nel 1977 divorziò da Artur Kaesmacher e iniziò a lavorare come docente di arte presso il centro di formazione per adulti di Lüneburg. Seguì un tirocinio e alcuni esami. Dal 1986 in poi lavorò come insegnante di arte presso un liceo e dal 1989 ricoprì un incarico di docenza per la formazione creativa presso l'Università di Scienze Applicate della Bassa Sassonia nord-orientale.

In questo periodo, Ingrid Hübler realizzò cinque mostre personali, due collettive e una retrospettiva e fondò una scuola d'arte. Nel 1991, salutò la Bassa Sassonia con una mostra allo Städtisches Glockenhaus di Lüneburg e si trasferì a Donaueschingen, nel Baden-Württemberg.

Lì, ha diretto la Scuola d'Arte Comunale per i Giovani fino alla fine di gennaio 1992 e ha sposato l'artista Willi Schnekenburger. In seguito, ha ricoperto incarichi di docenza per la formazione creativa presso l'Università di Scienze Applicate di Furtwangen fino al 1997 e ha partecipato a numerose mostre fino al 2001:

Più volte alle Settimane Internazionali della Ceramica a Hüfingen, una “Croce a Specchio” a Monaco, acquerelli, oggetti e ceramiche, in parte insieme a Willi Schnekenburger, alla Mostra dei Giardini Statali a Bad Dürrheim, a Coblenza, Asbach, Furtwangen, Lohmar, Schwerin, Düsseldorf, Meiningen, Berlino e Hochfelden in Alsazia in Francia.

Nel frattempo, i dipinti, l'arte oggettuale e le ceramiche di Inga Schnekenburger si erano spostati nel mondo digitale: nel 1995, ebbe luogo la prima presentazione su Internet con "Immagini sull'I Ching - Immagini sull'I Ching". Dal 1997 al 1998, l'artista si è formata come sviluppatrice multimediale. Nel 1998, Willi e Inga Schnekenburger hanno fondato onlinekunst.de. Da allora, numerose mostre e progetti artistici si sono svolti su questa piattaforma per l'arte e la cultura su Internet.

Sebbene il sito sia attualmente (a dicembre 2014) chiuso in seguito alla morte di Inga Schnekenburger nel 2013, una visita vale sicuramente la pena. Il progetto artistico computergarten.de, ad esempio, è stato avviato anch'esso nel 1998 e si è sviluppato nel corso degli anni; oggi ospita una vasta gamma di computer art e fotografie digitali artistiche.

Inga Schnekenburger ci ha lasciato gli angeli del 2, 4 e 9 dicembre, “L’angelo di Giovanni” , “Il tempo si muove” e “L’angelo custode” , bellissime grafiche al computer e acquerelli.