La carriera di David Hockney: molto più di un umorismo scandalosamente buono

classificato come artista mondiale n. 20 nella classifica indipendente di ArtFacts

Nel 2012, in occasione del suo 75° compleanno, Hockney si trovava ancora al 36° posto; tuttavia, il pittore britannico fu celebrato con così tante mostre delle sue opere che all'epoca venne addirittura annoverato tra i tre o cinque artisti più importanti del mondo.

I festeggiamenti per il suo 80° compleanno nel 2017 hanno superato ulteriormente questa aspettativa.

Anche le classifiche dei più grandi artisti possono cambiare sensibilmente, ma coloro che sono stati tra i primi 100 artisti in una classifica mondiale per un periodo di tempo più lungo sono certamente tra gli artisti globali che hanno plasmato in modo significativo il mondo dell'arte. Come David Hockney , che si è classificato piuttosto in alto in ogni classifica di arte contemporanea dal 1965 circa.

La prima parte di questa serie sull'artista globale ha dimostrato e giustificato che David Hockney non è, e non è stato, un pittore Pop Art, sebbene questo stile gli venga spesso attribuito. La sezione seguente si concentra sulla carriera di David Hockney, un'ulteriore opportunità per dissipare le rappresentazioni diffuse e altrettanto semplicistiche dell'influente artista:

David Hockney non fece carriera in America; era già famoso negli ambienti artistici quando vi arrivò. Hockney non solo dipinse splendidi quadri, ma lavorò anche con grande successo in un'ampia varietà di forme d'arte:

Nuova arte, ancora nella vecchia Inghilterra

David Hockney si iscrisse al Royal College of Art di Londra nel 1959, sperando di trasferire la sua formazione puramente accademica a Bradford nello sviluppo del proprio stile. Come ogni giovane spirito libero, Hockney trovò affascinante la Pop Art americana, colorata e libera, e aveva ottime ragioni personali per addentrarsi nel regno della critica sociale ironica ma divertente.

Tuttavia, la serietà con cui perseguì il suo lavoro artistico non gli permise di sprofondare nel meraviglioso e colorato mondo dell'arte all'avanguardia della Pop Art statunitense così facilmente come alcune rappresentazioni sembrano suggerire.

Hockney dovette ancora fare una lunga deviazione verso il vecchio mondo: fino alla fine dei suoi studi nel 1962, Hockney lavorò con determinazione e continuità al proprio linguaggio visivo; voleva trovare o inventare un'espressione completamente nuova tra astrazione e rappresentazione figurativa.

Aveva già sperimentato i suoi primi conflitti con il soggetto a Bradford, ma non l'aveva ancora abbandonato durante il periodo trascorso lì. Al RCA, ora si sforzava esclusivamente di vedere e sottolineare il dipinto come una superficie. Questa caratteristica sorprendente dei primi lavori di Hockney al Royal College of Art (Hello, Sandra Blow, vedi Hockney Parte 1) era una strategia pittorica molto consapevole che sarebbe diventata un passo decisivo per l'artista.

Studiare nel cuore della scena culturale e artistica londinese, lavorare e discutere con altri studenti altrettanto interessati a nuovi modi e mezzi di espressione, offrì a Hockney ampie opportunità di confrontarsi con i vari movimenti artistici del suo tempo e, in questo processo di apprendimento, di sviluppare il proprio linguaggio visivo.

Il primo approccio all'astrazione furono i dipinti espressivi su cartone in stile astratto, come "Growing Discontent" (1959, immagine non disponibile), il cui titolo, tuttavia, faceva già riferimento all'avversione di Hockney per uno stile pittorico puramente gestuale, alla maniera di Alan Davie e Jackson Pollock .

Hockney abbandonò questi dipinti astratti dopo pochi mesi perché si rese conto che per lui la strada verso la modernità non poteva consistere nell'indossare una nuova camicia di forza stilistica chiamata Pop Art al posto delle restrizioni imposte dalle rigide regole della tradizionale "arte reale" che aveva così faticosamente scartato.

Hockney voleva di più: una voce personale; un elegante e nuovo compromesso tra astrazione e figurazione, introvabile nell'arte di tendenza degli americani alla moda. Pertanto, Hockney preferì tornare all'ispirazione degli artisti europei, molti dei quali avevano a lungo tentato di mediare tra astrazione e figurazione.

Durante una visita alle mostre di Londra nella primavera del 1960, scoprì Francis Bacon (Hello, Sandra Blow), la cui rappresentazione figurativa divenne la prima importante fonte di ispirazione per Hockney.

Hockney trovò ispirazione anche nell '"art brut apparentemente primitiva di Jean Dubuffet , che dapprima lo spinse a riflettere e poi lo spinse ad andare avanti. Dubuffet fu il primo artista a usare i graffiti come modello e quindi a documentare anche questa forma d'arte. Trasse ispirazione in questo dal primo fotografo di graffiti, Brassaï , che aveva già collezionato immagini del Muro di Parigi negli anni '30.

L'idea portò a Dubuffet un successo clamoroso; durante il periodo documenta di Dubuffet (tre apparizioni consecutive: 1959, 1964, 1968), i suoi tableaux di figure ( "Vertu virtuelle" ; "Hopes and Options" ), incorniciati da una scrittura primitiva o composti da lettere viventi, dovevano essere visti come "anarchia nella sua forma più bella" ovunque si potesse trovare arte moderna.

Per Hockney, questi furono impulsi cruciali; sentiva un forte legame con le rappresentazioni di Dubuffet dell'arte infantile e dell'alta cultura dell'antico Egitto e considerava questo "stile anonimo" ("Davis Hockney" di David Hockney 1976, p. 67) un modello fondamentale per il suo lavoro durante il periodo trascorso al Royal College.

Hockney non avrebbe mai perso quella che una studentessa di Seul (enfasi sua) definisce nella sua tesi di filosofia presso l'Università Ludwig Maximilian di Monaco sui primi lavori di David Hockney "tendenza europea orientata alle emozioni o alle figure" , anche nei suoi lavori successivi.

Forse fu proprio questa insistenza sulle tradizioni artistiche europee, l'esitazione di Hockney, come dei suoi colleghi britannici, ad abbracciare immediatamente gli stili americani innovativi per liberarsi dalla tradizione artistica europea, che portò a un'opera di "arte globale" che ispirò persone in tutti i continenti.

La buona arte giovane ha possibilità anche nella vecchia Inghilterra

Verso la fine dei suoi studi al Royal College of Art, Hockney aveva sviluppato il suo primo stile espressivo personale, con il quale divenne famoso molto presto e molto rapidamente nel suo paese d'origine:

Nel 1960, il talentuoso signor Hockney fu invitato alla mostra annuale del "London Group ". Il London Group è un'associazione di artisti londinesi ancora attiva oggi, fondata nel 1913 come opposizione d'avanguardia alla conservatrice Royal Academy of Arts; il suo obiettivo dichiarato è "promuovere la consapevolezza pubblica dell'arte visiva contemporanea attraverso mostre annuali".

La Royal Academy of Arts di Londra è l'istituzione artistica più importante della Gran Bretagna, dedicata alla promozione della pittura, della scultura e dell'architettura fin dalla sua fondazione da parte di Giorgio III su commissione reale. Giorgio III governò la Gran Bretagna dal 1760 al 1820. Dal 1765 in poi, si dice che abbia mostrato i primi segni della malattia mentale che oscurò la seconda metà del suo regno. La Royal Academy of Arts fu fondata nel 1768...

Probabilmente la venerabile Royal Academy non era dotata di uno spirito particolarmente stimolante molto prima della Brexit; l'idea che una delle sue celebri mostre estive potesse presentare opere di giovani studenti universitari (gay, per giunta) come David Hockney era semplicemente impensabile.

Quanto sia arretrato il ruolo di RA (Royal Academician) lo si può vedere, ad esempio, dal fatto che David Hockney stesso è stato eletto alla Royal Academy of Arts di Londra solo nel 1991, quando aveva 54 anni ed era un artista famoso da 30 anni.

articolo del Guardian è piuttosto illuminante Grayson Perry , non più un giovane artista, abbia salvato la mostra estiva del 2018 (il 250° anniversario dell'Accademia) da quella che il giornalista del Guardian ha definito la sua "imbruttimento", presentando una collezione selvaggia di trash art al sorpreso establishment artistico britannico.

Il London Group, d'altro canto, si diletta nelle sue mostre di allora e di oggi con la diversità di stili che l'insieme dei giovani artisti ignorati o rifiutati dalla Royal Academy of Arts porta alla mostra annuale.

David Hockney espose di nuovo poco dopo e la mostra Young Contemporaries del 1961 Patrick Caulfield , Derek Boshier , Allen Jones , David Hockney, RB Kitaj e Peter Phillips .

" Young Contemporaries", "New Contemporaries" nel 1974 , è un'organizzazione britannica che mira a sostenere gli artisti emergenti all'inizio della loro carriera. La sua fondazione è stata promossa dall'insegnante di David Hockney, Carel Weight:

Nel 1949 ebbe l'idea di utilizzare la galleria poco utilizzata della Royal Society of British Artists (RBA, un'altra associazione di artisti britannici fondata nel 1823 come contrappeso alla sonnolenta Royal Academy) in Suffolk Street a Londra per esporre i lavori degli studenti .

Detto fatto, i fondatori hanno persino concordato di selezionare i "Giovani Contemporanei" attraverso un processo così imparziale e democratico che potrebbe quasi essere definito poco britannico: l'artista si candida in forma anonima con un'opera d'arte; i giurati non vengono informati della scuola, dell'età o della nazionalità del partecipante durante l'intero processo di selezione.

Nel decennio trascorso dalla sua fondazione, la mostra annuale si era già guadagnata la reputazione di presentare le più entusiasmanti novità artistiche del momento. All'inizio degli anni '60, la mostra "Young Contemporaries" era diventata una tappa obbligata per gli intenditori d'arte contemporanea, e i cosmopoliti amanti dell'arte moderna erano ansiosi di assistere a questo spettacolo.

La mostra del 1961 fu un vero successo, soprattutto per gli appassionati d'arte, che si impadronirono con entusiasmo della nuova Pop Art britannica e, soprattutto, delle prime opere di David Hockney. Queste nuove entusiasmanti scoperte furono discusse e tramandate, e David Hockney divenne lentamente un argomento di conversazione nel panorama artistico d'avanguardia.

Un gallerista trova il suo artista

Alla mostra dei Giovani Contemporanei del 1961 era presente anche John Kasmin , un giovane ribelle dell'East End di Londra che era stato da poco espulso dalla Nuova Zelanda dalla polizia (in quanto bohémien) e che dal suo ritorno aveva lavorato nelle gallerie londinesi.

"Doll Boy" dello studente sconosciuto David Hockney (ora nella collezione della Tate) alla mostra Young Contemporaries del 1961 Marlborough Gallery di New London. Kasmin invitò Hockney a prendere un tè dopo il lavoro, gli piacque e lo desiderò così tanto da essere disposto a confrontarsi con il suo capo e co-fondatore della Marlborough Fine Art, Harry Fischer.

In ogni caso, alla galleria Kasmin non era autorizzato a scegliere in base al proprio gusto/istinto, così si dimise (con grande disappunto dei fondatori della Marlborough, che avevano già notato il suo potenziale) e portò con sé il cliente più importante della galleria.

questo Sheridan Dufferin era Sheridan Frederick Terence Hamilton-Temple-Blackwood, quinto marchese di Dufferin e Ava, e di conseguenza era benestante. Dufferin fornì i fondi per fondare la Kasmin Gallery, che si trasferì in una sede insolitamente ampia e spoglia, bianca, in New Bond Street a Londra, e ospitò la prima mostra personale di David Hockney nel 1963.

Hockney immortalò Kasmin nel dipinto del 1963 “Play within a Play” ( curiator.com/art/david-hockney/play-within-a-play ) “come un prigioniero tra la vita e l’arte” , quindi probabilmente sapeva già allora che colpo di fortuna fosse un gallerista come John Kasmin, che credeva nell’arte e non voleva solo vendere cose.

La reazione alla prima esibizione da solista di Hockney alla Kasmin Gallery di Londra fu straordinaria; David Hockney divenne una star del prestigioso Royal College of Art. Il giovane, precedentemente descritto come eccezionalmente timido in "ambienti reali", mostrò ora i primi segni di ribellione (ma viene ancora descritto come coinvolgente, delizioso e per nulla calcolatore):

In mezzo a tutta questa fama precoce c'era la laurea di Hockney, che a quanto pare non la portò a termine: secondo John Kasmin, si rifiutò di scrivere un saggio o qualcosa di simile, quindi non ricevette la solita medaglia d'oro e si comprò invece una giacca di lamé dorato.

Hockney era probabilmente più interessato al "Premio per il Disegno ", vinto durante il suo ultimo anno. Era dotato di 100 sterline, che Hockney spese senza esitazione in un viaggio a New York, Berlino ed Egitto per raccogliere ispirazione per le illustrazioni.

Si dice che Hockney sia tornato da questo viaggio con una chioma biondo platino, più sicuro di sé e più stravagante. Come molti dei suoi colleghi artisti, non si sentiva particolarmente a suo agio con il clima sociale del Regno Unito dell'epoca: gli omosessuali erano ancora soggetti all'ergastolo secondo il Codice Penale, ma non erano stati perseguiti dopo il "Rapporto Wolfenden" del 1957.

Secondo Kasmin, Kitaj, Blow e altri che avevano già viaggiato un po' per il mondo, c'era un'arte più entusiasmante "là fuori" delle carte da parati di John Minton, dei paesaggi a mosaico di Julian Trevelyan e degli "orribili piccoli disegni" ( citazione Kasmin) di Lucian Freud.

In generale, per Hockney il tempo era troppo brutto, il Paese troppo nazionalista (ciao Brexit), molte persone troppo ristrette e scontrose.

Fuori dallo stretto

In ogni "nazione orgogliosa con una storia gloriosa", la tentazione di trattare con disprezzo lo straniero e il diverso è in agguato. Più l'orizzonte è ristretto, più si percepisce la diversità; gli artisti indipendenti ogni volta che il loro lavoro si discosta dal gusto comune, e le persone con orientamenti sessuali insoliti ancora di più.

Le società moderne e civilizzate combattono tali tendenze; ​​i liberi pensatori indipendenti hanno sempre avuto la tendenza a unirsi alle nazioni in cui questa lotta veniva condotta con maggior successo in un dato momento: per la maggior parte dei giovani artisti nell'Inghilterra del dopoguerra, grandi frecce rosse puntavano verso l'America.

Cinque dei sei compagni di studio, diventati famosi insieme a Hockney alla mostra Young Contemporaries del 1961, finirono quindi negli USA più o meno rapidamente dopo la laurea al Royal College of Art, solo due di loro tornarono poi definitivamente in Inghilterra:

Ridley Scott ricevette una borsa di studio di un anno negli Stati Uniti e lavorò per due anni presso la Time Life, Inc. con i documentaristi Richard Leacock e DA Pennebaker. Nel 1965, tornò in Inghilterra per formarsi come scenografo alla BBC e per partecipare al programma di formazione per registi.

Nel 1968 lasciò la BBC per fondare la Ridley Scott Associates, trasformandola in una delle case di produzione di film pubblicitari di maggior successo in Europa e da lì dando il via alla sua celebre carriera di regista.

Allen Jones e Peter Phillips vissero a New York dal 1964 al 1966 e viaggiarono insieme negli Stati Uniti. Jones si trasferì in Germania (insegnando presso le accademie d'arte di Amburgo e Berlino, a documenta III nel 1964, a documenta 4 nel 1968 a Kassel) e poi tornò in patria. Peter Phillips rimase internazionale, insegnando a Birmingham e Amburgo, esponendo in tutto il mondo e viaggiando fino all'Africa e all'Australia. Ora vive a Maiorca.

Dopo la laurea, Derek Boshier

Unico nativo americano, RB Kitaj, insegnò disegno alla Ealing School of Art, alla Camberwell School of Art e alla Slade School of Fine Art di Londra fino al 1967, partecipò a documenta III a Kassel e alla Biennale di Venezia nel 1964 e tornò negli Stati Uniti solo dopo nove anni di esilio per la sua prima mostra americana alla Marlborough-Gerson Gallery di New York nel 1965.

Hockney fece il grande passo nel febbraio del 1964: durante la sua prima grande incursione nel mondo, incontrò Henry Geldzahler, allora curatore del Metropolitan Museum of Art di New York, noto per il suo impegno nei confronti dei giovani artisti e che aveva incoraggiato Hockney a trasferirsi a Los Angeles.

Aspettavano solo talenti come Hockney: nello stesso anno, Hockney tenne la sua prima mostra personale negli Stati Uniti, che ebbe un grande successo, presso la Alan Gallery , e nell'estate del 1964 gli fu offerto un incarico di insegnamento presso l'Università dell'Iowa.

La casa di Hockney negli Stati Uniti , tuttavia, era Los Angeles. Era entusiasta della soleggiata California ; non c'è da stupirsi, considerando dove David Hockney aveva vissuto in precedenza:

La città natale di Hockney, Bradford , negli anni '50 e '60, visse un periodo di crisi ecologica e architettonica, dopo un passato ancora più inglorioso: nel XIX secolo, Bradford si era trasformata da cittadina rurale di mercato con poche migliaia di abitanti in una città industriale con oltre 50 miniere di carbone e la "capitale mondiale della lana".

Il paesaggio urbano offriva alloggi inadeguati per i lavoratori, caserme militari e fabbriche tessili le cui 200 ciminiere emettevano costantemente fumo nero e sulfureo. Nel 1850, Bradford era la città più inquinata d'Inghilterra, con colera e tifo come visitatori costanti; l'aspettativa di vita media dei suoi residenti era di diciotto anni.

Bradford subì pochi danni durante la Seconda guerra mondiale, ma la ristrutturazione e la ricostruzione da parte delle autorità, piene di spunti estetici deludenti, forse distrussero ancora di più il volto storico di Bradford.

Quando David Hockney era bambino, Bradford era fatta di brutti edifici e strade caotiche piene di cantieri edili pericolosi e di monolocali uniformi con campi da calcio senza la minima traccia di verde in mezzo; le case erano brutte e di un marrone scuro, e l'aria era ancora grigia.

John Kasmin lo andava a trovare una o due volte all'anno negli Stati Uniti; una foto di loro due risale al 1965, quando visitarono una mostra sulla nuova scena pittorica londinese al Walker Art Center di Minneapolis, insieme ad artisti di sua conoscenza provenienti dall'Inghilterra.

Kasmin è cresciuto in circostanze relativamente paradisiache nel quartiere londinese di Whitechapel, di fronte a Bradford, e dall'età di 17 anni ha trascorso sei anni immergendosi nel "paesaggio puro" della Nuova Zelanda. Dato questo background, è comprensibile che il gallerista ricordi con un pizzico di scherno quanto Hockney fosse affascinato da ogni dettaglio dello stile di vita rilassato californiano; Hockney lo avrebbe persino trascinato a Disneyland...

Tuttavia, dal punto di vista di Hockney, la California è la scelta più logica al mondo: arte (Pop) libera e stimolante al posto delle restrizioni reali, sole al posto della pioggerellina, ampi orizzonti al posto degli stretti canyon urbani, piscine in campagna al posto dei campi sportivi ricoperti di ghiaia, ragazzi allegri e ben fatti (a torso nudo) al posto della seria mascolinità in cravatte e colletti... e il fatto che un'esuberante abbondanza degli ultimi gadget tecnologici chiamati Disneyland affascini un artista moderno dovrebbe essere in realtà l'ultima cosa di cui un gallerista che lavora in questo campo si sorprenderebbe.

Prima fioritura sotto il sole della California

Il periodo della sua partenza per la libertà fu anche quello in cui David Hockney per la prima volta il suo linguaggio visivo: forme chiare e fredde, un approccio oggettivo, un'attenzione all'elaborazione di nuove esperienze, che venivano accuratamente registrate per essere poi riflesse con la altrettanto nuova macchina fotografica Polaroid.

Per Hockney, il medium pittorico più adatto a questa fase era la pittura acrilica, appena inventata. I "Quadri Doccia" , i "Quadri Piscina" e le "Scene Domestiche", partire dal 1963, non sono impressionanti solo per i colori e l'espressività, ma anche per l'appropriazione degli ultimi sviluppi che l'epoca offriva.

Gli ultimi sviluppi tecnici tradotti in arte, in un linguaggio individuale con colori splendidi e motivi chiari, senza incomprensibili intrecci e messaggi accademici, intellettuali o psicologici: questa combinazione ha toccato e incantato molti amanti dell'arte moderna e ben presto anche persone che cercavano semplicemente un'arte bella e/o di tendenza con un alto valore utile e decorativo.

In California Hockney si scatenò davvero; e quello fu l'inizio di una vita artistica la cui intensità può provocare vertigini nello spettatore:

Tra il 1965 e il 1967, Hockney ricoprì incarichi di insegnamento presso l'Università del Colorado a Boulder e presso l'Università della California a Los Angeles e a Berkeley a San Francisco.

Nel 1966, Hockney creò la sua prima scenografia per il Royal Court Theatre di Londra e per l'opera surrealista di Alfred Jarry "Ubu Roi", segnando l'inizio di numerose scenografie. Oggi, molti contemporanei conoscono David Hockney "solo" come pittore, ma la sua attività come scenografo, fotografo e grafico è stata così intensa che anche queste arti lo rivendicano a pieno titolo come proprie.

Nel 1968, Hockney trascorse l'estate a casa in Inghilterra e viaggiò con gli amici a Parigi, nel sud della Francia, in Cornovaglia e nell'Irlanda del Nord. In autunno, accompagnò il relativamente nuovo amore della sua vita, il fotografo d'arte californiano Peter Schlesinger, a Londra, dove Schlesinger aveva intenzione di iscriversi alla Slade School of Art.

Poi proseguì per St. Tropez, dove visitò “Le Nid du Duc” e scattò numerose fotografie: la casa dei sogni del regista, sceneggiatore e produttore “Tony” Richardson (1964, 4 Oscar per “Tom Jones”, Hotel New Hampshire, Il fantasma dell’opera, ecc.) avrebbe avuto un ruolo nella sua arte.

“A parte” dipinse alcuni dei suoi quadri più famosi ( Christopher Isherwood e Don Bachardy ; i collezionisti americani Fred e Marcia Weisman ) e prese parte alla documenta 4 di Kassel.

Carriera da maratona con sprint infiniti

Le cose continuarono a questo ritmo: nel 1969 Hockney accettò una cattedra in visita presso l'Accademia d'arte di Amburgo; intraprese ripetutamente lunghi viaggi, che implicarono lavoro ed esperimenti, nonché soggiorni prolungati in vari angoli del mondo.

Ad esempio, nel 1975 trascorse un lungo periodo a Parigi con i suoi genitori, che furono anche ampiamente ritratti. Sempre nel 1975, Hockney incorporò la ricerca condotta nei primi anni '60 sul ciclo di incisioni che circondava "La carriera di un libertario" di William Hogarth in una scenografia per la Glyndebourne Festival Opera nell'East Sussex, dove veniva rappresentata "La carriera di un libertino" di Stravinskij.

Inoltre, emersero continuamente idee artistiche completamente nuove, ad esempio, dal 1976 in poi, opere di collage fotografico composte da numerose immagini Polaroid. "Twenty Photographic Pictures" e la composizione composta da 63 Polaroid con le sorelle Imogen e Hermiane Cornwall-Jones furono molto apprezzate all'epoca, ancora una volta un'opera solista in controtendenza rispetto alle tendenze della moda del tempo.

Oggi, queste opere vengono spesso presentate come espressione della "fase cubista" e sono attribuite a un impegno tardivo con il cubismo e l'opera di Picasso , sebbene Hockney avesse già iniziato questo impegno al Royal College of Art.

Nel 1977, Hockney partecipò a Documenta 6, nel 1978 alla 38ª Biennale di Venezia e nel 1979 alla 3ª Biennale di Sydney. Nel 1978, Hockney progettò la scenografia per il "Flauto Magico" di Mozart per la Glyndebourne Festival Opera nell'East Sussex.

Nel 1980, Hockney disegnò scene e costumi per un triplice omaggio all'arte francese dell'epoca di Picasso al Metropolitan Opera House. La sontuosa opera, intitolata Parade, comprendeva il balletto "Parade" con musiche di Erik Satie; l'opera "Les mamelles de Tirésias" con libretto di Guillaume Apollinaire e musiche di Francis Poulenc; e l'opera "L'enfant et les sortilèges" con libretto di Colette e musiche di Maurice Ravel. Nel 1981, seguì un altro triplice set di scenografie per il Metropolitan Opera: "La sagra della primavera" di Stravinskij, "Le Rossignol" e "Oedipus Rex".

Dal 1982 in poi apparvero nuovi collage Polaroid, ancora più sfaccettati (ancora più cubisti?), che giocavano con vari formati e principi di composizione e ordine.

Nel 1983, Hockney lavorò contemporaneamente per la Los Angeles Music Center Opera e la Royal Opera House di Londra, e creò scenografie per l'Eye and Ear Theatre di New York. Nello stesso anno, ridisegnò completamente la scenografia per l'opera "L'enfant et les sortilèges" per la mostra "Hockney Paints the Stage". L'opera può ancora essere ammirata oggi in un'installazione permanente presso l'Honolulu Museum of Art.

Nel 1985 Hockney partecipò alla XIII Biennale di Parigi e nel 1986 a PaperArt (1a Biennale Internazionale di Arte della Carta a Düren, Vestfalia), sicuramente ancora una volta con nuove sperimentazioni; nel 1987 progettò la scenografia per l'opera "Tristano e Isotta" di Richard Wagner per conto del Los Angeles Music Center Opera.

Verso la metà degli anni '80, Hockney si immerse nuovamente nella pittura, concentrandosi questa volta principalmente su Henri Matisse (e ripetutamente su Pablo Picasso).

Ben presto alcune innovazioni tecniche furono pronte per l'elaborazione e, dalla fine degli anni '80, Hockney sperimentò la stampa, le fotocopiatrici a colori e i fax: ciò diede vita a stampe a quattro colori, disegni via fax e computer grafica astratta, il nuovo corpus di opere noto come " Home Made Prints" .

Nel 1989, David Hockney espose le sue opere alla XX Biennale di San Paolo in Brasile e ottenne il "Praemium Imperiale " giapponese. Fu la prima volta che questo "Premio Nobel per le Arti" venne assegnato, e Hockney condivise il premio nella categoria pittura con Willem de Kooning . (I vincitori del primo premio nelle altre categorie furono: scultura di Umberto Mastroianni; architettura di Ieoh Ming Pei; musica di Pierre Boulez; teatro/cinema di Marcel Carné.)

Dal 1991 in poi, Hockney progettò nuovamente le scenografie per la "Turandot" di Puccini alla Chicago Lyric Opera e per "Frau ohne Schatten" di Richard Strauss nel 1992 alla Royal Opera House di Londra; nel 1991 fu anche ammesso come membro della Royal Academy of Arts di Londra.

Nel 1994, Hockney disegnò costumi e scenografie per dodici arie d'opera a Città del Messico per il programma televisivo Operalia di Placido Domingo. Ancora una volta, si avvalse delle più recenti innovazioni tecnologiche, costruendo complessi modelli in scala 1:8 su un proscenio mobile di 1,8 m x 1,2 m, utilizzando un sistema computerizzato che gli consentiva di programmare le luci a piacimento e sincronizzarle con la colonna sonora.

Nel 1995 Hockney partecipò alla 46ª Biennale di Venezia; nel 1997 ricevette il British Order of the Companions of Honour (un ordine del Regno Unito e del Commonwealth che dal 1917 onora i risultati eccezionali conseguiti in vari campi) e fu ammesso all'American Academy of Arts and Sciences.

Nel 2004, le sue opere sono state esposte contemporaneamente alla Biennale di Liverpool e alla Biennale del Whitney a New York.

Nel 2006, dopo uno studio approfondito dei metodi degli antichi maestri, è stato pubblicato il suo libro "Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters". Nel 2012, Hockney ha realizzato un dipinto di grandi dimensioni di 176 metri quadrati per l'Opera di Stato di Vienna, che è stato uno dei momenti salienti della serie di mostre "Iron Curtain" nell'ambito del "Museum in Progress" durante la stagione 2012/2013.

Nel 2012, Hockney ha ricevuto il Queen's Order of Merit bbc.com ); ha inoltre partecipato alla 4a Biennale di Arte Contemporanea di Madrid e nel 2015 (all'età di 78 anni) alla 5a Biennale di Arte Contemporanea di Salonicco.

Nel 2017, David Hockney ha compiuto 80 anni, un'occasione celebrata con una magnifica retrospettiva alla Tate Britain di Londra ( tate.org.uk/whats-on/ ). La San Francisco Opera ha restaurato e riproposto la scenografia di Hockney per Turandot nel 2017, per la quale Hockney ha ricevuto la San Francisco Opera Medal.

Questo non era nemmeno l'inizio di una biografia, solo una rapida carrellata di alcune fasi della vita di Hockney. Oltre a tutti questi viaggi, ricerche, insegnamento e sperimentazioni, David Hockney ha principalmente creato arte; abbastanza arte da oltre 306 mostre personali e quasi 900 collettive ... Probabilmente non ci sono ancora statistiche, ma molti artisti non hanno certamente ancora superato il traguardo delle 1.000 mostre.

La terza parte di questo ciclo riguarda la celebre arte visiva di David Hockney, e non solo: artisti di fama mondiale come David Hockney offrono al mondo anche molte altre fonti di ispirazione...

Ecco una selezione dei suoi lavori su Pinterest:

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