Claes Oldenburg : Il y a de l'art dans chaque chose simple

Claes Oldenburg a consacré sa vie à transformer le quotidien en art en utilisant les moyens les plus simples.

Un art accessible, un art espiègle, un art légèrement ironique – bref, le genre d'art que beaucoup perçoivent comme un enrichissement bienvenu de leur quotidien. L'art de Claes Oldenburg est perçu par un grand nombre comme un enrichissement bienvenu de leur vie quotidienne. C'est pourquoi il est considéré comme l'un des représentants les plus importants du Pop Art américain, au même titre qu'Andy Warhol et Roy Lichtenstein .

Mais Andy Warhol est numéro un mondial du classement artistique, tandis que Claes Oldenburg n'est que 80e. Vers 2008, il était presque 50e, et depuis, son classement a fluctué entre la 60e et la 80e place environ. Pour Andy Warhol, aucune fluctuation, juste une ligne droite vers sa position inébranlable de numéro un.

Il existe de nombreuses raisons à cela, mais elles reposent toutes sur un principe commun : dans les sociétés où règne l’insécurité, les individus suivent aveuglément un leader par peur d’exprimer leur propre opinion. Et ce leader est toujours celui qui crie le plus fort. En l’occurrence, il s’agit clairement d’Andy Warhol. Mais au moins, contrairement aux figures sinistres qui émergent sur la scène politique, il n’avait pas l’intention de nuire à ses adeptes.

Le parcours artistique de Claes Oldenburg

Claes Oldenburg est né à Stockholm en 1929, mais n'a pu profiter que très peu de l'insouciance de l'enfance suédoise : son père était en poste à New York en tant que diplomate suédois, où Oldenburg a d'abord grandi de 1930 à 1933.

Durant ses six et sept années, Oldenburg fut autorisé à compter les gnomes à Oslo, en Norvège – pas tout à fait son pays natal, mais le petit Claes avait certainement « plus de Suède » autour de lui à Oslo qu’à New York.

Peut-être avait-il même lu l'un des contes de Noël qu'Astrid Lindgren publia anonymement dans un journal de Stockholm en 1933, à ses débuts littéraires ? Pendant de nombreuses années, Lindgren écrivit des nouvelles anonymement pour des magazines. En 1941, alors que sa fille était alitée et malade, elle adopta le pseudonyme de Fifi Brindacier et demanda des histoires sur la petite héroïne. Cette rencontre fortuite fit d'elle une écrivaine.

Astrid Lindgren inventait des histoires sur et avec Fifi Brindacier et les écrivait également ; « Fifi Brindacier » fut rejetée par certains éditeurs en 1944 et remporta le premier prix d'un concours organisé par un deuxième éditeur en 1945… mais Claes Oldenburg n'aurait jamais pu deviner en 1936 qu'une héroïne importante allait bientôt émerger dans le nord ; il suivait innocemment ses parents à Chicago, où son père avait été nommé consul général de Suède et où Oldenburg alla à l'école jusqu'en 1946.

Le fait d'avoir largement échappé à la Seconde Guerre mondiale dans leur patrie européenne de cette manière était certainement également important.

Oldenburg fréquenta la prestigieuse Latin School de Chicago , une école privée laïque située dans le quartier de Gold Coast, où il obtint son diplôme en 1946. Dès lors, l'accès à Yale ouvert (pour ceux qui seraient nés après l'avènement de Yale : il s'agit de l'Université de Yale, la troisième plus ancienne université des États-Unis et l'une des plus célèbres de ces institutions d'élite qui, outre des personnalités incroyablement talentueuses, produisent aussi des marginaux comme les frères Bush). Oldenburg y étudia l'art et la littérature anglaise de 1946 à 1950.

Si Oldenburg avait jamais été freiné dans son libre développement par le foyer de ses parents (ce qui est moins probable dans les familles diplomatiques que dans la moyenne, car les diplomates voyagent à travers le monde et parce que le monde forge le sens des réalités), cela appartenait au passé après l'obtention de son diplôme à Yale :

Oldenburg a suivi des cours à l' Art Institute of Chicago L'Art Institute of Chicago comprend un musée d'art (qui, avec sa collection de 300 000 œuvres couvrant cinq millénaires, a été nommé meilleur musée du monde lors des TripAdvisor Travelers' Choice Awards 2014) et une école d'art, et bien qu'il ait été fondé à l'initiative de citoyens fortunés, il est, comme la plupart des institutions artistiques, plutôt libre penseur.

La dernière fois que l'Art Institute of Chicago a surpris le grand public, c'était en 2016 lorsqu'il a la « Chambre à Arles » de Vincent Van Gogh à Chicago et l'a louée via Airbnb en collaboration avec l'agence de publicité Leo Burnett (Marlboro Man et autres).

La campagne est arrivée à point nommé pour Leo Burnett Chicago, car l'agence venait de perdre comme clients McDonald's (pour les enfants, les préadolescents et la région de Chicago), le Kellogg's Special K, véritable bombe de sucre, et aussi le (hideux ?) Chevrolet Silverado – comparé aux campagnes Always Ultra pour leur seul client majeur restant, Procter & Gamble, la promotion d'une chambre à coucher célèbre représente certainement un gain de 100 % en sensualité dans la routine de travail quotidienne.

Airbnb se réjouit de tout ce qui lui rapporte de l'argent non imposable, mais le véritable gagnant est l'Art Institute of Chicago, qui a ainsi attiré l'attention Van Gogh

Bien que nous soyons encore en 1950, Claes Oldenburg avait déjà 21 ans et, comme tout jeune de son âge à une époque où l'exploitation n'était pas monnaie courante, il aspirait à l'indépendance. C'est pourquoi, pendant ses études, il travailla comme journaliste et graphiste pour le Chicago City News Bureau.

Oldenburg exposa pour la première fois en 1953, présentant des dessins satiriques , en grande partie figuratifs comme ses premières peintures, mais fortement influencés par l'expressionnisme abstrait . La même année, il ouvrit son propre atelier et obtint la nationalité américaine. Oldenburg était prêt à conquérir le monde de l'art, mais le monde de l'art n'était pas encore tout à fait prêt pour lui.

C’est pourquoi, en 1956, Oldenburg s’installa d’abord au cœur du monde de l’art américain, à New York gagna sa vie grâce à un emploi à temps partiel à la bibliothèque du Cooper Union Museum for the Arts of Decoration

Durant le reste de son temps, il rencontra d'autres artistes, Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow, Lucas Samaras, George Segal et de nombreux autres artistes du happening, qui finirent par le détacher des arts de la scène et éveillèrent son enthousiasme pour les collages et les objets .

À partir de 1958, Oldenburg commença des objets en papier mâché et en matériaux de récupération , qu'il recouvrait de tissus aux couleurs vives. Sa première exposition d'œuvres tridimensionnelles présentait également ces objets (mai 1959, Judson Gallery, Judson Memorial Church, Washington Square).

En 1960, son quartier d'Oldenburg, dans le Lower East Side, l'inspira à créer de nouvelles sculptures , des figures, des lettres et des panneaux aux formes simples, réalisés en carton, en jute et en papier journal ; en 1961, il conçut des sculptures en grillage à poules recouvert de toile imbibée de plâtre et de peinture émaillée, représentant pour la première fois des objets du quotidien tels que des vêtements ou de la nourriture.

En 1960, Oldenburg commença également à créer des happenings avec ses nouveaux amis du Pop Art, le « Ray Gun Theater », aux côtés de Lucas Samaras, Tom Wesselman, Carolee Schneemann, Oyvind Fahlstrom et Richard Artschwager . Sa première épouse , Patty Mucha, non seulement réalisait des sculptures textiles pour Oldenburg, mais participait aussi régulièrement à ses happenings. Les critiques d'art remarquèrent dans son œuvre des couleurs criardes et un sentiment d'aliénation, sans toutefois aller plus loin dans leur analyse.

Œuvres de Claes Oldenburg

Il fallut donc attendre 1962 pour qu'Oldenburg réalise sa percée.

Oldenburg avait 33 ans et venait tout juste de se marier avec Patty Mucha, née Patricia Muschinski à Milwaukee, qui était venue auprès de son mari en accomplissant tous les clichés : elle était l'un de ses modèles nus lorsqu'Oldenburg s'est essayé à la peinture de portraits (et probablement aussi la peinture de nus , mais on a besoin de si peu de modèles nus pour les portraits) à ses débuts à New York.

Patty Mucha était également artiste, et le couple commença à travailler ensemble. Oldenburg avait brièvement flirté avec les « sculptures molles » , mais le bas féminin lacé rempli de papier journal, aujourd'hui vénéré « Saucisse » jessesartspace.wordpress.com ), ne parvint pas à véritablement captiver le monde de l'art à l'époque.

Il s'attaqua de nouveau aux Softies avec Patty, créant en 1962 « d'un seul coup » le « Floor Cake » , une tranche de gâteau faite de latex sur toile, peinte avec de la peinture polymère synthétique, remplie de mousse de caoutchouc et de carton : www.moma.org/collection/works/81450 .

et le « Floor Cone » , un cornet de glace produit de la même manière : www.moma.org/collection/works/81461 et, pour conclure ces en-cas peu appétissants, le « Floor Burger » , en fait un Whopper, avec pain, steak haché et cornichon.

Ce qui rendait ces trois œuvres particulières, c'étaient leurs dimensions : « Floor Cake » 2,9 x 1,48 x 1,48 mètres, « Floor Cone » 3,45 x 1,42 x 1,36 mètres, « Floor Burger » 2,13 mètres de diamètre et 1,3 mètre de haut.

Les sculptures molles étaient les vedettes de l'exposition à la Green Gallery de New York et ont immédiatement séduit le public américain. Alors même que le cornet de glace géant était transporté à la Green Gallery dans une camionnette le long de la 57e Rue Ouest, des enfants applaudissaient depuis les voitures qui passaient et des adultes acclamaient l'artiste à l'intérieur de la galerie : tout allait pour le mieux, Oldenburg était devenu une star.

Un gâteau de la taille d'un canapé, considéré comme une œuvre d'art ? Sérieusement ?

Qu'il s'agisse d'une part de gâteau de la taille d'un canapé, d'un cornet de glace géant ou d'un hamburger démesuré, rien de tout cela n'aurait la moindre chance de faire sensation dans le monde de l'art actuel. À la rigueur, cela pourrait faire sensation dans un restaurant en difficulté dont le propriétaire, totalement incompétent en cuisine, ouvrirait un établissement XXL après le passage d'un chef célèbre dans une émission de télé-réalité. Mais un gâteau de la taille d'un canapé ne serait qu'un succès éphémère.

Qu'est-ce qui, dans ces œuvres d'art, captivait tant les gens à l'époque ?

Tout simplement : c'était de l'art pour les gens – aussi absurde que cela puisse paraître, cet art prenait les gens au sérieux et s'adressait à TOUS.

Avant le Pop Art, il n'existait pratiquement pas d'art impertinent et humoristique ; l'art était réservé aux personnes instruites qui devaient se le faire expliquer, ainsi que les idées qui le sous-tendaient, par des historiens de l'art encore plus instruits, en termes « profonds », afin de pouvoir ensuite l'admirer avec admiration.

Mais les jeunes artistes des années 1960 – Oldenburg, Warhol, Liechtenstein et tant d'autres autour d'eux – ne souhaitaient pas créer un art qui inspire l'admiration ; au contraire, ils aspiraient à déconstruire cette admiration et à créer un art accessible à tous, de manière véritablement démocratique. Ceci explique leurs motivations : ceux qui veulent créer un art pour tous n'iront pas loin en restant dans leur tour d'ivoire, mais doivent plutôt choisir des motifs familiers à tous.

Grâce à cette approche, non seulement l'art dynamique d'Oldenburg a rencontré un grand succès, mais elle explique aussi, par son contenu, pourquoi Warhol est devenu numéro 1 sur le marché de l'art tandis qu'Oldenburg est resté cantonné aux années 50 à 80.

Warhol a adopté une approche encore plus radicale : non seulement il a libéré l'œuvre d'art de son sérieux troublant, mais aussi, grâce à sa méthode de production en série, très complètement du mythe de l'unicité.

les « Boîtes de soupe Campbell » d'Andy Warhol, apparues pour la première fois en 1962 – étaient déjà relativement inédites, car comparées aux gâteaux, aux hamburgers et aux glaces, elles constituaient un aliment du quotidien tout à fait ordinaire. Ces boîtes sont désormais reproduites à la peinture polymère sur pas moins de 32 toiles. 32, car il existait 32 variétés de soupe Campbell. Ce fait a provoqué une véritable moquerie dans le monde de l'art, qui pouvait écrire, ou du moins écrivait, d'épais ouvrages sur le caractère unique de chaque œuvre, et ce, avec une profondeur bien supérieure à celle de n'importe quel gâteau ou hamburger.

Malgré le risque de paraître sarcastique : Oldenburg est toujours vivant ; en termes de popularité dans le monde de l’art, Andy Warhol a connu un destin plutôt malheureux : il a quitté la scène en 1987, et Robert Rauschenberg en 2008, ce qui a permis à leur production artistique, désormais limitée, de prendre de la valeur. Parallèlement, les historiens de l’art ont enfin eu la possibilité de commenter ces œuvres sans craindre d’être contredits par l’artiste.

Mais tout cela est une vision rétrospective : lorsqu’Oldenburg a conquis le monde de l’art, il figurait en tête des classements d’artistes aux côtés de Robert Rauschenberg (aujourd’hui 13e), et a été invité à la Biennale de Venise et à la Documenta. Pendant longtemps, il a été bien plus recherché qu’Andy Warhol. À seulement 40 ans, le MoMA de New York lui a consacré sa première grande exposition ; c’était en 1969.

Voici peut-être la conclusion la plus drôle ou la plus macabre de l'esprit de changement des années 1960 : aujourd'hui encore, les historiens de l'art écrivent d'épais ouvrages sur les œuvres et les personnalités d'artistes comme Oldenburg, Rauschenberg, Warhol, Lichtenstein et d'autres qui souhaitaient libérer l'art de l'histoire de l'art…

Des décennies d'art qui a étendu le monde

Mais revenons à l'art réconfortant de Claes Oldenburg (que le poète américain Frank O'Hara, qui a mis en mots les œuvres de ses amis artistes jusqu'à ce qu'il soit renversé par un buggy de plage en 1966, décrivait comme « magique et étrange ») :

Des montagnes de hamburgers et des parts de gâteau de la taille d'un canapé furent les premières créations de Claes Oldenburg. Suivirent des frites géantes, des doubles cheeseburgers et des toilettes effondrées. À partir de 1965 environ, Claes Oldenburg décida définitivement d'agrandir notre monde, du moins visuellement, grâce à des objets colossaux

• « Lipstick (Ascending) on ​​Caterpillar Tracks » a été créé en 1969 , Tower Pkwy, New Haven, CT 06511, États-Unis
• 1970 la grande prise « Plug »
• 1976, « Clothespin » , Market St & S 15th St, Philadelphie, PA 19102, États-Unis

Puis Coosje van Bruggen arrivée et a commencé à travailler avec Oldenburg, après l'avoir aidé à installer une œuvre d'art dans le parc du musée Kröller-Müller à Otterlo, aux Pays-Bas. C'était en 1976 ; ils se sont mariés en 1977 et ont créé des « projets à grande échelle » .

• 1977 « Boules de billard géantes » , Sculpture Projects Münster
• 1981 « Lampe torche », Université du Nevada, Las Vegas
• La sculpture « Pioche » , haute de 12 mètres et créée pour la Documenta 7 à Kassel en 1982

Et cela continua ainsi, jusqu’à la célèbre « Cupid’s Span » en fibre de verre et en acier (2002, Rincon Park, San Francisco) et les « Tumbling Tacks » (2009, Kistefos Sculpture Park au nord d’Oslo, dernière œuvre commune avant la mort de van Bruggen la même année).

La plus récente œuvre majeure d'Oldenburg est l'impressionnante « Torche à peinture » , une brosse en acier et en fibre de verre avec éclairage LED, qui a été dévoilée en 2001 devant l'Académie des beaux-arts de Pennsylvanie à Philadelphie.

Les plus beaux jeux d'art

Ce ne sont là que quelques exemples ; le monde regorge d'œuvres d'art à l'humour ironique typiques d'Oldenburg. Ces œuvres peuvent aussi être une source de divertissement pour les esprits imaginatifs, par exemple sous forme de chasse au trésor. Qui saura trouver le plateau de charcuterie et le plat à gâteau, les pantoufles vertes, le cheesecake, le lavabo sur pied, l'interrupteur suédois à lumière douce, les « Répliques d'ensembles de chambre » et les « Tubes soutenus par leur contenu » ? Après tout, on les trouve partout dans le monde en format géant !

Une incursion dans l'art de l'explication pourrait également se révéler divertissante si le débat s'appuyait sur une œuvre de Claes Oldenburg : pourquoi une cravate de plus de dix mètres de haut, « flottant » vers le ciel, est-elle placée devant un gratte-ciel à Francfort-sur-le-Main ? Que cherche à nous dire l'artiste ?

Anthropologie culturelle, histoire contemporaine, sciences textiles, ésotérisme, théorie des médias, sociologie des religions, scientométrie, pédagogie-didactique, cybernétique, géodésique de l'ingénierie, perspective médicale humaine ?

Certaines œuvres d'art d'Oldenburg suscitent une véritable explosion d' idées de recyclage  : que pourrait-on faire d'autre avec le « Tuyau d'arrosage avec robinet » de Fribourg-en-Brisgau, à part le laisser traîner dans le parc ?

Tout ceci constitue une approche plutôt indigne de l'art de Claes Oldenburg, mais que l'artiste aurait certainement appréciée.

Claes Oldenburg : Vie publique, expositions, récompenses

On ne devient pas le 80e artiste mondial sans se constituer une présence publique. Claes Oldenburg a à plus de 1 000 expositions depuis les années 1960 , dont une centaine au seul Museum of Modern Art de New York. Si l'on a pu croire que son frère, Richard E. Oldenburg, historien de l'art et directeur du MoMA de 1972 à 1993, y avait contribué, cette impression a été rectifiée en 2009.

Cette année, Claes Oldenburg a vendu sa sculpture « Typewriter Eraser » (de 1976, l’une des trois magnifiques grandes gommes : c1.staticflickr.com/ ) pour 2,2 millions de dollars chez Christie’s New York, alors même que son frère, après son passage au MoMA, a été président de Sotheby’s Amérique du Nord et du Sud jusqu’en 2000, puis président honoraire de Sotheby’s…

Prix ​​et distinctions

Oldenburg peut se targuer d'une liste impressionnante de récompenses :

• Doctorat honorifique de l'Oberlin College, Ohio, 1970
• Prix ​​de sculpture de l'Université Brandeis 1971
• Médaille Skowhegan de sculpture 1972
• Membre de l'Académie américaine des arts et des lettres (1975)
• 1976 Art Institute of Chicago, Premier prix de sculpture à la 72e exposition américaine
• Médaille de l'Institut américain des architectes 1977
• Membre de l'Académie américaine des arts et des sciences (1978)
• Doctorat honorifique, 1979, Art Institute of Chicago, Illinois
• Admission à l'Académie américaine des arts et des sciences en 1980
• 1981 Prix Wilhelm Lehmbruck de sculpture, Duisburg, Allemagne
• Prix ​​Wolf des arts 1989
• Prix ​​des arts créatifs de l'Université Brandeis 1993 pour l'ensemble d'une œuvre artistique + Médaille Jack I. et Lillian Poses pour la sculpture
• 1994 Distinction en sculpture, Sculpture Center, New York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Prix ​​de la Fondation Rolf Schock 1995, Stockholm, Suède
• Doctorat honorifique, Bard College, New York, 1995
• Prix ​​Nathaniel S. Saltonstall 1996, Institut d'art contemporain de Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• Doctorat honoris causa du Royal College of Art de Londres, 1996
• Diplômes honorifiques du California College of the Arts, San Francisco, Californie (Oldenburg + Van Bruggen), 1996
• Docteurs honoris causa 1999, Université de Teesside, Middlesbrough, Angleterre (Oldenburg + Van Bruggen)
• Médaille nationale des arts 2000, États-Unis
• 2002 Partners in Education Award, Musée Solomon R. Guggenheim, New York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Médaille 2004 de l'École du Musée des Beaux-Arts de Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• Doctorats honorifiques 2005, Collège d'art et de design de Nouvelle-Écosse, Halifax, Nouvelle-Écosse (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2005 Doctorats honorifiques du College for Creative Studies de Detroit, Michigan (Oldenburg + Van Bruggen)

L'artiste, qui rayonne généralement de bonne humeur en personne, vit désormais à New York, approche de ses 90 ans et, en tant que « grand-père du pop art », encourage constamment les jeunes artistes à prendre l'art avec aussi peu de sérieux que lui.

Le site officiel de Claes Oldenburg et Coosje van Bruggen se trouvait à l'adresse www.oldenburgvanbruggen.com (désormais indisponible) et proposait une galerie d'images de projets à grande échelle avec des études de cas, des biographies des artistes et une sélection de publications (le tout en anglais).

Quelques jours avant la rédaction de cet article, le New York Times Style Magazine publiait un article sur Claes Oldenburg et, entre autres, sur le mystérieux art funéraire qu'il a créé il y a longtemps à New York, et qui reste encore largement méconnu. Même à 88 ans, Claes Oldenburg était manifestement encore capable de nous surprendre ; espérons que cela continue longtemps ( www.nytimes.com/ , avec un diaporama retraçant l'évolution de son œuvre au fil des ans ).

Des œuvres physiques de Claes Oldenburg sont actuellement exposées à New York. L'exposition « Shelf Life » à la Pace Gallery est visible jusqu'au 11 novembre 2017 (œuvres d'Oldenburg/van Bruggen ; un article à ce sujet paraîtra dans le New Yorker le 6 novembre : www.newyorker.com/ ). « Three Dimensions: Modern & Contemporary Approaches to Relief and Sculpture » à la Acquavella Galleries, Inc., se poursuit jusqu'au 17 novembre 2017. Par ailleurs, l'exposition « Cultivating the Garden » « The Show Must Go On – From the Contemporary Art Collection » est visible jusqu'au 21 janvier 2018

collections d'art public

Si vous ne pouvez pas vous y rendre actuellement, vous pouvez trouver ses œuvres dans les quelques collections d'art publiques au monde qui ont acquis des œuvres d'Oldenburg :

• Australie : Galerie nationale d'Australie, Canberra, ACT
• Belgique : Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles
• Brésil : Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), São Paulo
• Danemark : Musée d'Art Moderne de Louisiane, Humlebæk ; Musée du Samtidskunst / Musée d'art contemporain, Roskilde
• Allemagne : Musée Ludwig, Cologne ; Musée d'Art Moderne (MMK), Francfort/Main ; Kunsthalle de Hambourg; Musée Wilhelm Hack de Ludwigshafen ; Musée Städtisches Abteiberg, Mönchengladbach ; Musée du design Vitra, Weil am Rhein
• Finlande : Kiasma – Musée d'Art Contemporain, Helsinki
• France : Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Nice ; Centre Pompidou, Paris ; Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Étienne (MAMC), Saint-Étienne
• Grande-Bretagne : Pallant House Gallery, Chichester, West Sussex ; Leeds Art Gallery ; Tate Britain et Tate Modern, Londres
• Canada : Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa (Ontario); Art Gallery of Ontario, Toronto (Ontario)
• Colombie : Museo de Moderno Arte de Bogotá (MAMBO), Bogota
• Israël : Le Musée d'Israël, Jérusalem
• Italie : Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC), La Spezia ; Musée d'art contemporain Donna Regina (MADRE), Naples ; Musée d'Art Moderne et Contemporain de Trente et Rovereto (MART), Rovereto ; Château de Rivoli, Musée d'Art Contemporain, Turin
• Japon : Musée municipal de Kawasaki ; Musée d'art contemporain Hara, Tokyo
• Pays-Bas : Stedelijk Museum Amsterdam, Amsterdam ; Musée Kröller-Müller, Otterlo ; Musée Boijmans van Beuningen, Rotterdam ; Musée Vledder
• Autriche : Musée d'art moderne de la Fondation Ludwig (MUMOK), Vienne
• Portugal : Musée Berardo, Lisbonne
• Espagne : Musée d'Art Contemporaneo de Alicante (MACA), Alicante ; Fundación Joan Miró et Musée d'Art Contemporain de Barcelone (MACBA), Barcelone
• Suède : Malmö Konsthall, Malmö ; Musée Moderna, Stockholm
• Suisse : Kunstmuseum Basel
• Hongrie : Musée Ludwig – Musée d'art contemporain de Budapest
• États-Unis : Akron Art Museum, Akron, OH ; The University of Michigan Museum of Art (UMMA), Ann Arbor, MI ; Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, AR ; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI ; Housatonic Museum of Art, Bridgeport, CT ; List Visual Arts Center (LVAC), Cambridge, MA ; Tarble Arts Center, Charleston, IL ; Museum of Contemporary Art Chicago (MCA), Chicago, IL ;
  Pomona College Museum of Art, Claremont, CA ; Columbia Museum of Art, Columbia, SC ; Meadows Museum, Dallas, TX ; Nasher Sculpture Center, Dallas, TX ; The Dayton Art Institute, Dayton, OH ;
  Des Moines Art Center, Des Moines, IA ; Koehnline Museum of Art, Des Plaines, IL ; The Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth, TX ; Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, MI ; Faulconer Gallery, Grinnell, IA ; The Menil Collection, Houston, TX ; Musée des Beaux-Arts de Houston (MFAH), Houston, Texas ; Musée d'art contemporain Kemper, Kansas City, Missouri ; Musée d'art Nelson-Atkins, Kansas City, Missouri ; Galerie d'art et d'architecture Ewing, Knoxville, Tennessee ; Musée d'art Samek, Lewisburg, Pennsylvanie ; Musée d'art Sheldon, Lincoln, Nebraska ; Musée d'art du comté de Los Angeles (LACMA), Los Angeles, Californie ; MOCA Grand Avenue, Los Angeles, Californie ; Musée d'art contemporain de Madison (MMoCA), Madison, Wisconsin ; Fondation Chinati, Marfa, Texas ; Collection Margulies, Miami, Floride ; Musée d'art contemporain de North Miami (MOCA), Miami, Floride ; Musée d'art Weisman, Minneapolis, Minnesota ; Musée Solomon R. Guggenheim, New York, New York ; Musée d'art moderne (MoMA), New York, New York ; Musée d'art américain Whitney, New York, New York ; Musée d'art Fred Jones Jr., Norman, Oklahoma ; Musée d'art Allen Memorial, Oberlin, Ohio ; Musée d'art de l'Université de Miami, Oxford, Ohio ; Musée d'art Norton Simon, Pasadena, Californie ; Fabric Workshop and Museum, Philadelphie, Pennsylvanie ; Musée d'art de Philadelphie, Philadelphie, Pennsylvanie ; Musée d'art de Saint-Louis, Saint-Louis, Missouri ;
  Musée de Young, San Francisco, Californie ; Musée d'art moderne de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, Californie ; Musée d'art de San José, San José, Californie ; Musée d'art de Santa Barbara, Santa Barbara, Californie ; Centre d'art de Sioux City, Sioux City, Iowa ; Centre des arts visuels Iris et B. Gerald Cantor, Stanford, Californie ; Galerie d'art universitaire – Université d'État de l'Indiana, Terre Haute, Indiana ; Musée d'art Palmer, University Park, Pennsylvanie ; Musée et jardin de sculptures Hirshhorn, Washington, D.C. ; Musée d'art Norton, West Palm Beach, Floride (on aurait sans doute pu écrire : dans presque tous les musées d'art contemporain des États-Unis, mais cela aurait été un peu injuste envers ceux qui souhaitent choisir un musée parmi ceux mentionnés dans l'article pour leur prochain voyage aux États-Unis).

Claes Oldenburg, brève biographie

• Claes Oldenburg est né le 28 janvier 1929 à Stockholm
• De 1946 à 1950, il étudia l'art et la littérature anglaise à l'université de Yale.
• De 1950 à 1954, Oldenburg a suivi des cours à l'Art Institute de Chicago
• Oldenburg a exposé ses œuvres dans plus de 1000 expositions à travers le monde à partir de 1960
• Oldenburg épousa sa première femme, l'artiste Patty Mucha, en 1960 ; après 10 ans de collaboration, ce mariage se termina par un divorce en 1970
• De 1969 à 1977, Oldenburg a vécu une relation amoureuse et professionnelle avec l'artiste américaine Hannah Wilke
• Oldenburg et l'artiste Coosje van Bruggen se sont mariés en 1977
• De 1977 jusqu'à la mort de van Bruggen en 2009, de nombreuses œuvres d'art collaboratives ont été créées
• En 1992, Oldenburg et van Bruggen ont acheté le Château de la Borde, un petit château de la Loire à Beaumont-sur-Dême, où ils ont créé leur propre petit musée avec des œuvres de Le Corbusier, Charles et Ray Eames, Alvar Aalto, Frank Gehry et Eileen Gray.
• Oldenburg a reçu de nombreux prix, récompenses et doctorats honorifiques (en partie conjointement avec Coosje van Bruggen)

Claes Oldenburg sur l'art :

Je suis pour l'art qui surgit des égouts dans le brouillard hivernal. Je suis pour l'art qui se fissure lorsqu'on marche sur une flaque gelée. Je suis pour l'art du ver dans la pomme

(Extrait rarement cité de son œuvre la plus célèbre, le manifeste semi-satirique « Je suis pour… » de 1961).

Claes Oldenburg est décédé à l'âge de 93 ans

Claes Oldenburg, artiste pop américain d'origine suédoise, connu pour ses sculptures monumentales d'objets du quotidien, est décédé le lundi 18 juillet 2022 à son domicile-atelier du quartier de SoHo à Manhattan. Il avait 93 ans.

Son décès a été confirmé par Adriana Elgarresta, porte-parole de la galerie Pace à New York, qui, avec la galerie Paula Cooper, le représentait depuis longtemps. Tous les grands quotidiens, comme le New York Times et la Süddeutsche Zeitung , en ont fait état.

Rares sont ceux qui ont incarné avec autant de brio le succès de l'art public. Et rares sont les artistes qui ont réinterprété avec autant d'aisance l'œuvre de Marcel Duchamp et le ready-made. Le maître de l'humour monumental nous laisse un héritage immense…