Un pequeño regalo de Navidad: conociendo a los ángeles artistas (Parte 2)

Parte 2 – 1476 a 2013

Hugo van der Goes

Nació alrededor de 1440 en Gante y murió en 1482 en el Monasterio de Rood, cerca de Bruselas.

El pintor flamenco Hugo van der Goes logró grandes cosas, aunque su vida duró poco más de cuatro décadas; está considerado uno de los principales maestros de la pintura neerlandesa antigua de la segunda mitad del siglo XV.

Hugo van der Goes se da a conocer a los historiadores el 4 de mayo de 1467. Ese día fue admitido como maestro en el "Gremio de Pintores Lucas " de Gante, con Justus van Gent registrado como su testigo y garante.

Los Gremios de San Lucas eran hermandades de profesiones artísticas, similares a gremios, que se desarrollaron principalmente en los Países Bajos durante el siglo XV. Quienes deseaban convertirse en maestros debían demostrar su ciudadanía de la ciudad respectiva, a veces la propiedad de bienes inmuebles y, por lo general, también su estado civil; sin embargo, nunca se menciona a una mujer llamada van der Goes.

Es posible que el pintor ya estuviera tan involucrado en una hermandad religiosa en aquella época que el requisito del matrimonio se volvió obsoleto; o quizás ya tenía esposa, de la que no se ha conservado ningún registro. En cualquier caso, el registro como maestro era un gran honor y también un requisito para ocupar altos cargos políticos y económicos en el gremio.

Por lo tanto, Hugo van der Goes seguramente ya era pintor activo antes de su admisión en el gremio, pero no se ha conservado ningún testimonio de obras anteriores del nuevo maestro.

La pertenencia al gremio dio sus frutos rápidamente; en 1468, Hugo van der Goes recibió el encargo de la decoración festiva de la ciudad de Brujas para la celebración de la boda de Carlos el Temerario con Margarita de York, en colaboración con el maestro del gremio Jacques Daret de Tornai y otros artistas del gremio.

Desde 1474 hasta el otoño de 1476, Hugo van der Goes ocupó el cargo de decano en el gremio de pintores. Ya en 1475, ingresó en el monasterio de Rood de los agustinos, cerca de Bruselas, pero no abandonó su trabajo como pintor durante su etapa como fraile agustino ; se conserva constancia de una visita del futuro emperador Maximiliano al monasterio, quien le encargó varias pinturas.

Sabemos por estos relatos que Hugo van der Goes alcanzó la fama en vida y que sus obras gozaban de gran prestigio. Todas las obras que se conservan fueron encargadas por ciudadanos adinerados o miembros de la nobleza.

De la época dorada de la carrera del maestro, en la década de 1470, han sobrevivido varias obras magníficas: el "Retablo de Monforte", el "Retablo de Hipólito", una "Muerte de la Virgen" y un "Retablo de María", el "Tríptico Portinari", el "Díptico de Viena" y una "Adoración de los Pastores".

Sin embargo, el maestro se retiró del centro de la sociedad al monasterio; está documentado un atentado suicida durante un viaje a Colonia en 1481; después de regresar al monasterio, renunció a todos los privilegios y ventajas y murió en 1482 por causa desconocida; se sospecha que se volvió loco debido a su éxito artístico.

Los Ángeles del 24 de diciembre son un detalle del Retablo de Portinari, realizado entre 1475 y 1478, el tríptico ahora se puede ver en la Galería de los Uffizi en Florencia.

Pietro Perugino

Nació en Città della Pieve (Perugia) entre 1446 y 1452 y murió en Fontignano, cerca de Città della Pieve, en 1523.

“Il Perugino” (“el de Perugia”) en realidad se llamaba Pietro Vannucci; su padre, Cristoforo Vannucci, era uno de los hombres más ricos de la zona.

probablemente comenzó Pietro Perugino a estudiar pintura en talleres locales, quizás con Bartolomeo Caporali o Fiorenzo di Lorenzo. En algún momento entre 1466/1470 y 1479, fue a Florencia al taller de Andrea del Verrocchiojunto a Leonardo da Vinci, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Filippino Lippi formó

Esta información (sin fechas más precisas) se puede extraer del relato de su biógrafo Giorgio Vasari, quien también afirma que Verrocchio estudió el arte de la perspectiva con Piero della Francesca . Se dice que su aprendizaje con Verrocchio finalizó en 1492, ya que figura como miembro del gremio de pintores a partir de ese año.

Perugino ya era conocido entre sus contemporáneos mucho antes; en 1481 creó "Consegna delle chiavi a Pietro" ("Cristo entrega las llaves a Pedro"), una poderosa obra de 3,35 × 5,50 m que forma parte del ciclo de frescos murales de la Capilla Sixtina del Vaticano.

en este ciclo de frescos Los pintores más renombrados de Italia en aquella época colaboraron "Cristo" es considerado la obra más famosa de Perugino. La profundidad de la perspectiva del cuadro impresionó enormemente a sus contemporáneos, y esta obra lo convirtió en el pintor más célebre del país.

Se dice que Pietro Perugino mantuvo posteriormente estudios en Perugia y Florencia, donde se cree que inició una especie de producción en masa, principalmente de las populares imágenes de la Virgen María. Sin embargo, esto no le impidió crear obras de arte inolvidables

La «Crucifixión de Jesús» sobre la entrada interior de la Capilla de la Porciúncula (oficialmente Santa Maria degli Angeli) en Asís. Esta capilla es famosa porque allí murió Francisco Bernardone (más conocido como San Francisco o Francisco de Asís) el 3 de octubre de 1226; sus compañeros fundaron posteriormente la Orden Franciscana.

Entre 1489 y 1493, Perugino creó la "Visión de San Bernardo"; de 1493 a 1497 trabajó en una "Crucifixión" en Santa Maria Maddalena dei Pazzi en Florencia; entre 1496 y 1500 realizó un políptico en San Pietro en Perugia (actualmente sus partes se encuentran distribuidas entre museos de las ciudades francesas de Nantes, Rouen y Lyon y en el Vaticano); y de 1497 a 1500 realizó frescos en el Collegio del Cambio en Perugia.

Perugino es considerado hoy en día el maestro más importante de la escuela umbra de pintura renacentista . Quizás un logro aún mayor sea que transmitió sus habilidades al legendario Rafael , quien fue considerado el mejor pintor de todos los tiempos hasta bien entrado el siglo XIX.

La influencia de Perugino es claramente evidente en los primeros trabajos del joven Rafael. El ángel del 20 de diciembre es el Arcángel Miguel de "La Asunción de la Virgen con Cuatro Santos", obra creada en 1500 para la iglesia del monasterio de Vallombrosa, que actualmente se encuentra en la Galería Uffizi de Florencia.

Maestro de la leyenda de Úrsula de Colonia

(o Maestro de Colonia de la Leyenda de Úrsula) es solo un seudónimo.

de este pintor gótico tardío de la Antigua Escuela de Colonia, que trabajó en Colonia entre 1480 (1489/90) y 1510/15. No todas las representaciones de la leyenda de Santa Úrsula del ciclo que creó para la iglesia de San Severino de Colonia han sobrevivido. El maestro dedicó al menos 19 pinturas a la leyenda de Úrsula, algunas de las cuales fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial y otras se han perdido. Las que han sobrevivido se encuentran dispersas en diversos museos de Europa.

Dado que su obra muestra una estrecha relación con la pintura holandesa de la época, es posible que el maestro se originara allí o que, al menos, trabajara en los Países Bajos durante un periodo considerable. Su presencia en Colonia es indudable, gracias a las obras de la iglesia de San Severino, razón por la cual ocho de sus obras se conservan actualmente en el Museo Wallraf-Richartz de Colonia. Además, un retablo alado, que forma parte de un retablo mariano, también se atribuye a este maestro; actualmente se encuentra en la Gemäldegalerie Alte Meister (Galería de Pintura de Maestros Antiguos) de las Staatliche Kunstsammlungen Dresden (Colecciones Estatales de Arte de Dresde) .

El Maestro de la Leyenda de Úrsula de Colonia recibe este nombre porque no es el único maestro que pintó escenas conservadas y dignas de ser preservadas de la Leyenda de Úrsula y cuyo nombre permaneció anónimo. Un maestro de Brujas también se dedicó al tema de Santa Úrsula, conocido hoy como el Maestro de la Leyenda de Úrsula de Brujas, el Maestro de la Leyenda de Úrsula de Brujas o el Maestro Flamenco de la Leyenda de Úrsula.

Este pintor gótico tardío de Flandes pintó retablos que representan la leyenda de Úrsula para el Convento de las Hermanas Negras en Brujas ya en 1485 (datable a partir de imágenes de la entonces ciudad de Brujas al fondo).

Aunque Santa Úrsula con Colonia que con Brujas: la princesa británica había consagrado su vida a Cristo y, sin embargo, iba a ser desposada por un rey pagano. Solicitó una prórroga de tres años, emprendió un viaje por mar y tuvo una visión en Colonia en la que un ángel le indicó que peregrinara a Roma (y profetizó su martirio).

Úrsula obedece y, en su viaje de regreso, pasa de nuevo por Colonia, que ahora está sitiada por los hunos. Sus compañeros son asesinados, y Úrsula debe convertirse en la esposa del caudillo huno. Al negarse, él la mata. Un grave error: entonces aparecen once mil ángeles y derrotan a los hunos. En agradecimiento, los ciudadanos de Colonia construyen una iglesia en honor de Santa Úrsula y la convierten en la patrona de la ciudad.

El Ángel del 22 de diciembre, la "Aparición del Ángel", pertenece al ciclo de Úrsula creado alrededor de 1500 por el Maestro de Colonia y puede Museo Wallraf-Richartz verse

Domenico Beccafumi

Nació alrededor de 1486 cerca de Siena, presumiblemente en Montaperti (ahora parte de Castelnuovo Berardenga), y murió el 18 de mayo de 1551 en Siena.

Otro artista con múltiples nombres: Domenico, cuyo verdadero nombre era Domenico di Pace, era hijo del granjero Giacomo di Pace. El granjero trabajaba para Lorenzo Beccafumi, y su hijo también entró a su servicio. Beccafumi reconoció desde el principio el talento artístico del niño, adoptó a Domenico y lo envió a Siena para que se formara.

Allí estudió con el artista Mechero, de renombre regional, razón por la cual sus contemporáneos supuestamente lo llamaban "il Mecherino", el pequeño Mechero (otros creen que este apodo deriva de su baja estatura).

En 1509/1510, Domenico Beccafumi viajó a Roma para estudiar los últimos avances en pintura: en Siena eran más conservadores y trabajaban según los principios tradicionales.

En Roma, Domenico pudo estudiar las innovaciones revolucionarias: Rafael y sus discípulos habían comenzado en 1508 con las "Stanze" (del italiano stanza = habitación), la decoración pintada de los cuatro aposentos papales en el segundo piso del Palacio Apostólico, encargada por el Papa Julio II, que continuó bajo el Papa León X hasta 1524.

Al mismo tiempo, Miguel Ángel en los frescos del techo de la Capilla Sixtina en Roma pintores renacentistas estudió

Beccafumi regresó a Siena con bastante rapidez, donde recibió varios encargos públicos; en 1513, por ejemplo, pintó frescos para la capilla del hospital municipal de Siena, Santa Maria della Scala, que representan el "Encuentro de Joaquín y Ana".

También se documentan varias obras para clientes privados, como los frescos de la fachada del Palacio Borghesi. Sin embargo, solo se conservan los dibujos preliminares de ambos encargos; otras obras tempranas de Beccafumi, de sus inicios en Siena o de su estancia en Roma, no se han conservado.

Sólo hacia finales de esta década están mejor documentados los encargos de Beccafumi: en 1519 Beccafumi recibió "el encargo de su vida", la decoración del suelo de mármol de la catedral de Siena, en el que se ocupó hasta su muerte.

Desde entonces, Beccafumi continuó trabajando para el municipio de Siena y para clientes privados, también principalmente en Siena; nunca llegó a ser un codiciado "pintor de celebridades" (pintor de la corte de una de las cortes principescas italianas), y los encargos de otras partes de Italia, como en 1540 para el almirante Andrea Doria en Génova, fueron raros.

La mayoría de las obras conservadas de Beccafumi pueden admirarse en Siena; un retablo ("Moisés rompiendo las tablas de la ley") de 1537 se encuentra en la Catedral de Pisa; dos de sus "Sagradas Familias" pueden admirarse en Florencia, en la Galería Uffizi y en el Palacio Pitti; la "Virgen con el Niño Jesús y el infante Juan" adorna el Palacio Barberini en Roma.

Se acusa a Beccafumi de no haber sacado mucho provecho de su estancia en Roma, a diferencia de otros artistas sieneses. Mientras que Il Sodoma y Baldassare Peruzzi , por ejemplo, absorbieron todos los matices de los artistas más destacados de la época durante su estadía en Roma, el estilo pictórico de Beccafumi siguió siendo provinciano.

Puede que Beccafumi sintiera un profundo apego a su tierra natal, pero sin duda fue un artista que desarrolló una creatividad independiente y, a veces, peculiar. Quizás optó conscientemente por mantenerse al margen de la corriente manierista imperante, como lo demuestran la singular excentricidad y los detalles, a veces oníricos y emotivos, que caracterizan su obra.

Sus representaciones también difieren en tono de las obras, a menudo bastante coloridas, de los maestros clásicos romanos. Beccafumi prefiere colores delicados y de aspecto muy natural, emplea una línea no necesariamente nítidamente lineal, sino más bien ligeramente irregular, le gusta envolver sus cuadros en una ligera neblina y pinta transiciones suaves, en contraste con la claridad nítida de las pinturas de los maestros de moda de su época.

Además, era muy versátil; no solo pintaba, sino que también experimentaba con diversas técnicas de grabado en madera, trabajaba como escultor (estatua ecuestre del emperador Carlos V, esculturas de ángeles en la catedral de Siena) y era un ilustrador activo de manuscritos.

El ángel del 17 de diciembre pertenece a la “Anunciación”, que Domenico Beccafumi creó en 1545/1546 para la iglesia de San Martino en Siena.

Tiziano

Probablemente nació entre 1488 y 1490 (o alrededor de 1477) en Pieve di Cadore cerca de Belluno (República de Venecia) y murió en Venecia en 1576.

Tiziano se llamaba Tiziano Vecellio, o durante su vida se le conocía como "Tiziano da Cadore" (de Cadore) por su lugar de nacimiento, o también "el sol entre las estrellas"; su talento le valió un nombre desde muy joven.

Para las generaciones posteriores, el pintor es considerado uno de los principales representantes de la pintura veneciana del siglo XVIy uno de los maestros más importantes del Alto Renacimiento italiano en general; basta con mencionar a "Tiziano" para que el amante del arte sepa a quién se refiere.

Tiziano Vecellio era el mayor de cuatro hijos en una familia adinerada de la baja nobleza; su padre, Gregorio, era el clérigo principal del castillo de Pieve, y su abuelo ocupaba un puesto destacado en la administración de la ciudad.

Está documentado que el talento del pequeño Tiziano y de su hermano Francesco se detectó desde muy temprano: a la edad de nueve años, Tiziano fue enviado a casa de un tío en Venecia, quien debía buscarle un aprendizaje artístico.

Tiziano y Francesco fueron inicialmente formados por el mosaicista Sebastiano Zuccato, quien posteriormente introdujo a los hermanos en los talleres de los pintores más renombrados de Venecia. Durante su aprendizaje en los talleres de Gentile y Giovanni Bellini, Tiziano entró en contacto con otros pintores, entre ellos Giorgione.

Un golpe de suerte para el entonces jovencísimo Tiziano: en 1507, el ya muy conocido Giorgione recibió el encargo de la ciudad de Venecia para diseñar los frescos exteriores del Fondaco dei Tedeschi (Lona Alemana), recién reconstruido después de un incendio.

plasmado aquí, muy elogiado por sus contemporáneos, El «Arte Moderno» supuso el gran éxito profesional de Tiziano; con tan solo 17 años, ya era un artista muy solicitado.

en 1507 Gentile Bellini , Giorgione, quien se había convertido en su rival, murió en 1510, Tiziano abrió su propio taller en Venecia en 1513, y la muerte de Giovanni Bellini en 1516 liberó a Tiziano del último rival serio de la escuela veneciana. Desde esta posición favorable, Tiziano se convirtió en un artista de renombre mundial, manteniéndose como el maestro indiscutible de la pintura veneciana en el ámbito cultural de la época durante los siguientes sesenta años.

A principios de su segunda década de vida, Tiziano obtuvo varios privilegios municipales que, entre otras cosas, le permitieron completar obras de sus célebres maestros, como el cuadro de Bellini en la Gran Cámara del Consejo de Venecia. También negoció astutos contratos con la ciudad de Venecia, consiguiendo un salario fijo y exención de impuestos a cambio de la obligación de pintar retratos de todos los dux por un precio fijo.

Su ascenso fue imparable; Tiziano retrató a las figuras más destacadas de su tiempo y produjo obras por encargo para ellas, se casó en 1525, se mudó a lo que entonces probablemente era el distrito más prestigioso de Venecia y en 1533 fue nombrado pintor de la corte por el emperador Carlos V y elevado a la nobleza (se dice que Tiziano había pintado previamente dos retratos muy favorecedores del emperador).

Desde 1542, el papa Pablo III deseaba ver a Tiziano en Roma, quien para entonces había alcanzado tal prominencia que no consideró necesario aceptar la invitación hasta 1545. En 1548 y 1550, Tiziano acompañó al emperador Carlos V y a su hijo Felipe II a las Dietas Imperiales de Augsburgo, y durante los últimos años de su vida, hasta 1576, trabajó principalmente para el emperador Felipe II. Tiziano falleció a una edad avanzada en 1576 a causa de la peste, probablemente el pintor de mayor éxito que ha producido la historia veneciana.

La "carrera" de Tiziano recuerda mucho a la de un protegido de la élite moderna, con apoyo desde el nacimiento, acceso a la educación adecuada y a los círculos adecuados, incluso "métodos de marketing modernos" como la firma que realza el valor de sus pinturas y la producción en masa de grabados, y la suerte (si es que a eso se le puede llamar muerte oportuna de rivales) ciertamente también jugó un papel.

Pero el talento (independiente del nacimiento) y el desarrollo de las propias habilidades contribuyeron al éxito de Tiziano: fue un pintor versátil, especialmente para su época, que a menudo se limitaba a temas religiosos; también pintó retratos, paisajes y motivos mitológicos, e incluso abordó temas de amor terrenal.

Inventó un uso característico y distintivo del color para su obra, fue uno de los primeros pintores en Italia en utilizar pinturas al óleo modernas y encontró su propio estilo escultórico, moldeado por su infancia en los Dolomitas, a través de varios trastornos y crisis.

El ángel del 1 de diciembre es el "Ángel de la Anunciación" , creado entre 1520 y 1522 la "Resurrección de Cristo" para la iglesia de San Nazaro e Celso en Brescia.

Campeón de Baviera

Se menciona al artista desconocido que pintó la “Anunciación a María” sobre madera alrededor de 1500, con unas dimensiones de 107 × 80,5 cm, en estilo gótico tardío.

No sabemos nada del artista, no nos dejó ni su nombre ni sus fechas de nacimiento y muerte, pero muchos símbolos en su cuadro nos dicen algo: el ángel que le presenta a María la maceta con flores es el Arcángel Gabriel, el ángel de la resurrección, de la gracia y de la Anunciación, cuando aparece como un ser femenino en el arte cristiano.

Cuando Gabriel se representa en forma masculina, se le considera un mensajero de Dios capaz de interpretar visiones. Según la tradición cristiana y judía, también es el líder de los querubines (criaturas aladas, híbridas de forma animal y humana, que cumplen funciones protectoras o sirven a Dios) y los serafines (ángeles con seis alas que vuelan alrededor del trono de Dios, exclamando "¡Santo, santo, santo!"). Gabriel, también conocido como Gabriel, Jabrīl, Jabrāʾīl, desempeña un papel importante en el islam como transmisor de la revelación al profeta Mahoma.

La vasija que presenta el ángel de la Anunciación contiene lirios blancos, símbolo del amor puro y virginal en el cristianismo. El maestro no pintó aquí lirios blancos cualquiera, sino la especie «Lilium candidum», perteneciente al género botánico de los lirios, el lirio de la Virgen.

Cuando Gabriel anuncia el nacimiento de Jesús a María, la Virgen de los Anillos es su atributo, que porta en sus manos, como se aprecia en la pintura del maestro bávaro. También puede llevar, como en esta ocasión, un pergamino, una trompeta o su dedo índice levantado puede indicar la Anunciación.

Otro símbolo que nos presenta el maestro bávaro es el pájaro en la jaula. Simboliza el poder del pensamiento, que eleva el alma dentro del cuerpo, permitiéndole expandirse y capacitando a la humanidad para expresarse con profundidad. El ángel del 16 de diciembre anuncia el nacimiento de Jesús a la Madre de Dios en la «Anunciación a María», una pintura que se puede admirar hoy en el Kunsthaus Zürich.

Rembrandt

nació el 15 de julio de 1606 en Leiden y murió el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam.

Rembrandt es el primer nombre de uno de los artistas barrocos holandeses más famosos e importantes, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, que nació en 1606 como el octavo de nueve hijos del molinero Harmen Gerritszoon van Rijn y la hija del panadero Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck y vivió durante la época de la famosa pintora barroca italiana Artemisia Gentileschi .

Después de la escuela primaria y la escuela de latín, con lecciones de historia bíblica, lectura de los clásicos y retórica, Rembrandt se matriculó en la facultad de filosofía de la Universidad de Leiden en 1620, pero abandonó sus estudios al poco tiempo para convertirse en pintor.

Rembrandt se convirtió en alumno del pintor de historia de Leiden, Jacob Isaacsz van Swanenburgh, quien, formado en Italia, le enseñó los fundamentos de la pintura y sus propias especializaciones entre 1620 y 1624: pintura arquitectónica y representaciones escénicas del infierno; se dice que los fuegos del infierno pintados durante esta formación fueron los responsables del dominio de Rembrandt en la representación de la luz y la sombra en sus cuadros.

Posteriormente, Rembrandt realizó un aprendizaje de seis meses con el famoso pintor de historia Pieter Lastman en Ámsterdam, experiencia que, según se dice, lo influyó más profundamente que sus años con van Swanenburgh. La pintura histórica era entonces considerada el género pictórico más elevado, y Lastman introdujo a su alumno en el tema de manera exhaustiva.

Con un éxito duradero, Rembrandt abrió su primer estudio en Leiden en 1625 y pronto atrajo la atención con sus pinturas. Tanta atención, de hecho, que a finales de 1628 el secretario del Estatúder de las Provincias Unidas (precursor de los Países Bajos modernos) comenzó a apoyar al artista y a conseguirle encargos. En 1629 y 1630, Rembrandt incluso logró venderle cuadros al rey inglés.

Rembrandt abandonó su estudio de Leiden en 1631 y se trasladó a Ámsterdam, donde utilizó las ganancias de los retratos reales para comprar su entrada al amplio e importante taller del comerciante de arte Hendrick van Uylenburgh. En este taller, que prosperó principalmente gracias a la copia y la restauración, Rembrandt consiguió rápidamente encargos de retratos de ricos comerciantes. El gobernador Federico Enrique, a través de su secretario, compró cuadros y encargó un ciclo de la Pasión. Para 1632, Rembrandt había pintado 30 cuadros y gozaba de estabilidad económica a los 26 años.

A Rembrandt aún le faltaban algunos requisitos previos para la admisión en el Gremio de Ámsterdam (una condición para la independencia en la ciudad), que cumplió en los años siguientes, desde trabajar en el taller de otro maestro hasta contraer matrimonio; Rembrandt llevó a cabo esto último en 1634, convenientemente con la sobrina de su comerciante de arte e hija de un rico patricio, y en el mismo año se unió al Gremio de San Lucas.

El ángel del 12 de diciembre fue creado por Rembrandt en su obra "Jacob lucha con el ángel" , de 1659; el destino posterior de Rembrandt se describe en el texto sobre el ángel del 15 de diciembre.

Rembrandt

Había sido admitido en el Gremio de San Lucas en 1634 y, por lo tanto, parecía tener asegurado su futuro; su ascenso se describe en el texto que acompaña a la imagen del calendario del 12 de diciembre, y continúa de la siguiente manera:

Como maestro independiente, Rembrandt ahora podía tener alumnos y aprendices, formarlos y que trabajaran para él. Continuó pintando y vendiendo sus obras, y poco después se mudó a su propia casa con su esposa. Esto ocurrió en 1635. Además de su trabajo como artista, Rembrandt también comenzó a comerciar con obras de arte y a coleccionar una gran variedad de tesoros históricos y científicos, plantas y animales raros, y objetos exóticos (artículos valiosos de tierras lejanas).

Lo que parece la carrera clásica de un nuevo rico que nunca tiene lo suficiente continuó de una forma bastante típica para una persona así: en 1638, Rembrandt había malgastado la herencia de su esposa, de unos 40.000 florines.

Es posible que ambos cónyuges fueran pródigos; en cualquier caso, fue Saskia Rembrandt quien fue reprendida por sus familiares por extravagancia, tras lo cual Rembrandt demandó a los familiares de su esposa por difamación.

Tal vez como compensación por el dolor y el sufrimiento, Rembrandt compró en todo caso el 5 de enero de 1639 una casa nueva, una auténtica mansión, para la que además pidió un préstamo que debía devolver en cinco o seis años.

El camino a la ruina, iniciado por la extravagancia y el endeudamiento para la gran propiedad, se vio acelerado por una tragedia tras otra: el primer hijo de Rembrandt apenas había sobrevivido unos meses en 1635; el año del juicio por difamación, su primera hija falleció poco después de nacer; en 1640, no solo falleció su segunda hija poco después de su bautismo, sino que un mes después, también falleció su madre. En 1641 nació su hijo Titus, pero en junio de 1642 falleció su madre, Saskia, esposa de Rembrandt.

Durante el período previo a la muerte de Saskia, Rembrandt había logrado mantener un alto nivel de productividad a pesar de todas sus pérdidas; la muerte de su esposa fue un golpe demasiado duro y su actividad artística decayó significativamente. A esto se sumaba la preocupación por su hijo pequeño, que implicaba la contratación de dos niñeras, las relaciones románticas de Rembrandt con ellas, las posteriores disputas entre las mujeres y los procedimientos legales relacionados con la pensión alimenticia y los testamentos.

Rembrandt finalmente no pudo pagar sus préstamos y tuvo que pedir prestado aún más dinero; poco antes de declararse insolvente en 1656, transfirió su casa a su hijo, pero ni siquiera la subasta de su casa y sus colecciones fue suficiente para saldar las deudas.

Rembrandt tuvo que mudarse a un barrio pobre, donde llevó una vida aislada durante cuatro años. Esta se reactivó brevemente en 1660 cuando su hijo y su madre adoptiva lo contrataron como empleado en su negocio de arte. Rembrandt pudo cultivar contactos comerciales, aceptar encargos y dar clases a sus alumnos. Su madre adoptiva falleció en 1663, y en 1668 su hijo Titus falleció a la temprana edad de 27 años. Rembrandt lo siguió poco más de un año después.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn fue un artista brillante, celebrado y bien pagado por sus contemporáneos, y venerado por la posteridad como uno de los artistas más importantes de todos los tiempos. Vivió en una época dorada, un período de florecimiento económico, artístico y político. Trabajó con diligencia durante gran parte de su vida, creando cientos de pinturas que alcanzan precios elevados; sin embargo, logró empobrecerse mediante un consumo desmedido y un préstamo garantizado únicamente por ganancias futuras.

El Ángel del 15 de diciembre fue creado por Rembrandt en 1626; es el ángel del cuadro “El profeta Balaam y el asno”.

Semyon Fedorovich Ushakov

Nació en Moscú alrededor de 1626 y murió allí el 25 de junio de 1686.

Ssemyon o Simon Ushakov fue un renombrado pintor de iconos ruso. No se sabe nada de su vida hasta que asumió un puesto de autoridad. Ssemyon Fedorovich Ushakov sirvió al Estado ruso como artista y, como director del taller de iconos de la Armería del Kremlin, fue un artista muy conocido y respetado.

Los artistas que creaban arte para los zares y gobernantes supremos rusos no gozaban de fama personal; creaban iconos (imágenes religiosas de las iglesias orientales, especialmente de las ortodoxas) en nombre de sus gobernantes, quienes debían recibir apoyo religioso, y arte secular para la gloria de estos.

Muchas de las obras de Ssemyon Ushakov nos son desconocidas, pero se dice que su principal área de trabajo y su maestría fue la creación de iconos.

Semyon Ushakov, por ejemplo, participó en la magnífica decoración de la Catedral de Uspenski (Catedral de la Asunción) en la Laura de la Trinidad y San Sergio en Sérgiev Posad (1930-1991, Zagorsk). El zar Iván el Terrible comenzó la construcción de esta catedral en honor a la Madre de Dios en 1559, y se completó en 1585 bajo el reinado de su hijo Fiódor.

Fue construida siguiendo el modelo de la Catedral de Uspensky en el Kremlin de Moscú, la iglesia más grande del Kremlin (y hoy el edificio más antiguo completamente conservado en Moscú); la Lavra de la Trinidad, ubicada a unos 70 km al noreste de Moscú, fue fundada alrededor de 1340 por San Sergio de Radonezh y desde entonces ha sido uno de los centros religiosos más importantes de la Iglesia Ortodoxa Rusa.

La magistral decoración del interior de la catedral se inició en 1684; el pintor de la corte Simon Ushakov participó en la elaboración del iconostasio de cinco niveles . Un iconostasio es una pared adornada con iconos y con puertas que separa la nave del presbiterio; el iconostasio de la catedral de Uspensky estaba concebido para albergar 76 iconos.

Los dos magníficos iconos de un iconostasio de madera dorada, conservados en la Iglesia de la Trinidad Nikitniki en el distrito Kitai-Gorod de Moscú, también se atribuyen a Simón Fyodorovich Ushakov.

Recientemente Ssemyon Ushakov volvió a ser el centro de atención en Moscú cuando, en la primavera/verano de 2012, el Palacio Facetado del Kremlin de Moscú (la parte más antigua del Gran Palacio del Kremlin, el edificio secular más antiguo de Moscú) fue restaurado a su forma original: el interior fue restaurado basándose en las descripciones hechas por el pintor de iconos en el siglo XVII.

El Ángel del 19 de diciembre, el Arcángel Gabriel, fue creado por Ssemyon Fedorovich Ushakov como icono ruso; está datado en el segundo tercio del siglo XVII.

Un artista ruso desconocido

nos dejó un icono de San Nicolás.

No sabemos absolutamente nada sobre este artista, ya que representa a San Nicolás y, al ser un icono, se trata claramente de la representación de un santo de la Iglesia Ortodoxa. Esta particular forma de veneración, a través de imágenes de santos pintadas sobre paneles de madera, es una forma de culto exclusiva de la Iglesia Ortodoxa. La elección de San Nicolás como tema de un icono también es típica de la Iglesia Ortodoxa

En la historia de la Iglesia, hay dos santos Nicolás. El obispo Nicolás de Mira nació alrededor del año 270/280 cerca de Mira, al este de Rodas (actual Demre, Antalya, Turquía), y falleció allí en el año 345/351. El obispo Nicolás de Pinara fue abad del Monasterio de Sión, cerca de Mira, y ejerció como obispo en Pinara durante los últimos cinco años de su vida; se desconoce su fecha de nacimiento y falleció en el año 564.

Ambos San Nicolás están, por lo tanto, estrechamente vinculados con la ciudad de Mira y fueron venerados como santos en la Iglesia Ortodoxa Griega ya en el siglo VI. Desde entonces, Mira ha sido un lugar de peregrinación para la Iglesia Ortodoxa, y San Nicolás también es un motivo popular en las iglesias ortodoxas orientales; probablemente se le representa con más frecuencia que a cualquier otro santo en los iconos.

San Nicolás es reconocible por sus atributos. Viste la túnica de un obispo ortodoxo, lleva una tira de brocado adornada con cruces, llamada omophorion, alrededor de los hombros y sostiene un libro en la mano. El estilo de la obra —témpera al huevo aplicada sobre madera, adornada con un halo de plata y con un marco y fondo de lámina de plata— indica que este icono fue creado hace aproximadamente 350 años, alrededor de 1665.

En Occidente, San Nicolás también es venerado, principalmente como obispo de Mira, hasta tal punto que sus reliquias fueron robadas de Mira por mercaderes italianos. Esto ocurrió en 1078, y a partir de 1087 se construyó una iglesia alrededor de las "reliquias robadas", la Basílica de San Nicolás en Bari, que hoy atrae a unos 200.000 peregrinos anualmente.

San Nicolás no sólo es venerado como santo por ser obispo, sino que muchas leyendas rodean a Nicolás de Myra: se dice que salvó a gente inocente de la muerte, rescató a las hijas de un deudor de ser vendidas a la prostitución y les dio tres pepitas de oro como dote, devolvió la vida a jóvenes que habían sido asesinados y salados por posaderos enojados, multiplicó mágicamente el trigo para salvar a la gente de Myra del hambre, curó a los enfermos, salvó a los niños de ahogarse y expulsó a los demonios de pozos envenenados.

De Nicolás de Sión/Pinara se decía simplemente que era amable y caritativo; ambos santos se fusionaron en una figura de gran benefactor.

San Nicolás de Mira murió el 6 de diciembre de 343; más tarde, su festividad se convirtió en nuestro Día de San Nicolás, en el que San Nicolás, en recuerdo de las pepitas de oro para las hijas pobres, llena sus zapatos de regalos .

El artista ruso desconocido creó el Ángel del 6 de diciembre, el icono de San Nicolás.

William Blake

nació en Londres el 28 de noviembre de 1757 y murió allí el 12 de agosto de 1827.

William Blake nació en el seno de una familia adinerada de comerciantes de medias y fue educado en casa por su madre, Catherine Wright Armitage Blake. Se dice que demostró un temperamento tan testarudo que sus padres no se atrevieron a enviarlo a la escuela.

Parecía igualmente inadecuado para una profesión normal y corriente, razón por la cual fue matriculado en una escuela de dibujo a los diez años. Era una de las escuelas de dibujo más importantes de Londres y, evidentemente, el lugar idóneo para William Blake; desde 1772 completó un aprendizaje como grabador, y desde 1779 se convirtió en estudiante de la Real Academia de las Artes.

Ser admitido en la Real Academia debería haberle garantizado una carrera exitosa como pintor de historia, pero Blake tuvo un encontronazo con el presidente de la Academia, Sir Joshua Reynolds, un retratista más comprometido con la tradición que con la originalidad. Sus esperanzas de una gran carrera se vieron frustradas.

Para ello encontró a la mujer adecuada: Catherine Boucher, de origen humilde, y con quien se casó en 1783. Catherine ni siquiera sabía leer, pero tenía una gran curiosidad, aprendió de su marido y se educó a sí misma.

Con el tiempo, se convirtió en una valiosa ayuda para Blake, quien abrió una imprenta en 1784; se superaron algunas dificultades relacionadas con la infertilidad de la pareja. Se dice que el matrimonio, que duró hasta la muerte de Blake (más de 40 años), fue una unión excepcionalmente feliz y fructífera.

William Blake no tuvo tanto éxito en su vida profesional, al carecer del apoyo de los círculos adecuados. Trabajó como impresor, grabador e ilustrador, en la pobreza y sin ser reconocido por la élite del mundo del arte. Sin embargo, contó con amigos y benefactores que lo ayudaron a superar los peores momentos económicos encargándole trabajos.

Sólo demasiado tarde en su vida Blake conoció una nueva generación de artistas que empezaron a apreciar su obra: desde aproximadamente 1818 en adelante, la carrera clásica de un hombre sumamente talentoso, pero incómodo e incomprendido por los pensadores reflexivos, lentamente tomó un giro positivo.

Estos jóvenes artistas tenían un buen sentido del talento, aunque adelantado a su tiempo, y éstas fueron las obras altamente innovadoras de William Blake, que fueron descubiertas por los prerrafaelitas a mediados del siglo XIX y que ahora encontraron un amplio reconocimiento: el pintor estaba casi un siglo adelantado a su tiempo.

Desde entonces, ha mantenido su popularidad tanto en la alta cultura como en la cultura popular. Las pinturas y grabados de este artista excepcional, su obra poética y su visión mística de la naturaleza se han redescubierto continuamente. William Blake poseía numerosos talentos notables; por ejemplo, inventó el grabado en relieve y dio rienda suelta a su imaginación desbordante en visiones que transformó en poemas y pinturas.

La lista de escritores, compositores clásicos, compositores de jazz, músicos de rock, músicos pop y directores que fueron influenciados decisivamente en su trabajo por William Blake es legendaria, y no parece que esta lista termine pronto.

William Blake creó el ángel del 21 de diciembre, el "Arcángel Rafael con Adán y Eva", en 1808.

Inga Schnekenburger

Nació como Ingrid Hübler el 28 de junio de 1949 en Winsen an der Luhe y falleció el 20 de noviembre de 2013 en Tenerife.

Inga Schnekenburger es la artista que, junto con su esposo Willi Schnekenburger, www.onlinekunst.de/engel obsequió

Inga Schnekenburger (entonces Ingrid Hübler) ganó premios en concursos creativos desde muy joven, estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Hamburgo entre 1967 y 1968; su primera exposición individual tuvo lugar en Geesthacht en 1969, y completó su formación como diseñadora gráfica en 1971.

Se casó con Artur Kaesmacher en 1969 y tuvieron hijos en 1971 y 1973; de 1976 a 1980 estudió arte, artesanía, pedagogía, psicología y filosofía en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Lüneburg y aprobó su primer examen estatal para enseñanza de arte y artesanía en 1980.

En 1977 se divorció de Artur Kaesmacher y comenzó a trabajar como profesora de arte en el centro de educación para adultos de Lüneburg, seguido de formación de profesores y exámenes, a partir de 1986 enseñaba como profesora de arte en la escuela secundaria y a partir de 1989 una asignación de enseñanza en la Universidad de Ciencias Aplicadas del Noreste de Baja Sajonia para la formación en creatividad.

Durante este tiempo, Ingrid Hübler organizó cinco exposiciones individuales, dos colectivas y una retrospectiva, y fundó una escuela de arte. En 1991, se despidió de Baja Sajonia con una exposición en el Städtisches Glockenhaus de Lüneburg y se trasladó a Donaueschingen, Baden-Württemberg.

Allí dirigió la Escuela Municipal de Arte Juvenil hasta finales de enero de 1992 y contrajo matrimonio con el artista Willi Schnekenburger. A esto le siguieron puestos de profesora de formación creativa en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Furtwangen hasta 1997 y numerosas participaciones en exposiciones hasta 2001

Múltiples apariciones en las Semanas Internacionales de la Cerámica en Hüfingen, una “cruz de espejos” en Munich, acuarelas, objetos y cerámicas, algunas en colaboración con Willi Schnekenburger, en la Exposición Estatal de Jardines de Bad Dürrheim, en Koblenz, Asbach, Furtwangen, Lohmar, Schwerin, Düsseldorf, Meiningen, Berlín y Hochfelden en Alsacia, Francia.

Mientras tanto, la pintura, el arte objetual y la cerámica de Inga Schnekenburger se sumaron a la incursión en el mundo digital: en 1995, con "Imágenes sobre el I Ching - Bilder zum I Ching" , tuvo lugar la primera presentación en Internet; entre 1997 y 1998, la artista se formó como desarrolladora multimedia; en 1998, Willi e Inga Schnekenburger fundaron onlinekunst.de, plataforma para el arte y la cultura en Internet donde desde entonces se han realizado numerosas exposiciones y proyectos artísticos.

Aunque el sitio no se mantiene actualmente (desde diciembre de 2014) debido a la muerte de Inga Schnekenburger en 2013, definitivamente vale la pena visitarlo; el proyecto artístico computergarten.de, por ejemplo, también comenzó en 1998 y ha crecido a lo largo de muchos años y hoy contiene una gran riqueza de arte informático y fotografía digital artística.

Inga Schnekenburger nos dejó los ángeles del 2, 4 y 9 de diciembre, el “Ángel de Juan”, “El tiempo avanza” y “Ángel de la Guarda”, bellas ilustraciones por ordenador y acuarelas.