Una mirada a: Jackson Pollock

No importa por qué quieres saber algo sobre un artista, hay algo que definitivamente es útil: un resumen que responda a tus preguntas más importantes sobre el artista y al que siempre puedas referirte cuando investigues más sobre el artista para buscar datos o hechos básicos.

Esto puede ser muy útil, especialmente si quieres poder pensar de forma concentrada mientras interactúas con el trabajo del artista.

Aquí están los datos más importantes sobre Jackson Pollock de un vistazo:

Paul Jackson Pollock nació el 28 de enero de 1912, un niño de domingo, y murió en un accidente automovilístico el 11 de agosto de 1956. Tenía sólo 44 años.

El nombre completo del artista es Paul Jackson Pollock.

Jackson Pollock fue un influyente representante de la llamada Escuela de Expresionismo Abstracto . Sus famosas "Pinturas de Goteo" de la década de 1940 lo convirtieron en un símbolo de la pintura abstracta y fueron veneradas como un "arma contra el realismo socialista" .

A lo largo de su vida, fue descrito como un genio, rebelde y plagado de dudas sobre sí mismo.

Lugar de nacimiento, padres, años escolares

Jackson Pollock es de Cody, Wyoming, un pequeño pueblo de unos pocos miles de habitantes ubicado aproximadamente en el centro de Estados Unidos (ligeramente al noroeste). Cody fue fundado en 1896 por Buffalo Bill, cuyo verdadero nombre era William Frederick Cody.

Jackson Pollock fue el menor de los cinco hijos de LeRoy Pollock y su esposa Stella May (de soltera McClure). Su infancia y adolescencia estuvieron marcadas por frecuentes mudanzas entre California y Arizona y la infeliz relación de sus padres. Durante sus primeros 16 años de vida, su padre trabajó como obrero, albañil, peón de caminos y ayudante de topógrafo.

El hermano mayor de Pollock, Charles, y su hermano Sanford (apodado Sande), tres años mayor, también se hicieron artistas y le inculcaron el estilo de vida bohemio. A través de las salidas con su padre, Pollock se familiarizó con el arte y la cultura de las Primeras Naciones.

Primeros signos de talento artístico

Es probable que Jackson Pollock mostrara desde muy temprano un “don para el arte”, o al menos un don para las manualidades, porque asistió a la Manual Arts High School en Los Ángeles (una escuela secundaria donde se enseñaban manualidades).

En cartas a su hermano mayor, Jackson Pollock expresó su afición por la Teosofía y el arte, la cual fue apoyada por Charles Pollock. Lo animó a convertirse en artista y elogió a los muralistas mexicanos Diego Rivera y José Clemente Orozco .

En respuesta, dos años después, Jackson se mudó a Nueva York para vivir con su hermano, donde se en la Liga de Estudiantes de Arte Thomas Hart Benton . Benton admiraba al inseguro y reservado Pollock y lo eligió como su alumno favorito.

Experiencia profesional y formación como artista

Sin embargo, ante todo, ganar dinero era claramente la prioridad (pocos en aquella época tenían padres que pudieran pagarles estudios superiores). Pollock trabajó como agrimensor en California de 1927 a 1929 (de los 15 a los 17 años).

Debió haber ahorrado suficiente dinero para estudiar arte. Pollock estudió en la Art Students League de Nueva York de 1929 a 1931. En aquella época, la escuela empleaba como profesores "regionalistas": pintores realistas y naturalistas que se consideraban cercanos al pueblo y actuaban como tales. Por ejemplo, su profesor, Thomas Hart Benton, le pedía al joven Pollock que copiara obras de antiguos maestros (Rubens, etc.).

Un curso básico típico para aspirantes a artistas, pero uno que los pintores verdaderamente talentosos encuentran rápidamente aburrido. Pollock no fue la excepción. No quería soportar esta actividad poco creativa por mucho tiempo e, incluso a temprana edad, tenía ideas propias: dejó la Liga de Estudiantes de Arte y se fue a México.

Allí estudió con el pintor y artista gráfico mexicano José Clemente Orozco , fundador de la pintura mexicana y uno de los principales representantes del llamado “Muralismo” .

El camino hacia tu propio estilo

Entre 1930 y 1935, Jackson Pollock viajó extensamente, incluyendo los estados del oeste y la Nación Navajo en Nuevo México, y experimentó con la pintura, explorando desde temas políticos e ideológicos tradicionales estadounidenses hasta el arte simbólico. En 1935, Pollock se mudó a Nueva York y en 1936 asistió a un taller dirigido por otro reconocido pintor mexicano contemporáneo, David Alfaro Siqueiros , titulado "Taller Experimental: Laboratorio de Técnicas Modernas en el Arte".

En esa época, Pollock entró en contacto por primera vez con un estilo de pintura más libre; aprendió la llamada técnica del goteo y una técnica artística de vertido , y se le permitió pintar con pistolas pulverizadoras.

A Pollock le gustó esto, y a través de su maestro conoció al pintor estadounidense, surrealista y expresionista abstracto Robert Motherwell y a su futura esposa, la pintora y artista de collage Lee Krasner . Krasner era cuatro años mayor que él; apoyaba a Jackson Pollock y compartía estudio con él.

De 1938 a 1942, Jackson Pollock trabajó para el Proyecto de Artes Federales WPA ; en 1941, se le permitió exposición en la Galería McMillen Robert Motherwell y Lee Krasner .

Pollock quedó fascinado por la obra de Pablo Picasso , que influyó en su pintura hasta principios de la década de 1940. La influencia de su maestro Benton y de los muralistas mexicanos también era evidente en sus primeras obras. Sin embargo, estas influencias disminuyeron a medida que Pollock se adentraba cada vez más en el modernismo europeo, el cubismo y el surrealismo, así como en los degradados de color libres del artista catalán Joan Miró .

A principios de la década de 1940, Pollock cambió nuevamente: las pinturas expresivas de gran formato con motivos nativos americanos se volvieron más abstractas, Pollock se relacionó con C.G. Jung y adoptó de él la idea de que el inconsciente es la fuente del arte .

También estudió la revista de arte DYN, publicada por el surrealista Wolfgang Paalen. En 1941, todas estas influencias culminaron en la pintura " Nacimiento", que exhibió por primera vez la técnica de empaste y el ritmo constante de sus obras posteriores más importantes. Posteriormente, Pollock se volvió cada vez más abstracto; en las pinturas de 1943 "La Loba" y "Los Guardianes del Secreto", pintó las primeras de sus marcas individuales, que parecen dispersarse libremente por el lienzo.

Documental sobre Jackson Pollock (en inglés)

Psicoterapia y la búsqueda del inconsciente

Entre 1939 y 1942, Jackson Pollock se sometió a tratamiento psicoterapéutico para su alcoholismo (desde la derogación de la Ley Seca en 1933). Sus terapeutas, el Dr. Joseph Henderson y posteriormente la Dra. Violet Staub de Laszlo (1941/42), eran seguidores de C.G. Jung y le introdujeron en los principios de la psicología.

Como a Pollock no le gustaba hablar, llevaba dibujos a sus sesiones que representaban sus sueños, tormentos y obsesiones. Estos reforzaban su creencia de que el origen de su pintura residía en el inconsciente. Basado en su firme convicción de que todas las personas compartimos un inconsciente común, Jackson Pollock se inspiró en la teoría de los arquetipos .

Cuando leyó un ensayo de John Graham en la revista Magazine of Art en 1937, que afirmaba que se podían encontrar signos universales arte de África Central "Nacimiento" (c. 1941, Tate Gallery, Londres) en la galería McMillen.

El avance artístico

En 1942, Pollock expuso en la Exposición Surrealista Internacional de Nueva York , donde conoció a la legendaria coleccionista de arte Peggy Guggenheim . Ella se convirtió en su mecenas más importante, a quien más tarde le debería su éxito económico.

En octubre de 1945, Pollock se casó con Lee Krasner. Se dice que ella ejerció una influencia positiva en el atribulado artista, quien ya había estado en psicoterapia a principios de la década de 1940 debido a sus problemas con el alcohol.

Lee Krasner desempeñó un papel crucial en el apoyo a Jack Pollock, presentando su obra a críticos, coleccionistas y artistas como Herbert Matter, Arshile Gorky y Willem de Kooning. Su afinidad con el artista Henri Matisse llevó a Pollock a utilizar la pintura a color en lugar de la tonal en su obra "Figura estenográfica" (c. 1942, MoMA). También facilitó la conexión de Pollock con el director del Museo Guggenheim, James Johnson Sweeney, lo que impulsó significativamente su carrera.

Pollock continuó pintando sus cuadros concentrados e imaginativos, en los que se expresaba su experiencia artística acumulada de los últimos años; en sólo unos pocos años (1946 a 1951) creó un cuerpo de trabajo completo e innovador a partir de un número relativamente pequeño de pinturas en lienzo, lo que lo convertiría en uno de los artistas más importantes del siglo XX.

Además de pinturas, Pollock creó cientos de obras en papel (acuarela, lápiz, collage, gouache, tinta) que tuvieron su lugar en sus exposiciones, pero que realmente llegaron a ser conocidas en el mundo del arte mucho después de su muerte, probablemente precisamente cuando todas las pinturas de Pollock habían encontrado propietarios permanentes y el comercio del "Pollock lucrativo" había desaparecido.

El salto a la fama y la fortuna de Pollock llegó en 1949, cuando un artículo de cuatro páginas en la revista Life lo convirtió instantáneamente en el pintor emergente más famoso de Estados Unidos. El clima político también era propicio para la obra de Jackson Pollock: la Guerra Fría se avecinaba, y Pollock era un bienvenido embajador de una América democrática, liberal y "salvaje".

Peggy Guggenheim y la importancia de “Mural” para las pinturas de goteo

Peggy Guggenheim se convirtió en una de las primeras en apoyar a Jackson Pollock. En julio de 1943, firmaron un contrato que le garantizaba un ingreso mensual de 150 dólares. En su galería neoyorquina, "Art of This Century" (fundada en octubre de 1942), realizó su primera exposición individual .

Fue uno de sus asesores artísticos quien le mostró las pinturas de Jackson Pollock. Piet Mondrian quedó tan impresionado con su pintura "Figura Estenográfica" que la describió como la obra más impactante que había visto en Estados Unidos hasta ese momento. Otros de sus apoyos fueron Howard Putzel, su asistente, y Sweeney.

Guggenheim encargó al entonces desconocido artista Jackson Pollock un mural (1943, Universidad de Iowa) para el vestíbulo de su nuevo apartamento doble en East First Street. Siguiendo el consejo de su amigo y asesor Marcel Duchamp, pintó el cuadro no directamente en la pared, sino sobre un lienzo de 2,5 x 6 metros para que pudiera moverse.

Como el estudio de Pollock era demasiado pequeño para la obra, ambos derribaron un muro en secreto y sacaron los escombros del apartamento en cubos. El conocido coleccionista recordó que el entonces desconocido Pollock había permanecido sentado frente al cuadro durante días, sin inspiración y sumido en una profunda depresión.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Jackson Pollock no pudo crear una composición figurativa que simbolice su época. En su lugar, creó una serie de figuras biomórficas que evocan las figuras de palitos de las pinturas rupestres prehistóricas.

Cuando el crítico de arte Clement Greenberg vio la obra por primera vez, reconoció su enorme potencial y lo calificó como el pintor más destacado de Estados Unidos en aquel momento. En 1951, Peggy Guggenheim donó la obra maestra a la Universidad de Iowa.

“Mural” es su primera obra abstracta, que dio lugar a las famosas Drip Paintings entre 1946 y 1950.

Las pinturas de goteo de Pollock

El pintor poco convencional pero solitario apareció en la popular revista Life el 8 de agosto de 1949, lo que generó dudas sobre si era el pintor más importante de Estados Unidos. Sus obras más famosas, creadas entre 1947 y 1950, se conocen como pinturas de goteo .

A finales de 1946, Pollock y su esposa Krasner decidieron dedicarse exclusivamente a la pintura goteando y vertiendo. Esto llevó a Pollock a abandonar los elementos figurativos e inventar diseños integrales .

Thomas Hart Benton, Pablo Picasso, Joan Miró y la artista menos conocida Janet Scobel, así como la pintura de arena de los nativos americanos, influyeron en el pintor Jackson Pollock. Comenzó a trabajar de una forma nueva con barnices de resina sintética, también barnices alquídicos . Describió el uso de pinturas domésticas en lugar de pinturas para artistas como «una consecuencia natural de la necesidad».

Pollock usaba pinceles de resina, varillas e incluso jeringas para gotear y verter pintura sobre el lienzo sin tocarlo. Su técnica de vertido y goteo de pintura (drip painting) se considera uno de los orígenes de la pintura de acción (Harold Rosenberg en ARTnews, 1952).

Esto le permitió trabajar de forma más directa y dejar que la pintura fluyera. Extendía el lienzo en el suelo, utilizando los movimientos de todo su cuerpo, y aplicaba gotas de pintura desde todas las direcciones. Para ofrecer al espectador más asociaciones, Pollock decidió en 1948 numerar sus pinturas; su primera obra fue "Número 1A" (MoMA).

1950 fue el año más fructífero de Pollock, en el que creó cincuenta pinturas, entre ellas "Lavender Mist: Number 1", que se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington.

El fotógrafo Hans Namuth observó al artista durante su proceso creativo y dejó una impresionante serie de fotografías que capturan los movimientos de baile del pintor, incluyendo las de "Uno: Número 31" y "Ritmo de Otoño: Número 30" "Número 29" en un cristal al aire libre y se dejó filmar mientras lo hacía. Después de la sesión, Pollock, por primera vez en mucho tiempo, se excedió con el alcohol y regresó a casa completamente borracho.

Obras de arte famosas de Jackson Pollock

A partir de 1946, Jackson Pollock perfeccionó la técnica del goteo a su manera. Ya no se limitaba a gotear pintura, sino que colocaba sus lienzos en el suelo, dejaba que la pintura fluyera desde arriba, arrojaba, vertía, espolvoreaba y aplicaba pintura con llana.

En esta mezcla de aplicaciones de pintura, surgen estructuras, patrones y ritmos distintivos. la pintura de acción , y con este estilo, Pollock se inscribió en la historia del arte . Obras famosas de la "pintura de acción" de Jackson Pollock:

• “Nacimiento”, 1941, ahora Tate Gallery of Modern Art, Londres
• “Azul (Moby Dick)”, 1943, Museo de Arte Ohara, Kurashiki, Japón
• “Mural”, 1944 (un mural de 6 x 2,5 m encargado por Peggy Guggenheim)
• “Ojos en el calor”, 1946, Colección Peggy Guggenheim, Venecia
• “Sustancia brillante”, 1946, Museo de Arte Moderno, Nueva York
• “Estrella Fugaz”, 1947, paradero desconocido
• “Bosque encantado”, 1947, Colección Guggenheim
• “No. 5, 1948”, también de 1948, de propiedad privada
• “N.º 8”, Museo de Arte Neuberger, Universidad Estatal de Nueva York

Sin embargo, Pollock seguía siendo alcohólico, a menudo deprimido e irritable , y esto se reflejó en su estilo a partir de 1950: los cuadros de gran tamaño pasaron a ser en blanco y negro o dominados por líneas marrones y negras, un ejemplo llamativo de este período creativo es “The deep” de 1953 .

The Deep es una de las últimas pinturas de Pollock; apenas pintó después de 1951, con una breve interrupción de la pintura figurativa a partir de 1953. Sin embargo, hacia finales de 1954, Pollock dejó de pintar por completo y, poco después, también dejó de vivir tras un trágico accidente automovilístico.

 

20 de las obras más famosas de Jackson Pollock

¿Qué tipo de arte hace Jackson Pollock?

Pollock pintaba y dibujaba, y lo hacía casi exclusivamente ; para un artista moderno de mediados del siglo XX, esto era mucho más normal que hoy, cuando un artista contemporáneo experimenta regularmente con diversas formas de expresión. El abanico de posibilidades también era mucho más limitado en aquel entonces; el cine y la fotografía apenas se habían explorado en el arte, y otros medios como el vídeo y la informática —que también influyeron en numerosas obras modernas en musaartgallery.com— aún eran completamente desconocidos para el mundo.

Sin embargo, eso fue suficiente para que Jackson Pollock expresara su creatividad. Al fin y al cabo, estaba desarrollando una forma de pintura completamente nueva, alejándose de la mera pincelada y acercándose a todo tipo de expresiones físicas para llevar la pintura al lienzo: «pintura de acción» en el sentido más literal.

Jackson Pollock también tuvo su propia idea para sus pinturas: no en vano están "rebosantes de contrastes". Pollock, atrapado en una relación conflictiva con su entorno, intentó así expresar lo que percibía como una contradicción entre "cuerpo" y "alma".

El apodo de Jackson Pollock

El estilo pictórico físico, a veces incluso violento, de Pollock resultaba, por decirlo suavemente, inquietante para muchos críticos de arte acostumbrados a pintores pulcramente vestidos con sus pinceles frente a sus caballetes. Los entendidos en arte con inclinación por la vanguardia eran probablemente tan escasos entonces como lo son hoy, o quizás la prensa ya disfrutaba reflejando la (supuesta) opinión del ciudadano medio, con la vista puesta en las cifras de ventas.

En cualquier caso, en su artículo “The Wild Ones” del 20 de febrero de 1956, la revista “Time” rebautizó a Jackson Pollock como “Jack the Dripper” , libremente en honor al seudónimo elegido por el asesino en serie Jack el Destripador (Jack the Ripper), quien en 1888 en Londres trató los cuerpos humanos de una manera tan brusca como Jackson Pollock trataba la manera tradicional de poner una pintura en un lienzo.

¿Qué estilo artístico representa Jackson Pollock?

Jackson Pollock no representa un estilo artístico, pero desarrolló un estilo artístico, “Action Painting”, como una forma especial del expresionismo de la llamada “Escuela de Nueva York” .

El “descubridor” de Jackson Pollock

Ya en 1943, la galerista progresista Peggy Guggenheim, familiarizada con el arte europeo, fichó a Jackson Pollock: el conocedor de arte de origen judío tuvo que huir de Francia a Nueva York en 1941 y había abierto allí una galería en 1942, en la que emigró desde Europa y promocionó a artistas estadounidenses con ideas frescas.

Pollock recibió un contrato exclusivo y un salario mensual de 150 dólares, lo que le aseguró el sustento y pudo exponer sus obras en su galería “Art of This Century” en Nueva York.

Otros importantes partidarios y compañeros de Jackson Pollock

La artista (y más tarde esposa) Lee Krasner fue probablemente la primera en descubrir el genio de Pollock; para muchos historiadores del arte, la "promoción con amor" es la razón por la que el inestable Pollock aprendió a usar sus habilidades de una manera orientada a los resultados.

Durante sus primeros años, Pollock también recibió el apoyo de pintores más conocidos de la emergente “Escuela de Nueva York”, como Willem de Kooning y Robert Motherwell.

Sobresaliente en la obra de Jackson Pollock

Hay muchos aspectos sobresalientes en la obra de Jackson Pollock, pero quizás el más notable es que este hombre psicológicamente inestable aún así logró crear un cuerpo de trabajo completamente independiente sin depender de modelos a seguir.

Con ello, Pollock contribuyó enormemente al arte estadounidense contemporáneo, que hasta entonces no había logrado un reconocimiento real en la Europa artísticamente más progresista. El modernismo norteamericano de los expresionistas abstractos finalmente logró romper sus vínculos con Europa; las obras de Jackson Pollock llegaron a los principales museos, incluso en Europa; fue invitado a la Documenta II (1959) una sala dedicada exclusivamente a su obra en la Documenta III (1964)

Exposiciones importantes de Jackson Pollock que todavía se celebran hoy en día

Pollock no solo participó en la Documenta (1959 y 1964), sino que en 1950 también fue uno de los tres artistas estadounidenses seleccionados para la Bienal de Venecia. Durante su corta vida, la obra de Pollock se presentó en varias importantes exposiciones internacionales de arte contemporáneo, pero el furor por Jackson Pollock no se despertó realmente hasta después de su muerte: hasta la fecha, su obra ha participado en aproximadamente 250 exposiciones individuales en Estados Unidos, unas 50 en Alemania, 20 en Gran Bretaña e Italia, y 15 en España.

Su influencia en el mundo actual es poderosa y está lejos de terminar. Entre 2000 y 2012, se realizaron casi 30 exposiciones individuales de Jackson Pollock en todo el mundo, desde Berlín hasta París y Venecia, desde Nueva York hasta Canadá y Australia, y luego a Rusia y Asia.

Sus pinturas forman parte de las colecciones de museos de unas dos docenas de países, a menudo en varios museos de un mismo país. Quien desee exponer arte contemporáneo necesita un "Jackson Pollock" .

En 2013 y 2014, las obras de Jackson Pollock se presentaron en 13 exposiciones colectivas en tres continentes. El interés sigue siendo fuerte.

Por supuesto, hay mucho más que contar sobre Jackson Pollock de lo que una simple mirada puede captar, por ejemplo, que una de sus pinturas fue durante mucho tiempo la "pintura más cara del mundo" y la triste historia de su muerte, que no es la única responsable de que Jackson Pollock se convirtiera en un mito.

Jackson Pollock todavía puede causar sensación hoy en día, más recientemente en 2005. Pero lamentablemente esta historia tendrá que reservarse para un artículo más largo que trate sobre la vida y la obra de Jackson Pollock.