Marina Abramovic: Arte para sociedades destructivas

El artículo Marina Abramović o “La artista y su historia” informa detalladamente sobre los antecedentes históricos y personales que juegan un papel en las consideraciones sobre la artista Marina Abramović y su obra (quizás más que con otros artistas).

Ahora la atención se centra en el desarrollo de Abramović como artista y en el desarrollo de su obra.

¿Cómo llegó Marina Abramovic al arte y a su arte?

El artículo que acabamos de mencionar sobre la artista Abramović muestra que Marina Abramović proviene de una familia en la que el arte y la creatividad jugaron y siguen jugando un papel importante.

Marina Abramović declaró en una entrevista: «Siempre supe que viviría como artista. Era una necesidad [...] la única manera en que podía desenvolverme en este mundo» (Lynn MacRitchie, 1996, «Marina Abramović: Intercambiando energías», Performance Research, Volumen 1, pág. 29).

Abramović estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Belgrado inmediatamente después de graduarse de la escuela secundaria, de 1965 a 1970. Sus compañeros de la academia la describieron como una joven sorprendentemente hermosa, segura de su efecto sobre los demás, fabulosamente talentosa en la comunicación y siempre entusiastamente optimista.

En aquella época, Abramović pintaba arte figurativo sofisticado y de buen gusto en lienzos más grandes que cualquier otro estudiante, creando impactantes pinturas de más de dos metros cuadrados. A partir de 1968, Abramović comenzó a publicar textos, dibujos y sus primeras obras conceptuales.

Que inexorablemente se convirtió en el arte de performance como expresión artística de Abramović, aunque solo a través de rechazos y coincidencias:

En 1970, Abramović quiso realizar su primera performance en una famosa galería de Belgrado, reemplazando gradualmente su propia ropa frente al público por la ropa de su juventud elegida por su madre (falda hasta la pantorrilla, medias gruesas, zapatos que recordaban a los ortopédicos), luego se puso una pistola cargada con una bala en la cabeza y apretó el gatillo.

O bien esta propuesta de la Galería Doma Omaldine era demasiado peligrosa, o bien la protesta juvenil contra los intentos protectores de las madres preocupadas por reducir el atractivo era demasiado radical para ellos; en cualquier caso, la propuesta de Abramović dio lugar a una exposición de sus primeras obras de arte abstractas , una serie de pinturas de nubes.

Por lo tanto, la primera performance de Abramović no tuvo lugar hasta 1971, cuando ella y otros estudiantes expusieron su obra en el SKC (Studentski kulturni centar Beograd = Centro Cultural Estudiantil de Belgrado) en octubre. Abramović se había tumbado en una mesa de una galería vecina (supuestamente simplemente estaba cansada), y su colega artista Era Milivojević la envolvió boca abajo con la cinta adhesiva que tenía en la mano hasta que pareció una momia: el arte de la performance estaba en marcha, incluso si el significado de la obra de arte tenía que ser reinterpretado.

La artista obviamente había disfrutado de la experiencia y a partir de 1973 comenzó a crear sus primeras performances propias y planificadas.

No solo usaron cinta adhesiva; Marina Abramović dejó en claro desde sus primeras actuaciones que complacer al arte establecido no era lo suyo.

Poco después, en 1975, lo dejó claro al público general al participar en una performance de Hermann Nitsch . El cofundador del Accionismo Vienés ya no era vienés por aquel entonces; había molestado tanto a los "renanos del Este" a principios de la década de 1960 con escandalosas acciones pictóricas, orgías y representaciones teatrales de misterio que las autoridades lo incapacitaron para actuar y crear arte durante semanas mediante prisión, a lo que Nitsch finalmente respondió mudándose a Alemania.

Tanto para Nitsch como para Abramović, la colaboración con otro artista claramente no fue un éxito: Nitsch contrató posteriormente solo a profesionales, mientras que Abramović comentó que le faltaba motivación para trabajar con el concepto de otra persona; la performance fue tan insignificante en general que no existe un relato detallado. Sin embargo, Hermann Nitsch y Marina Abramović lograron entrar en la lista de las "10 performances artísticas más impactantes de la historia", compilada por el periódico londinense "The Guardian" en 2013.

¡Todo el mundo lo sabe! – Las obras más importantes de Marina Abramovic

Que el arte establecido no es lo suyo lo demuestran también las obras más importantes de Abramović, que la mayoría de la gente (educada en Europa Central) conoce, e incluso este breve resumen deja claro cuánto movimiento hay en el arte de Marina Abramović:

«Barroco Balcánico» es una videoperformance que Abramović presentó en 1997 en el pabellón yugoslavo de la 47.ª Bienal de Venecia. Abramović habló sobre su tierra natal y el conflicto de los Balcanes fregando montañas de huesos frescos de ganado con un cepillo durante horas cada día, junto a un tríptico de proyecciones de video, mientras cantaba canciones fúnebres de su tierra natal.

“Seven Easy Pieces” en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York en 2005. La actuación duró siete días y repitió seis actuaciones históricas de otros artistas que habían causado sensación en las décadas de 1960 y 1970; la séptima actuación fue su propia obra nueva.

Abramović hizo referencia a:

• "Semillero" de Vito Acconci de 1972
• “Cómo explicar imágenes a una liebre muerta” de Joseph Beuys, 1965
• de VALIE EXPORT, 1969
• “Body Pressure” de Bruce Nauman
• El condicionamiento de Gina Pane (1973)
• Su propia interpretación “Lips of Thomas” de 1975
• La nueva actuación original se llamó “Entrando al otro lado”

"La artista está presente" en el Museo de Arte Moderno (MoMA) en 2010, durante una retrospectiva de su obra en el museo neoyorquino. Durante la exposición, del 14 de marzo al 31 de mayo de 2010, Abramović se sentó en una mesa en el atrio del museo, con una silla para los visitantes frente a ella.

Abramović permaneció en silencio. Lo comunicativos que eran los visitantes se puede ver en unos minutos del siguiente vídeo…

…con el emotivo momento en que su pareja de toda la vida, Ulay, se sentó en la silla de los visitantes. En total, Abramović permaneció allí sentada la asombrosa cantidad de 721 horas; al final de la función, había sido vista por 750.000 visitantes y "poseída" por más de 1.500 personas.

Estos no son ciertamente todos los ejemplos “que todo el mundo conoce”; el arte de Marina Abramović es de una extraordinaria riqueza y diversidad:

El arte de Marina Abramovic: De la espectacular actuación en solitario a la actuación eterna

La primera actuación de Marina Abramović en 1971, con su actitud de momia, era bastante dócil, pero no tuvo que trabajar con el escandaloso activista Hermann Nitsch para volverse realmente loca:

En 1973, Abramović se divirtió en "Ritmo 10" clavándose veinte cuchillos en los espacios entre sus dedos separados (un guiño a artistas del pasado; véase Art-o-Gramm: Picasso – El Artista, Vida y Amor – Escenas 2 y 5 sobre Dora Maar, quien también se entregó a este hábito insalubre). Abramović, en cualquier caso, se corta con frecuencia y severidad, pero "Ritmo 10" todavía se considera (o quizás por ello) su primera obra "adulta".

En Ritmo 5 (1974), Abramović empapa un marco de madera en forma de estrella de cinco puntas (para evocar la "Estrella Roja" comunista) con 100 litros de gasolina, le prende fuego y, tras unas cuantas travesuras, salta dentro del marco y se tumba en el suelo de la galería. Inmediatamente pierde el conocimiento en ese espacio, ahora sin oxígeno.

Abramović fue rescatada por un espectador que se dio cuenta de que Marina Abramović, inusualmente quieta e inmóvil, no encajaba en una actuación por lo demás llena de acción. La ambulancia llegó justo a tiempo y la trasladó al hospital. Aquí se puede ver el espectáculo en llamas con Abramović medio muerta en el centro.

Abramović, evidentemente, sobrevivió con buen ánimo; ese mismo año, se presentó «Ritmo 0», una función de seis horas en la que Abramović permaneció en silencio entre el público. Se les proporcionaron 72 objetos, con la invitación a hacer lo que quisieran con ellos para el artista. Entre estos objetos se encontraban rosas y plumas, perfume y miel, pan, uvas y vino, tijeras y un bisturí, hojas de afeitar y clavos, una varilla de metal y una pistola cargada con una bala.

Abramović quería descubrir hasta dónde llegaría el público. Comenzó con suavidad, con caricias, flores, besos y comida; rápidamente, la untaron con lápiz labial, le echaron agua en la cabeza, le clavaron espinas de rosa en el ombligo... A mitad de la función, el público ya le había cortado la ropa con cuchillas de afeitar; en la cuarta hora, le exploraron la piel con las mismas cuchillas, y un admirador incluso le cortó la garganta para beber su sangre.

Siguieron una serie de agresiones sexuales que la artista, decidida a explorar y exponer el comportamiento grupal humano, también sufrió; cuando el público notó su decidida rendición de voluntad, se formó un grupo para proteger a la artista.

Cuando la pistola cargada fue apuntada a la cabeza de Abramović y su dedo puso alrededor del gatillo, estalló una pelea entre el público... Feo, aterrador, desilusionante: cuando Abramović se despertó a la mañana siguiente, tenía una mecha gris en el pelo.

¡Ojalá hubiera tenido acceso entonces al conocimiento disponible hoy en internet! Un poco de información deja claro que hay grupos que siguen a líderes fuertes (que obviamente tienen malas intenciones, incluso para sí mismos) e inexplicablemente aceptan incluso afirmaciones manifiestamente falsas como verdaderas en cuanto se sienten inquietos, se enfrentan a algo nuevo o a cambios (también se podría decir que los grupos tienden a comportamientos grupales autodestructivos en cuanto la vida no transcurre como de costumbre; Pegida les envía saludos).

Si Abramović hubiera leído los informes sobre “La Ola”, el experimento de Milgram y el experimento de conformidad de Solomon Asch, no habría estado menos asustada ni desilusionada, pero tal vez se habría ahorrado la experiencia física…

• "La ola"
• Experimento de Milgram
• Experimento de conformidad

Es posible que Abramović se encontrara en un estado emocional delicado en aquel momento, ya que su primer matrimonio acababa de terminar. De 1971 a 1976, Abramović estuvo casada con la artista serbia Neša Paripović , antigua compañera de clase en la Academia de Belgrado, con quien también había colaborado en el centro cultural estudiantil a principios de la década de 1970.

Ambos trabajaron en un grupo informal con otros artistas, nada menos que en la deconstrucción del concepto modernista del arte. Incluso este trabajo no estuvo exento de conflictos; cuando el grupo tuvo que enfrentarse a un encuentro y debate con Joseph Beuys en un festival en Edimburgo, Escocia, en 1973, se disolvió poco después.

Puede que el matrimonio no haya terminado del todo en paz: cuando el biógrafo de Abramović, James Westcott, le pidió a Neša Paripović una entrevista a principios de la década de 2000, se dice que simplemente colgó el teléfono.

En 1975, Marina Abramović representó “Los labios de Tomás” en una galería de Austria: completamente desnuda, comió un kilo de miel, bebió un litro de vino tinto, se talló un pentagrama en el estómago con hojas de afeitar y permaneció sangrando y balanceándose en una cruz sobre hielo; se dice que lo soportó durante media hora.

Aquí hay un fotograma de la performance: Imagen abierta (representada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 2005). Se puede ver una secuencia de cuatro performances más de 1975 y 1976 en www.youtube.com/watch?v=ihDy3dD-iUg.

En 1975, Abramović creó «El arte debe ser bello, el artista debe ser bello» , una de sus obras pioneras, en la que aborda de forma extensa y práctica la belleza del artista y del arte, conceptos inerradicables en la burguesía conservadora desde el «Sistema de filosofía teórica, parte 3, Teoría del gusto» de Wilhelm Traugott Krug (1810). A continuación se muestra un extracto:

En 1975, Abramović también se mudó a Ámsterdam, donde conoció y se enamoró del artista de performance alemán Frank Uwe Laysiepen (Ulay). Vivieron y trabajaron juntos de 1979 a 1988, llevando una vida artística nómada, en constante movimiento, llegando incluso a visitar a los aborígenes y al Tíbet. Muchas de sus obras más famosas e influyentes datan de este período.

«Charged Space» (1978) forma parte de la colección del Museo Ludwig de Colonia. Una imagen fija de la danza alocada dedicada a Jane Crawford y Gordon Matta-Clark, la última obra de su serie de «14 Performances», puede verse en newmedia-art.org. La performance tuvo lugar en mayo de 1978 durante la «European Performance Series» en el Museo de Brooklyn, Nueva York.

En 1980, "Rest Energy" , una performance en la que Ulay sostenía una flecha y Abramović el arco; mientras ambos se inclinaban hacia atrás, la flecha apuntaba al corazón de Abramović. Sus vidas estaban en sus manos, como tan a menudo en sus performances conjuntas.

En 1982, Abramović y Ulay colocaron un cactus en una galería durante su performance "Como Lutero", lo rodearon con alambre de púas y pidieron a los dueños de la galería que le hablaran con cariño todos los días. Querían ver si se desprendía de sus espinas en un ambiente tan protegido y amoroso (no lo hizo).

Y así continuó (con mucho espacio para que descubras tus propias actuaciones espectaculares) hasta que Abramović y Ulay se separaron en 1988/1989. Claro que no fue así, ni de mal humor, sino con una actuación: una actuación de tres meses en la Gran Muralla China.

Ulay empezó en el oeste, Abramović en el este, y luego cada uno caminó 2500 kilómetros para encontrarse. Sin embargo, este no era el plan original; cuando comenzó la función, se llamó "Los Amantes" y pretendía reavivar su ya tensa relación.

Cuando Ulay dejó embarazada a la traductora china en el camino, y Abramović confesó esto al final de la caminata de reconciliación de 2500 kilómetros, no se pudo hacer mucho para ayudar... el encuentro en medio del muro fue el último encuentro entre Ulay y Abramović durante mucho tiempo.

A partir de 1989, Abramović colaboró ​​con el director de cine, artista de performance y video Charles Atlas (conocido por su larga colaboración con Merce Cunningham, que dio lugar a diez películas de danza) en la obra teatral "The Biography", que presenta su vida artística hasta la fecha en solitario. "The Biography" se estrenó en 1992 y muestra diversas facetas de su práctica artística y desarrollo personal en cada función.

En 1994, Abramović presentó la obra teatral Delusional, en la que abordó su impotencia y su rabia por los acontecimientos de las guerras yugoslavas, un precursor de la obra de 1997 “Balkan Baroque”, que se centró en el dolor por las atrocidades, las numerosas víctimas y el ahora irreversible estado de desintegración.

En 2001, para su obra "Nidos Humanos", Abramović excavó siete cuevas artificiales en las paredes de una cantera y equipó cada una con una escalera de cuerda. Concebidas para la contemplación, pero con el peligro de caerse de las pequeñas oquedades, crearon un entorno a la vez protegido y perturbador.

En 2002, la artista pasó doce días y doce noches en tres habitaciones diáfanas, visibles al público, en la Galería Sean Kelly de Nueva York para su obra "La casa con vista al mar". Bebía solo agua mineral, no comía, hablaba, escribía ni leía, no dormía más de siete horas al día y se duchaba tres veces al día: un retiro de meditación monástico público en el corazón de la ciudad de Nueva York.

Este recuerdo de Abramović de la obra de su hermano Velimir Abramović, profesor de filosofía y experto en Tesla, data de 2003: “Tesla Ball” .

“Siete piezas fáciles” descritas anteriormente , iniciando así un debate fundamental sobre la permanencia y durabilidad del arte de la performance.

Ese mismo año, Abramović produjo la película de arte "Balkan Erotic Epic" , que trata sobre los ritos sexuales y de fertilidad en los Balcanes: Abramović explica varios ritos en escenas individuales, mientras las mujeres sostenían sus pechos al sol y sus vulvas bajo la lluvia, y los hombres se masturbaban o penetraban el suelo (una descripción un poco confusa, pero no parece estar registrado por qué las mujeres no sostenían también sus vulvas al sol o qué tan duro era el suelo que se suponía que los hombres debían penetrar).

En 2010, Abramović tuvo que permanecer inmóvil durante varias horas en la performance "El artista está presente", esta vez sentado. Se pueden ver fragmentos de la performance sin la participación de Ex Ulay en la undécima parte de la serie de YouTube del documental "El futuro del arte" (Erik Niedling, Ingo Niermann, Alemania, 2010).

(La serie, con sus 21 partes que abarcan muchos artistas contemporáneos importantes, vale la pena verla en su totalidad).

“Vida y muerte de Marina Abramović” en 2011 en el Festival Internacional de Mánchester, The Lowry, Mánchester, Reino Unido. Esta obra, que combina teatro, ópera y artes visuales, fue creada por el genio teatral y artista universal Robert Wilson en colaboración con Marina Abramović y, tras su estreno, realizó una gira por festivales de teatro y salas de arte.

deSingel en Amberes, Teatro Carré en Ámsterdam, Teatro Basilea, Teatro Real en Madrid, Luminato Festival en Toronto y Park Avenue Armoury en Nueva York; al final de la “serie de escenas magistrales” el público se puso de pie y aplaudió (The Independent, Reino Unido).

A continuación se presentan dos extractos:

En 2013, Abramović diseñó la escenografía de la nueva producción de "Boléro" de Maurice Ravel en la Ópera Garnier de París. Sidi Larbi Cherkaoui y Damien Jalet dirigieron la producción, y el diseñador de moda italiano Riccardo Tisci, de la casa parisina Givenchy, diseñó el vestuario de los bailarines.

Del 11 de junio al 25 de agosto de 2014, Abramović presentó la obra de larga duración "512 Hours" en la Serpentine Gallery de Londres. Prescindió por completo de objetos y obligó al público a hacer lo mismo: cualquiera podía entrar durante el horario de apertura y pasar tiempo con ella, pero debía dejar su chaqueta, equipaje y dispositivos electrónicos en el guardarropa.

Abramović publicó un resumen diario de la jornada en formato de videodiario personal. Se puede leer una entrevista con Marina Abramović sobre esta y otras actuaciones en el Süddeutsche Zeitung: «Hay que estar preparado para caer del suelo ».

Con su obra “Seven Easy Pieces”, , Abramović desató un debate que podría cambiar decisivamente el arte de la performance: si una performance puede volver a representarse, cómo se debe y se puede preservar el conocimiento cultural del arte de la performance, cómo es la protección de los derechos de los artistas como productores; todas ellas nuevas preguntas que podrían poner patas arriba la comprensión tradicional del arte de la performance.

Si bien antes se asumía que la performance estaba ligada al cuerpo del intérprete y no era repetible, ahora los intérpretes, los receptores y los evaluadores de la performance tienen que lidiar con la repetibilidad y la re-interpretación, con el intercambio de conocimiento artístico cuyo significado cultural e histórico se ha perdido con el tiempo.

Abramović también aboga por la estabilización de la forma artística de la performance: sólo de esta manera los artistas de performance pueden lograr hacer valer los derechos de su trabajo contra la explotación comercial y la tergiversación en un mundo de creciente digitalización e intercambiabilidad del conocimiento cultural.

Las obras de Abramović que acabamos de presentar no son todas; todavía hay mucho por descubrir en la obra de este sensible y extraordinario artista para las personas interesadas en el arte de nuestro tiempo.

La obra de Marina Abramović en la esfera pública: exposiciones, arte en espacios públicos y en colecciones públicas

La obra de Marina Abramović se ha exhibido públicamente en 79 exposiciones individuales y 632 exposiciones colectivas ; esto hace un total de 700 exposiciones públicas, 122 de ellas en los EE. UU., 79 en Alemania, 63 en Italia, unas 50 en España, unas 40 en Francia y las 350 restantes repartidas por todo el mundo.

A continuación una selección de los momentos más destacados, bienales y documentas:

• 1975 IX Bienal de París
• Documenta 7 de 1982, Kassel
• 1982 4ª Bienal de Sídney: Visión incredulidad, Sídney, Nueva Gales del Sur
• 1985 18° Bienal de Sao Paulo, São Paulo, Brasil
• Documenta 8 de 1987, Kassel
• 1990 I Bienal de la Imagen en Movimiento '90, Madrid
• Documenta 9 de 1992, Kassel
• 1995 4ª Bienal Internacional de Estambul, Estambul
• 1995 SITE Primera Bienal Internacional de Santa Fe - Anhelo y pertenencia: desde lo lejano y cercano, Santa Fe, NM
• 1997 47ª Bienal de Venecia, Venecia
• 2000 1ra Trienal de Arte Echigo-Tsumari 2000, Niigata-ken, Japón
• 2001 Yokohama 2001 – Trienal Internacional de Arte Contemporáneo, Yokohama, Tokio
• 2003 50ª Bienal de Venecia, Venecia
• 2003 II Bienal de Valencia – La Ciudad Ideal, Valencia
• 2004 La 3ª Bienal Internacional de Arte Mediático de Seúl – Digital Homo Ludens (Juego y Diversión), Museo de Arte de Seúl (SeMA), Seúl
• 2005 Quinta Bienal de Cetinje, Cetinje, Montenegro
• 2005 5ª Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil
• 2007 52ª Bienal de Venecia, Venecia
• 2007 Bienal de Praga 3, Sala Karlin, Praga
• 2007 Bienal de Cine de Arte 2007, Museo de Arte de Bonn
• Trienal de Yokohama 2008 – Grieta del Tiempo, Sitios Central y Costero, Yokohama
• 2008 28° Bienal de São Paulo, São Paulo
• 2008 Bienal de Mediación 08, Centrum Kultury Zamek, Poznan
• 2008 Xviii Bienal Internacional de Cultura, Accademia di Belle Arti di Carrara
• 2009 5a Bienal VentoSul – o mundo todo aquí, vai mexer com voce, Instituto Paranaense de Arte, Curitiba, Brasil
• 2009 3ª Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú, Moscú
• 2009 7ª Bienal de Florencia, Florencia
• Bienal de Imágenes en Movimiento 2009, Deventer
• 54ª Bienal de Venecia 2011, Venecia
• 2011 3ª Bienal de Imágenes en Movimiento, Videoarte Inspirado, Deventer
• 2012 11ª Bienal de La Habana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana
• 2012 7ª Bienal Internacional de Arte Multimedia de Seúl, Museo de Arte de Seúl (SeMA), Seúl
• 2013 4ª Bienal de Arte Contemporáneo de Tesalónica – Las antiguas intersecciones lo renuevan 2, Museo Estatal de Arte Contemporáneo, Tesalónica
• 2013 2da Bienal del Mediterráneo en Sakhnin, Museo del Patrimonio Árabe de Sakhnin, Israel
• 2014 V Bienal De Arte Contemporáneo De La Fundación Once, CentroCentro Cibeles, Madrid
• 2015 1ra Bienal de Tríos, Río de Janeiro, Brasil

Marina Abramovic como figura pública: premios y reconocimientos, actividades docentes, repercusiones

Una selección de los premios que ha recibido Marina Abramovic:

• 1982 Premio ars viva de videoarte, Círculo Cultural de la Empresa Alemana en la BDI e. V., junto con Uwe Laysiepen
• León de Oro 1997 en la 18ª Bienal de Venecia por la performance “Barroco balcánico”
• Premio de Arte de Baja Sajonia 2003
• Premio Bessie 2003 por “La casa con vista al mar”
• 2004 Doctorado honorario de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago
• Condecoración Austriaca de Ciencia y Arte 2008
• 2009 Doctorado Honoris Causa en Artes, Universidad de Plymouth, Inglaterra
• Premio al Liderazgo Cultural 2011, Federación Estadounidense de las Artes, Nueva York
• Premio a la trayectoria, 13 de julio de 2012, Podgorica, Montenegro
• 2012 Nombramiento para el jurado de competición del 69º Festival Internacional de Cine de Venecia
• Oso de Berlín 2012, premio del diario BZ Berlin
• 2012 Miembro Honorario de la Real Academia de las Artes de Londres
• 2013 Miembro de la Academia Nacional de Diseño, Nueva York
• Premio Global 2018
• Premio Princesa de Asturias de las Artes 2021

Inmediatamente después de finalizar sus estudios, Marina Abramović comenzó a transmitir sus conocimientos y experiencia: en la década de 1970, comenzó a enseñar en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad.

De 1990 a 1991 Marina Abramović fue profesora invitada en la Academia de Bellas Artes de París y en la Universidad de las Artes de Berlín.

De 1992 a 1996 fue profesora en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo y de 1997 a 2004 fue profesora de performance en la Universidad de Arte de Braunschweig.

En 2005, fundó el Independent Performance Group (IPG) en Nueva York, un foro para el arte escénico contemporáneo, para colaborar con jóvenes artistas talentosos. El Independent Performance Group se disolvió en 2007, y Abramović fundó la Fundación Marina Abramović para la Preservación del Arte Escénico .

las obras para la creación del Instituto Marina Abramović (MAI). El instituto busca apoyar el desarrollo de performances innovadoras y, como archivo vivo, preservar performances históricas mediante recreaciones.

Como parte de este proyecto a largo plazo, un edificio en Hudson, Nueva York, se convertirá y renovará a partir de 2013 para albergar el Instituto Marina Abramović. El edificio, que también alberga una "Oficina de Arquitectura Metropolitana" del arquitecto Rem Koolhaas, cuenta con 3.000 metros cuadrados de superficie.

Abramović pretende utilizar los espacios como un “laboratorio para la exploración del arte atemporal y limitado en el tiempo” –arte de performance, pero también cine, música, ópera, danza, teatro, vídeo– y colaborar con profesionales de los campos de la ciencia, la tecnología y la educación, OMA – Instituto Marina Abramovic .

En la fase actual de desarrollo del diseño, participan como socios los arquitectos Rem Koolhaas y Shohei Shigematsu . Rem Koolhaas es un arquitecto holandés de renombre internacional que, en 1975 en Róterdam, fundó la que se ha convertido en la firma de arquitectura más prestigiosa, OMA (Office for Metropolitan Architecture), junto con Elia y Zoe Zenghelis y Madelon Vriesendorp.

La OMA y su centro de estudios afiliado, AMO, centrado en proyectos que van más allá de la arquitectura y el urbanismo, gozan de una amplia actividad y prestigio internacional. La OMA es responsable de una impresionante cartera de proyectos arquitectónicos contemporáneos de vanguardia, que incluyen, en Alemania, la Casa Koolhaas en el Checkpoint Charlie, el Campus Axel Springer, la Embajada de los Países Bajos en Berlín y la ampliación del Zollverein, Patrimonio de la Humanidad, en Essen; y, en otros países, la Kunsthal de Róterdam, el Nexus Housing en Fukuoka (Japón), las tiendas Prada Epicenter en Beverly Hills y Nueva York, el Guggenheim Hermitage en Las Vegas, la Casa da Música en Oporto y el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Seúl; la lista incluye 295 edificios adicionales.

En el año 2000, Rem Koolhaas recibió el Premio Pritzker de Arquitectura, un galardón de renombre mundial para la arquitectura, un año después de Norman Foster y un año antes que Herzog & de Meuron. En 2014, fue nombrado director de la 14.ª Exposición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia («Fundamentals»). Como profesor en Harvard, Koolhaas se centra en la investigación fundamental en arquitectura.

Shohei Shigematsu trabaja en OMA desde 1998 y es socio desde 2008. Desde 2006, dirige la oficina de OMA en Nueva York. Además de numerosos edificios urbanos, Shigematsu ha diseñado espacios culturales como el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec y el Centro de Artes Faena en Miami Beach, y disfruta trabajando directamente con artistas (por ejemplo, Cai Guo Qiang, Marina Abramović y Kanye West). En la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard, dirige el instituto de investigación "Diseño Alimentario", que investiga la intersección de la comida, la arquitectura y el urbanismo.

El lema del MAI es combativo: “El arte solo se puede hacer en sociedades destructivas que deben reconstruirse” – parece que hay muchas de estas en este momento, por lo que el MAI tiene mucho que hacer; al igual que el “Barroco Balcánico” está ganando relevancia lamentablemente en la parte ligeramente más meridional del mundo.

Otra actividad de futuro de Marina Abramović es la difusión del Método Abramović, una serie de ejercicios holísticos para el cuerpo y la mente que Abramović ha desarrollado durante los últimos 40 años para experimentar y superar las limitaciones del cuerpo y la mente.

En total conformidad con la medicina moderna, que supera en todos los aspectos las limitaciones de la medicina tradicional, Abramović ha desarrollado ejercicios meditativos y físicos que pueden proteger a los artistas de performance de sufrir daños físicos debido al estrés típico asociado con el arte escénico.

Enseña este método principalmente a jóvenes artistas de performance; junto con las ideas transmitidas a través del MAI, es otra forma de hacer que el arte de performance y las generaciones posteriores de artistas de performance sean "aptas para el futuro".

75 años en 2021 y, a lo largo de su larga vida, se ha convertido en la controvertida pero respetada reina del arte escénico . Desempeñó un papel decisivo en la popularización del género. Para lograrlo, a veces se sentaba en silencio en una silla durante más de 700 horas, se lanzaba contra las paredes y se cortaba hasta sangrar con cuchillas de afeitar.

Acceso actual a Marina Abramovic

Se puede ver una charla de una hora con el artista Sam Keller, director del museo de arte suizo y de la Fundación Beyeler, aquí: https://www.fondationbeyeler.ch/programm/artist-talks/ (en inglés).

titulada "Barroco Balcánico". El guion fue escrito por el director Pierre Coulibeuf en colaboración con la artista. Marina Abramović se interpreta a sí misma en la película. Ubu Film: Pierre Coulibeuf .

Puedes ver el arte de Marina Abramović en las siguientes galerías:

• Brasil: Luciana Brito Galería São Paulo
• Grecia: Galería Kappatos, Atenas
• Italia: Galería Lisson Milán, Galería Lia Rumma Napoli
• Países Bajos: PARC Editions Lent
• Noruega: Galería Brandstrup Oslo
• Austria: Galerie Krinzinger, Viena
• España: Bernal Espacio Galería Madrid, La Fábrica Galería Madrid
• Suiza: Art Bärtschi & Cie Ginebra
• EE. UU.: Kathryn Miriam Greenwich CT, Kunzt.gallery Miami FL, Sean Kelly Gallery New York City NY
• Reino Unido: Lisson Gallery London

Marina Abramovic en colecciones públicas:

• Australia: Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, Sídney, NSW, Museo de Arte Contemporáneo de Sídney (MCA), Sídney, NSW
• Bélgica: Museo de Arte Contemporáneo de Amberes (MuHKA) Amberes, Museo Stedelijk de Arte Actual (SMAK) Gante
• Alemania: Colección Wemhöner Berlín, Kunsthalle Bielefeld, Museo Ludwig Colonia, Colección Julia Stoschek Düsseldorf, Kunstpalais Erlangen, Kunsthalle zu Kiel
• Finlandia: Museo Kiasma de Arte Contemporáneo de Helsinki
• Francia: Centre d'Art le LAIT Albi, FRAC Franche-Comté Besançon, Musée d'Art Contemporain Lyon, 49 NORD 6 EST Frac Lorraine Metz
• Grecia: Museo Nacional de Arte Contemporáneo (EMST) Atenas
• India: Museo de Arte Kiran Nadar (KNMA) Nueva Delhi
• Italia: Studio Stefania Miscetti y Fundación Nomas Roma
• Canadá: Galería Nacional de Canadá Museo de Bellas Artes de Canadá Ottawa ON
• Croacia: Museo de Arte Contemporáneo (MSU) de Zagreb
• Luxemburgo: Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (MUDAM) Luxemburgo
• Macedonia: Museo del Dibujo del Este de Skopje
• Países Bajos: Stedelijk Van Abbemuseum Eindhoven
• Polonia: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Niepołomicach (MOMA) Niepolomice
• Serbia: Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado (MoCAB)
• Eslovenia: Moderna galerija Ljubljana
• España: Centro de Artes Visuales Helga de Alvear Cáceres, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) Léon, Colección ARCO y Fundación Telefónica Madrid, Es Baluard Museu d'Art Modern Palma de Mallorca, Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) Vejer de la Frontera Cádiz
• Suecia: Fundación Wanas Knislinge
• Suiza: Kunstmuseum Bern, Kunstmuseum Wallis Sion, Kunstmuseum des Kantons Thurgau Warth
• EE. UU.: Museo de Fotografía Contemporánea (MoCP) Chicago, IL; Fundación Familiar Eileen S. Kaminsky (ESKFF) Jersey City, NJ; Colección de Arte Progresivo Mayfield Village, OH; Fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO) Miami, FL; Museo Solomon R. Guggenheim y Museo de Arte Moderno (MoMA) Nueva York, NY; Taller y Museo de Telas Filadelfia, PA; Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) San Francisco, CA

En pippinbarr.com/games/dmai encontrarás el “Instituto Digital Marina Abramović”, donde puedes hacer varias cosas… y apoyar al verdadero Instituto Marina Abramović: “Si disfrutas de tu experiencia digital en el Instituto, por favor ayuda a hacer realidad MAI apoyándonos aquí”.

En 2010, se publicó la biografía “Cuando Marina Abramović muere” ; una entrevista con el biógrafo y autor James Westcott se puede leer en ARTFCITY: Cuando Marina Abramović muere, una entrevista con el biógrafo y autor James Westcott .

se estrenó el documental “The Artist Is Present”,

Uno de sus proyectos más recientes, "7 Muertes de Maria Callas ", se celebró en Múnich y París hace unos meses. En esta obra que combina música, canción y cine, la artista, junto al actor estadounidense Willem Dafoe, escenifica su propia muerte.

Abramovic pasó la mayor parte del tiempo durante la pandemia de Corona en el campo cerca de Nueva York: haciendo jardinería, nadando, observando animales y haciendo yoga.

“Siento que he llegado a la mejor etapa de mi vida. No bebo, no fumo, no tomo drogas y hago cincuenta minutos de yoga todas las mañanas , declaró la multipremiada artista , galardonada este año con el Premio Princesa de Asturias, entre otros galardones.