Marina Abramovic: Arte para sociedades destructivas

El artículo Marina Abramović o “La artista y su historia” detallaba los antecedentes históricos y personales que influyen en las consideraciones sobre la artista Marina Abramović y su obra (quizás incluso más que en el caso de otros artistas).

Ahora la atención se centra en el desarrollo de Abramović como artista y en el desarrollo de su obra.

¿Cómo se acercó Marina Abramovic al arte y a su obra?

El artículo mencionado sobre la artista Abramović demostró que Marina Abramović proviene de una familia en la que el arte y la creatividad desempeñaron y siguen desempeñando un papel fundamental.

Marina Abramović declaró en una entrevista: “Siempre supe que viviría como artista. Era una necesidad […] la única forma en que podía funcionar en este mundo” (Lynn MacRitchie, 1996, ‘Marina Abramović: Intercambiando energías’, Performance Research, Volumen 1, p. 29).

Abramović estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Belgrado inmediatamente después de graduarse de la escuela secundaria, desde 1965 hasta 1970. Sus compañeros de la academia la describieron como una joven de una belleza impactante, segura de la influencia que ejercía sobre los demás, fabulosamente dotada para la comunicación y siempre entusiastamente optimista.

En aquella época, Abramović pintaba arte figurativo sofisticado y de buen gusto en lienzos más grandes que los de cualquier otro estudiante, creando impactantes pinturas de más de dos metros cuadrados. A partir de 1968, Abramović comenzó a publicar textos, dibujos y sus primeras obras conceptuales.

Lo cual se convirtió inexorablemente en arte performativo como expresión artística de Abramović, aunque solo a través de rechazos y coincidencias:

En 1970, Abramović quiso realizar su primera performance en una famosa galería de Belgrado: iría sustituyendo gradualmente su propia ropa delante del público por la ropa de su juventud elegida por su madre (falda hasta la pantorrilla, medias gruesas, zapatos que recordaban a los ortopédicos), para luego ponerse una pistola cargada con una bala en la cabeza y apretar el gatillo.

O bien esta propuesta de la Galería Doma Omaldine era demasiado arriesgada, o bien la protesta juvenil contra los intentos protectores de madres preocupadas por reducir el atractivo era demasiado radical para ellas; en cualquier caso, la propuesta de Abramović dio como resultado una exposición de sus primeras obras de arte abstractas , una serie de pinturas de nubes.

La primera performance de Abramović no tuvo lugar hasta 1971, cuando ella y otros estudiantes expusieron sus obras en el SKC (Centro Cultural Estudiantil de Belgrado) en octubre. Abramović se había recostado sobre una mesa en una galería contigua (supuestamente solo estaba cansada), y su colega, el artista Era Milivojević, la envolvió con la cinta adhesiva que tenía a mano hasta que pareció una momia: la performance estaba en marcha, aunque el significado de la obra tuviera que ser reinterpretado.

Obviamente, la artista disfrutó de la experiencia; a partir de 1973 comenzó a crear sus primeras performances propias y planificadas.

No solo utilizaron cinta adhesiva; Marina Abramović dejó inequívocamente claro con sus primeras actuaciones que complacer al arte establecido no era lo suyo.

Poco después, en 1975, lo dejó claro a un público más amplio al participar en una performance de Hermann Nitsch . El cofundador del accionismo vienés ya no era vienés por aquel entonces; había irritado durante tanto tiempo a los «renanos del Este» a principios de la década de 1960 con escandalosas acciones pictóricas y representaciones de teatro de misterio con orgías, que las autoridades lo incapacitaron para actuar y crear arte durante semanas mediante su encarcelamiento, ante lo cual Nitsch finalmente se trasladó a Alemania.

Para Nitsch y Abramović, la colaboración con otro artista resultó un fracaso: Nitsch posteriormente solo contrató a aficionados, mientras que Abramović comentó que carecía de la motivación para trabajar dentro del concepto de otra persona; la performance fue tan insignificante que no existe ningún registro detallado. Sin embargo, Hermann Nitsch y Marina Abramović lograron figurar en la lista de las «10 performances más impactantes de la historia», elaborada por el periódico londinense «The Guardian» en 2013.

¡Todo el mundo lo sabe! – Las obras más importantes de Marina Abramovic

Que el arte convencional no es lo suyo también queda demostrado en las obras más importantes de Abramović, que la mayoría de las personas (centroeuropeas con formación académica) conocen; incluso este breve resumen deja claro el gran dinamismo que caracteriza el arte de Marina Abramović:

«Balkan Baroque» es una videoinstalación performativa que Abramović presentó en 1997 en el pabellón yugoslavo de la 47.ª Bienal de Venecia. Abramović reflexionó sobre su tierra natal y el conflicto de los Balcanes fregando montañas de huesos frescos de ganado con un cepillo durante horas cada día, junto a un tríptico de proyecciones de vídeo, mientras cantaba canciones fúnebres de su tierra.

“Siete piezas fáciles” en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York en 2005. La performance duró siete días y repitió seis performances históricas de otros artistas que habían causado sensación en las décadas de 1960 y 1970; la séptima performance fue su propia obra nueva.

Abramović hizo referencia a:

• "Semillero" de Vito Acconci, de 1972
• "Cómo explicar cuadros a una liebre muerta", de Joseph Beuys, de 1965.
• de VALIE EXPORT, de 1969
• "Presión corporal" de Bruce Nauman
• El libro "Conditioning" de Gina Pane, de 1973
• Su propia interpretación “Los labios de Thomas” de 1975
• La nueva obra original se titulaba "Entrando al otro lado".

"La artista está presente" en el Museo de Arte Moderno (MoMA) en 2010, durante una retrospectiva de su obra en el museo neoyorquino. Durante toda la exposición, que tuvo lugar del 14 de marzo al 31 de mayo de 2010, Abramović permaneció sentada a una mesa en el atrio del museo, con una silla para visitantes frente a ella.

Abramović permaneció en silencio; lo locuaces que eran los visitantes puede apreciarse en los pocos minutos del siguiente vídeo…

…con el emotivo momento en que su pareja de muchos años, Ulay, se sentó en la silla de visitantes. En total, Abramović permaneció allí sentada durante la asombrosa cifra de 721 horas; al finalizar la performance, había sido vista por 750.000 visitantes y «poseída» por más de 1.500 personas.

Estos no eran, desde luego, todos los ejemplos “que todo el mundo conoce”; el arte de Marina Abramović es de una riqueza y diversidad extraordinarias:

El arte de Marina Abramovic: De la espectacular actuación en solitario a la actuación eterna

La primera actuación de Marina Abramović en 1971, con su actitud de momia, aún era bastante dócil, pero no tuvo que trabajar con el escandaloso activista Hermann Nitsch para desatarse por completo:

En 1973, Abramović se entretuvo en "Ritmo 10" apuñalándose los espacios entre los dedos extendidos con 20 cuchillos (un guiño a artistas femeninas del pasado; véase Art-o-Gramm: Picasso – El artista, la vida y el amor – Escenas 2 y 5 sobre Dora Maar, quien también cultivó este hábito poco saludable). Abramović, en cualquier caso, se corta con frecuencia y de forma grave, pero "Ritmo 10" sigue considerándose (o quizás por ello) su primera obra "adulta".

En Rhythm 5 (1974), Abramović empapa un marco de madera con forma de estrella de cinco puntas (que evoca la "Estrella Roja" comunista) con 100 litros de gasolina, le prende fuego y, tras algunas payasadas, salta dentro del marco y se tumba en el suelo de la galería. Pierde el conocimiento inmediatamente en este espacio ahora sin oxígeno.

Abramović fue rescatada por un espectador que se percató de que la inusual quietud de Marina Abramović desentonaba con el resto de la actuación, que estaba llena de acción; la ambulancia llegó justo a tiempo y la trasladó al hospital. Aquí se puede ver el espectáculo en llamas con Abramović, casi muerta, en el centro.

Abramović, evidentemente, salió airoso; ese mismo año presentó «Ritmo 0», una performance de seis horas en la que permaneció en silencio entre el público. Se les proporcionaron 72 objetos, invitándolos a hacer con ellos lo que quisieran. Entre estos objetos había rosas y plumas, perfume y miel, pan, uvas y vino, tijeras y un bisturí, hojas de afeitar y clavos, una barra de metal y una pistola cargada con una bala.

Abramović quería averiguar hasta dónde llegaría el público. Empezó con delicadeza: caricias, flores, besos y comida; enseguida la untaban con pintalabios, le echaban agua por la cabeza, le clavaban espinas de rosa en el ombligo… A mitad de la representación, el público ya le había cortado la ropa con cuchillas de afeitar; a la cuarta hora, exploraban su piel con las mismas cuchillas, y un admirador incluso le cortó la garganta para beber su sangre.

A continuación, sufrió una serie de agresiones sexuales que la artista, decidida a explorar y exponer el comportamiento humano en grupo, también padeció; cuando el público notó su firme rendición de voluntad, se formó un grupo para protegerla.

Cuando le apuntaron con la pistola cargada a la cabeza a Abramović y le colocaron el dedo alrededor del gatillo, se desató una pelea entre el público… Feo, aterrador, desilusionante: cuando Abramović despertó a la mañana siguiente, tenía una cana en el pelo.

¡Si tan solo hubiera tenido acceso en aquel entonces al conocimiento disponible hoy en internet! Un poco de información deja claro que los grupos de personas siguen a líderes fuertes (que obviamente tienen malas intenciones, incluso para sí mismos) e inexplicablemente aceptan como verdaderas incluso afirmaciones obviamente falsas tan pronto como se sienten inquietos, se enfrentan a algo nuevo o a cambios (también se podría decir que los grupos de personas muestran tendencias hacia un comportamiento grupal autodestructivo tan pronto como la vida no transcurre como de costumbre, Pegida envía sus saludos).

Si Abramović se hubiera limitado a leer los informes sobre "La Ola", el experimento de Milgram y el experimento de conformidad de Solomon Asch, no se habría sentido menos asustada o desilusionada, pero quizá se habría ahorrado la experiencia física…

• "La ola"
• Experimento de Milgram
• experimento de conformidad

Abramović podría haber estado en un estado emocional delicado en ese momento, ya que su primer matrimonio acababa de terminar. De 1971 a 1976, Abramović estuvo casada con el artista serbio Neša Paripović , un antiguo compañero de la Academia de Belgrado, con quien también había colaborado en el centro cultural estudiantil a principios de la década de 1970.

Ambos trabajaron en un grupo informal con otros artistas, empeñados nada menos que en la deconstrucción del concepto modernista del arte. Incluso este trabajo no estuvo exento de conflictos; cuando el grupo tuvo que enfrentarse a un encuentro y un debate con Joseph Beuys en un festival en Edimburgo, Escocia, en 1973, se disolvió poco después.

Puede que el matrimonio no haya terminado del todo pacíficamente; cuando el biógrafo de Abramović, James Westcott, le pidió una entrevista a Neša Paripović a principios de la década de 2000, se dice que simplemente colgó el teléfono.

En 1975, Marina Abramović realizó "Los labios de Tomás" en una galería de Austria: completamente desnuda, comió un kilo de miel, bebió un litro de vino tinto, se talló un pentagrama en el estómago con cuchillas de afeitar y se tumbó sangrando y balanceándose sobre una cruz de hielo; se dice que lo soportó durante media hora.

Aquí tenéis una imagen fija de la actuación: Abrir imagen (reinterpretada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 2005). Una secuencia de cuatro actuaciones más de 1975 y 1976 puede verse en www.youtube.com/watch?v=ihDy3dD-iUg.

En 1975, creó «El arte debe ser bello, el artista debe ser bello», una de las obras más innovadoras de Abramović, en la que aborda de forma extensa y práctica la belleza del artista y del arte, conceptos que han resultado imposibles de erradicar en la burguesía conservadora desde la publicación del «Sistema de filosofía teórica, Parte 3, Teoría del gusto» (1810) de Wilhelm Traugott Krug. Aquí se muestra un fragmento:

En 1975, Abramović también se mudó a Ámsterdam, donde conoció y se enamoró del artista de performance alemán Frank Uwe Laysiepen (Ulay). Vivieron y trabajaron juntos desde 1979 hasta 1988, llevando una vida artística nómada, en constante movimiento, incluso viajando a territorios aborígenes y al Tíbet. Muchas de sus obras más famosas e influyentes datan de este período.

«Charged Space» , de 1978, forma parte de la colección del Museo Ludwig de Colonia. Una imagen fija de la danza frenética dedicada a Jane Crawford y Gordon Matta-Clark, la última obra de su serie «14 Performances», puede verse en newmedia-art.org. La performance tuvo lugar en mayo de 1978 durante el ciclo «European Performance Series» del Museo de Brooklyn, Nueva York.

En 1980 «Rest Energy» , una performance en la que Ulay sostenía una flecha y Abramović el arco; al reclinarse ambos, la flecha apuntaba al corazón de Abramović. Sus vidas en sus manos, como tantas veces en sus performances conjuntas.

En 1982, Abramović y Ulay colocaron un cactus en una galería como parte de su performance «Like Luther», lo rodearon con alambre de púas y pidieron a los dueños de la galería que le hablaran con cariño todos los días. Querían comprobar si, en un ambiente tan protegido y afectuoso, perdería sus espinas (no lo hizo).

Y así continuó (con mucho espacio para que ustedes mismos descubran actuaciones espectaculares) hasta que Abramović y Ulay se separaron en 1988/1989. Por supuesto, no así como así, ni de mal humor, sino con una actuación: una actuación de tres meses en la Gran Muralla China.

Ulay partió del oeste, Abramović del este, y luego cada uno caminó 2500 kilómetros hacia el otro. Sin embargo, este no era el plan original; cuando comenzó la representación, se llamaba «Los amantes» y tenía como objetivo reavivar su ya tensa relación.

Cuando Ulay dejó embarazada a la traductora china durante el trayecto, y Abramović lo confesó al final de la caminata de reconciliación de 2500 kilómetros, no había mucho que se pudiera hacer para ayudar... el encuentro en medio de la muralla fue el último encuentro entre Ulay y Abramović durante mucho tiempo.

Desde 1989, Abramović colaboró ​​con el director de cine, artista de performance y video Charles Atlas (conocido por su larga colaboración con Merce Cunningham, que dio como resultado diez películas de danza) en la obra escénica «La Biografía», que presenta su trayectoria artística hasta la fecha como un solo. «La Biografía» se estrenó en 1992 y en cada función muestra diversas facetas de su práctica artística y desarrollo personal.

En 1994, Abramović puso en escena la obra de teatro Delusional, en la que abordó su impotencia y enojo por los acontecimientos ocurridos durante las guerras yugoslavas, un precursor de la obra de 1997 “Balkan Baroque”, que se centró en el dolor por las atrocidades, las numerosas víctimas y el estado de desintegración ahora irreversible.

En 2001, para su obra «Nidos Humanos», Abramović excavó siete cuevas artificiales en las paredes de una cantera y equipó cada una con una escalera de cuerda. Concebidas para la contemplación, pero «adornadas» con el peligro de caer desde las pequeñas oquedades, crearon un entorno a la vez protegido e inquietante.

En 2002, la artista pasó doce días y doce noches en tres habitaciones abiertas al público en la galería Sean Kelly de Nueva York para su obra "La casa con vistas al océano". Solo consumió agua mineral, no comió, no habló, no escribió ni leyó, no durmió más de siete horas al día y se duchó tres veces al día: un retiro de meditación monástico y público en el corazón de la ciudad de Nueva York.

Esta reminiscencia de Abramović sobre el trabajo de su hermano Velimir Abramović, profesor de filosofía y experto en Tesla, data de 2003: “Tesla Ball” .

“Siete Piezas Fáciles” descritas anteriormente , iniciando así una discusión fundamental sobre la permanencia y durabilidad del arte de performance.

Ese mismo año, Abramović produjo la película de arte "Balkan Erotic Epic" , que trata sobre los ritos sexuales y de fertilidad en los Balcanes: Abramović explica varios ritos en escenas individuales, mientras las mujeres sostenían sus pechos al sol y sus vulvas bajo la lluvia, y los hombres se masturbaban o penetraban la tierra (una descripción un tanto confusa, pero no parece estar registrado por qué las mujeres no sostenían también sus vulvas al sol o cuán dura era la tierra que se suponía que los hombres debían penetrar).

En 2010, Abramović tuvo que permanecer inmóvil durante «unas horas» en la performance «El artista está presente», esta vez sentado. Fragmentos de la performance, sin la aparición de Ex Ulay, pueden verse en la parte 11 de la serie documental de YouTube «El futuro del arte» (Erik Niedling, Ingo Niermann, Alemania, 2010).

(Vale la pena ver la serie completa, que consta de 21 partes y abarca a muchos artistas contemporáneos importantes).

En 2011, "La vida y la muerte de Marina Abramović" se estrenó en el Festival Internacional de Manchester, en The Lowry, Manchester, Reino Unido. Esta "encrucijada de teatro, ópera y artes visuales" fue creada por el genio teatral y artista universal Robert Wilson en colaboración con Marina Abramović y, tras su estreno, realizó una gira por festivales de teatro y espacios artísticos.

deSingel en Amberes, Theater Carré en Ámsterdam, Theater Basel, Teatro Real en Madrid, Festival Luminato en Toronto y Park Avenue Armoury en Nueva York; al final de la “serie de escenas magistrales”, el público se puso de pie y aplaudió (The Independent, Reino Unido).

Aquí tenéis dos extractos:

En 2013, Abramović diseñó la escenografía para la nueva producción del "Boléro" de Maurice Ravel en la Ópera Garnier de París. Sidi Larbi Cherkaoui y Damien Jalet dirigieron la producción, y el diseñador de moda italiano Riccardo Tisci, de la casa de moda parisina Givenchy, diseñó el vestuario de los bailarines.

Del 11 de junio al 25 de agosto de 2014, Abramović presentó la obra de larga duración «512 Horas» en la Serpentine Gallery de Londres. Prescindió por completo de objetos y obligó al público a hacer lo mismo: cualquiera podía entrar durante el horario de apertura y pasar tiempo con ella, pero debía dejar su chaqueta, equipaje y dispositivos electrónicos en el guardarropa.

Abramović publicó un resumen diario del día en forma de videodiario personal. En el Süddeutsche Zeitung se puede leer una entrevista con Marina Abramović sobre esta y otras actuaciones: «Hay que estar preparado para caerse de la tierra ».

Con su obra “Seven Easy Pieces”, , Abramović generó un debate que podría cambiar decisivamente el arte de la performance: si una performance puede volver a representarse, cómo debe y puede preservarse el conocimiento cultural del arte de la performance, cómo se ve la protección de los derechos de los intérpretes como productores; todas ellas nuevas cuestiones que podrían dar un vuelco a la comprensión tradicional del arte de la performance.

Si bien antes se suponía que la interpretación estaba ligada al cuerpo del intérprete y no era repetible, ahora los intérpretes, los receptores y los evaluadores de las interpretaciones tienen que lidiar con la repetibilidad y la posibilidad de volver a interpretarlas, con el intercambio de conocimientos artísticos cuyo significado cultural e histórico se ha perdido con el tiempo.

Abramović aboga así también por la estabilización de la performance como forma de arte; solo de esta manera los artistas de performance podrán hacer valer los derechos sobre su obra frente a la explotación comercial y la tergiversación en un mundo de creciente digitalización e intercambiabilidad del conocimiento cultural.

Las obras de Abramović que acabamos de presentar no son ni mucho menos todas; aún queda mucho por descubrir en la obra de este sensible y extraordinario artista para quienes se interesan por el arte de nuestro tiempo.

La obra de Marina Abramović en la esfera pública: exposiciones, arte en espacios públicos y en colecciones públicas.

La obra de Marina Abramović se ha expuesto públicamente en 79 exposiciones individuales y 632 exposiciones colectivas ; eso supone unas 700 exposiciones públicas, 122 de ellas en EE. UU., 79 en Alemania, 63 en Italia, unas 50 en España, unas 40 en Francia y las 350 restantes repartidas por todo el mundo.

Aquí tenéis una selección de eventos destacados, bienales y documentas:

• 1975 IX Bienal de París
• Documenta 7 de 1982, Kassel
• 1982 IV Bienal de Sídney: Visión en la incredulidad, Sídney, Nueva Gales del Sur
• 1985 18° Bienal de Sao Paulo, São Paulo, Brasil
• Documenta 8 de 1987, Kassel
• 1990 I Bienal de la Imagen en Movimiento '90, Madrid
• Documenta 9 de 1992, Kassel
• 1995 IV Bienal Internacional de Estambul, Estambul
• 1995 SITE Primera Bienal Internacional de Santa Fe - Anhelo y Pertenencia: De lo Lejano a lo Cercano, Santa Fe, Nuevo México
• 1997 47ª Bienal de Venecia, Venecia
• 2000 1ra Trienal de Arte Echigo-Tsumari 2000, Niigata-ken, Japón
• 2001 Yokohama 2001 – Trienal Internacional de Arte Contemporáneo, Yokohama, Tokio
• 50ª Bienal de Venecia, 2003, Venecia
• 2003 II Bienal de Valencia – La Ciudad Ideal, Valencia
• 2004 3.ª Bienal Internacional de Arte Mediático de Seúl – Digital Homo Ludens (Juego y Juego), Museo de Arte de Seúl (SeMA), Seúl
• 2005 Quinta Bienal de Cetinje, Cetinje, Montenegro
• 2005 5ª Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil
• 52ª Bienal de Venecia, 2007, Venecia
• Bienal de Praga 2007, 3.ª edición, Sala Karlin, Praga
• 2007 Bienal de Cine de Arte 2007, Museo de Arte de Bonn
• Trienal de Yokohama 2008 – Time Crevasse, emplazamientos centrales y del paseo marítimo, Yokohama
• 2008 28° Bienal de São Paulo, São Paulo
• 2008 Bienal de Mediación 08, Centrum Kultury Zamek, Poznan
• 2008 Xviii Bienal Internacional de Cultura, Accademia di Belle Arti di Carrara
• 2009 5a Bienal VentoSul – o mundo todo aquí, vai mexer com voce, Instituto Paranaense de Arte, Curitiba, Brasil
• 3.ª Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú, 2009, Moscú
• 7ª Bienal de Florencia, Florencia, 2009
• Bienal de Imágenes en Movimiento de 2009, Deventer
• 54ª Bienal de Venecia, 2011, Venecia
• 2011 3ª Bienal de Imágenes en Movimiento, Videoarte Inspirado, Deventer
• 2012 11ª Bienal de La Habana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana
• 7ª Bienal Internacional de Arte Mediático de Seúl 2012, Museo de Arte de Seúl (SeMA), Seúl
• IV Bienal de Arte Contemporáneo de Tesalónica 2013 – Las viejas intersecciones lo hacen nuevo 2, Museo Estatal de Arte Contemporáneo, Tesalónica
• 2013 2da Bienal del Mediterráneo en Sakhnin, Museo del Patrimonio Árabe de Sakhnin, Israel
• 2014 V Bienal De Arte Contemporáneo De La Fundación Once, CentroCentro Cibeles, Madrid
• 2015 1ra Bienal de Tríos, Río de Janeiro, Brasil

Marina Abramovic como figura pública: Premios y galardones, actividades docentes, repercusiones

Una selección de los premios que ha recibido Marina Abramovic:

• Premio ars viva de videoarte de 1982, Círculo Cultural de la Empresa Alemana en la BDI e. V., junto con Uwe Laysiepen.
• León de Oro en la XVIII Bienal de Venecia de 1997, por la performance “Balkan Baroque”.
• Premio de Arte de Baja Sajonia 2003
• Premio Bessie 2003, por “La casa con vistas al océano”
• Doctorado honorífico de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, 2004
• Condecoración austriaca de 2008 para la ciencia y el arte
• Doctorado Honoris Causa en Artes, 2009, Universidad de Plymouth, Inglaterra
• Premio al Liderazgo Cultural 2011, Federación Estadounidense de las Artes, Nueva York
• Premio a la trayectoria profesional, 13 de julio de 2012, Podgorica, Montenegro
• Nombramiento en 2012 para el jurado de competición del 69º Festival Internacional de Cine de Venecia
• Oso de Berlín 2012, premio otorgado por el diario BZ Berlín
• Miembro honorario de la Real Academia de las Artes de Londres (2012)
• Miembro de la Academia Nacional de Diseño de Nueva York (2013)
• Premio Global 2018
• Premio Princesa de Asturias de las Artes 2021

Inmediatamente después de completar sus estudios, Marina Abramović comenzó a transmitir sus conocimientos y experiencia: en la década de 1970, comenzó a impartir clases en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad.

Entre 1990 y 1991, Marina Abramović fue profesora visitante en la Académie des Beaux-Arts de París y en la Universidad de las Artes de Berlín.

De 1992 a 1996 fue profesora en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo, y de 1997 a 2004 fue profesora de performance en la Universidad de Arte de Braunschweig.

En 2005, fundó en Nueva York el Independent Performance Group (IPG), un foro para el arte de performance contemporáneo, con el fin de colaborar con jóvenes artistas talentosos. El Independent Performance Group se disolvió en 2007, y Abramović fundó la Fundación Marina Abramović para la Preservación del Arte de Performance .

Los preparativos para la instalación del “Instituto Marina Abramović” (MAI) están en marcha desde 2012. El instituto tiene como objetivo apoyar el desarrollo de artes escénicas innovadoras y, como “archivo viviente”, preservar representaciones históricas a través de la recreación.

Como parte de este proyecto a largo plazo, un edificio en Hudson, Nueva York, será transformado y renovado a partir de 2013 para albergar el Instituto Marina Abramović. El edificio, que también alberga la "Oficina de Arquitectura Metropolitana" del arquitecto Rem Koolhaas, cuenta con 3.000 metros cuadrados de superficie.

Abramović pretende utilizar los espacios como un “laboratorio para la exploración del arte temporal y atemporal” –arte performativo, pero también cine, música, ópera, danza, teatro, vídeo– y colaborar con profesionales de los campos de la ciencia, la tecnología y la educación, OMA – Instituto Marina Abramovic .

En la etapa actual de desarrollo del diseño, los arquitectos Rem Koolhaas y Shohei Shigematsu participan como socios. Rem Koolhaas es un arquitecto neerlandés de renombre internacional que, en 1975 en Rotterdam, fundó, junto con Elia y Zoe Zenghelis y Madelon Vriesendorp, la que se ha convertido en la firma de arquitectura más prestigiosa del mundo.

La OMA y su laboratorio de ideas asociado, AMO, que se centra en proyectos que van más allá de la arquitectura y el urbanismo, gozan de gran prestigio y actividad internacional. La OMA es responsable de una impresionante cartera de proyectos arquitectónicos contemporáneos de vanguardia, entre los que destacan, en Alemania, la Casa Koolhaas en Checkpoint Charlie, el Campus Axel Springer, la Embajada de los Países Bajos en Berlín y la ampliación del complejo Zollverein, declarado Patrimonio de la Humanidad, en Essen; y en otros países, el Kunsthal Rotterdam, el complejo de viviendas Nexus en Fukuoka (Japón), las tiendas Prada Epicenter en Beverly Hills y Nueva York, el Museo Guggenheim Hermitage en Las Vegas, la Casa da Música en Oporto y el Museo Nacional de Arte de la Universidad Nacional de Seúl; la lista incluye 295 edificios adicionales.

En 2000, Rem Koolhaas recibió el Premio Pritzker de Arquitectura, un galardón de renombre mundial en el ámbito arquitectónico, un año después de Norman Foster y un año antes que Herzog & de Meuron. En 2014, fue nombrado director de la XIV Exposición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia («Fundamentos»). Como profesor en Harvard, Koolhaas se centra en la investigación fundamental en arquitectura.

Shohei Shigematsu trabaja en OMA desde 1998 y es socio desde 2008. Desde 2006 dirige la oficina de OMA en Nueva York. Además de numerosos edificios urbanos, Shigematsu ha diseñado espacios culturales como el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec y el Centro de Artes Faena en Miami Beach, y disfruta trabajando directamente con artistas (por ejemplo, Cai Guo Qiang, Marina Abramović y Kanye West). En la Escuela de Diseño de Harvard dirige un instituto de investigación llamado «Diseño Alimentario», que investiga la intersección entre la alimentación, la arquitectura y el urbanismo.

El lema del MAI es combativo: "El arte solo puede hacerse en sociedades destructivas que deben reconstruirse"; parece que hay muchas de estas en este momento, por lo que el MAI tiene mucho trabajo por hacer; del mismo modo que el "barroco balcánico" está ganando tristemente relevancia en la parte un poco más meridional del mundo.

Otra actividad innovadora de Marina Abramović es la difusión del Método Abramović, una serie de ejercicios holísticos para el cuerpo y la mente que Abramović ha desarrollado durante los últimos 40 años para experimentar y superar las limitaciones del cuerpo y la mente.

En completa consonancia con la medicina moderna, que supera las limitaciones de la medicina tradicional en todos los aspectos, Abramović ha desarrollado ejercicios meditativos y físicos que pueden proteger a los artistas de performance del daño físico derivado del estrés típico asociado a este arte.

Ella enseña principalmente este método a jóvenes artistas de performance; junto con las ideas transmitidas a través del MAI, es otra forma de preparar el arte de performance y a las generaciones posteriores de artistas de performance para el futuro.

75 años en 2021 y, a lo largo de su dilatada vida, se ha convertido en la controvertida pero muy respetada reina del arte de la performance . Fue fundamental para popularizar este género. Para lograrlo, en ocasiones permanecía sentada en silencio en una silla durante más de 700 horas, se arrojaba contra las paredes y se autolesionaba con cuchillas de afeitar.

Acceso actual a Marina Abramovic

Una charla de una hora de duración con el artista Sam Keller, director del museo de arte suizo y de la Fundación Beyeler, puede verse aquí: https://www.fondationbeyeler.ch/programm/artist-talks/ (en inglés).

En 1999 se realizó titulada «Balkan Baroque». Ubu Film: Pierre Coulibeuf .

Puedes ver obras de Marina Abramović en las siguientes galerías:

• Brasil: Luciana Brito Galería São Paulo
• Grecia: Galería Kappatos, Atenas
• Italia: Galería Lisson Milán, Galería Lia Rumma Napoli
• Países Bajos: Ediciones PARC Cuaresma
• Noruega: Galería Brandstrup Oslo
• Austria: Galería Krinzinger, Viena
• España: Bernal Espacio Galería Madrid, La Fábrica Galería Madrid
• Suiza: Art Bärtschi & Cie Ginebra
• EE. UU.: Kathryn Miriam, Greenwich, CT; Kunzt.gallery, Miami, FL; Sean Kelly Gallery, Nueva York, NY
• Reino Unido: Galería Lisson de Londres

Marina Abramovic en colecciones públicas:

• Australia: Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, Sídney, NSW; Museo de Arte Contemporáneo de Sídney (MCA), Sídney, NSW
• Bélgica: Museo de Arte Contemporáneo de Amberes (MuHKA) Amberes, Museo Stedelijk de Arte Actual (SMAK) Gante
• Alemania: Colección Wemhöner Berlín, Kunsthalle Bielefeld, Museo Ludwig Colonia, Colección Julia Stoschek Düsseldorf, Kunstpalais Erlangen, Kunsthalle zu Kiel
• Finlandia: Museo Kiasma de Arte Contemporáneo de Helsinki
• Francia: Centre d'Art le LAIT Albi, FRAC Franche-Comté Besançon, Musée d'Art Contemporain Lyon, 49 NORD 6 EST Frac Lorraine Metz
• Grecia: Museo Nacional de Arte Contemporáneo (EMST) Atenas
• India: Museo de Arte Kiran Nadar (KNMA) Nueva Delhi
• Italia: Studio Stefania Miscetti y Fundación Nomas Roma
• Canadá: Galería Nacional de Canadá Museo de Bellas Artes de Canadá Ottawa ON
• Croacia: Museo de Arte Contemporáneo (MSU) de Zagreb
• Luxemburgo: Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (MUDAM) Luxemburgo
• Macedonia: Museo del Dibujo del Este de Skopje
• Países Bajos: Stedelijk Van Abbemuseum Eindhoven
• Polonia: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Niepołomicach (MOMA) Niepolomice
• Serbia: Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado (MoCAB)
• Eslovenia: Moderna galerija Ljubljana
• España: Centro de Artes Visuales Helga de Alvear Cáceres, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) Léon, Colección ARCO y Fundación Telefónica Madrid, Es Baluard Museu d'Art Modern Palma de Mallorca, Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) Vejer de la Frontera Cádiz
• Suecia: Fundación Wanas Knislinge
• Suiza: Kunstmuseum Bern, Kunstmuseum Wallis Sion, Kunstmuseum des Kantons Thurgau Warth
• EE. UU.: Museo de Fotografía Contemporánea (MoCP), Chicago, IL; Fundación Familiar Eileen S. Kaminsky (ESKFF), Jersey City, NJ; Colección de Arte Progresista, Mayfield Village, OH; Fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO), Miami, FL; Museo Solomon R. Guggenheim y Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York, NY; The Fabric Workshop and Museum, Filadelfia, PA; Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA.

En pippinbarr.com/games/dmai encontrarás el “Instituto Digital Marina Abramović” donde podrás hacer diversas cosas… y apoyar al verdadero Instituto Marina Abramović: “Si disfrutas de tu experiencia digital con el Instituto, por favor, ayuda a hacer realidad el MAI apoyando aquí”.

En 2010 se publicó la biografía "Cuando muere Marina Abramović" ; una entrevista con el biógrafo y autor James Westcott puede leerse en ARTFCITY: Cuando muere Marina Abramović, una entrevista con el biógrafo y autor James Westcott .

se estrenó el documental "The Artist Is Present"

Uno de sus proyectos más recientes, «Las 7 muertes de Maria Callas », se presentó en Múnich y París hace unos meses. En esta obra que combina música, canción y cine, la artista, junto al actor estadounidense Willem Dafoe, escenifica su propia muerte.

Abramovic pasó la mayor parte del tiempo durante la pandemia de coronavirus en el campo cerca de Nueva York: haciendo jardinería, nadando, observando animales y practicando yoga.

“Siento que he llegado a la mejor etapa de mi vida. No bebo, no fumo, no consumo drogas y hago cincuenta minutos de yoga todas las mañanas , dijo la artista, ganadora de múltiples premios , quien este año fue galardonada con el Premio Princesa de Asturias, entre otros reconocimientos.