Johannes Vermeer y su influencia en la pintura moderna

Además de Rembrandt van Rijn , Jan Vermeer van Delft , también Johannes Vermeer , es uno de los artistas y pintores holandeses más admirados del período barroco .

El artista holandés en breve: un perfil

Formó parte del Siglo de Oro neerlandés , una época de florecimiento político, económico y cultural. Aunque la obra completa de Vermeer es relativamente pequeña, con solo 37 pinturas conocidas, se han conservado más títulos procedentes de antiguos registros de subastas. Las obras excepcionales del maestro neerlandés se encuentran entre los mayores tesoros de los mejores museos del mundo.

Aunque inicialmente creó pinturas históricas, es más conocido por sus escenas de género, que constituyen la mayor parte de su obra. Vermeer comenzó su carrera a principios de la década de 1650 pintando escenas bíblicas y mitológicas a gran escala, pero la mayoría de sus pinturas posteriores —aquellas por las que es más famoso— representan escenas de la vida cotidiana en interiores. Estas obras se distinguen por la pureza de la luz y las formas, cualidades que transmiten una serena y atemporal sensación de dignidad. Vermeer también pintó paisajes urbanos y escenas alegóricas.

Entre sus obras más famosas se encuentran " Vista de Delft", "La lechera" y " La joven de la perla", conocidas hoy en día en todo el mundo.

Debido al escaso número de sus obras, en el siglo XIX se le atribuyeron erróneamente pinturas de otros artistas. Sin embargo, hoy en día se acepta generalmente que Vermeer fue un maestro en su oficio.

El legado artístico del artista barroco holandés Jan Vermeer (1632-1675) es hoy considerado casi universalmente uno de los más influyentes de la historia del arte. Desarrolló técnicas pictóricas únicas que dotan a su obra de vitalidad y realismo. Capturó la luz con perfección, dándoles un aspecto realista y natural. Sus técnicas siguen siendo muy populares entre los artistas actuales y se siguen utilizando con frecuencia en la pintura moderna.

Sus famosas pinturas, que ofrecen una combinación única de detalles realistas y paletas de colores sutiles, han tenido un impacto duradero en la pintura moderna y han inspirado significativamente a innumerables artistas desde entonces. Revolucionó la pintura y nos enseñó a capturar la luz en las pinturas y hacerlas únicas. Su estilo distintivo ha perdurado a través de los siglos y sigue siendo una parte importante del mundo del arte actual.

Para sorpresa de muchos, el pintor era poco conocido en su época…

Johannes Vermeer – Un retrato detallado del artista – Vida y obra

De hecho, Vermeer fue relativamente desconocido hasta mediados del siglo XIX. El misterio que rodeó su vida y el continuo anonimato de su obra le valieron el apodo de «Esfinge de Delft». redescubierto hasta la década de 1870 .

Vermeer, sin embargo, vendió sus pinturas incluso en vida. Pieter van Ruijven (1624-1674), hijo de un cervecero nacido en Delft, era un ávido coleccionista de las obras del artista. Van Ruijven poseía nada menos que veinte Vermeers.

La razón principal de que su vida y su legado permanecieran envueltos en misterio durante tanto tiempo es probablemente que produjo solo un pequeño número de pinturas, quizás alrededor de cuarenta y cinco (de las cuales treinta y seis se conocen hoy en día), principalmente para un pequeño círculo de mecenas en Delft.

Como se mencionó anteriormente, aproximadamente la mitad de las pinturas de Vermeer fueron adquiridas por el coleccionista local Pieter van Ruijven. Si bien la obra de Vermeer era conocida por otros conocedores de Delft y la vecina ciudad cortesana de La Haya, y algunas de sus pinturas se vendieron a lugares más lejanos (Amberes y Ámsterdam), la mayoría de los pintores holandeses produjeron cientos de pinturas para un mercado mucho más amplio.

Su imagen de figura aislada se ve reforzada por el hecho de que su maestro también era desconocido y, al parecer, no tuvo discípulos famosos. Sin embargo, el artista era un miembro respetado del gremio de pintores de Delft e intercambió ideas con pintores contemporáneos activos en la ciudad (especialmente Pieter de Hooch en la década de 1650) y la región circundante (por ejemplo, Frans van Mieris en Leiden).

Sus primeros años

Delft , donde Vermeer nació y desarrolló su carrera artística, era una ciudad vibrante y próspera a mediados del siglo XVII, cuya riqueza residía en sus florecientes fábricas de cerámica de Delft, sus telares de tapices y sus cervecerías. Dentro de las murallas de Delft se encontraban pintorescos canales y una gran plaza del mercado, flanqueada por el imponente Ayuntamiento y la imponente aguja de la Nieuwe Kerk (Iglesia Nueva) . Era también una ciudad venerable con una larga y distinguida historia.

El pintor holandés fue bautizado en la Nieuwe Kerk. Su padre, Reynier Jansz, era tejedor y producía una fina tela de satén llamada Caffa ; también era comerciante de arte. Para 1641, la familia era lo suficientemente adinerada como para comprar una gran casa con posada llamada Mechelen en la plaza del mercado. Vermeer heredó tanto la posada como el negocio de arte tras la muerte de su padre en octubre de 1652. Sin embargo, para entonces, el pintor debió de haber decidido dedicarse a la pintura .

En abril de 1653, Vermeer se casó con Catharina Bolnes, una joven católica del llamado Papenhoek, o Rincón Papista, de Delft. El matrimonio con Catharina Bolnes (1631-1687) tuvo un total de once hijos. La modestia de las escenas que pintó contrasta marcadamente con la realidad de su opulenta familia.

Esta unión también le llevó a convertirse de la fe protestante en la que había crecido al catolicismo .

Más tarde en esa década, Vermeer y su esposa se mudaron a la casa de la madre de la novia, Maria Thins, quien era pariente lejana del pintor de Utrecht Abraham Bloemaert .

Formación artística y primeras influencias

Sorprendentemente, se sabe poco sobre la decisión de Vermeer de convertirse en pintor. Fue inscrito como maestro pintor en el Gremio de San Lucas de Delft el 29 de diciembre de 1653, pero la identidad de su maestro, la naturaleza de su formación y el momento de su aprendizaje siguen siendo objeto de mucha especulación.

Dado que su nombre ya no se menciona en los archivos de Delft a finales de la década de 1640 o principios de la de 1650, es posible que, como muchos aspirantes a artistas holandeses, viajara a Italia, Francia o Flandes. También es posible que se formara en otro centro artístico de los Países Bajos, quizás en Utrecht o Ámsterdam.

En Utrecht, Vermeer conoció a artistas que se habían sumergido en las tradiciones expresivas de Caravaggio , como Gerrit van Honthorst . En Ámsterdam, se dice que sucumbió a la influencia de Rembrandt van Rijn , cuyos poderosos efectos de claroscuro realzarían a partir de entonces la intensidad psicológica de sus pinturas.

Rasgos estilísticos de ambas tradiciones pictóricas –la escuela de Utrecht y la de Rembrandt– se pueden encontrar en las primeras pinturas bíblicas y mitológicas de gran formato de Vermeer, como “Diana con sus compañeras” (alrededor de 1653-54; también llamada Diana y sus ninfas) y “ Cristo en la casa de María y Marta” (alrededor de 1654-56).

La convergencia más sorprendente de ambas tradiciones se aprecia en "La alcahueta" (1656). El tema de esta escena de amor mercenario se inspira en una pintura del artista de Utrecht Dirck van Baburen, perteneciente a la colección de la suegra de Vermeer, mientras que los rojos y amarillos intensos y los intensos efectos de claroscuro evocan el estilo de Rembrandt.

La figura poco iluminada en el lado izquierdo de la composición es probablemente un autorretrato en el que Vermeer asume el papel del hijo pródigo, un papel que Rembrandt también había desempeñado de "alegre compañía"

A principios de la década de 1650, Vermeer también pudo haber encontrado mucha inspiración en su ciudad natal, Delft, donde el arte experimentaba una rápida transformación. El artista más importante de Delft en aquella época era Leonard Bramer , quien, además de pinturas históricas de pequeño formato —es decir, representaciones moralmente edificantes de temas bíblicos o mitológicos—, también creó grandes murales para la corte del Príncipe de Orange.

Los documentos indican que Bramer, católico, fue el padrino de boda de Vermeer. Aunque parece que Bramer fue, al menos, uno de los primeros defensores del joven artista, no se menciona que fuera su maestro.

Otro pintor importante que Vermeer debió conocer en Delft durante esta época fue Carel Fabritius , antiguo alumno de Rembrandt. Las impresionantes pinturas contemplativas de Fabritius y su innovador uso de la perspectiva parecen haber tenido una influencia duradera en el holandés. Esta conexión fue señalada por el poeta Arnold Bon, quien, en una carta sobre la trágica muerte de Fabritius en la explosión de la Pólvora de Delft en 1654, observó que «Vermeer había seguido magistralmente la trayectoria de Fabritius .

Vermeer conocía la obra de Fabritius, pero no hay evidencia de que haya estudiado con él.

a representar escenas de la vida cotidiana en la segunda mitad de la década de 1650. pinturas de género son con las que se le asocia con mayor frecuencia. Gerard Terborch , artista de Deventer que representó con maestría las texturas en sus representaciones de actividades domésticas, pudo haberlo animado a explorar escenas de la vida cotidiana.

La influencia de Terborch es evidente en una de las primeras pinturas de género de Vermeer, "Muchacha leyendo una carta en una ventana abierta" (c. 1659), en la que creó un lugar tranquilo para que la joven leyera su carta. Sin embargo, a diferencia de los interiores típicamente oscuros de Terborch, Vermeer bañó esta escena notablemente privada con una luz radiante que se filtraba a través de una ventana abierta.

El cuadro también revela su creciente interés por el ilusionismo , no sólo en la inclusión de una cortina de color verde amarillento que cuelga de un poste que se extiende sobre la parte superior del cuadro, sino también en los sutiles reflejos del rostro de la mujer en la ventana abierta.

Las escenas de interior de Vermeer durante este período también se vieron influenciadas por la obra de Pieter de Hooch , destacado pintor de género en Delft en aquel entonces. De Hooch era un maestro en el uso de la perspectiva para crear escenas interiores o de patios luminosos donde las figuras se encontraban cómodamente colocadas.

Aunque no existen documentos que vinculen a Johannes Vermeer y de Hooch, es muy probable que ambos artistas mantuvieran una estrecha relación durante este período, ya que los temas y el estilo de sus pinturas eran bastante similares. La Vista de las casas de Delft (c. 1658; también conocida como La callejuela) de Vermeer es una de estas obras: al igual que en las escenas de patio de de Hooch, Vermeer representó un mundo de tranquilidad doméstica, donde mujeres y niños se desenvuelven en la tranquilidad de sus hogares.

En el apogeo de su período creativo

A partir de finales de la década de 1650 y a lo largo de aproximadamente una década —un período de productividad notablemente corto dada su enorme reputación—, Johannes Vermeer creó muchas de sus pinturas más famosas , la mayoría de ellas escenas de interiores. Ningún otro artista holandés contemporáneo creó escenas con tanta luminosidad y pureza de color, y ninguna obra de otro pintor estuvo imbuida de una sensación comparable de atemporalidad y dignidad humana.

Al alcanzar la cima de su carrera artística, el artista fue finalmente honrado y reconocido en su ciudad natal, Delft. Fue nombrado director del gremio de pintores en 1662. Aunque no se conocen encargos de pinturas de Vermeer, parece que durante este período vendió principalmente sus obras a un pequeño grupo de mecenas de Delft.

Por ejemplo, más de dos décadas después de la muerte de Vermeer, se vendieron no menos de 21 de sus pinturas del patrimonio de Jacob Dissius , un coleccionista de Delft.

La obra de Jan Vermeer: ​​temas y motivos

En la cúspide de su carrera, Vermeer se centró en pinturas a mujeres leyendo o escribiendo cartas, tocando instrumentos musicales o adornadas con joyas. En estos temas, buscó constantemente maneras de expresar una sensación de armonía interior en la vida cotidiana , principalmente en el espacio privado.

En pinturas como “Mujer joven con jarra de agua en la ventana (c. 1662)” , “Dama joven con collar de perlas” (c. 1662/64) y “Mujer de azul leyendo una carta” (c. 1663), utilizó las leyes de la perspectiva y la colocación de objetos individuales (sillas, mesas, paredes, mapas, marcos de ventanas) para crear una sensación del orden subyacente de la naturaleza .

cuidadosamente seleccionados por Vermeer nunca se colocan al azar ; sus posiciones, proporciones, colores y texturas interactúan con sus figuras. La luz radiante juega en estas pinturas, conectando aún más los elementos.

La fuerza emocional "Vista de Delft" de Vermeer (imagen superior en el artículo) también reside en su capacidad para transformar una escena del mundo físico en una expresión visual armoniosa y atemporal. En esta obra maestra, el pintor representó Delft desde el otro lado del puerto, donde se descargaban barcos de carga tras navegar por vías navegables interiores.

Más allá del friso sombrío de las venerables murallas defensivas de Delft y sus imponentes puertas, la brillante luz del sol ilumina la torre de la Nieuwe Kerk, lugar de sepultura de los Príncipes de Orange y centro simbólico de la ciudad. Más allá del uso de la luz, la intensidad de la pintura también reside en su gran escala y la tangible ilusión de realidad la sugerente manera de Vermeer de yuxtaponer pequeños puntos de color sin modular con pinceladas; empleó una técnica similar para sugerir el reflejo del agua en los costados de los barcos.

Aunque se inspiró en la observación de la vida cotidiana, Vermeer siguió siendo en el fondo un pintor histórico que buscaba ideas morales y filosóficas abstractas . Esta cualidad es particularmente evidente en "El pesador de perlas" (véase la imagen superior).

En esta notable imagen, una mujer se encuentra serenamente ante una mesa con un joyero adornado con hilos de oro y perlas, esperando a que las escamas de su mano se asienten. Si bien la tenue luz que entra en la habitación y las refinadas texturas de las joyas y la chaqueta ribeteada de piel se representan con gran realismo, la pintura del Juicio Final en la pared del fondo sugiere que el artista concibió la escena alegóricamente.

Mientras la mujer permanece de pie junto al joyero y la escena de la corte, su expresión facial tranquila sugiere una comprensión: debe mantener el equilibrio en su propia vida al no permitir que los tesoros mundanos fugaces superen las preocupaciones espirituales duraderas.

Sorprendentemente, se sabe poco sobre la actitud de Johannes Vermeer hacia su rol como artista. Sin embargo, el marco filosófico de su aproximación a su oficio quizás pueda extraerse de otra obra de este período, "El arte de la pintura" (véase la ilustración superior). Con un gran telón descorriéndose, como si revelara un cuadro viviente, Vermeer anunció su intención alegórica para esta obra de gran tamaño e imponente.

La escena representa a una dama elegantemente vestida, una representación de la figura alegórica de Clío , la musa de la historia, reconocible por sus atributos: una corona de laurel que simboliza el honor y la gloria, la trompeta de la fama y un gran libro que simboliza la historia. Johannes Vermeer yuxtapuso a Clío con un gran mapa mural de los Países Bajos para demostrar que, gracias a su conocimiento histórico y su capacidad para pintar temas sublimes, el artista había dado fama a su ciudad natal y a su país.

Este cuadro era tan importante para Vermeer que su viuda intentó ocultárselo a los acreedores, incluso cuando la familia estaba en la indigencia.

Técnicas de pintura y métodos de trabajo de Vermeer

Uso incomparable de la luz

Quizás la característica más famosa de las grandes pinturas de Vermeer sea su luminosidad . Vermeer, como ningún otro artista, podía capturar la luz sobre los objetos, y esta habilidad le dio fama mundial. Las telas de sus pinturas brillan y las sombras en la pared son tan realistas como uno pueda imaginar. El pintor utilizó la luz con maestría para guiar la mirada.

Las investigaciones técnicas han demostrado que Vermeer generalmente aplicaba una capa base de color gris u ocre a su lienzo o soporte de panel para crear las armonías de color de su composición.

Era muy consciente de los efectos ópticos del color y creaba efectos translúcidos aplicando finas veladuras a estas capas base o a las capas opacas de color que definían sus formas. Sus obras también parecen estar impregnadas de luz, ya que utilizaba pequeños puntos de color sin modular (una técnica puntillista ), como en los edificios y el agua mencionados anteriormente de «Vista de Delft» , y en los objetos en primer plano de otras obras, como el pan crujiente de «Lechera con jarra» y los extremos de la silla de «Muchacha con sombrero rojo» (c. 1665/66).

Profundidad y tridimensionalidad

Vermeer también fue un maestro en la creación de profundidad , por ejemplo, definiendo sutilmente los contornos. También jugó con vistas parcialmente oscurecidas —hacia un pasillo o a través de una cortina abierta— para realzar la ilusión de espacio tridimensional y, al mismo tiempo, despertar la curiosidad del espectador, incitándonos a preguntarnos: ¿Qué sucede ahí, fuera de la vista?

Colores vibrantes

Aunque no era un hombre adinerado, Vermeer no escatimó en materiales de pintura. Por ejemplo, utilizó un pigmento de lapislázuli molido —una piedra semipreciosa muy cara que debía transportarse desde Afganistán a los Países Bajos en el siglo XVII— para crear su propia pintura azul.

Los colores vibrantes aún brillan con intensidad cuando los miramos hoy, cientos de años después de que los pintó.

Vermeer permitió que los colores resonaran en toda la pintura para crear una sensación armoniosa de unidad. Observe, por ejemplo, el azul de la ropa del lector de cartas, que reaparece en las sillas, la pesa en forma de pera bajo el mapa en la pared, e incluso en las zonas de sombra.

En la época de Vermeer no existían tubos de pintura, y él tenía que mezclar aceite, un aglutinante y pigmentos finamente molidos para crear sus propias pinturas.

Luces difusas a la cámara oscura

Los destellos difusos logrados por Vermeer son comparables a los de una cámara oscura , un fascinante dispositivo óptico con un funcionamiento similar al de una cámara de cajón. La cámara oscura del siglo XVII producía una imagen al permitir que los rayos de luz entraran en una caja a través de una pequeña abertura, a veces equipada con un tubo de enfoque y una lente.

Debido a la limitada profundidad de campo del dispositivo, la imagen proyectada presenta numerosas áreas borrosas rodeadas de luces difusas. Al parecer, Vermeer estaba fascinado por estos efectos ópticos y los utilizó para dotar a sus pinturas de una mayor sensación de inmediatez.

Algunos han argumentado que Vermeer utilizó el dispositivo para planificar sus composiciones, e incluso que calcó las imágenes proyectadas sobre el cristal esmerilado de la parte posterior de la cámara oscura. Sin embargo, tal proceso de trabajo es muy improbable.

Construcciones de perspectiva tradicionales

Vermeer se basó principalmente en construcciones de perspectiva tradicionales para crear su sensación de espacio. Por ejemplo, se ha descubierto que en muchas de sus escenas de género de interiores, hay pequeños agujeros en el punto de fuga de su sistema de perspectiva. Hilos unidos a los alfileres lo habrían guiado en la construcción de las líneas ortogonales que definían las depresiones de pisos, ventanas y paredes.

Vermeer colocó cuidadosamente este punto de fuga para enfatizar el principal elemento compositivo de la pintura.

En “La pesadora de perlas”, por ejemplo, aparece en la punta del dedo de la mano que sostiene la balanza, reforzando así su mensaje filosófico general.

Composiciones teatrales de situaciones cotidianas

Vermeer componía sus escenas como si estuviera construyendo un decorado de teatro en el que colocaría a sus sujetos, ubicando meticulosamente elementos como muebles, utensilios de cocina, comida y figuras humanas: a cada objeto y persona en estas sofisticadas composiciones se le asigna su propia importancia y papel.

Vermeer logró cautivar nuestra atención de esta manera, tanto para quienes han estudiado sus pinturas con frecuencia como para quienes las ven por primera vez. Detalles como azulejos en una esquina o un clavo en una pared blanca a veces solo aparecen tardíamente.

Ética de trabajo meticulosa y búsqueda de la perfección

Johannes Vermeer adaptó y actualizó continuamente sus composiciones. Los exámenes de rayos X de sus pinturas han revelado objetos ocultos bajo gruesas capas de pintura. Estos originalmente formaban parte de la composición, como un cesto de ropa sucia en «La lechera», donde ahora se encuentra un escabel.

Esta búsqueda de la perfección es un rasgo característico del artista. Este amor por el detalle ayuda a explicar el reducido alcance cuantitativo de la producción creativa de Vermeer, incluso durante su período más prolífico. Debió de trabajar con lentitud y considerando cuidadosamente la naturaleza de su composición y cómo quería ejecutarla.

Trabajo tardío y vejez

En 1670, Vermeer fue elegido de nuevo jefe del gremio de pintores de Delft. El estilo posterior de Vermeer posee un carácter más claro y una mayor claridad atmosférica que en sus pinturas de la década de 1660. Los tonos y colores cuidadosamente modulados que empleó en estas primeras obras dieron paso, alrededor de 1670, a una técnica más directa e incluso más audaz.

Por ejemplo, utilizó áreas de color claramente definidas y ritmos angulares para transmitir una sensación de energía emocional en sus pinturas, como en “El escritor de cartas y la criada” (1670/1671) y “El guitarrista” (alrededor de 1672).

La fortuna del artista se deterioró drásticamente hacia el final de su vida, principalmente debido al desastroso clima económico en Holanda tras la invasión de las tropas francesas en 1672.

Cuando Vermeer murió en 1675, dejó una esposa, 11 hijos y enormes deudas.

El legado de Vermeer

La fama de Vermeer no fue muy grande durante su vida, principalmente porque sus pinturas eran coleccionadas por mecenas locales y porque su obra era relativamente escasa. Tras su muerte, sus pinturas continuaron siendo admiradas por un pequeño grupo de entendidos, principalmente en Delft y Ámsterdam. Hasta el siglo XIX, varias pinturas de Vermeer se atribuyeron a otros artistas holandeses más prolíficos, como De Hooch.

Sin embargo, cuando el crítico de arte francés Étiene-Joseph-Théophile Thoré (que escribía bajo el seudónimo de William Bürger) publicó sus entusiastas descripciones de las pinturas de Vermeer en 1866, la pasión por la obra del artista alcanzó un público más amplio.

A principios del siglo XX , coleccionistas privados y museos públicos buscaron activamente adquirir sus raras pinturas, lo que provocó un aumento vertiginoso de los precios de sus obras. Esta situación fomentó la producción de falsificaciones, las más notorias de las cuales fueron las pintadas por Han van Meegeren en la década de 1930.

impulsada en parte por una exposición de su obra celebrada entre 1995 y 1996 en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C. y en el Mauritshuis "La joven de la perla" (c. 1665), que apareció en el material promocional de la Galería Nacional y se convirtió rápidamente en una de las obras más famosas de Vermeer a principios del siglo XXI.

Desde el 10 de febrero de 2023, el Rijksmuseum exposición de gran éxito con 28 pinturas de Vermeer procedentes de todo el mundo . El enorme interés suscitado por la exposición demuestra la popularidad de Vermeer y el lugar que ocupa en la historia del arte siglos después de su muerte.

El gran pintor holandés Johannes Vermeer es la célebre estrella de la mayor exposición de su obra hasta la fecha en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Entre las pinturas expuestas se encuentran " La lechera , "Vista de Delft" y "La joven de la perla ", en una colección única que el propio Vermeer nunca vio.

“A medida que recorro la exposición, me resulta cada vez más claro cómo Vermeer crea la ilusión perfecta”

dice Taco Dibbits, director del Rijksmuseum,

“Te sientes como si estuvieras en esa habitación, junto con la pintura, con la persona representada”. (AFP)

el aprecio por la obra notablemente pequeña del artista no ha hecho más que aumentar a lo largo de las generaciones. Vermeer halló entre los accidentes de la naturaleza un reino impregnado de armonía y orden, y al darle forma visual, reveló la poesía que existe en los fugaces instantes de la existencia humana.

Rara vez explicaba el significado preciso de sus pinturas, prefiriendo en cambio que cada espectador reflexionara sobre su significado. Como resultado, sus obras maestras siguen cautivando al público contemporáneo, tal como debieron cautivar a los de Delft en el siglo XVII.

Otras contribuciones en vídeo destacables sobre el maestro artista:

En este vídeo vemos las obras más famosas de Vermeer:

Una mirada histórica al arte de " La lechera " de Johannes Vermeer, actualmente en exhibición en el Rijksmuseum de Ámsterdam, Países Bajos:

Más recursos de Internet:

• El Met – Johannes Vermeer (1632-1675)
• Galería Nacional de Arte – ¿Quién es Vermeer?

La influencia de Vermeer en la historia del arte y el arte moderno

Jan Vermeer puede considerarse uno de los mayores impulsores del arte moderno. Sus obras influyeron en artistas tanto del siglo XX como de la actualidad. Aunque Vermeer recibió poco reconocimiento durante su vida, su influencia fue sin duda reconocida posteriormente. Sus obras fueron únicas e inspiraron a muchos artistas.

Sus colores sutiles, su aparente simplicidad y su realismo fotográfico fueron una revelación para muchos artistas del siglo XX, como Pablo Picasso y Henri Matisse . Además, la influencia de Vermeer en el arte moderno ha animado a los artistas contemporáneos a incorporar diferentes técnicas y estilos en su obra. Sus pinturas han desafiado a los artistas posteriores a pensar y pintar sobre el mundo de nuevas maneras, en lugar de centrarse únicamente en los aspectos técnicos de la pintura.

Sus obras también han influido en otras formas de arte: la influencia de Vermeer se puede encontrar en la música y la literatura.

Hasta el día de hoy, muestra a los artistas cómo combinar la luz y el color de forma casi simbiótica para crear imágenes impactantes y realistas. Sus obras se caracterizan por una precisión impresionante que ha sido una gran fuente de inspiración para muchos otros artistas. Sus técnicas e ideas han sido imitadas y desarrolladas por numerosos artistas, por lo que siguen siendo populares entre muchos artistas hoy en día.

Su influencia es innegable y sus obras son una adición única al mundo del arte.