La carrera de David Hockney: mucho más que un humor escandaloso

David Hockney figura actualmente como el vigésimo mejor artista del mundo lista de clasificación independiente de ArtFacts

En 2012, cuando Hockney cumplió 75 años, todavía ocupaba el puesto número 36; sin embargo, el pintor británico fue celebrado con tantas exposiciones de sus obras que en ese momento también se le contaba entre los tres y cinco artistas más importantes del mundo.

Las celebraciones por su 80 cumpleaños en 2017 superaron incluso esto.

Incluso las clasificaciones de los nombres más importantes pueden cambiar significativamente; sin embargo, cualquiera que haya figurado entre los 100 mejores artistas de un ranking mundial durante un período prolongado es, sin duda, uno de los artistas más destacados del mundo que influyen significativamente en el mundo del arte. Como David Hockney , quien se ha mantenido constantemente en los primeros puestos de todos los rankings de arte contemporáneo desde aproximadamente 1965.

La primera parte de esta serie sobre el artista de renombre mundial demostró y explicó que David Hockney no es, ni nunca fue, un pintor de Pop Art, a pesar de que este estilo se le atribuye con frecuencia. La siguiente sección se centrará en la carrera de David Hockney, lo que, una vez más, ofrece la oportunidad de disipar las representaciones generalizadas y simplistas de este influyente artista

David Hockney no se forjó en Estados Unidos; ya era famoso en el mundo artístico cuando llegó allí. Hockney no solo pintó cuadros hermosos, sino que trabajó con gran éxito en una amplia variedad de disciplinas artísticas

Arte nuevo, todavía en la vieja Inglaterra

En 1959, David Hockney solicitó ingreso en el Royal College of Art de Londres con la esperanza de transformar su formación puramente académica en Bradford en el desarrollo de su propio estilo. Como cualquier joven de espíritu libre, Hockney encontró fascinante el colorido y desenfadado arte pop estadounidense y tuvo muy buenas razones personales para distanciarse de él, encaminándose al ámbito de la crítica social irónica pero a la vez vitalista.

Sin embargo, la seriedad con la que llevó a cabo su trabajo artístico no le permitió entregarse tan voluntariamente al bello y colorido mundo del arte del último Pop Art estadounidense, como algunas representaciones parecen sugerir.

Hockney tuvo que hacer primero un largo desvío hacia el viejo mundo: hasta finalizar sus estudios en 1962, Hockney trabajó con determinación y constancia en su propio lenguaje visual; quería encontrar o inventar una expresión completamente nueva entre la abstracción y la representación figurativa.

Ya había experimentado sus primeros conflictos con el tema en Bradford, pero aún no lo había abandonado durante su estancia allí. En el RCA, al principio se centró exclusivamente en ver y enfatizar la imagen como superficie. Esta sorprendente característica de la obra temprana de Hockney en el Royal College of Art (hola, Sandra Blow, véase Hockney Parte 1) fue una estrategia pictórica muy deliberada que se convertiría en un paso decisivo para el artista.

Estudiar en el corazón de la escena cultural y artística de Londres, y trabajar y discutir con otros estudiantes que estaban igualmente interesados ​​en nuevos caminos y medios de expresión, ofreció a Hockney amplias oportunidades de interactuar con los diversos movimientos artísticos de su tiempo y desarrollar su propio lenguaje visual en este proceso de aprendizaje.

El primer acercamiento a la abstracción fueron las expresivas pinturas en cartón de estilo abstracto, como “Growing Discontent” (1959, imagen no disponible), aunque el propio título ya indicaba la aversión de Hockney a un estilo de pintura meramente gestual y expresivo al estilo de Alan Davie y Jackson Pollock .

Hockney abandonó estas pinturas abstractas después de unos meses porque se dio cuenta de que para él el camino hacia la modernidad no podía consistir en ponerse una nueva camisa de fuerza estilística llamada Pop Art en lugar de las restricciones que había eliminado con tanto esfuerzo mediante las rígidas reglas del tradicional “arte real”.

Hockney buscaba algo más: una voz personal; un equilibrio elegante y novedoso entre la abstracción y la figuración, algo que no se encontraba en el arte vanguardista de los estadounidenses de moda. Por ello, Hockney prefirió inspirarse de nuevo en artistas europeos, muchos de los cuales llevaban tiempo intentando mediar entre la abstracción y la figuración.

Durante sus visitas a exposiciones en Londres en la primavera de 1960, descubrió a Francis Bacon (Hola, Sandra Blow), cuya pintura figurativa se convirtió en la primera fuente de inspiración importante de Hockney.

Además, Hockney se inspiró en el aparentemente primitivo "Art Brut" de Jean Dubuffet Brassaï el primer fotógrafo de grafitis , quien ya había recopilado imágenes de murales parisinos en la década de 1930.

La idea le trajo a Dubuffet un éxito rotundo; durante el período documenta de Dubuffet (tres apariciones consecutivas: 1959, 1964, 1968), sus cuadros-figuras enmarcados por escritura primitiva o compuestos de letras vivas ( “Vertu virtuelle” ; “Esperanzas y opciones” ) fueron vistos como “anarquía en su forma más hermosa” prácticamente en todas partes donde se pudiera encontrar arte moderno.

Para Hockney, estos fueron impulsos cruciales; sentía una fuerte conexión con las representaciones de Dubuffet, que se encontraban en la línea entre el arte infantil y la alta cultura del antiguo Egipto , y veía en este "estilo anónimo" ("Davis Hockney" de David Hockney 1976, pág. 67) un modelo esencial para su trabajo durante su estancia en el Royal College.

nunca debería perder lo que una estudiante de Seúl (enfatizada por ella misma) llama “tendencia europea emocional o centrada en las figuras” en su disertación de filosofía en la Universidad Ludwig Maximilian de Munich sobre los primeros trabajos de David Hockney,

Tal vez fue precisamente esta insistencia en las tradiciones artísticas europeas; la reticencia de Hockney, como la de sus colegas británicos, a adoptar inmediatamente estilos americanos innovadores para liberarse de la tradición artística europea, lo que condujo a una obra de "arte global" capaz de inspirar a gente de todos los continentes.

El buen arte joven incluso tiene una oportunidad en la vieja Inglaterra

Hacia el final de sus estudios en el Royal College of Art, Hockney desarrolló su primer estilo de expresión único, y con esto se hizo famoso muy temprano y muy rápidamente en su país natal:

En 1960, el talentoso Sr. Hockney fue invitado a la exposición anual del "Grupo de Londres" . El Grupo de Londres es una asociación de artistas londinenses que se mantiene activa hasta la fecha, fundada en 1913 como una oposición vanguardista a la conservadora Real Academia de las Artes; su objetivo declarado es "promover el conocimiento público del arte visual contemporáneo mediante exposiciones anuales".

La Real Academia de las Artes de Londres es la institución artística de Gran Bretaña dedicada a la promoción de la pintura, la escultura y la arquitectura desde su fundación por Jorge III, por encargo del monarca. Jorge III reinó de 1760 a 1820; a partir de 1765, se dice que mostró los primeros síntomas de la enfermedad mental que ensombreció la segunda mitad de su reinado. La Real Academia de las Artes fue fundada en 1768…

La venerable Real Academia probablemente no estaba bendecida con el espíritu más refrescante mucho antes de la época del Brexit; la idea de mostrar arte joven de estudiantes universitarios (incluso homosexuales) como David Hockney en una de sus célebres exposiciones de verano era simplemente impensable.

Hasta qué punto uno se encuentra muy atrasado respecto de sus tiempos como RA (Real Académico) se puede ver, por ejemplo, en el hecho de que el propio David Hockney fue elegido miembro de la Real Academia de las Artes de Londres recién en 1991, cuando tenía 54 años y ya era un artista famoso desde hacía 30 años.

Este informe del “Guardian” Grayson Perry, quien a sus 58 años ya no es exactamente joven , salvó la exposición de verano de 2018 (el 250 aniversario de la Academia) de su “estúpido estado de cosas”, según el periodista del Guardian, al presentar al sorprendido establishment artístico británico una salvaje colección de arte basura.

En cambio, el Grupo de Londres se deleita en sus exposiciones, tanto entonces como ahora, con la diversidad estilística que el conjunto de jóvenes artistas que no fueron notados o rechazados por la Real Academia de las Artes aportan a la exposición anual.

David Hockney volvió a exponer poco después, y esta exposición de Jóvenes Contemporáneos de 1961 en las RBA Galleries de Londres se hizo famosa por hacer famosos de un plumazo a los estudiantes del Royal College Patrick Caulfield , Derek Boshier , Allen Jones , David Hockney, RB Kitaj y Peter Phillips .

“Jóvenes Contemporáneos” “Nuevos Contemporáneos” en 1974 también una organización británica que busca apoyar a artistas emergentes al inicio de sus carreras. Fue fundada por Carel Weight, profesor de David Hockney.

En 1949 tuvo la idea de utilizar la apenas utilizada galería de la Royal Society of British Artists (RBA, otra asociación de artistas británicos fundada en 1823 como contrapeso a la adormecida Royal Academy) en Suffolk Street de Londres para exponer obras de estudiantes .

Dicho y hecho, los fundadores acordaron seleccionar a los “Jóvenes Contemporáneos” mediante un proceso tan imparcial y democrático que casi podría calificarse de antibritánico: el artista se presenta anónimamente con su obra de arte; los jurados no conocen la escuela, la edad ni la nacionalidad del participante durante todo el proceso de selección.

En la década transcurrida desde su fundación, la exposición anual Jóvenes Contemporáneos ya se había labrado una reputación por mostrar el arte más prometedor del momento. A principios de la década de 1960, la exposición Jóvenes Contemporáneos se había convertido en una visita obligada para los amantes del arte contemporáneo, y los ciudadanos del mundo con afición por el arte moderno no se perdían el espectáculo.

La exposición de 1961 fue un éxito rotundo, especialmente para los entendidos en arte, quienes se aferraron con entusiasmo al nuevo arte pop británico y, sobre todo, a las primeras obras de David Hockney. Estos emocionantes descubrimientos se debatieron y circularon, y David Hockney se convirtió gradualmente en tema de conversación en la escena artística de vanguardia.

Un galerista encuentra a su artista

Esta exposición de Jóvenes Contemporáneos de 1961 también presentó a John Kasmin , un joven rebelde del East End de Londres que había sido recientemente expulsado de Nueva Zelanda por la policía (por ser bohemio) y que había estado trabajando en galerías de Londres desde su regreso.

"Doll Boy" del estudiante desconocido David Hockney (ahora en la colección de la Tate) en la Exposición de Jóvenes Contemporáneos de 1961 Galería Marlborough en New London. Después del trabajo, Kasmin invitó a Hockney a tomar el té, le cayó bien y la quería tanto que estaba dispuesto a enfrentarse a su jefe y cofundador de Marlborough Fine Art, Harry Fischer.

De todos modos, a Kasmin no le permitieron elegir según su propio gusto/instinto en la galería, por lo que renunció (para decepción de los fundadores de Marlborough, que ya habían reconocido su potencial) y se llevó con él al cliente más importante de la galería.

Este Sheridan Dufferin, cuyo nombre completo era Sheridan Frederick Terence Hamilton-Temple-Blackwood, quinto marqués de Dufferin y Ava, era, en consecuencia, rico. Dufferin financió la fundación de la Galería Kasmin, que ocupaba un local blanco, inusualmente amplio y vacío en la calle New Bond de Londres, y albergó la primera exposición individual de David Hockney en 1963.

Hockney inmortalizó a Kasmin en 1963 en el cuadro “Play within a Play” ( curiator.com/art/david-hockney/play-within-a-play ) “como un prisionero entre la vida y el arte” , por lo que probablemente ya sabía entonces qué afortunado hallazgo era un galerista como John Kasmin, que creía en el arte y no quería sólo vender cosas.

La primera exposición individual de Hockney en la Galería Kasmin de Londres tuvo una gran acogida; David Hockney se convirtió en una estrella del venerable Royal College of Art. El joven, antes descrito como excepcionalmente tímido en los círculos de la realeza, mostraba ahora sus primeros signos de rebeldía (aunque sigue siendo descrito como atractivo, encantador y, en absoluto, calculador).

En medio de toda esta fama temprana se encontraba el título universitario de Hockney, que aparentemente no completó en su totalidad: según John Kasmin , se negó a escribir un ensayo o algo similar, por lo que no recibió la medalla de oro habitual y en su lugar se compró una chaqueta de lamé dorado.

Presumiblemente, a Hockney le interesaba más el «Premio de Dibujo» que ganó en su último año. Este consistía en un premio de 100 libras, que Hockney gastó rápidamente en un viaje a Nueva York, Berlín y Egipto para inspirarse en sus ilustraciones.

Se dice que Hockney regresó de este viaje rubio brillante, con más confianza en sí mismo y más extravagante. Al igual que muchos de sus colegas artistas, no le gustaba especialmente el clima social del Reino Unido de la época: los homosexuales aún estaban sujetos a cadena perpetua según el código penal, aunque ya no eran procesados ​​desde el Informe Wolfenden de 1957.

Según Kasmin, Kitaj, Blow y otros que ya habían viajado alrededor del mundo, había arte más apasionante “ahí afuera” que las pinturas de papel tapiz de John Minton, los paisajes en mosaico de Julian Trevelyan y los “horribles dibujitos” ( cita de Kasmin) de Lucian Freud.

En general, Hockney encontró que el clima era demasiado malo, el país demasiado nacionalista (hola Brexit) y mucha gente demasiado estrecha de miras y gruñona.

Fuera de los confines

En toda nación orgullosa con una historia gloriosa, acecha la tentación de tratar al extranjero y a lo diferente con irrespeto. Cuanto más estrecho es el horizonte, más se percibe como diferente; los artistas independientes, cuando su obra se aparta de los gustos mayoritarios, y las personas con orientaciones sexuales inusuales, aún más.

Las sociedades modernas y civilizadas combaten tales tendencias; los librepensadores no comprometidos siempre han tendido a unirse a las naciones donde esta lucha se libra con más éxito en un momento dado –para la mayoría de los artistas jóvenes de la Inglaterra de la posguerra, las grandes flechas rojas apuntaban hacia Estados Unidos.

Cinco de los seis compañeros de estudios que se habían hecho conocidos junto con Hockney en la exposición Jóvenes Contemporáneos de 1961 acabaron más o menos rápidamente en Estados Unidos tras graduarse en el Royal College of Art; sólo dos de ellos regresaron posteriormente definitivamente a Inglaterra:

Ridley Scott recibió una beca de viaje de un año a Estados Unidos en 1963 y trabajó dos años en Time Life, Inc. con los documentalistas Richard Leacock y D.A. Pennebaker. En 1965, regresó a Inglaterra para completar un curso de diseño de producción en la BBC, lo que le permitió acceder al programa de formación de directores.

En 1968 abandonó la BBC para fundar Ridley Scott Associates, convirtiéndola en una de las productoras de cine publicitario más exitosas de Europa y desde allí lanzando su reconocida carrera como director.

Allen Jones y Peter Phillips vivieron en Nueva York de 1964 a 1966 y viajaron extensamente por Estados Unidos. Jones se trasladó posteriormente a Alemania (enseñó en academias de arte de Hamburgo y Berlín, participó en la Documenta III en 1964 y en la Documenta 4 de Kassel en 1968) antes de regresar a su Francia natal. Peter Phillips mantuvo una activa trayectoria internacional, impartiendo clases en Birmingham y Hamburgo, exponiendo su obra por todo el mundo y viajando hasta África y Australia. Actualmente reside en Mallorca.

Después de graduarse, Derek Boshier

RB Kitaj , el único estadounidense nacido en Estados Unidos enseñó dibujo en la Ealing School of Art, la Camberwell School of Art y la Slade School of Fine Art de Londres hasta 1967, participó en la Documenta III de Kassel y en la Bienal de Venecia de 1964, y sólo regresó a Estados Unidos en 1965, tras nueve años de exilio, con motivo de su primera exposición americana en la Marlborough-Gerson Gallery de Nueva York.

Hockney escapó en febrero de 1964: durante su primer gran viaje al mundo, conoció a Henry Geldzahler, el entonces curador del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, conocido por su compromiso con los artistas jóvenes y que había animado a Hockney a mudarse a Los Ángeles.

Ya se estaba esperando a talentos como Hockney: ese mismo año Hockney realizó su primera y muy exitosa exposición individual en Estados Unidos en la Alan Gallery y en el verano de 1964 obtuvo un puesto de profesor en la Universidad de Iowa.

el hogar adoptivo de Hockney en Estados Unidos se convirtió en Los Ángeles. Quedó cautivado por la soleada California ; no es de extrañar, si consideramos brevemente dónde había vivido David Hockney anteriormente:

La ciudad natal de Hockney , Bradford, se encontraba en un punto bajo desde el punto de vista ecológico y arquitectónico en los años 50 y 60, tras un pasado aún más ignominioso: en el siglo XIX, Bradford había pasado de ser una ciudad de mercado rural con unos pocos miles de habitantes a una ciudad industrial con más de 50 minas de carbón y la "capital mundial de la lana".

El paisaje urbano presentaba viviendas precarias para trabajadores, cuarteles militares y fábricas textiles cuyas 200 chimeneas expulsaban constantemente humo negro y sulfuroso. Alrededor de 1850, Bradford era la ciudad más sucia de Inglaterra, con frecuentes casos de cólera y tifus, y la esperanza de vida media de sus habitantes era de dieciocho años.

Bradford sufrió pocos daños durante la Segunda Guerra Mundial, pero la reestructuración y el reurbanización por parte de las autoridades, llenos de fallas estéticas, pueden haber destruido el rostro histórico de Bradford aún más a fondo.

Cuando David Hockney crecía allí, Bradford consistía en edificios feos y calles caóticas llenas de obras en construcción sin seguridad y bloques de viviendas uniformes con campos de fútbol sin un rastro de vegetación en el medio; las casas eran de color marrón negruzco y feas y el aire todavía era gris.

John Kasmin lo visitaba una o dos veces al año en los EE.UU.; una fotografía de ambos en 1965 fue tomada en los EE.UU. cuando visitaban una exposición de la nueva escena pictórica londinense en el Walker Art Center de Minneapolis con conocidos artistas de Inglaterra.

Kasmin creció en circunstancias relativamente idílicas en el barrio londinense de Whitechapel, frente a Bradford, y desde los 17 años pasó seis años inmerso en la "pura campiña" de Nueva Zelanda. En este contexto, es comprensible que el galerista recuerde con cierta ironía lo enamorado que estaba Hockney de cada detalle del relajado estilo de vida californiano; Hockney incluso lo habría llevado a Disneylandia..

Desde la perspectiva de Hockney, sin embargo, California es la opción más lógica del mundo: arte (pop) libre e inspirador en lugar de restricciones reales, sol en lugar de llovizna, amplios horizontes en lugar de estrechos cañones callejeros, piscinas en la vegetación en lugar de campos deportivos cubiertos de grava, niños alegres y bien formados (con torsos desnudos) en lugar de una masculinidad seria con trajes y corbatas... y que una abundancia desbordante de los últimos aparatos técnicos llamada Disneylandia fascine a un artista moderno debería ser lo último que sorprenda al dueño de una galería que trabaje en este campo.

Primera floración bajo el sol de California

El momento de su partida hacia la libertad fue también el momento en el que David Hockney encontró su propio lenguaje visual : formas claras y frescas, enfoque objetivo, enfoque en el procesamiento de nuevas experiencias, que fueron cuidadosamente capturadas con la igualmente nueva cámara Polaroid para la reflexión.

Para Hockney, el medio pictórico ideal para esta fase era la recién inventada pintura acrílica; los “Cuadros de ducha” , “Cuadros de piscina” y “Escenas domésticas” impresionan no sólo por sus colores y expresividad, sino también por su adopción de los últimos avances que la época tenía para ofrecer.

Los últimos avances tecnológicos traducidos en arte, en un lenguaje individual con grandes colores y motivos claros, sin enredos ni mensajes académicos, intelectuales o psicológicos incomprensibles: esta combinación conmovió y encantó a muchos amantes del arte moderno y rápidamente también a personas que simplemente buscaban arte bello y/o arte de moda con gran utilidad y valor decorativo.

Hockney realmente despegó en California; y ese fue el comienzo de una vida artística cuya intensidad puede marear al espectador:

Entre 1965 y 1967, Hockney recibió y cumplió funciones docentes en la Universidad de Colorado en Boulder y en la Universidad de California, Los Ángeles y Berkeley, San Francisco.

En 1966, Hockney creó su primera escenografía para el Royal Court Theatre de Londres y la obra surrealista "Ubu Roi" de Alfred Jarry, lo que marcó el inicio de numerosas escenografías. Hoy en día, David Hockney es conocido por muchos contemporáneos "solo" como pintor, pero su actividad como escenógrafo, fotógrafo y artista gráfico que estas artes, con razón, también lo reivindican.

En 1968, Hockney pasó el verano en su casa de Inglaterra y viajó con amigos a París, el sur de Francia, Cornualles e Irlanda del Norte. En otoño, acompañó a su aún relativamente nuevo amor, el fotógrafo artístico californiano Peter Schlesinger, a Londres, donde Schlesinger tenía intención de matricularse en la Escuela de Arte Slade.

Luego fue a Saint-Tropez, donde visitó “Le Nid du Duc” y tomó numerosas fotografías: la casa de ensueño del director, guionista y productor “Tony” Richardson (4 Oscars en 1964 por “Tom Jones”, Hotel New Hampshire, El fantasma de la ópera y ff.) más tarde desempeñaría un papel en su arte.

“Paralelamente” pintó algunos de sus cuadros más famosos ( Christopher Isherwood y Don Bachardy ; los coleccionistas estadounidenses Fred y Marcia Weisman ) y participó en la documenta 4 de Kassel.

Una carrera maratónica con ráfagas de velocidad interminables

Este ritmo continuó: en 1969, Hockney aceptó una cátedra visitante en la Academia de Bellas Artes de Hamburgo; realizó repetidamente viajes más largos, que combinó con trabajo, experimentos y estancias prolongadas en el respectivo rincón del mundo.

Por ejemplo, en 1975 pasó una larga temporada en París con sus padres, quienes también fueron retratados profusamente. También en 1975, Hockney incorporó la investigación que había realizado a principios de la década de 1960 para el ciclo de grabados de "El progreso del libertino" de William Hogarth en la escenografía del Festival de Ópera de Glyndebourne en East Sussex, donde se representaba "El progreso del libertino" de Stravinsky.

Además, surgieron continuamente ideas artísticas completamente nuevas; por ejemplo, a partir de 1976, las obras de collage fotográfico, cada una compuesta por numerosas imágenes Polaroid. «Veinte Imágenes Fotográficas» y la composición de 63 Polaroids de las hermanas Imogen y Hermiane Cornwall-Jones tuvieron una gran acogida en su momento, representando una vez más un enfoque único frente a las tendencias de moda imperantes.

Hoy en día, estas obras a menudo se presentan como una expresión de la "fase cubista" y se atribuyen a un compromiso tardío con el cubismo y la obra de Picasso ; sin embargo, Hockney ya había comenzado este compromiso en el Royal College of Art.

En 1977, la obra de Hockney se presentó en la documenta 6, en 1978 en la 38ª Bienal de Venecia y en 1979 en la 3ª Bienal de Sídney; en 1978, Hockney diseñó la escenografía de "La flauta mágica" de Mozart en el Festival de Ópera de Glyndebourne en East Sussex.

En 1980, Hockney diseñó la escenografía y el vestuario para un triple homenaje al arte francés de la época de Picasso en la Metropolitan Opera House. La opulenta obra, titulada Parade, comprendía el ballet "Parade" con música de Erik Satie, la ópera "Les mamelles de Tirésias" con libreto de Guillaume Apollinaire y música de Francis Poulenc, y la ópera "L'enfant et les sortilèges" con libreto de Colette y música de Maurice Ravel. En 1981, diseñó otra escenografía triple para la Metropolitan Opera: "La Consagración de la Primavera", "El Rossignol" y "Edipo Rey" de Stravinsky.

A partir de 1982 aparecen nuevos collages Polaroid, aún más polifacéticos (¿aún más cubistas?), un juego con una gran variedad de formatos y principios de composición y orden.

En 1983, Hockney trabajó simultáneamente para la Ópera del Centro Musical de Los Ángeles y la Royal Opera House de Londres, y creó diseños de escenografía para el Teatro Eye and Ear de Nueva York. Para la exposición "Hockney pinta el escenario" de ese mismo año, también rediseñó por completo la escenografía de la ópera "L'enfant et les sortilèges", obra que aún puede admirarse como instalación permanente en el Museo de Arte de Honolulu.

En 1985, Hockney participó en la XIII Bienal de París, y en 1986 participó en PaperArt (1ª Bienal Internacional de Arte de Papel en Düren, Westfalia), ciertamente con nuevas experimentaciones; en 1987 diseñó la escenografía para la ópera de Richard Wagner "Tristán e Isolda" encargada por la Ópera del Music Center de Los Ángeles.

A partir de mediados de la década de 1980, Hockney se sumergió nuevamente en la pintura, esta vez estudiando principalmente a Henri Matisse (y a Pablo Picasso, en repetidas ocasiones).

Pronto algunas innovaciones técnicas estuvieron listas para ser procesadas, y desde finales de los años ochenta, Hockney experimentó con la impresión, fotocopiadoras a color y máquinas de fax, lo que dio como resultado impresiones en cuatro colores, dibujos de fax y gráficos de computadora abstractos, el nuevo cuerpo de trabajo conocido como " Home Made Prints" .

En 1989, David Hockney expuso su obra en la XX Bienal de São Paulo (Brasil) y fue galardonado con el Praemium Imperiale . Esta fue la primera vez que se otorgaba este "Premio Nobel de las Artes"; Hockney compartió el premio en la categoría de pintura con Willem de Kooning (primeros premios en las demás categorías: escultura, Umberto Mastroianni; arquitectura, I.M. Pei; música, Pierre Boulez; teatro/cine, Marcel Carné).

A partir de 1991, Hockney volvió a diseñar escenografías para "Turandot" de Puccini en la Ópera Lírica de Chicago y para "Die Frau ohne Schatten" de Richard Strauss en 1992 en la Royal Opera House de Londres; además, fue admitido como uno de los miembros de la Royal Academy of Arts de Londres en 1991.

En 1994, Hockney diseñó el vestuario y la escenografía para doce arias de ópera en la Ciudad de México, como parte del programa de televisión Operalia de Plácido Domingo. Una vez más, utilizó los últimos avances tecnológicos, construyendo complejas maquetas a escala 1:8 en un proscenio móvil de 1,8 m x 1,2 m, empleando un sistema informático que le permitió programar los efectos de iluminación a voluntad y sincronizarlos con la banda sonora.

En 1995, Hockney participó en la 46ª Bienal de Venecia; en 1997, recibió la Orden Británica de los Compañeros de Honor (una orden del Reino Unido y la Commonwealth que ha honrado logros destacados en diversos campos desde 1917) y fue admitido en la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias.

En 2004, su obra se exhibió simultáneamente en la Bienal de Liverpool y en la Bienal Whitney de Nueva York.

En 2006, después de un estudio exhaustivo de los métodos de los antiguos maestros, se publicó su libro “Conocimiento secreto: redescubriendo las técnicas perdidas de los antiguos maestros”; en 2012, Hockney creó una pintura a gran escala de 176 metros cuadrados para la Ópera Estatal de Viena, que constituyó un punto culminante de la serie de exposiciones “La Cortina de Hierro” como parte del “museo en progreso” en la temporada 2012/2013.

En 2012, Hockney recibió la Orden del Mérito de la Reina (una orden británica por logros militares, científicos, artísticos y literarios sobresalientes), que aceptó, después de haber rechazado el título de Caballero de la Reina en 1990 (véase bbc.com ); también participó en la IV Bienal de Arte Contemporáneo de Madrid; así como en 2015 (a la edad de 78 años) en la V Bienal de Arte Contemporáneo de Tesalónica…

David Hockney cumplió 80 años en 2017 tate.org.uk/whats-on/ ). La Ópera de San Francisco reconstruyó y revivió la escenografía de Hockney para Turandot en 2017, por la que recibió la Medalla de la Ópera de San Francisco.

Este ni siquiera fue el comienzo de una biografía, solo un breve repaso de algunos momentos clave en la vida de Hockney. Además de todos estos viajes, investigación, docencia y experimentación, David Hockney se ha dedicado principalmente al arte; suficiente arte para más de 306 exposiciones individuales y casi 900 exposiciones colectivas ... aún no existen estadísticas oficiales al respecto, pero muchos artistas ciertamente no han alcanzado la cifra de 1000 exposiciones.

La tercera parte de esta serie se centra en el reconocido arte visual de David Hockney, aunque no exclusivamente, ya que artistas de renombre mundial como David Hockney aportan al mundo muchas otras inspiraciones…

Aquí hay una selección de sus obras en Pinterest:

(Debes haber aceptado las cookies para ver el tablero de Pinterest)