La carrera de David Hockney: Mucho más que un humor descaradamente bueno

figura como el vigésimo mejor artista del mundo en la lista de clasificación independiente de ArtFacts

En el 75 cumpleaños de Hockney en 2012, todavía ocupaba el puesto número 36; sin embargo, el pintor británico fue homenajeado con tantas exposiciones de sus obras que en ese momento también se le consideraba entre los tres o cinco artistas más importantes del mundo.

Las celebraciones por su 80 cumpleaños en 2017 superaron incluso esto.

Incluso las clasificaciones de los nombres más importantes pueden cambiar significativamente; sin embargo, cualquiera que se haya mantenido entre los 100 mejores artistas en una clasificación reconocida mundialmente durante un período prolongado es, sin duda, uno de los artistas más destacados del mundo, cuya influencia es significativa en el panorama artístico. Tal es el caso de David Hockney , quien se ha mantenido consistentemente en los primeros puestos de todas las clasificaciones de arte contemporáneo desde aproximadamente 1965.

La primera parte de esta serie sobre el artista de renombre mundial demostró y explicó que David Hockney no es, ni nunca fue, un pintor de Pop Art, aunque este estilo se le atribuya con frecuencia. La siguiente sección se centrará en la trayectoria de David Hockney, brindando una vez más la oportunidad de desmentir las representaciones simplistas y generalizadas de este influyente artista.

David Hockney no forjó su carrera en Estados Unidos; ya era famoso en los círculos artísticos cuando llegó allí. Hockney no solo pintó hermosos cuadros, sino que trabajó con gran éxito en una amplia variedad de disciplinas artísticas.

Arte nuevo, aún en la vieja Inglaterra

En 1959, David Hockney solicitó su ingreso en el Royal College of Art de Londres, con la esperanza de transformar su formación puramente académica en Bradford en el desarrollo de un estilo propio. Como todo joven de espíritu libre, Hockney quedó fascinado por el colorido y desenfadado Pop Art estadounidense, pero tenía muy buenas razones personales para distanciarse de él y adentrarse en el ámbito de la crítica social, irónica a la vez que vitalista.

Sin embargo, la seriedad con la que abordó su trabajo artístico no le permitió entregarse tan voluntariamente al bello y colorido mundo del arte del último Pop Art estadounidense, como parecen sugerir algunas representaciones.

Hockney primero tuvo que dar un largo rodeo por caminos del viejo mundo: hasta el final de sus estudios en 1962, Hockney trabajó con la misma determinación que siempre en su propio lenguaje visual; quería encontrar o inventar una expresión completamente nueva entre la abstracción y la representación figurativa.

Ya había experimentado sus primeros conflictos con el tema en Bradford, pero aún no lo había abandonado durante su estancia allí. En el Royal College of Art (RCA), se centró inicialmente en observar y enfatizar la imagen como superficie. Esta llamativa característica de la obra temprana de Hockney en el RCA (hola, Sandra Blow, véase Hockney, Parte 1) fue una estrategia pictórica muy deliberada que se convertiría en un paso decisivo para el artista.

Estudiar en el corazón del panorama cultural y artístico de Londres, y trabajar y debatir con compañeros igualmente interesados ​​en nuevos caminos y medios de expresión, le ofreció a Hockney amplias oportunidades para involucrarse con los diversos movimientos artísticos de su época y desarrollar su propio lenguaje visual en este proceso de aprendizaje.

El primer acercamiento a la abstracción fueron pinturas expresivas sobre cartón en un estilo abstracto como "Growing Discontent" (1959, imagen no disponible), pero el título en sí ya indicaba la aversión de Hockney a un estilo de pintura meramente expresivo y gestual al estilo de Alan Davie y Jackson Pollock .

Hockney abandonó estas pinturas abstractas al cabo de unos meses porque se dio cuenta de que, para él, el camino hacia la modernidad no podía consistir en ponerse una nueva camisa de fuerza estilística llamada Pop Art en lugar de deshacerse de las restricciones impuestas por las rígidas reglas del "arte real" tradicional.

Hockney aspiraba a más: una voz propia; un elegante y novedoso equilibrio entre abstracción y figuración, algo que no se encontraba en el arte vanguardista de los estadounidenses de moda. Por ello, Hockney prefirió inspirarse una vez más en artistas europeos, muchos de los cuales llevaban tiempo intentando conciliar la abstracción y la figuración.

Durante sus visitas a exposiciones en Londres en la primavera de 1960, descubrió a Francis Bacon (Hello, Sandra Blow), cuya pintura figurativa se convirtió en la primera fuente importante de inspiración de Hockney.

Además, Hockney se inspiró en el aparentemente primitivo «Art Brut» de Jean Dubuffet Brassaï , el primer fotógrafo de grafiti , quien ya había recopilado imágenes de murales parisinos en la década de 1930.

La idea le reportó a Dubuffet un éxito rotundo; durante su período en la documenta (tres apariciones consecutivas: 1959, 1964, 1968), sus figuras-tableus enmarcadas por escritura primitiva o compuestas de letras vivas ( "Vertu virtuelle" ; "Hopes and Options" ) fueron vistas como "la anarquía en su forma más bella" prácticamente en cualquier lugar donde se pudiera encontrar arte moderno.

Para Hockney, estos fueron impulsos cruciales; sintió una fuerte conexión con las representaciones de Dubuffet, que oscilaban entre el arte infantil y la alta cultura del antiguo Egipto , y vio en este "estilo anónimo" ("Davis Hockney" de David Hockney 1976, p. 67) un modelo esencial para su trabajo durante su tiempo en el Royal College.

Hockney nunca debería perder lo que una estudiante de Seúl (como ella misma subraya) llama la "tendencia europea emocional o centrada en la figura" , incluso en sus trabajos posteriores.

Quizás fue precisamente esta insistencia en las tradiciones artísticas europeas; la reticencia de Hockney, al igual que la de sus colegas británicos, a adoptar de inmediato los estilos estadounidenses innovadores para liberarse de la tradición artística europea, lo que dio lugar a una obra de "arte global" que pudo inspirar a personas de todos los continentes.

Incluso el buen arte joven tiene una oportunidad en la vieja Inglaterra.

Hacia el final de sus estudios en el Royal College of Art, Hockney desarrolló su primer estilo de expresión único, y con ello se hizo famoso muy pronto y muy rápidamente en su país natal:

En 1960, el talentoso Sr. Hockney fue invitado a la exposición anual del "London Group ". El London Group es una asociación de artistas londinenses que sigue activa en la actualidad. Fundada en 1913 como una oposición vanguardista a la conservadora Real Academia de las Artes, su objetivo declarado es "promover el conocimiento público del arte visual contemporáneo a través de exposiciones anuales".

La Real Academia de las Artes de Londres es la institución artística de Gran Bretaña dedicada a la promoción de la pintura, la escultura y la arquitectura desde su fundación por Jorge III, por encargo del monarca. Jorge III reinó de 1760 a 1820; a partir de 1765, se dice que mostró los primeros síntomas de la enfermedad mental que ensombreció la segunda mitad de su reinado; la Real Academia de las Artes se fundó en 1768…

La venerable Real Academia probablemente no se caracterizaba por un espíritu muy refrescante mucho antes del Brexit; la idea de exhibir arte joven de estudiantes universitarios (incluso homosexuales) como David Hockney en una de sus célebres exposiciones de verano era simplemente impensable.

Lo desfasado que está un miembro de la Real Academia (RA) se puede apreciar, por ejemplo, en el hecho de que el propio David Hockney no fue elegido miembro de la Real Academia de las Artes de Londres hasta 1991, cuando tenía 54 años y llevaba 30 años siendo un artista famoso.

reportaje de The Guardian también resulta bastante esclarecedor Grayson Perry, de 58 años, que ya no es precisamente joven, salvó la exposición del verano de 2018 (el 250 aniversario de la Academia) de su, según el periodista de The Guardian, "versión simplista", al presentar al sorprendido establishment artístico británico una colección salvaje de arte basura.

Por el contrario, el London Group se deleita en sus exposiciones, tanto entonces como ahora, con la diversidad estilística que aporta a la muestra anual la totalidad de jóvenes artistas que no fueron tenidos en cuenta o fueron rechazados por la Royal Academy of Arts.

David Hockney volvió a exponer poco después, y esta exposición de Jóvenes Contemporáneos de 1961 en las Galerías RBA de Londres se hizo famosa por catapultar a la fama a estudiantes del Royal College como Patrick Caulfield , Derek Boshier , Allen Jones , David Hockney, RB Kitaj y Peter Phillips .

«Young Contemporaries», «New Contemporaries» en 1974 también una organización británica que tiene como objetivo apoyar a artistas emergentes al comienzo de sus carreras. Fue fundada por Carel Weight, profesor de David Hockney.

utilizar la galería casi en desuso de la Royal Society of British Artists (RBA, otra asociación de artistas británicos fundada en 1823 como contrapeso a la adormecida Royal Academy) en Suffolk Street, Londres, para exhibir trabajos de estudiantes

Dicho y hecho, los fundadores también acordaron seleccionar a los “Jóvenes Contemporáneos” mediante un proceso tan imparcial y democrático que casi podría calificarse de antibritánico: el artista se inscribe de forma anónima con una obra de arte; los miembros del jurado no conocen la escuela, la edad ni la nacionalidad del participante durante todo el proceso de selección.

En la década transcurrida desde su fundación, la exposición anual Jóvenes Contemporáneos ya se había ganado una reputación por presentar el arte más innovador y vanguardista del momento. A principios de la década de 1960, la exposición Jóvenes Contemporáneos se había convertido en una cita ineludible para los conocedores del arte contemporáneo, y los ciudadanos del mundo con aprecio por el arte moderno no se perdían este espectáculo.

La exposición de 1961 fue un rotundo éxito, especialmente para los entendidos en arte, quienes acogieron con entusiasmo el nuevo Pop Art británico y, sobre todo, las primeras obras de David Hockney. Estos fascinantes descubrimientos se comentaron y compartieron, y David Hockney se convirtió gradualmente en un tema de conversación en el panorama artístico de vanguardia.

El dueño de una galería encuentra a su artista

Esta exposición de Jóvenes Contemporáneos de 1961 también contó con la participación de John Kasmin , un joven rebelde del East End de Londres que había sido expulsado recientemente de Nueva Zelanda por la policía (por ser bohemio) y que había estado trabajando en galerías de Londres desde su regreso.

Kasmin vio el cuadro «Doll Boy» del entonces desconocido estudiante David Hockney (actualmente en la colección Tate) en la exposición Young Contemporaries de 1961, quedó fascinado y lo deseó. En aquel entonces, Kasmin trabajaba para la galería Marlborough en New London. Después del trabajo, Kasmin invitó a Hockney a tomar el té, le cayó bien y deseaba tanto el cuadro que estaba dispuesto a enfrentarse a su jefe y cofundador de Marlborough Fine Art, Harry Fischer.

De todos modos, a Kasmin no se le permitía elegir según su propio gusto/instinto en la galería, así que renunció (para decepción de los fundadores de Marlborough, que ya habían reconocido su potencial) y se llevó consigo al cliente más importante de la galería.

Este Sheridan Dufferin , cuyo nombre completo era Sheridan Frederick Terence Hamilton-Temple-Blackwood, quinto marqués de Dufferin y Ava, era, por consiguiente, adinerado. Dufferin financió la fundación de la Galería Kasmin, que ocupaba un local inusualmente grande y de líneas puras en New Bond Street, Londres, y que acogió la primera exposición individual de David Hockney en 1963.

Hockney inmortalizó a Kasmin en 1963 en la pintura "Obra dentro de una obra" ( curiator.com/art/david-hockney/play-within-a-play ) "como un prisionero entre la vida y el arte" , por lo que probablemente ya sabía entonces la suerte que había tenido al encontrar un galerista como John Kasmin, que creía en el arte y no solo quería vender cosas.

La reacción a la primera exposición individual de Hockney en la Galería Kasmin de Londres fue tremenda; David Hockney se convirtió en una estrella en el prestigioso Royal College of Art. El joven, antes descrito como excepcionalmente tímido en los círculos de la realeza, mostraba ahora sus primeros signos de rebeldía (pero seguía siendo descrito como encantador, afable y para nada calculador).

En medio de toda esta fama temprana, se encontraba el título universitario de Hockney, que aparentemente no completó del todo; según John Kasmin , se negó a escribir un ensayo o algo similar, por lo que no recibió la habitual medalla de oro y en su lugar se compró una chaqueta de lamé dorada.

Presumiblemente, a Hockney le interesaba más el "Premio de Dibujo" que ganó en su último año. Este premio incluía 100 libras esterlinas, que Hockney gastó de inmediato en un viaje a Nueva York, Berlín y Egipto para inspirarse para sus ilustraciones.

Se dice que Hockney regresó de este viaje rubio, más seguro de sí mismo y más extravagante. Al igual que muchos de sus colegas artistas, no le agradaba especialmente el clima social del Reino Unido en aquel entonces: los homosexuales aún estaban sujetos a cadena perpetua según el código penal, aunque ya no eran procesados ​​desde el "Informe Wolfenden" de 1957.

Según Kasmin, Kitaj, Blow y otros que ya habían viajado por el mundo, existía arte más emocionante "ahí fuera" que las pinturas de papel tapiz de John Minton, los paisajes en mosaico de Julian Trevelyan y los "horribles dibujitos" ( citas de Kasmin) de Lucian Freud.

En general, a Hockney le pareció que el clima era demasiado malo, el país demasiado nacionalista (hola Brexit) y mucha gente demasiado cerrada de mente y malhumorada.

Fuera de los límites

En toda nación que se enorgullece de su gloriosa historia, existe la tentación de tratar con desprecio lo extranjero y lo diferente. Cuanto más estrecho es el horizonte, más se percibe como diferente; los artistas independientes, cuando su obra se desvía de los gustos predominantes, y las personas con orientaciones sexuales poco convencionales, aún más.

Las sociedades modernas y civilizadas combaten tales tendencias; los librepensadores independientes siempre han tendido a unirse a las naciones donde esta lucha se libra con mayor éxito en un momento dado; para la mayoría de los jóvenes artistas de la Inglaterra de posguerra, grandes flechas rojas apuntaban hacia América.

Cinco de los seis compañeros de estudios que se dieron a conocer junto con Hockney en la exposición Young Contemporarys de 1961 terminaron más o menos rápidamente en los Estados Unidos después de graduarse del Royal College of Art; solo dos de ellos regresaron posteriormente de forma permanente a Inglaterra:

Ridley Scott recibió una beca de viaje de un año a Estados Unidos y trabajó durante dos años en Time Life, Inc. con los documentalistas Richard Leacock y D.A. Pennebaker. En 1965, regresó a Inglaterra para completar un curso de diseño de producción en la BBC, lo que le permitió ingresar al programa de formación de directores.

En 1968 dejó la BBC para fundar Ridley Scott Associates, convirtiéndola en una de las productoras de cine publicitario más exitosas de Europa y desde allí lanzando su conocida carrera como director.

Allen Jones y Peter Phillips vivieron en Nueva York de 1964 a 1966 y viajaron extensamente por Estados Unidos. Posteriormente, Jones se trasladó a Alemania (donde impartió clases en academias de arte en Hamburgo y Berlín, y participó en la documenta III en 1964 y en la documenta IV de Kassel en 1968) antes de regresar a su Francia natal. Peter Phillips mantuvo una intensa actividad internacional, impartiendo clases en Birmingham y Hamburgo, exponiendo su obra por todo el mundo y viajando incluso a África y Australia. Actualmente reside en Mallorca.

Tras graduarse, Derek Boshier

El único estadounidense nativo, RB Kitaj , enseñó dibujo en la Ealing School of Art, la Camberwell School of Art y la Slade School of Fine Art de Londres hasta 1967, participó en la documenta III de Kassel y en la Bienal de Venecia de 1964, y solo regresó a los Estados Unidos en 1965 después de nueve años de exilio con motivo de su primera exposición estadounidense en la galería Marlborough-Gerson de Nueva York.

Hockney escapó en febrero de 1964: durante su primer gran viaje al mundo, conoció a Henry Geldzahler, entonces curador del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, conocido por su compromiso con los jóvenes artistas y que animó a Hockney a mudarse a Los Ángeles.

Habían estado esperando talentos como Hockney: ese mismo año, Hockney tuvo su primera exposición individual en Estados Unidos, muy exitosa, en la Galería Alan , y en el verano de 1964 recibió un puesto de profesor en la Universidad de Iowa.

el hogar adoptivo de Hockney en Estados Unidos fue Los Ángeles. Quedó cautivado por la soleada California ; no es de extrañar, si se tiene en cuenta dónde había vivido anteriormente David Hockney:

La ciudad natal de Hockney, Bradford, se encontraba en un punto bajo desde el punto de vista ecológico y arquitectónico en las décadas de 1950 y 1960, tras un pasado aún más ignominioso: en el siglo XIX, Bradford había pasado de ser un pueblo rural con mercado y unos pocos miles de habitantes a una ciudad industrial con más de 50 minas de carbón y la "capital mundial de la lana".

El paisaje urbano presentaba viviendas obreras precarias, cuarteles militares y fábricas textiles cuyas 200 chimeneas despedían constantemente un humo negro y sulfuroso. Hacia 1850, Bradford era la ciudad más sucia de Inglaterra, con frecuentes brotes de cólera y tifus, y una esperanza de vida media de dieciocho años.

Bradford sufrió pocos daños durante la Segunda Guerra Mundial, pero la reestructuración y el reurbanización llevados a cabo por autoridades plagadas de desaciertos estéticos pueden haber destruido aún más por completo el rostro histórico de Bradford.

Cuando David Hockney crecía allí, Bradford consistía en edificios feos y calles caóticas llenas de obras en construcción sin vigilancia y bloques de viviendas uniformes con campos de fútbol sin rastro de vegetación entre ellos; las casas eran de color marrón negruzco y feas, y el aire seguía siendo gris.

John Kasmin lo visitaba una o dos veces al año en Estados Unidos; una fotografía de ambos de 1965 fue tomada en Estados Unidos cuando visitaban una exposición de la nueva escena pictórica londinense en el Walker Art Center de Minneapolis con conocidos artistas de Inglaterra.

Kasmin creció en un entorno relativamente idílico en el distrito londinense de Whitechapel, frente a Bradford, y desde los 17 años pasó seis años inmerso en la campiña neozelandesa. En este contexto, se entiende que el galerista recuerde con cierta ironía lo enamorado que estaba Hockney de cada detalle del relajado estilo de vida californiano; incluso lo habría arrastrado a Disneyland…

Desde la perspectiva de Hockney, sin embargo, California es la opción más lógica del mundo: arte (Pop) libre e inspirador en lugar de restricciones reales, sol en lugar de llovizna, horizontes amplios en lugar de calles estrechas, piscinas rodeadas de vegetación en lugar de campos deportivos cubiertos de grava, chicos alegres y bien formados (con el torso desnudo) en lugar de la masculinidad seria con trajes y corbatas… y que una abundancia desbordante de los últimos dispositivos tecnológicos llamada Disneylandia fascine a un artista moderno debería ser lo último que sorprenda a un galerista que trabaje en este campo.

Primera floración bajo el sol de California

El momento de su partida hacia la libertad fue también el momento en que David Hockney encontró su primer lenguaje visual propio : formas claras y frías, un estilo objetivo, y la concentración en el procesamiento de las nuevas experiencias, que fueron cuidadosamente registradas con la también novedosa cámara Polaroid para su reflexión.

Para Hockney, el medio pictórico ideal para esta fase fue la pintura acrílica, recientemente inventada; las “Cuadros de la ducha” , las “Cuadros de la piscina” y las “Escenas domésticas” impresionan no solo por sus colores y expresividad, sino también por la adopción de los últimos avances que ofrecía la época.

Los últimos avances tecnológicos traducidos en arte, en un lenguaje propio con colores vibrantes y motivos claros, sin enredos ni mensajes académicos, intelectuales o psicológicos incomprensibles: esta combinación conmovió y cautivó a muchos amantes del arte moderno y rápidamente también a personas que simplemente buscaban arte bello y/o arte de moda con gran utilidad y valor decorativo.

Hockney realmente despegó en California; y ese fue el comienzo de una vida artística cuya intensidad puede marear al espectador:

Entre 1965 y 1967, Hockney recibió y cumplió asignaciones docentes en la Universidad de Colorado en Boulder y en la Universidad de California, Los Ángeles y Berkeley, San Francisco.

En 1966, Hockney creó su primer diseño escénico para el Royal Court Theatre de Londres y la obra surrealista de Alfred Jarry, "Ubu Roi", marcando el inicio de una extensa trayectoria en el diseño de escenografías. Hoy en día, muchos contemporáneos conocen a David Hockney "solo" como pintor, pero su prolífica carrera como escenógrafo, fotógrafo y artista gráfico justifica plenamente su reconocimiento en estas disciplinas artísticas.

En 1968, Hockney pasó el verano en su casa de Inglaterra y viajó con amigos a París, el sur de Francia, Cornualles e Irlanda del Norte. En otoño, acompañó a Londres a su entonces pareja, el fotógrafo artístico californiano Peter Schlesinger, donde Schlesinger tenía previsto matricularse en la Slade School of Art.

Luego se dirigió a Saint-Tropez, donde visitó y fotografió extensamente "Le Nid du Duc", la casa de ensueño del director, guionista y productor "Tony" Richardson (1964, 4 premios Oscar por "Tom Jones", Hotel New Hampshire, El fantasma de la ópera, etc.), que más tarde desempeñaría un papel en su arte.

“Paralelamente” pintó algunos de sus cuadros más famosos ( Christopher Isherwood y Don Bachardy ; coleccionistas estadounidenses Fred y Marcia Weisman ) y participó en la documenta 4 de Kassel.

Una carrera maratónica con interminables explosiones de velocidad.

Este ritmo continuó: en 1969 Hockney aceptó una cátedra visitante en la Academia de Bellas Artes de Hamburgo; realizó repetidamente viajes más largos, que combinó con trabajo, experimentos y estancias prolongadas en cada rincón del mundo.

Por ejemplo, en 1975 pasó una larga temporada en París con sus padres, a quienes también retrató extensamente. También en 1975, Hockney incorporó la investigación que había realizado a principios de la década de 1960 para el ciclo de grabados de «La carrera del libertino» de William Hogarth en el diseño escénico del Festival de Ópera de Glyndebourne en East Sussex, donde se representaba «La carrera del libertino» de Stravinsky.

Además, surgieron continuamente ideas artísticas completamente nuevas; por ejemplo, a partir de 1976, obras de fotomontaje, cada una compuesta por numerosas imágenes Polaroid. «Veinte fotografías» y la composición formada por 63 Polaroids que retratan a las hermanas Imogen y Hermiane Cornwall-Jones tuvieron una gran acogida en su momento, representando una vez más un enfoque singular frente a las tendencias de la moda imperantes.

Hoy en día, estas obras se presentan a menudo como una expresión de la "fase cubista" y se atribuyen a un acercamiento tardío al cubismo y a la obra de Picasso ; sin embargo, Hockney ya había comenzado este acercamiento en el Royal College of Art.

En 1977, la obra de Hockney se presentó en la documenta 6, en 1978 en la 38ª Bienal de Venecia y en 1979 en la 3ª Bienal de Sídney; en 1978, Hockney diseñó la escenografía para "La flauta mágica" de Mozart en el Festival de Ópera de Glyndebourne en East Sussex.

En 1980, Hockney diseñó la escenografía y el vestuario para un triple homenaje al arte francés de la época de Picasso en el Metropolitan Opera House. La opulenta obra, titulada Parade, comprendía el ballet «Parade» con música de Erik Satie, la ópera «Les mamelles de Tirésias» con libreto de Guillaume Apollinaire y música de Francis Poulenc, y la ópera «L'enfant et les sortilèges» con libreto de Colette y música de Maurice Ravel. En 1981, diseñó otra triple escenografía para el Metropolitan Opera: «La consagración de la primavera», «El Rossignol» y «Edipo Rey» de Stravinsky.

A partir de 1982, aparecieron nuevos collages Polaroid, aún más multifacéticos (¿aún más cubistas?), un juego con una amplia variedad de formatos y principios de composición y orden.

En 1983, Hockney trabajó simultáneamente para la Ópera del Music Center de Los Ángeles y la Royal Opera House de Londres, y creó escenografías para el Eye and Ear Theatre de Nueva York. Para la exposición «Hockney Paints the Stage» de ese mismo año, rediseñó por completo la escenografía de la ópera «L'enfant et les sortilèges», obra que aún hoy puede admirarse como instalación permanente en el Museo de Arte de Honolulu.

En 1985, Hockney participó en la XIII Bienal de París, y en 1986, participó en PaperArt (1ª Bienal Internacional de Arte en Papel en Düren, Westfalia), sin duda con nuevos experimentos; en 1987, diseñó la escenografía para la ópera de Richard Wagner "Tristán e Isolda", encargada por la Ópera del Centro de Música de Los Ángeles.

Desde mediados de la década de 1980 en adelante, Hockney se había sumergido de nuevo en la pintura, esta vez estudiando principalmente a Henri Matisse (y a Pablo Picasso, repetidamente).

Pronto algunas innovaciones técnicas estuvieron listas para su procesamiento, y desde finales de los años ochenta Hockney experimentó con la impresión, las fotocopiadoras a color y las máquinas de fax, lo que dio como resultado copias a cuatro colores, dibujos por fax y gráficos abstractos por computadora, el nuevo conjunto de obras conocido como “ Home Made Prints” .

En 1989, David Hockney expuso su obra en la XX Bienal de São Paulo, Brasil, y fue galardonado con el Praemium Imperiale . Esta fue la primera vez que se otorgó este "Premio Nobel de las Artes"; Hockney compartió el premio en la categoría de pintura con Willem de Kooning (los ganadores del primer premio en las demás categorías fueron: escultura, Umberto Mastroianni; arquitectura, I.M. Pei; música, Pierre Boulez; teatro/cine, Marcel Carné).

A partir de 1991, Hockney volvió a diseñar decorados escénicos, para "Turandot" de Puccini en la Ópera Lírica de Chicago y para "Die Frau ohne Schatten" de Richard Strauss en 1992 en la Royal Opera House de Londres; además, fue admitido como miembro de la Real Academia de las Artes de Londres en 1991.

En 1994, Hockney diseñó el vestuario y la escenografía para doce arias de ópera en la Ciudad de México, como parte del programa de televisión Operalia de Plácido Domingo. Una vez más, empleó los últimos avances tecnológicos, construyendo complejas maquetas a escala 1:8 en un proscenio móvil de 1,8 m x 1,2 m, utilizando un sistema computarizado que le permitió programar los efectos de iluminación a su antojo y sincronizarlos con la música.

En 1995, Hockney participó en la 46ª Bienal de Venecia; en 1997, recibió la Orden Británica de los Compañeros de Honor (una orden del Reino Unido y la Commonwealth que honra logros sobresalientes en diversos campos desde 1917) y fue admitido en la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias.

En 2004, su obra se exhibió simultáneamente en la Bienal de Liverpool y en la Bienal del Whitney en la ciudad de Nueva York.

En 2006, tras un estudio exhaustivo de los métodos de los antiguos maestros, se publicó su libro "Conocimiento secreto: redescubriendo las técnicas perdidas de los antiguos maestros"; en 2012, Hockney creó una pintura de gran formato de 176 metros cuadrados para la Ópera Estatal de Viena, que constituyó uno de los platos fuertes de la serie de exposiciones "Telón de Acero" como parte del "museo en progreso" en la temporada 2012/2013.

En 2012, Hockney recibió la Orden del Mérito de la Reina (una orden británica que reconoce logros militares, científicos, artísticos y literarios excepcionales), la cual aceptó tras haber rechazado el título de caballero que le había otorgado la Reina en 1990 (véase bbc.com ); también participó en la IV Bienal de Arte Contemporáneo de Madrid; así como en 2015 (a la edad de 78 años) en la V Bienal de Arte Contemporáneo de Tesalónica…

David Hockney cumplió 80 años en 2017 tate.org.uk/whats-on/ ). La Ópera de San Francisco reconstruyó y repuso el diseño escénico de Hockney para Turandot en 2017, por el cual Hockney recibió la Medalla de la Ópera de San Francisco.

Esto ni siquiera era el comienzo de una biografía, sino un breve repaso de algunos momentos clave en la vida de Hockney. Además de todos sus viajes, investigaciones, docencia y experimentación, David Hockney se ha dedicado principalmente a la creación artística; suficiente obra como para más de 306 exposiciones individuales y casi 900 colectivas … aún no existen estadísticas oficiales al respecto, pero sin duda muchos artistas no han alcanzado las 1000 exposiciones.

La tercera parte de esta serie se centra en la renombrada obra visual de David Hockney, aunque no exclusivamente, ya que artistas de renombre mundial como David Hockney brindan al mundo muchas otras fuentes de inspiración…

Aquí tenéis una selección de sus obras en Pinterest:

(Debes haber aceptado las cookies para ver el tablero de Pinterest)