Si lee otras fechas de nacimiento de Andy Warhol en alguna parte, no se sorprenda ni sospeche que hemos hecho una investigación descuidada: a Andy Warhol le gustaba jugar un poco con su fecha de nacimiento; como muchas divas que envejecen, a veces se hacía parecer dos o cinco años más joven.
Andy fue bautizado originalmente Andrej (Andrijko), y su apellido era Varhola. Sus padres ya habían americanizado el apellido a Warhola , y el pequeño Andrej se convirtió rápidamente en Andrew en su nuevo entorno, siendo Andy la forma abreviada.
Andy Warhol, con la pérdida de la “a”, “nació oficialmente” cuando una revista publicó a principios de 1950 unos dibujos suyos que firmó “Andy Warhol” y con los que se quedó.
El apodo de Andy Warhol
Sus amigos "Drella" , un nombre que combinaba "Drácula" y "Cenicienta". Se discute si este nombre fue acuñado por el propio Andy Warhol o por una de sus "superestrellas" (Robert Xavier Francis Peter Michael Olivo, apodado Ondine).
Retrato fotográfico de Andy Warhol con el perro salchicha Archie (1973), realizado por Jack Mitchell. Fuente: Wikipedia.org
Los seguidores de Warhol, la "gente topo" poblaban Factory , ciertamente lo adoptaron rápidamente.
Hitos clave de la vida de un vistazo
Nacimiento en 1928
1945 Estudió diseño gráfico en el Instituto Tecnológico Carnegie de Pittsburgh
1949 Finalización de estudios
1950 Primeras publicaciones de algunos dibujos; entretanto trabaja, por ejemplo, como diseñador gráfico publicitario
1952 Primera exposición individual (Quince dibujos basados en los escritos de Truman Capote)
1956 Gran exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, pero como artista gráfico
1962 Primera exposición como artista de Pop Art en Los Ángeles y fundación de la "Factory"
Exposición de 1964 “El supermercado americano” en la Upper East Side Gallery de Nueva York
1968 Intento de asesinato de Warhol con heridas que ponen en peligro su vida
1971 Estreno de su primera obra “Pork”
1972 Muerte de su madre, a quien había amado por encima de todo
Warhol muere en Nueva York el 22 de febrero de 1987, tras una operación de vesícula biliar
Andy Warhol junto con Tennessee Williams y Paul Morrissey (al fondo), autor: James Kavallines, vía Wikipedia.org
El lugar de nacimiento de Andy Warhol
Andy Warhol nació en Pittsburgh , estado de Pensilvania, Estados Unidos. Pensilvania debe su nombre a su fundador, William Penn; Silva significa bosque, por lo que en alemán significa "bosque de Penn".
Este estado del este de EE. UU. es uno de los trece estados originales y se encuentra al sur de Nueva York. Pittsburgh era la segunda ciudad más grande de Pensilvania después de Filadelfia y, en el momento de su nacimiento, un importante centro de la industria siderúrgica estadounidense.
Los padres y la infancia de Andy Warhol
Los padres de Andy Warhol, Ondrej y Julia Justyna Varhola, habían emigrado a Estados Unidos unos años antes desde un pueblo de los Cárpatos, actualmente en Eslovaquia. Andy era el cuarto hijo de una familia, por entonces bastante pobre, y pasó los primeros seis años de su vida en el empobrecido barrio del Soho.
Durante su infancia, luchó contra diversas enfermedades, incluyendo un trastorno de la pigmentación que le daba una apariencia albina. Si bien esto le dificultó hacer amigos de su edad, fomentó su talento artístico. Sus numerosas hospitalizaciones lo llevaron a desarrollar un profundo interés por diversas formas de arte.
A los ocho años, Warhol enfermó gravemente de corea de Sydenham, una enfermedad que lo confinó a la cama. Su prolongado reposo en cama probablemente sentó las bases de su posterior éxito artístico; durante mucho tiempo, el joven Andy apenas podía hacer más que leer cómics, dibujar o recortar figuras de papel.
Formación profesional
Andy Warhol se formó como artista comercial en el Instituto Tecnológico Carnegie de Pittsburgh entre 1945 y 1949, graduándose en pintura y diseño a los 21 años. Después de eso, el joven visionario fue imparable.
Actividad profesional
En 1950, Andy Warhol se mudó a Nueva York con su compañero de estudios Philip Pearlstein, centro de lo que entonces era el floreciente fenómeno de masas de la publicidad. Durante aproximadamente una década, vivió de trabajos esporádicos, diseño gráfico publicitario, escaparatismo y venta ambulante de frutas y verduras.
La publicidad era la que generaba más dinero, pero la producción también era la que más tiempo requería, así que Warhol ideó una especie de "producción en masa" : dibujaba sus diseños con tinta china, los copiaba con papel secante y los transfería a una hoja nueva. Esto dio como resultado plantillas gráficas para revistas, tarjetas de felicitación, regalos promocionales y libros de cocina con ilustraciones humorísticas, que luego invitaba a sus amigos a colorear "fiestas para colorear".
Esta “goteo y escurrimiento” fue el inicio del posterior método de producción en serie de tipo fabril de Warhol, en el que sus empleados completaban obras y películas.
Aunque tenía poco tiempo para el arte, Andy Warhol logró desarrollar sus primeras serigrafías. Usaba tinta para dibujar diversos motivos como ángeles, mariposas y gatos. Copiaba estos diseños en una hoja nueva con papel secante y los publicaba en diversos periódicos y revistas. Aunque la técnica no era nueva, Warhol la popularizó y la convirtió en su sello distintivo .
La formación de Andy Warhol como artista
Andy Warhol nunca recibió formación artística formal; desarrolló su práctica artística a partir de su vida profesional. Gracias a su técnica de reproducción, Warhol se encontraba entre los diseñadores gráficos mejor pagados de Manhattan alrededor de 1960. Nueva York no solo era el centro de la publicidad, sino también el bastión del arte contemporáneo, y él quería estar entre estos artistas célebres.
Museo Andy Warhol de Arte Moderno Medzilaborce, Eslovaquia por P.matel, a través de Wikimedia Commons
Como artista gráfico, ya había expuesto sus propias obras; ahora, como pintor, buscaba llamar la atención con sus pinturas sobre lienzo. Inicialmente, eligió motivos conocidos del mundo de la publicidad, temas de cómics y dibujos animados, y estrellas de Hollywood para su obra artística, pero pronto se dio cuenta de que colegas reconocidos como Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein ya habían presentado motivos muy similares al público.
Así, Warhol cambió de dirección y fue más allá del “goteo y el escurrimiento” con las técnicas de serigrafía y recopiló otros motivos familiares, anuncios y fotografías, de revistas, folletos y programas de cine para convertirlos en arte.
De nuevo, inmediatamente como productos producidos en masa, Warhol creó plantillas de pantalla de los nuevos motivos, a partir de las cuales luego lanzó series con colores modificados, y elevó precisamente esta producción en masa a su credo artístico:
“Me encanta hacer lo mismo una y otra vez” = “Me encanta hacer lo mismo una y otra vez”
es una declaración muy citada de Warhol,
“30 son mejores que uno” = “30 son mejores que uno”
Es un título de obra típico de este período, utilizado para una postal con una imagen de laMona Lisa , que fue reproducida 30 veces en lienzo.
Para 1952, había reunido suficientes obras para acercar su arte a un público más amplio. Con la ayuda de Alexander Iolas, el director griego de la Galería Hugo , organizó su primera exposición. Tan solo unos años después, en 1956, Warhol incluso logró que su singular arte se exhibiera en el Museo de Arte Moderno de Nueva York .
El gran avance artístico de Andy Warhol
Esta "producción masiva" de arte fue un éxito; las obras iniciales consistieron en 32 imágenes casi idénticas de latas de sopa (32, ya que la sopa se vendía en 32 sabores diferentes). Warhol utilizó estas de "Sopa Campbell" para su primera exposición individual como artista, en 1962 en la Galería Ferus de Los Ángeles .
Latas de sopa Campbell de Thomas Altfather Good, vía Wikipedia.org
La mayoría de los visitantes de la exposición miraban las latas con total incomprensión; nadie las quería, ni siquiera las estrellas de Hollywood a quienes el socio de Ferus, Blum Warhol, había prometido como visitantes; de hecho, sólo los críticos de arte debatieron intensamente sobre las sopas.
Solo cinco pioneros de la moda se interesaron por la obra, entre ellos el actor Dennis Hopper y el heredero de Max Factor, Donald Factor; cada uno pagó el precio de 100 dólares por su cuadro del desfile de latas de sopa. Si hubieran conservado sus pinturas de latas, habría sido una buena inversión: el Museo de Arte Moderno de Nueva York pagó 15 millones de dólares por las 32 imágenes en 1996.
Ninguno de los compradores conservó su cuadro en ese momento; fueron persuadidos a comprarlo nuevamente por el visionario socio de Ferus, Irving Blum , y Warhol fue persuadido a venderle a Blum la serie completa de 32 cuadros por 1.000 dólares (pagaderos en 10 cuotas).
Cuando Blum vendió las sopas al MoMA por los 15 millones antes mencionados, ya se consideró en parte una donación, tanto había aumentado el valor….
Arte famoso y obras de arte codiciadas de Andy Warhol
Las latas de sopa fueron imitadas por Marilyn Monroe , que utilizó como modelo un fotograma de la película Niagara (1953), sobre el que luego Warhol trabajaría con numerosas variaciones de color durante un período de tiempo más prolongado.
La plantilla de serigrafía “El Díptico de Marilyn” , completada en las semanas posteriores a la muerte de Marilyn Monroe (agosto de 1962, un día después del cierre de la Galería Ferus de Los Ángeles), con 50 variaciones de la estatua.
Con el paso de los años, su arte se volvió cada vez más extraño, aunque él afirmaba ser autoproducido, pues todo el material original ya estaba disponible. A partir de 1962, lanzó su "Muerte y Desastre" , en la que presentaba fotos de prensa de accidentes impactantes, distorsionadas mediante sutiles retoques. Su objetivo era explorar la manipulación técnica de la percepción de la realidad a través del arte.
En 2004, el periódico inglés “Guardian” realizó una encuesta a 500 artistas, críticos y expertos en arte, de la que surgió este cuadro como la tercera obra de arte contemporáneo más influyente del mundo.
Le siguieron muchas otras Marilyns, como las "Diez Marilyns" de 1967; "James Deans , "Elvise" y "Liz Taylors" también estaban disponibles en innumerables versiones. Posteriormente surgieron muchas obras experimentales, como películas, "happenings" y producciones musicales; en su época de mayor éxito comercial, Andy Warhol incluso creó un retrato de cualquiera que pagara 25.000 dólares por él.
Una selección de sus obras de arte en Pinterest
Andy Warhol como cineasta
En 1962, creó algo único: la «Factory» en Nueva York. Consistía en naves industriales reconvertidas en estudios donde él y otros artistas podían dar rienda suelta a su energía creativa. La «Factory» se convirtió en un espacio de creación y vida para diversos artistas e intelectuales.
Celebridades como Jim Morrison , Bob Dylan y Mick Jagger eran visitantes frecuentes, ya que la "Factory" también se utilizaba como sala de fiestas . Jagger utilizó estos espacios únicos no solo para su arte pop, para el que utilizaba principalmente lienzos de 100 x 100 centímetros, sino también para sus películas.
Algunas de sus obras fueron recibidas con desaprobación, ya que produjo material que incluía desnudos, entre otras cosas. Además, en 1966 fundó el grupo de rock Velvet Underground , con el que colaboró en espectáculos en clubes nocturnos.
Aunque muchas de sus películas y producciones artísticas siguen siendo prácticamente desconocidas, creó una obra que abarca casi 200 películas. Las tres siguientes son especialmente destacadas:
"Las chicas de Chelsea", 1966
En 1966, Andy Warhol y Paul Morrissey codirigieron “The Chelsea Girls”. La película ofrece un vistazo a la vida de los residentes del Hotel Chelsea de Nueva York, donde Warhol fundó “The Factory” en 1964 como residencia para artistas, músicos, bailarines, actores y otros creativos.
Esta casa albergó a las "superestrellas" de la escena creativa de Warhol, cuyas extravagancias impregnan la película. Encargada por Jonas Mekas, la película se concibió sin cortes en doce rollos de película y en una sola toma. "The Chelsea Girls" se mueve de una habitación a otra, revelando las extraordinarias vidas de las residentes de "Factory".
"Película azul", 1969
La película "Blue Movie", producida por Paul Morrissey y dirigida por Andy Warhol, retrata la vida de los amantes Viva y Louis Waldon, quienes viven juntos en un apartamento en Manhattan. La película muestra conversaciones casuales entre ambos, que abarcan temas serios como la sociedad y la guerra de Vietnam, así como charlas informales en la ducha y escenas de sexo.
Los actores enriquecen la película con auténticas escenas eróticas que reflejan la vida cotidiana de la pareja. El tono de la película es cautivador y retrata de forma impresionante la vida de una pareja en Manhattan.
En octubre de 1968, se filmó la revolucionaria película "Blue Movie" en el apartamento del crítico de arte David Bourdon, en el pintoresco Greenwich Village. Se considera la primera película de este tipo en proyectarse públicamente. La fotografía es magistral y captura el gradual despertar de los personajes hacia la autoconciencia.
Aquí, las relaciones sexuales se presentan como la máxima protesta política contra la guerra de Vietnam. Un uso lúdico de la cámara y una dirección sutil convierten esta película en una obra maestra de la historia del cine.
"Basura", 1970
Los protagonistas viven en la pobreza y la drogadicción, intentando sobrevivir vendiendo basura. La película retrata la dura realidad de la vida en una gran ciudad y la desesperación que la acompaña. Los actores ofrecen actuaciones impresionantes, haciendo que el espectador se sienta parte de este mundo.
La dirección de Morrissey es magistral y dota a la película de una atmósfera única. Con "Trash", el equipo de Morrissey y Warhol creó un clásico atemporal que sigue vigente y sugerente incluso hoy en día.
El trabajo de la vida
Todas estas series de imágenes de actores y cantantes se convirtieron en el epítome del “Pop Art” , y Andy Warhol se convirtió en la figura principal de este movimiento artístico.
El Pop Art se convirtió en la tendencia artística más popular en Estados Unidos y Europa en la década de 1960. Este arte, con su inclinación por lo trivial, fue visto a menudo por críticos influyentes de la época como una reacción largamente esperada al arte abstracto, excesivamente intelectual, de la época. En cualquier caso, un artista de Pop Art poco interés en la abstracción; busca representar la realidad, objetos cotidianos y comunes, que se hacen aún más fáciles de entender al enfatizarlos con líneas negras, las ilustraciones de los cómics
Estatua de Andy Warhol en Medzilaborce, Eslovaquia por Przykuta [GFDL], vía Wikimedia Commons
Inicialmente, los motivos del Pop Art provenían de la cultura cotidiana, los medios de comunicación, la publicidad o el mundo del consumo, presentados de forma realista o incluso exagerada. En su fase posterior, influenciado por la guerra de Vietnam , los disturbios raciales , el aumento del consumo de drogas y el asesinato de John F. Kennedy, el Pop Art adoptó una visión más crítica de la sociedad opulenta .
Inicialmente, Warhol utilizó todo lo de la cultura popular que pudiera presentarse de forma glamurosa, como celebridades o latas de sopa, antes de utilizar cada vez más imágenes menos apetitosas, como fotos de prensa de accidentes automovilísticos y suicidios, como plantillas.
Incluso los sobrevivientes de tragedias, que fueron foco de intenso interés público, fueron utilizados en nombre del arte, como la afligida Jackie Kennedy tras el asesinato de su marido.
Poco después de que John F. Kennedy fuera asesinado el 22 de noviembre de 1963, Andy Warhol comenzó su serie de 1964 “16 Jackies” , basada en fotografías tomadas de la cobertura mediática internacional de la muerte de John F. Kennedy.
Las obras de arte Pop atrajeron mucha atención y, con su lenguaje claro, rápidamente se convirtieron en un culto ante el público; críticos de arte influyentes pronto atribuyeron atractivo estético a las imágenes fácilmente comercializables.
Las imágenes tenían un atractivo visual inmediatamente accesible para todos, pero su significado más profundo se descubrió en la revelación de la naturaleza manipuladora de la cultura popular: estas imágenes, según los críticos de arte predominantes de la época, nos muestran cómo los consumidores somos manipulados por los medios de comunicación masivos.
Las vidas de Andy Warhol (Documental – Parte 1)
La primera parte del documental Andy Warhol comienza ahondando en su empobrecida crianza en Pittsburgh durante los años 30 y 40, ofreciendo una visión poco común detrás de la fachada de una de las personalidades más famosas del Pop Art de la historia.
Este retrato a menudo fascinante y profundamente conmovedor examina luego su carrera temprana como artista gráfico publicitario de la década de 1950 a la de 1960, cuando produjo sus famosas imágenes pop serigrafiadas.
La vida de Andy Warhol (Documental – Parte 2)
La segunda parte de Andy Warhol examina su expansión más productiva en el mundo del arte.
El cine, la escultura, la performance, la dramaturgia y la publicación son solo algunas de las producciones artísticas de Warhol. Además de sus famosas pinturas y esculturas , Warhol fue el creador de numerosos clásicos del cine de vanguardia, además de productor de un espectáculo multimedia con Velvet Underground (una de las bandas de rock más influyentes de la historia) y cofundador de la icónica revista de cultura pop Interview.
Con raras imágenes de películas y entrevistas, la segunda parte de esta historia extraordinariamente provocativa examina a un artista poco convencional, aparentemente ebrio de fama, cuyo trabajo de toda la vida fue un flujo continuo de simbolismo cultural.
Exposiciones clave de Andy Warhol: una visión general
Desde al menos 1965, las pinturas de Andy Warhol han sido celebradas unánimemente como sensaciones del mercado del arte, durante muchos años (si no siempre) más en Europa que en su tierra natal: Andy Warhol participó en la 34ª Bienal de Venecia y la 4ª Documenta en 1968, la 36ª Bienal de Venecia en 1972 y la 6ª Documenta en 1977. Su obra se exhibió en la Royal Academy of Arts de Londres en 1981, y en la 7ª Documenta en 1982, la 41ª Bienal de Venecia en 1984 y la 42ª Bienal de Venecia en 1986.
En 1995 participó en la 46ª Bienal de Venecia , en 1996 estuvo por primera vez en Nueva York y desde entonces sus obras se han mostrado en más de 2.500 exposiciones en los principales centros de arte del mundo.
En su nuevo hogar, la gente parecía estar considerablemente menos entusiasmada con Andy Warhol que en el resto del mundo (del arte contemporáneo); en los EE. UU. solo tuvo alrededor de 400 exposiciones, lo que representa un poco menos del 15% de todas las exposiciones (lo que también podría deberse al hecho de que la presentación pública del arte tiene un estatus mucho menor en los EE. UU. que en Europa; puede leer más sobre esto en el artículo “Art-o-Gram: La importancia del arte como espejo de la sociedad”).
Tan solo en 2013, un buen cuarto de siglo después de su muerte, más de 40 eventos artísticos de renombre en todo el mundo incluyeron a Andy Warhol en su catálogo de exposiciones.
Estilo de vida y vida amorosa del artista
Warhol ya había fundado su Factory en 1962, compuesta por varios estudios en fábricas de Nueva York donde trabajó en una amplia gama de proyectos. Estas Factory se convirtieron rápidamente en mucho más que un simple espacio para serigrafía; desde el principio, los estudios también sirvieron a Warhol como espacio experimental y estudio de cine.
El estudio cinematográfico también ofrecía alojamiento a los protagonistas de la película, e incluso entonces, la Factory estaba a un corto paseo del emblemático lugar de la fiesta. La escena creativa neoyorquina se reunía en la Factory , repleta de estrellas; Mick Jagger, Bob Dylan y Jim Morrison eran vistos allí con la misma frecuencia que Salvador Dalí y Marcel Duchamp.
Cuando empezaron a aparecer las estrellas de las películas underground del propio Warhol, como el artista pop Robert Indiana (actor en la película "Eat", que aparece comiendo hongos) y los músicos de su grupo de rock The Velvet Underground, los sucesos de la Factory se hicieron tan famosos como infames.
Estos acontecimientos multimedia pronto se convirtieron en una sucesión colorida de música rock ensordecedora y efectos de luz y estroboscopio que adormecían la mente; el público se escandalizaba con provocaciones sexuales visualmente más delicadas por parte de los bailarines y se decía que circulaban drogas en cantidades inimaginables.
El intento de asesinato de Valerie Solana (véase más abajo) arruinó para siempre la vida nocturna de la Factory. A partir de 1968, la Factory pasó a ser un edificio de oficinas, y Warhol se dedicó a la fiesta y el glamour neoyorquinos. En la década de 1970, era un asiduo a los clubes de moda de Nueva York, como Studio 54. También disfrutaba viendo películas casi pornográficas protagonizadas por drogadictos, pero estas no le cautivaron por mucho tiempo. Se dedicó a las parodias del Oeste y al cine de terror con vaqueros gays y el patético Conde Drácula, todos dirigidos cada vez más por Paul Morrissey.
La vida amorosa de Andy Warhol también se desarrolló en el contexto de la Factory. El tímido artista, que no se sentía especialmente seguro de su apariencia, no la encontró sin sus desafíos, como revelan algunas de sus declaraciones en su libro de 1975, "La filosofía de Andy Warhol: De A a B y de vuelta ". Warhol creía que las aventuras amorosas consumían a la persona por completo, pero que en realidad no merecían la pena. Reveló su intuición de que era inevitable que hubiera problemas en el amor si uno siempre buscaba el suflé que nunca se derrumba.
Estatua en Bratislava, Eslovaquia Fotografía de Peter Zelizňák [CC-BY-SA-3.0-2.5-2.0-1.0], vía Wikimedia Commons
Warhol pidió un curso básico sobre el amor, pero por otro lado sugirió que podría funcionar igual de bien quedarse a oscuras sobre todo, de lo contrario uno no tendría nada en qué pensar o soñar durante el resto de su vida.
Warhol vio la razón del alejamiento de los viejos valores en su época, en la mayor esperanza de vida de sus contemporáneos, junto con los problemas resultantes. Recomendó a los padres que realmente amaban a sus hijos que insistieran en retrasar cualquier contacto con el sexo opuesto lo máximo posible, para que los niños tuvieran algo que esperar con ilusión durante mucho tiempo.
Después del asesinato, la vida de Warhol se volvió más tranquila, en parte debido a la influencia del cada vez más presente Paul Morrissey, quien despreciaba abiertamente la música rock y el consumo de drogas y se aseguraba cada vez más de que la Factory permaneciera libre de drogadictos y fiesteros.
Andy Warhol en los medios
La atención de los medios de comunicación en torno a Andy Warhol era constante; cada acontecimiento en la Factory proporcionaba a la prensa material suficiente para un informe detallado salpicado de numerosos nombres destacados.
Hacía al menos ocho años que la prensa sensacionalista ya estaba bastante bien abastecida por él, hasta que Warhol, como participante desagradable y pasivo, hizo a los medios un regalo muy especial el 3 de junio de 1968:
El asesinato de Andy Warhol y sus consecuencias
Ese día, la feminista radical Valerie Solanas intentó dispararle a Andy Warhol. En el ascensor de la Factory, sacó un revólver de una bolsa de papel y disparó, aunque Warhol gritó: "¡No! ¡No! ¡Valerie! ¡No lo hagas!". Una segunda y una tercera vez, el tercer disparo impactó a Warhol en el pecho. Solanas, fundadora y única miembro de SCUM ("Sociedad para Cortar a los Hombres"), se consideraba destinada a eliminar a tantos hombres problemáticos como fuera posible, y Warhol era un hombre problemático.
Solanas se dejó arrestar por un policía en Times Square. Warhol llegó al hospital con síntomas de muerte clínica, pero una operación de cinco horas y media lo salvó. Tras casi dos meses, le dieron el alta y se dedicó de inmediato a su trabajo. Sin embargo, el intento de asesinato lo cambió; en lugar de trasnochar, Warhol se fue a casa temprano. El ataque también le dejó cicatrices físicas, y desde entonces Warhol tuvo que usar un corsé médico constantemente.
La última edición del "New York Post" tituló: "Andy Warhol lucha por su vida". Muchos periodistas que no habían recibido suficiente atención en el pasado vieron esto como una buena oportunidad para ajustar cuentas. Sin embargo, el hombre que había celebrado todo tipo de excesos durante años solo se benefició de esta cobertura. El mercado del arte reaccionó al ataque a su manera; el tiroteo consolidó definitivamente el estatus de Warhol como superestrella del arte pop.
Antes del frenesí mediático, sus pinturas alcanzaban un precio promedio de unos 200 dólares; después, se vendieron repentinamente por nada menos que 15.000 dólares. La extensa cobertura mediática hizo que el artista Andy Warhol fuera tan omnipresente como su arte. Irónicamente, el asesinato le abrió a Andy Warhol un camino que siempre había anhelado seguir: el camino a la fama.
¿Cuánto cuesta una obra de arte de Andy Warhol?
Mucho, ciertamente desde junio/julio de 1968 – como acabamos de describir, el precio de sus obras de arte se disparó después del intento de asesinato de Warhol, y los precios se han mantenido en la esfera a la que los llevó esta explosión desde entonces, al menos.
Algunos ejemplos posteriores: “Green Car Crash – Green Burning Car I” alcanzó los 71,7 millones de dólares en una subasta de Sotheby's en 2007. También de la “Muerte y desastre” , que data de 1963, está “Silver Car Crash (Double Disaster)”, que se vendió por más de 105 millones de dólares (entonces 78 millones de euros) en una subasta en noviembre de 2013, lo que la convirtió en la sexta pintura más cara del mundo durante mucho tiempo.
A veces, algunas obras de Warhol se venden por su precio estimado, como "Liz #1 ", un retrato de Elizabeth Taylor minutos después del " Accidente del Auto Plateado ", por 20,3 millones de dólares. Probablemente fue un mal momento para los vendedores, ya que Liz Taylor había fallecido en Los Ángeles casi tres años antes... Sin embargo, no hay razón para ser cínicos: a veces incluso quedan algunas obras de Warhol sin vender en la subasta, y si esto continúa así durante un tiempo, existe una posibilidad real de adquirir una pintura de Warhol por menos de 20 millones de dólares.
El artista en nuestro mundo
Como estos precios también están fuera del alcance de la mayoría de la “gente normal”, y una “persona normal” seguramente haría cosas mucho más sensatas con esas sumas, la mayoría de nosotros nos contentaremos con mirar a Andy Warhol (y otros incluso renunciarán a hacerlo).
Sin duda, tienes muchísimas oportunidades; las exposiciones actuales de las obras de Warhol son frecuentes, y existen varios espacios artísticos en todo el mundo donde puedes ver su obra a diario. Por ejemplo, el Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh; el Museo de Arte Carnegie, también en Pittsburgh; la Galería Kantor en Los Ángeles; y el Museo de Arte Moderno Andy Warhol en Medzilaborce, Eslovaquia.
¿Eres un verdadero fan? ¿Te parece poco? Aquí tienes: Desde el 6 de agosto de 2013 (85.º cumpleaños de Warhol), el Museo Andy Warhol de Pittsburgh ha instalado una transmisión en directo a la tumba del artista. Esta cámara web transmite continuamente porque, según el director del museo, es «una manera fantástica de mantener a Andy en antena las 24 horas del día, los siete días de la semana, y conectado con nuestra audiencia global».
Andy Warhol murió el 22 de febrero de 1987 en la ciudad de Nueva York a la edad de 58 años. Murió inesperadamente por complicaciones posteriores a una cirugía de vesícula biliar en el Hospital de Nueva York; las circunstancias exactas siguen sin estar claras hasta el día de hoy.
Lápida de Andy Warhol, Cementerio Católico Bizantino de San Juan Bautista, Bethel Park, por Csnoke [Dominio público], vía Wikimedia Commons
La finca
Warhol dejó la mayor parte de su fortuna, junto con los legados a su familia, a la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales , cuya creación había estipulado en su testamento.
Su amigo y administrador de negocios, Frederick W. Hughes, se convirtió en el albacea de su patrimonio; la revista New York Magazine estimó en aquel momento su fortuna en más de 100 millones de dólares estadounidenses; cálculos posteriores hablan de 600 millones de dólares (la colección privada de obras de Warhol de sus colegas artistas ha recaudado desde entonces varios millones de dólares, al igual que la subasta de sus recuerdos).
El patrimonio inmaterial es casi aún más impresionante:
Los críticos de arte todavía debaten si Warhol
Con su versión del Pop Art, simplemente creó una especie de industria cultural, centrada en maximizar las ganancias
o realmente celebró la cultura de consumo estadounidense en sus obras, combinada con una difuminación de las líneas entre el arte autónomo y el trivial,
o más bien estaba criticando la sociedad consumista estadounidense, incluido el tratamiento irónico de las estrellas y los VIP.
En cualquier caso, Andy Warhol logró comercializar su arte de manera impresionante, y con el lema “El buen negocio es el mejor arte” inspiró a toda una serie de artistas posteriores a actuar como empresarios capitalistas por derecho propio: Jeff Koons, Richard Prince y Damien Hirst, por ejemplo, pudieron vender sus obras a amantes del arte (o especuladores) a precios realmente impresionantes, y surgieron industrias enteras de artículos de merchandising inspirados en el arte Takashi Murakami
Existen innumerables homenajes artísticos a Andy Warhol, como el monumental "The Andy Monument" de Rob Pruitt "Songs for Drella" de los exmiembros de Velvet Underground,John Cale y Lou Reed ; y la canción "Andy Warhol" del álbum de estudio de David Bowie, Hunky Dory (cuyo estribillo "Andy Warhol luce increíble" no le gustó mucho a Warhol, quien estaba plagado de complejos por su apariencia; se dice que Warhol calificó la canción de horrible). Si quieres juzgar por ti mismo:
Recomendación de libro sobre Andy Warhol y su época
Este libro es, sin duda, una de las autobiografías de artistas más auténticas del siglo pasado , y también es aclamado por la crítica literaria. Dictado por Andy Warhol en 1980 y transcrito por su asistente Pat Hackett, se dice que el relato de la maravillosa década de 1960, la vida libre —incluso peligrosamente libre— y la experimentación creativa desenfrenada se fusionaron en un libro casi de cuento de hadas.
El estilo artístico o estilo de obras de arte se refiere a la expresión uniforme de las obras de arte y productos culturales de una época, un artista o grupo de artistas, un movimiento artístico o una escuela de arte.
Esta es una herramienta para clasificar y sistematizar la diversidad del arte. Denota similitudes que lo diferencian de otros.
El término está relacionado temáticamente con el período artístico , pero no se limita a un marco temporal específico y, por lo tanto, es mucho más completo.
En esta sección nos gustaría ayudarle a comprender mejor los estilos y movimientos del arte.
Utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. Hacemos esto para mejorar la experiencia de navegación y mostrar publicidad (no) personalizada. Si acepta estas tecnologías, podemos procesar datos como el comportamiento de navegación o identificadores únicos en este sitio web. La falta de consentimiento o la revocación del consentimiento pueden afectar negativamente a ciertas características y funciones.
Funcional
Siempre Activo
El almacenamiento o acceso técnico es estrictamente necesario para el fin legítimo de posibilitar el uso de un servicio específico expresamente solicitado por el suscriptor o usuario, o para el solo fin de efectuar la transmisión de un mensaje a través de una red de comunicaciones electrónicas.
Preferencias
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para la finalidad legítima de guardar preferencias que no fueron solicitadas por el suscriptor o usuario.
estadística
Almacenamiento o acceso técnico exclusivamente con fines estadísticos.Almacenamiento o acceso técnico exclusivamente con fines estadísticos anónimos. Sin una citación judicial, el consentimiento voluntario de su proveedor de servicios de internet o la grabación adicional por parte de terceros, la información almacenada o recuperada para este fin generalmente no puede utilizarse para identificarle.
marketing
Se requiere almacenamiento o acceso técnico para crear perfiles de usuario, enviar publicidad o realizar el seguimiento del usuario en uno o más sitios web con fines de marketing similares.
![Friedensreich Hundertwasser en Nueva Zelanda en 1998](data:image/svg+xml,%3Csvg%20xmlns='http://www.w3.org/2000/svg'%20viewBox='0%200%20150%20150'%3E%3C/svg%3E "Friedensreich Hundertwasser: el colorido "doctor en arquitectura"")
![Friedensreich Hundertwasser en Nueva Zelanda en 1998](https://kunstplaza.b-cdn.net/wp-content/uploads/2013/02/Hundertwasser_nz_1998_hg-150x150.jpg "Friedensreich Hundertwasser: el colorido "doctor en arquitectura"")
Cojín de tela J-Line “Amour” con letras llamativas (blanco/dorado)
37,95 €
