Waarom olieverfschilderkunst kunstenaars al meer dan vijf eeuwen? Het antwoord ligt in de unieke combinatie van technische virtuositeit en artistieke expressiviteit. Pigmenten gebonden in drogende olie creëren die karakteristieke lichtheid die meesterwerken van Rembrandt tot Van Gogh onderscheidt. Deze aloude schildertechniek wordt terecht beschouwd als het hoogtepunt van de klassieke schilderkunst.
Het langzame drogen van olieverf biedt mogelijkheden waar andere schildertechnieken alleen maar van kunnen dromen: tijd voor correcties, ruimte voor experimenten, kans op perfectie.
Hoewel de nat-op-nat-techniek creëert impasto- de krachtige texturen die Van Goghs zonnebloemen brengen clair-obscur, met zijn sterke contrasten tussen licht en donker, staat in schril contrast met de subtiele grisaille-techniek van de vroege Renaissance – elke methode biedt een universum aan artistieke mogelijkheden.
Zonnebloemen van Vincent van Gogh
Maar wat kunnen hedendaagse kunstenaars leren van deze oude meesters? Veel meer dan alleen technische vaardigheden. Hun methodische aanpak, hun begrip van licht en schaduw, hun geduld bij het opbouwen van lagen – dit alles vormt de basis van een tijdloze picturale compositie die ook vandaag de dag nog relevant is.
De basisprincipes van olieverfschilderen begrijpen
De schilder moet niet alleen schilderen wat hij voor zich ziet, maar ook wat hij in zichzelf ziet. Maar als hij niets in zichzelf ziet, dan moet hij zich onthouden van het schilderen van wat hij voor zich ziet
— Caspar David Friedrich , Duitse romantische landschapsschilder, meester van licht en symboliek
De basisprincipes begrijpen betekent de taal van de olieverfschilderkunst leren. Zonder deze basis blijft zelfs het grootste artistieke talent sprakeloos.
Wat is olieverfschilderen?
Olieverfschilderen werkt volgens een eenvoudig principe: pigmenten worden gemengd met drogende oliën als bindmiddel en aangebracht op geprepareerde oppervlakken. Lijnolie, walnootolie en maanzaadolie vormen de basis van deze techniek, aangevuld met saffloerolie en zonnebloemolie. Deze combinatie geeft olieverf de karakteristieke consistentie en ongeëvenaarde bewerkbaarheid.
beschouwd als het "klassieke hoogtepunt" van de schilderkunst, staan bekend om hun ongeëvenaarde duurzaamheid en kleurbriljantie. Hoewel Europa deze techniek al sinds de 13e eeuw kent, zijn er in het Nabije Oosten al sporen van te vinden die teruggaan tot de 7e eeuw.
Jan van Eyck , de 15e-eeuwse Nederlandse meester, behoort tot de belangrijkste pioniers van deze schildertechniek. Zijn vernieuwingen legden de basis voor een ontwikkeling die al eeuwenlang kunstenaars van elke stijl inspireert.
De Arnolfini-bruiloft van de Vlaamse schilder Jan van Eyck
Waarom is de droogtijd zo belangrijk?
Het cruciale verschil zit hem in het droogproces. Olieverf droogt door zuurstof van het oppervlak naar de drager te absorberen – een chemisch proces waardoor de verf urenlang "open" blijft. Deze eigenschap maakt correcties en herwerkingen mogelijk die met andere schildertechnieken ondenkbaar zouden zijn.
Verschillende factoren hebben een aanzienlijke invloed op de droogtijd:
Het type oliën dat gebruikt wordt
De gebruikte pigmenten
De ondergrond
Klimatologische omstandigheden
De laagdikte
Het verschillende drooggedrag van de pigmenten is bijzonder fascinerend. Kobalt, ijzercyanideblauw en natuurlijke aardpigmenten drogen binnen 1-2 dagen, terwijl roet en dioxazine ongeveer 14 dagen nodig hebben. Titaan- en zinkpigmenten, met een droogtijd van 3-5 dagen, vallen daar tussenin.
Het duurt ongeveer een jaar voordat een olieverfschilderij volledig droog is – vooral als er dikke verf is aangebracht. Deze eigenschap is zowel een zegen als een vloek: het biedt de mogelijkheid tot uitgebreide revisies, maar kan ongeduldige kunstenaars tot wanhoop drijven.
regel 'vet op mager' uitgelegd
"Vet op mager" – deze basisregel bepaalt het succes of falen van een olieverfschilderij. Elke nieuwe verflaag moet olieachtiger zijn dan de vorige. De reden hiervoor ligt in de chemie van het droogproces.
Olieverf droogt niet door verdamping zoals aquarelverf, maar door een chemische reactie met zuurstof. Tijdens dit proces zwelt de verf op. Een dunne laag op een vettig oppervlak leidt onvermijdelijk tot barsten, omdat de bovenste laag scheurt wanneer de onderste laag droogt.
De praktische toepassing is eenvoudig: begin met verdunde, magere lagen en verhoog geleidelijk het oliegehalte. Bij het schilderen in lagen kun je beginnen met 100% oplosmiddel en vervolgens steeds meer olie toevoegen. Wie deze regel negeert, riskeert gebarsten of afbladderende verflagen.
Wat heb je nodig voor olieverfschilderen?
De basisuitrusting die nodig is om te beginnen, is beheersbaar:
Olieverf : 6-8 kleuren zijn voldoende om mee te beginnen. De primaire kleuren rood, geel en blauw, plus zwart en wit, vormen de basis.
Kwasten : Diverse maten en vormen, aangepast aan het te schilderen oppervlak.
Schilderondergrond : Geprepareerd canvas, schilderskarton of speciaal olieverfpapier.
Accessoires : Mengpalet, schildersmes, oplosmiddelen zoals terpentine, schildermediums zoals lijnolie en vernis voor afwerking.
Olieverf wordt onderverdeeld in kunstenaarsverf met een hoger pigmentgehalte en meer betaalbare atelierverf. Kunstenaarsverf is duurder, maar het mengen ervan is voorspelbaarder en de verf is zowel duurzamer als lichtechter.
Met deze uitrusting en een goed begrip van de basisprincipes staat niets een entree in de fascinerende wereld van de olieverfschilderkunst in de weg.
Voorbereidende technieken van de oude meesters
De uitzonderlijke kwaliteit en blijvende waarde van meesterwerken van Rembrandt, Leonardo da Vinci of Jan van Eyck berusten op meer dan alleen artistiek talent. Hun methodische voorbereiding van elke afzonderlijke stap vormde de onzichtbare basis voor schilderijen die eeuwenlang zouden voortbestaan. Deze nauwgezetheid was geenszins een doel op zich, maar eerder een weloverwogen strategie.
Christus in de storm op het Meer van Galilea (1633) van Rembrandt
Ondersteuning als hulpmiddel bij de compositie
Rembrandt begon zijn werken altijd met losse voorstudies op een getinte ondergrond. Deze onderschildering, ook 'onderlijnen ' genoemd, legde de basis voor de compositie en de toonwaarden vast. Hij gebruikte vaak monochrome grisaille-onderschilderingen om de verhoudingen tussen licht en schaduw te definiëren voordat de kleuren werden aangebracht.
Het effect van deze techniek wordt pas zichtbaar in het voltooide werk: de tinten van de onderlaag schijnen door de daaropvolgende lagen heen, wat het algehele effect aanzienlijk beïnvloedt. Een grijze onderlaag laat lichte vlakken levendiger lijken, terwijl een donkere onderlaag meer diepte creëert. Rode tinten in de onderlaag versterken oranje vlakken, terwijl groene tinten rode vlakken verzachten.
Deze eerste laag werd altijd aangebracht met een losse, vlakke schildertechniek – als glazuurlaag of als een halfdekkende laag. De meesters vermeden impasto-penseelstreken in dit stadium, omdat dergelijke texturen afleidend zouden zijn en zichtbaar zouden blijven in latere lagen.
Primer voor betere hechting
"Een schilderij is slechts zo duurzaam als de drager ervan" – de oude meesters namen dit oude gezegde zeer serieus. Rembrandt gaf de voorkeur aan een tweelaagse ondergrond: eerst een basislaag van roodbruine pigmenten, gevolgd door een lichtere mix van loodwit, houtskool en oker. Deze tweekleurige ondergrond bepaalde al de fundamentele sfeer van zijn werken.
De verf werd in een cirkelvormige beweging aangebracht, vanuit het midden van het schilderij naar de randen. Deze methode voorkwam dat het doek kromtrok, omdat de primer ervoor zorgde dat het gelijkmatig kromp en uitzette. Zonder deze zorgvuldige voorbereiding zou de olieverf in het oppervlak trekken en het bindmiddel uitputten – met rampzalige gevolgen voor de duurzaamheid van het schilderij.
Schetsen en toonstudies
Voordat de eerste penseelstreken het eigenlijke schilderij raakten, werden talloze voorstudies gemaakt. Toonstudies in monochrome grijstinten trainden het oog voor subtiele variaties in licht en schaduw. Deze focus op contrasten en overgangen, zonder de afleiding van kleur of patroon, vormde de basis voor het latere realisme van haar werken.
De contouren werden eerst ruw geschetst met houtskool en vervolgens licht vervaagd, waardoor alleen vage lijnen zichtbaar bleven. Door deze houtskooltekening zorgvuldig weg te borstelen, bleef de olieverf die er later op werd aangebracht onveranderd.
Deze methodische voorbereidingen lijken misschien tijdrovend, maar ze legden de solide basis waarop de meesterwerken uit de kunstgeschiedenis konden worden gebouwd. Zelfs vandaag de dag bieden deze beproefde technieken hedendaagse kunstenaars waardevolle inzichten voor hun eigen werk.
Overzicht van klassieke schildertechnieken
Zes klassieke technieken vormen de kern van de olieverfschilderkunst. Elke methode opent een eigen wereld van expressie en werd door de oude meesters tot in de perfectie ontwikkeld.
Alla prima: Direct schilderen in één sessie
Frans Hals bracht een revolutie teweeg in de schilderkunst met zijn directe, onstuimige penseelstreken. Zijn alla prima-techniek – van het Italiaanse "naar de eerste" – zette het traditionele proces van het opbouwen van lagen volledig op zijn kop. In plaats van wekenlange voorbereiding werd het schilderij in één enkele, spontane en krachtige sessie gecreëerd.
Frans Hals – Willem Croes (tussen 1662 en 1666, locatie: Alte Pinakothek, München)
Deze methode vereist moed en vastberadenheid. Zonder voorbereidende schetsen of onderschildering wordt de verf direct op het doek aangebracht. De impressionisten erkenden de mogelijkheden van deze techniek voor hun experimenten met licht – geen wonder dat Monet zijn waterlelies alla prima schilderde om vluchtige lichteffecten vast te leggen.
Glazuurtechniek: De alchemie van het licht
Rembrandts geheim lag in zijn glazuurtechniek . Laag na laag, zo dun als vloeipapier, bouwde hij zijn schilderijen op. Licht dringt door deze transparante verflagen heen, wordt weerkaatst en creëert die mystieke diepte die zijn portretten onsterfelijk maakte.
Geduld is de sleutel. Elke laag moet volledig drogen voordat de volgende wordt aangebracht. Deze techniek verklaart waarom het maanden duurde om één schilderij van Rembrandt te voltooien – en waarom het na 400 jaar nog steeds zo helder straalt.
Nat op nat: poëzie van de fusie
Wanneer kleuren dansen, gebeurt er magie. Bij de nat-op-nat-techniek mengen vochtige verfstoffen zich direct op het doek, waardoor overgangen van dromerige zachtheid ontstaan. Deze methode vereist intuïtie – te veel kleuren kunnen de levendigheid temperen – maar als je de techniek eenmaal beheerst, creëer je sferen van bovenaardse schoonheid.
Impasto: Wanneer verf een sculpturaal materiaal wordt
Van Gogh stapelde verf op zoals een beeldhouwer klei opstapelt. Zijn impasto-textuur ving het licht op en transformeerde platte doeken in driedimensionale landschappen. Het Italiaanse woord "impasto" betekent deeg – en inderdaad, Van Goghs zonnebloemen lijken op gebakken reliëfs vol leven en beweging.
Titian, Rembrandt en later Monet beheersten deze techniek. Paletmessen en grove penselen werden hun instrumenten om licht, schaduw en emotie in drie dimensies te creëren.
Grisaille: De kracht van reductie
Grijs kan spreken. De grisaille-techniek beperkt zich bewust tot tinten grijs, zwart en wit, en richt de aandacht op de essentie: vorm, licht en compositie. Het diende vaak als onderlaag voor latere kleurlagen, maar sommige meesters voltooiden complete werken met dit beperkte kleurenpalet.
Chiaroscuro: een drama van licht en duisternis
Rond 1600 ontwikkelde Caravaggio een beeldtaal met revolutionaire kracht. Zijn clair-obscur – de Italiaanse term voor 'licht en donker' – katapulteerde figuren vanuit de diepste duisternis naar een oogverblindend licht. Deze techniek werd de taal van het drama en werd overgenomen door Rembrandt, Georges de la Tour en Diego Velázquez.
De meest extreme vorm van clair-obscur werd tenebrismo – schilderen van duisternis, waarbij slechts enkele lichtpuntjes door de duisternis heen breken en verhalen vertellen met een beklijvende intensiteit.
Gereedschap en de toepassing ervan
De juiste gereedschappen bepalen het karakter van een olieverfschilderij. Het verschil tussen een middelmatig en een uitmuntend kunstwerk zit hem vaak alleen in de bewuste keuze van penselen, paletmessen en andere gereedschappen.
Kwastensoorten en hun effecten
Vier basissoorten penselen definiëren olieverfschilderkunst: platte penselen , ronde penselen , filbertpenselen en waaierpenselen . Elk type creëert een eigen, kenmerkende stijl. Penselen van varkenshaar verwerken moeiteloos de dikke consistentie van olieverf en laten die levendige texturen achter die schilderijen energie geven. Voor precieze details gebruiken kunstenaars zachte marterhaar- of bunzingpenselen – deze glijden soepel over het doek en maken de fijnste lijnen mogelijk.
Kwasten ontwikkelen na verloop van tijd een eigen karakter. Nieuwe kwasten zorgen voor egale kleurvlakken, terwijl gebruikte kwasten juist onregelmatige, levendige strepen achterlaten. Deze patina maakt ze tot gewaardeerd gereedschap voor ervaren schilders. Door ze na elk gebruik met terpentine te behandelen, verleng je hun levensduur.
Schildersmes voor textuur en structuur
Schildersmessen zijn veel meer dan alleen gereedschap – het zijn instrumenten van creatie. Het houten handvat, het flexibele roestvrijstalen lemmet, de hoekige vorm: alles heeft een functie. Door de hand parallel aan het doek te houden, kan de verf gecontroleerd worden aangebracht en kunnen spontaan texturen worden gecreëerd.
Deze veelzijdige gereedschappen doen meer dan alleen kleuren mengen op het palet. Ze brengen dikke verf aan, schrapen delen weg, trekken scherpe lijnen of creëren texturen. De combinatie van penseelstreken en paletmes-technieken in één werk zorgt voor boeiende contrasten – een methode die meesterlijk werd toegepast door Courbet en later door de impressionisten.
Pallets en mengtechnieken
Het klassieke houten palet in DIN A4-formaat blijft de standaard, hoewel moderne alternatieven van plastic of papieren wegwerppallets praktische voordelen bieden. Voor beginners wordt een wit palet aanbevolen – hiermee kan de kleur het meest nauwkeurig worden beoordeeld.
Olieverf wordt niet geroerd, maar met de platte kant van een mes in een heen-en-weergaande beweging uitgespreid. Deze techniek voorkomt luchtbellen en behoudt de kleurintensiteit. Voor meer vloeiende glazuurtechnieken zijn kleine glazen bakjes geschikter dan een groot palet.
van je palet is niet alleen praktisch, maar ook artistiek essentieel. Opgedroogde verfresten vervuilen verse mengsels en verminderen de levendigheid van de kleuren. Een doekje en een beetje terpentine is alles wat je nodig hebt – idealiter direct na het schilderen, terwijl de verf nog zacht is.
Wat we kunnen leren van de oude meesters
De overvloed die ik ervaar, komt van de natuur, de bron van mijn inspiratie.”
— Claude Monet , Franse schilder , grondlegger van het impressionisme
De oude meesters bieden ons, naast hun technische vaardigheden, inzicht in tijdloze principes van picturale compositie. Hun aanpak werd gekenmerkt door methodische zorgvuldigheid en een onvermoeibare zoektocht naar artistieke perfectie – kwaliteiten die nog steeds elke serieuze kunstenaar kunnen inspireren.
Observatie van licht en schaduw
Al in de 15e eeuw Leonardo da Vinciluce – het invallende licht – en lumen , het licht dat van het verlichte object zelf uitstraalt. Zijn beroemde sfumato-techniek, met zijn vervaagde contouren, creëerde die rokerige, mistige sfeer die kijkers tot op de dag van vandaag nog steeds boeit.
De dame met de hermelijn van Vincent van Gogh – reproductie van museumkwaliteit
Caravaggio daarentegen ontwikkelde het dramatische tenebrismo: hard, geconcentreerd licht accentueert zijn figuren vanuit de duisternis en onthult innerlijke spanningen met theatrale kracht. Rembrandt gebruikte op zijn beurt clair-obscur-effecten om de emotionele toestand van zijn geportretteerde personen zichtbaar te maken. Elk van deze meesters begreep licht niet louter als een technisch element, maar als een taal van emotie.
Narcissus van Michelangelo Merisi Caravaggio, een treffend voorbeeld van tenebrisme in de barokschilderkunst
Geduld en gelaagdheid
Wat ze allemaal gemeen hadden, was hun methodische, gelaagde aanpak. Nadat elke laag volledig was opgedroogd, zorgde het aanbrengen van glazuur voor die fascinerende diepte van licht die olieverfschilderijen hun bijzondere helderheid geeft. Maanden konden worden besteed aan het werken aan één enkel werk – een geduld dat in onze snelle tijd bijna anachronistisch lijkt.
Deze techniek vergde niet alleen tijd, maar ook discipline. Tussendoor waren droogperiodes essentieel om te voorkomen dat de verf ging 'modderen' . Een les in zelfbeheersing die veel verder reikt dan alleen de schilderkunst.
Kleurkeuze en symboliek
Natuurlijke pigmenten schitterden onder de microscoop als een sterrenhemel bestaande uit talloze kristallen. Hun buitengewone glans ontstond door een sterkere lichtreflectie; bovendien waren ze aanzienlijk lichtechter dan kunstmatige pigmenten. Middeleeuwse kunstenaars brachten hun kleuren puur en ongemengd aan – een puurheid die strikte symbolische regels volgde.
Jezus verscheen met een gouden aureool, Maria en Christus droegen rode en blauwe gewaden, terwijl Judas in het geel werd afgebeeld. Deze kleursymboliek was niet toevallig, maar onderdeel van een visuele taal die elke toeschouwer begreep.
Technologie als uitdrukkingsmiddel
Michelangelo, Rubens, Leonardo da Vinci – ieder ontwikkelde zijn eigen 'recept ', zijn eigen onmiskenbare stijl. Voor hen was vakmanschap nooit een doel op zich, maar eerder een middel tot artistieke expressie. De voorbereidende schets vormde vaak de helft van het werk bij het maken van een schilderij en bepaalde in belangrijke mate de schilderkunstige kwaliteit ervan.
Deze meesters leren ons: technologie zonder visie blijft leeg, terwijl visie zonder vakmanschap machteloos is. Alleen de combinatie van beide elementen creëert tijdloze kunst.
De tijdloze wijsheid van olieverfschilderen
Waarom blijven sommige kunstwerken eeuwenlang bewaard, terwijl andere in de vergetelheid raken? Het antwoord ligt niet alleen in de gekozen techniek, maar ook in hoe kunstenaars die beheersen en gebruiken voor hun expressie. Olieverf, met zijn unieke veelzijdigheid, biedt een instrument dat zowel spontane alla prima-werken als zorgvuldig geplande glazuurtechnieken mogelijk maakt, die maandenlang worden ontwikkeld.
Wat de Oude Meesters onderscheidde, was hun compromisloze toewijding aan kwaliteit. Elke stap in het proces – van de grondlaag tot de uiteindelijke glazuurlaag – werd nauwgezet gepland. Deze methodische aanpak onderscheidt meesterwerken van louter oefeningen. Rembrandt besteedde maanden aan één enkel portret; Caravaggio perfectioneerde zijn dramatische gebruik van licht door talloze studies.
Chiaroscuro, grisaille, impasto – deze technieken zijn veel meer dan historische curiositeiten. Ze vormen een levendige beeldtaal van artistieke expressie die tot op de dag van vandaag haar kracht uitoefent. Elke methode vertelt zijn eigen verhaal over licht en schaduw, textuur en diepte.
Maar de meest waardevolle schat die de oude meesters ons hebben nagelaten, gaat alle technologie te boven: hun observatievermogen. Leonardo da Vinci's precieze onderscheid tussen invallend en weerkaatst licht, Rembrandts psychologisch inzicht in zijn modellen – deze kwaliteiten komen niet alleen voort uit penseel en verf.
Wie vandaag de dag begint met olieverfschilderen, stapt in een eeuwenoude traditie. De gereedschappen zijn misschien veranderd, maar de fundamentele principes blijven hetzelfde. Geduld bij het opbouwen van lagen, respect voor het materiaal, eerbied voor het licht – deze deugden van de oude meesters leiden ook vandaag de dag nog tot indrukwekkende resultaten.
Olieverfschilderen vergt toewijding en tijd. In ruil daarvoor biedt het de kunstenaar mogelijkheden die geen enkele andere techniek biedt: het vermogen om sfeer vast te leggen, emoties zichtbaar te maken en licht te laten spreken. Elk uur studie, elke druppel vernis is een investering in deze tijdloze kunstvorm.
Voor meer informatie, instructies en beginnersgidsen over olieverfschilderen raden we de volgende bronnen aan:
Eigenaar en directeur van Kunstplaza. Publicist, redacteur en gepassioneerd blogger op het gebied van kunst, design en creativiteit sinds 2011. Afgestudeerd in webdesign aan de universiteit (2008). Verdere creatieve ontwikkeling via cursussen in vrijhandtekenen, expressief schilderen en theater/acteren. Diepgaande kennis van de kunstmarkt opgedaan door jarenlang journalistiek onderzoek en talloze samenwerkingen met belangrijke spelers en instellingen in de kunst- en cultuursector.
bevat ook de kunstwereld een schat aan vakspecifieke terminologie, uitdrukkingen, afkortingen en vreemde woorden.
In dit gedeelte willen we u kennis laten maken met enkele van de belangrijkste en meest voorkomende termen.
leer je meer over en verdiep je je begrip van een breed scala aan informatie, definities, liturgische termen, aantekeningen, gangbare technische termen en hun afkortingen, evenals concepten uit de kunsttheorie, kunstgeschiedenis
De kunststijl of de stijl van kunstwerken verwijst naar de uniforme uitdrukking van de kunstwerken en culturele producten van een tijdperk, een kunstenaar of groep kunstenaars, een kunststroming of kunstschool.
Dit is een instrument voor het classificeren en systematiseren van de diversiteit aan kunst. Het duidt op overeenkomsten die van elkaar verschillen.
De term is thematisch verwant aan de kunstperiode , maar is niet beperkt tot een specifiek tijdsbestek en is daarom veel omvattender.
In dit onderdeel willen we u helpen om stijlen en stromingen in de kunst beter te begrijpen.
We gebruiken technologieën zoals cookies om apparaatinformatie op te slaan en/of te raadplegen. Dit doen we om uw browse-ervaring te verbeteren en (niet-)gepersonaliseerde advertenties weer te geven. Als u instemt met deze technologieën, kunnen we gegevens zoals surfgedrag of unieke ID's op deze website verwerken. Weigering of intrekking van toestemming kan bepaalde functies en mogelijkheden negatief beïnvloeden.
Functioneel
altijd actief
Technische opslag of toegang is strikt noodzakelijk voor het rechtmatige doel om het gebruik van een specifieke dienst mogelijk te maken die uitdrukkelijk door de abonnee of gebruiker is aangevraagd, of uitsluitend voor het verzenden van een bericht via een elektronisch communicatienetwerk.
Voorkeuren
De technische opslag of toegang is noodzakelijk voor het rechtmatige doel van het opslaan van voorkeuren die niet door de abonnee of gebruiker zijn aangevraagd.
statistieken
Technische opslag of toegang die uitsluitend voor statistische doeleinden is.Technische opslag of toegang die uitsluitend wordt gebruikt voor anonieme statistische doeleinden. Zonder een gerechtelijk bevel, de vrijwillige toestemming van uw internetprovider of aanvullende registratie door derden, kan de voor dit doel opgeslagen of opgevraagde informatie over het algemeen niet worden gebruikt om u te identificeren.
marketing
Technische opslag of toegang is vereist om gebruikersprofielen aan te maken, advertenties te versturen of de gebruiker te volgen op een of meer websites voor soortgelijke marketingdoeleinden.
J-Line decoratief schaap, metaal/polyhars, wit met gouden accenten
49,90 €
