Barokmuziek – Kenmerkende eigenschappen van het klassieke muziektijdperk

De barokstijl beperkte zich niet tot schilderkunst, beeldhouwkunst en architectuur. Naast meesters van de barokschilderkunst, zoals Caravaggio en Peter Paul Rubens, barokbeeldhouwkunst en barokarchitectuur (vooral kerkgebouwen), was klassieke muziek een bijzonder prominente vorm van barokkunst in de 17e en 18e eeuw.

De barokperiode (1600-1750)

De barokperiode in de muziek – ook wel bekend als het basso continuo-tijdperk – duurde van ongeveer 1600 tot 1750. Deze periode wordt beschouwd als onderdeel van de vroege muziek en werd voorafgegaan door de renaissance. De klassieke periode volgde op de barok.

De barokstijl wordt gekenmerkt door de introductie van de basso continuo in veel composities en verspreidde zich gedurende de 17e eeuw over heel Europa, waarbij vooral in Duitsland, Italië, Frankrijk en Engeland opmerkelijke barokcomponisten actief waren.

De twee beroemdste barokcomponisten zijn de Duitse vertegenwoordigers Johann Sebastian Bach en George Frideric Handel. Andere Duitse barokcomponisten zijn Dieterich Buxtehude (1637-1707), Johann Pachelbel (1653-1706) en Georg Philipp Telemann (1681-1767).

Tot de Engelse barokcomponisten behoren Byrd en Purcell. In Italië onderscheidden Monteverdi, Corelli, Vivaldi en Scarlatti zich. Prominente Franse vertegenwoordigers van de barok waren Lully, Couperin en Rameau.

Het barokmuziektijdperk (zie het artikel "Barokmuziek - kenmerken en voorbeelden" op https://online-musik24.com/ ) kan grofweg in drie fasen worden verdeeld:

• Vroege barok (circa 1600 tot 1650) – onder Italiaanse dominantie
• Hoogbarok (ongeveer 1650 tot 1710) – met aanzienlijke Franse invloeden
• Late barok (circa 1710 tot 1750) – geïnspireerd door regionale stijlen

de oprichting van de opera valt binnen dit tijdperk . solozang als instrumentale muziek met vocale begeleiding vonden hun weg naar de grote Europese podia.

Wat kenmerkt de barokperiode? De belangrijkste kenmerken van barokmuziek

De volgende video's geven een korte introductie tot het baroktijdperk :

Een meer gedetailleerde bijdrage vanuit het perspectief van een muzikant wordt geleverd door YouTuber Fabian Zirkler:

De hernieuwde belangstelling voor de uitgebreide dramatische en retorische mogelijkheden van muziek leidde in de barokperiode tot een overvloed aan nieuwe klankidealen.

1. Focus op dynamiek

verving pianoforte het klavecimbel als het belangrijkste toetsinstrument. De piano sloeg de snaren aan met met vilt beklede hamers, terwijl het klavecimbel de snaren tokkelde.

Dit bracht de nieuwe stilistische mogelijkheid met zich mee om zowel zacht als luid te spelen, wat nieuwe dynamische speelstijlen mogelijk maakte.

Andere nieuwe barokinstrumenten, zoals de ventieltrompet en de viool, beschikten ook over een enorm dynamisch potentieel. Instrumenten die in de Renaissance gangbaar waren, zoals de luit, werden nog steeds bespeeld, maar hun populariteit nam merkbaar af door de opkomst van nieuwere, dynamischere alternatieven.

2. Contrast als dramatisch element

Om dynamiek te creëren, zijn contrasten een belangrijk element in het drama van een barokcompositie. De verschillen tussen hard en zacht, solo en ensemble (zoals in een concert), verschillende instrumenten en klankkleuren spelen een prominente rol in veel barokcomposities.

Componisten begonnen ook de instrumentatie preciezer en complexer te maken, waarbij ze vaak van tevoren aangaven op welke instrumenten een stuk gespeeld moest worden, in plaats van de keuze aan de uitvoerder over te laten.

Instrumenten met een heldere klank, zoals de trompet en de viool, werden ook steeds populairder.

3. Instrumentale muziek en de klankkenmerken ervan

Vóór de barokperiode was zang nauw verbonden met muziek. Vocale elementen werden vaak gebruikt in liturgische contexten.

Hoewel barokcomponisten nog steeds vocale elementen verwerkten in de vorm van koren, cantates en opera's, werd puur instrumentale muziek steeds populairder. Enkele van de bekendste barokmuziekstukken, zoals Vivaldi's "De Vier Seizoenen" of Bachs "Brandenburgse Concerten", zijn wellicht de beroemdste instrumentale werken uit dit tijdperk.

Door de hernieuwde belangstelling van de afgelopen decennia hebben wetenschappers en musici talloze uren besteed aan het uitzoeken welke klankkenmerken typisch en onderscheidend waren voor de muziek van de 17e en 18e eeuw.

Haar werk heeft enkele opmerkelijke verschillen tussen barokke en moderne ensembles :

3.1. Pitch

In 1939 kwamen moderne orkesten overeen om te stemmen op een gestandaardiseerde toonhoogte van a' = 440 Hz (de noot A met een frequentie van 440 Hertz). Dit verving een eerdere, lagere toonhoogte (a' = 435 Hz) die in 1859 was vastgesteld.

Vóór 1859 bestond er echter geen standaard toonhoogte. De toon waarop barokensembles stemden, varieerde daarom aanzienlijk in verschillende tijden en op verschillende plaatsen.

Daardoor klonk de muziek die in een partituur was opgeschreven mogelijk een halve toon lager dan tegenwoordig.

3.2. Klankkleur

Sommige prominente leden van een barokorkest zijn niet meer vertegenwoordigd in moderne ensembles. Het klavecimbel was het belangrijkste toetsinstrument en een belangrijk onderdeel van de continuo-groep .

Hoewel belangrijke instrumenten zoals de luit en de viool ook in de 16e en 17e eeuw nog steeds werden gebruikt, geven moderne varianten van deze instrumenten een modern barokensemble een andere klank dan in die tijd.

Snaarinstrumenten zoals de viool, altviool en cello gebruikten vroeger darmsnaren in plaats van de metalen snaren waarmee ze tegenwoordig zijn uitgerust. Deze verandering geeft de snaarinstrumenten een zachtere, zoetere klank.

3.3. Ontwerp en technologie

Een barokpartituur bevat weinig tot geen informatie over elementen zoals articulatie , versiering of dynamiek .

Moderne ensembles moeten daarom vóór elk optreden weloverwogen beslissingen nemen.

Mechanische verschillen tussen barokinstrumenten en moderne instrumenten suggereren ook dat de oudere instrumenten anders zouden hebben geklonken. Daarom passen ensembles zoals Music of the Baroque hun speeltechniek vaak aan om dit mogelijk te maken.

Omdat barokke en moderne strijkstokken structureel verschillen, gebruiken strijkers die moderne strijkstokken gebruiken vaak een zachtere aanslag op de snaren en crescendo's en diminuendo's bij langere noten.

Vingervibrato (een techniek waarbij een strijker zijn vingertop op de snaar laat trillen om de toon te verrijken) werd spaarzamer gebruikt, terwijl strijkstokvibrato ( een golvende beweging van de strijkstok) de voorkeur genoot.

4. Ornamentatie, versieringen en expressie

De muzikale taal en melodievorming waren gebaseerd op een rijk systeem van klankfiguren die probeerden menselijke emotionele toestanden weer te geven.

Net als de architectuur en beeldhouwkunst van dit tijdperk, wordt barokmuziek gekenmerkt door ornamentatie, verfraaiing en flair. Zelfs de eenvoudigste melodieën werden vaak versierd met muzikale ornamenten zoals trillers , acciaccatura's (korte appoggiatura's), appoggiatura's (lange appoggiatura's), mordenten (korte trillers) en wendingen (dubbele appoggiatura's).

5. Monodie en Basso Continuo

In vroegere muziekperioden bestond een muziekstuk meestal uit een enkele melodie, eventueel met een geïmproviseerde begeleiding, of uit meerdere melodieën die tegelijkertijd werden gespeeld.

begonnen 'melodie' en 'harmonie' vorm te krijgen. In een poging om vroege muziek na te bootsen, richtten componisten zich minder op de complexe polyfonie die de 15e en 16e eeuw domineerde en meer op een enkele stem met een vereenvoudigde begeleiding, ofwel de zogenaamde monodie .

Muziek werd nu gezien als een vorm van retoriek die een sterke spreker vereiste. Wie zou daar beter geschikt voor zijn dan een centrale vocale solist?.

De nieuwe samensmelting van emotionele expressie en solozang komt duidelijk en ondubbelzinnig tot uiting in Monteverdi's voorwoord bij het "Combattimento di Tancredi e Clorinda" uit zijn achtste boek "Madrigalen" (1638). Daarin schrijft hij: "Het lijkt mij dat de voornaamste hartstochten of neigingen van onze geest er drie zijn: woede, gelijkmoedigheid en nederigheid. Filosofen zijn het erover eens dat de aard van onze stem, met zijn hoge, lage en middenregister, dit weerspiegelt."

De vroege opera's zijn een uitstekend voorbeeld van deze nieuwe interpretatie van dramaturgie en esthetiek.
Naast de focus op één enkele melodie de basso continuo- notatie als een doorlopende, samenhangende baslijn.

Deze vorm van muzieknotatie bevat een complete baslijn, meestal gespeeld door een cello in een barokensemble. Een speler van een toetsinstrument, zoals een klavecimbel of piano, improviseert vervolgens akkoorden in becijferde basnotatie.

Solo-organisten spelen de basso continuo-notatie vaak volledig zelf.

Omdat de basso continuo, ofwel becijferde bas, tot het einde van de barokperiode de standaard bleef, wordt dit tijdperk soms ook wel het 'Tijdperk van de Becijferde Bas' .

Meesterwerken van barokmuziek

Meer informatie

Een tijdperk dat zo belangrijk en invloedrijk is voor de hedendaagse muziek als de barok, kan in een artikel als dit slechts kort worden aangestipt. Ik hoop dat ik u een beter begrip heb kunnen geven van de essentiële kenmerken van de muziek uit deze periode en dat ik uw interesse heb gewekt in de rijke wereld van barokke muziekcomposities.

Dan heb je waarschijnlijk nog veel meer vragen. De volgende bronnen kunnen je daarbij helpen:

Welke componisten leefden tijdens de barokperiode? → Het artikel "De muziek van de barok" van WebHistoriker brengt de meest prominente en belangrijke vertegenwoordigers van de barokmuziek op een heldere en beknopte manier samen.

Hoe wordt barokmuziek gespeeld? → Het artikel "Gids voor barokmuziek: een korte geschiedenis van de barokmuziek" geeft meer informatie over de muzikale vorm van de muziek en biedt talloze masterclasses om de specifieke speelstijl van dit tijdperk direct te leren.