De weg naar een waar kunstwerk – een gids voor amateurkunstenaars

De schilderkunst biedt ruimte voor creatieve expressie. Zorgvuldige materiaalkeuze, inzicht in compositieprincipes en de ontwikkeling van een uniek artistiek perspectief zijn essentiële elementen voor het creëren van ontroerende kunstwerken.

Continu leren en geduldig onderzoeken transformeren uitdagingen in verrijkende ervaringen, die uiteindelijk worden beloond met uitstekende resultaten.

Maar waar moeten beginners op letten om een ​​uitstekend eindresultaat te behalen? De volgende paragrafen geven daar antwoord op.

Ook absolute beginners die een carrière als schilder willen beginnen, zullen dit boek zeer nuttig vinden. Tijdens het schrijven hiervan dacht ik na over wat ik zou doen als ik helemaal opnieuw zou moeten beginnen met schilderen.

01 Bedenk waarom je begint met schilderen en wat je ervan verwacht

Denk eerst goed na over waarom je wilt beginnen met schilderen en wat je ermee hoopt te bereiken. Doe dit voordat je investeert in schildersbenodigdheden en begint met het aanbrengen van verf op een doek.

Jouw inzichten bepalen je aanpak en welke leergebieden je prioriteit moet geven. Ik geloof niet dat iedereen een vast leerpad heeft om een ​​meester-schilder te worden. Iedereen beschikt over verschillende aangeboren talenten, interesses en aanleg die het optimale leerproces bepalen.

Sommige mensen missen het geduld om te gaan zitten en elke tint en nuance van een onderwerp getrouw weer te geven. Daardoor zijn ze wellicht beter in staat om de kleuren en penseeltechniek van de impressionisten over te nemen dan de veeleisende technieken van de Russische academische schilders.

Of misschien wilt u gewoon een aangenaam tijdverdrijf of een lonende hobby. In dat geval zult u geen ambities hebben om in de commerciële kunstwereld terecht te komen. In zo'n situatie geeft u wellicht de voorkeur aan een meer ontspannen benadering van uw leerproces.

Je kunt er ook voor kiezen om een ​​meesterlijk realistisch schilder te worden, zoals Julien Dupré of John Singer Sargent . Om dit doel ook maar enigszins te benaderen, zul je een toegewijd en intensief trainingsprogramma moeten volgen. Dit programma moet zich richten op tekenen en andere fundamentele aspecten van de schilderkunst (kleur, licht-donkercontrast, compositie, enz.).

02 Kies je medium – acrylverf, olieverf, aquarelverf of iets anders

In ieder geval voor de nabije toekomst is het verstandig om je op één medium te concentreren . Zo kun je het medium echt ervaren en je vervolgens meer richten op de algemene kenmerken van de schilderkunst, zoals kleur, compositie, expressie, enzovoort.

De belangrijkste beslissingen betreffen de keuze tussen olieverf , acrylverf en aquarelverf . Hoewel ik ze in deze handleiding niet zal bespreken, zijn er ook andere opties zoals gouache , tempera, pastel en watermengbare olieverf.

Er is geen goed of fout antwoord. Elk medium heeft zijn eigen specifieke voor- en nadelen. Hier volgt een korte introductie van de verschillende media om je te helpen bij je keuze:

a. Acrylverf: De ideale keuze voor beginners

Acrylverf is vooral populair bij mensen die net beginnen met kunst, omdat het gemakkelijk te gebruiken is en geen speciaal gereedschap vereist. Het nadeel is de snelle droogtijd.

Acrylverf is misschien wel iets voor jou als…

• … je bent een absolute beginner en wilt je niet verdiepen in de fijne kneepjes van olieverf- en aquarelverf.
• … je korte schoonmaak- en opruimtijden .
• …Ze hebben te maken met een beperkt budget.
• … je vindt het erg leuk om met mixed media te werken (verschillende materialen te combineren).
• …Ze zijn gevoelig voor de chemicaliën die in olieverfschilderijen worden gebruikt.

Acrylverf heeft ook een aantal nadelen :

• De verf droogt vrij snel. Dit betekent dat je maar een beperkte tijd hebt waarin de verf goed op het doek hecht.
• Sommige kleuren worden donkerder tijdens het drogen; lichtere kleuren vertonen vaak meer veranderingen.

Vele jaren geleden gebruikte ik voor het eerst acrylverf. Gefrustreerd door de snelle droogtijd ben ik uiteindelijk overgestapt op olieverf. Maar als beginner was acrylverf uitstekend om de basis van schildervaardigheden te leren. Er zijn ook toevoegingen voor acrylverf die de droogtijd kunnen vertragen.

De Draw Paint Academy is al jaren een uitstekende bron voor beginners en nieuwkomers in de schilderkunst. Ze bieden talloze geweldige tutorials en handleidingen voor aspirant-kunstenaars, zowel op hun website en in online cursussen als op YouTube ( @drawpaintacademy ) en Instagram.

b. Olieverf: Het medium bij uitstek voor meesters

Professionele kunstenaars gebruiken om verschillende redenen meestal olieverf:

• Ze zijn flexibel. Door verfverdunner te gebruiken en meer olie toe te voegen, kun je de droogtijd en consistentie van je verf drastisch veranderen. Dit geeft je de mogelijkheid om onder andere glazuur-, meng- en glijtechnieken toe te passen.
• De grootste schilders gaven de voorkeur aan olieverf.
• Kunstverzamelaars lijken olieverfschilderijen hoger te waarderen dan acrylverfschilderijen (er zijn natuurlijk uitzonderingen).

Met olieverf zit je eigenlijk altijd goed. Als je niet weet waar je moet beginnen, raad ik je aan om te beginnen met acrylverf en over te stappen op olieverf als je meer ervaring hebt, of om direct met olieverf te beginnen.

Olieverfschilderen leent zich uitstekend voor de traditionele schildermethoden van vroegere schilders. Ik raad je aan om het olieverfschilderen nog even uit te stellen als je het te veeleisend vindt.

Bij olieverfschilderen gelden een paar specifieke 'regels' ; voor de rest is het vergelijkbaar met acrylverfschilderen.

Als u zich zorgen maakt over de sterke oplosmiddelen die bij olieverfschilderijen worden gebruikt, zoals terpentine, kunt u overwegen om geurloze oplosmiddelen te gebruiken. Dit maakt olieverfschilderen een stuk aantrekkelijker. U kunt ook overwegen om olieverf op waterbasis te gebruiken.

c. Aquarellen: ongetemde schoonheid

Omdat water onvoorspelbaar is en fouten niet gecorrigeerd kunnen worden (aangezien papier slechts een bepaalde hoeveelheid water kan absorberen), wordt aquarelverf over het algemeen beschouwd als de moeilijkste schildertechniek om te leren. Desondanks kunnen er, mits goed uitgevoerd, prachtige, elegant ogende kunstwerken mee worden gemaakt.

Daarom raad ik je aan om eerst met acryl- of olieverf te beginnen voordat je met aquarelverf experimenteert. Omdat aquarelverf andere vaardigheden aanleert dan acryl- of olieverf, vullen ze elkaar echter prachtig aan.

John Singer Sargent schilderde bijvoorbeeld impressionistische en informele landschappen en portretten in aquarel, maar was vooral bekend om zijn nauwgezette olieverfportretten. Voor Sargent, die gewend was aan lange en inspannende portretsessies, voelden deze aquarellen waarschijnlijk af en toe als een welkome afwisseling.

03 Kleuren, schildersbenodigdheden en basisuitrusting

In de derde stap beginnen we met het verzamelen van onze kunstbenodigdheden . Je hebt echt niet zoveel nodig, dus lees dit gedeelte helemaal door voordat je begint met het kopen van allerlei soorten penselen of verf.

De door u gekozen materialen (zie hierboven) zijn van invloed op de benodigde aankopen van verf en kunstbenodigdheden. Wat u in de basis , is:

• Een schildersezel om je werk op te ondersteunen;
• Voor acryl- of olieverfschilderijen: canvas; voor aquarelverf: papier;
• een reeks kleuren om te mengen;
• Kwasten die passen bij het medium dat u kiest;
• Paletmes; verf; oplosmiddelen (voor olieverf); en keukenpapier om je penseel tussen de streken door af te vegen.

Precies. Schilderen kan zo makkelijk zijn.

Je lokale kunstbenodigdhedenwinkel heeft dat allemaal op voorraad. Als je een complete beginner bent, is het misschien een goed idee om te beginnen met een starterskit met de meeste basismaterialen die je nodig hebt. Je kunt je collectie later altijd uitbreiden.

Net als bij je penselen, doek en verf – een hoogwaardige schildersezel maakt je niet automatisch een betere schilder – is het volkomen logisch om te investeren in kwaliteit waar het er echt toe doet.

Kies voor hoogwaardige kleuren

Hoogwaardige verf vormt de basis van elk kunstwerk. Je herkent ze aan hun intense pigmentatie, lichtechtheid en romige consistentie. Ze zorgen voor een gelijkmatige applicatie en geven het schilderij diepte. De kwaliteit van de verf heeft een directe invloed op de expressiviteit en impact van het schilderij.

Een gerichte investering in hoogwaardige verf draagt ​​aanzienlijk bij aan het succes van een kunstwerk. Wie hoge eisen stelt, kan bijvoorbeeld verschillende soorten kratom bestellen .

Wat kleuren betreft, raad ik aan te beginnen met een beperkt palet van rood, blauw, geel (de primaire kleuren), wit en een aardetint die doet denken aan rauw oker.

Hier is een degelijk instapmodel :

• Cadmiumrood
• Ultramarijnblauw
• Titaanwit
• Cadmiumgeel
• schaduw

Het juiste doek en de juiste ezel vinden

Moderne olieverf- en acrylverfschilderijen worden meestal op canvas gemaakt. Canvas verving houten panelen voor schilderijen uit de Renaissance, omdat het opspannen van het canvas over houten latten grotere werken mogelijk maakte. Dit maakte het canvas ook lichter, oprolbaar en stabieler dan houten panelen, en minder gevoelig voor kromtrekken en splinteren. Canvas is afkomstig van hennep, en de eerste kunstenaarsdoeken werden gemaakt van hoogwaardig Venetiaans hennepzeildoek. Katoen werd later geïntroduceerd als vervanging voor linnen.

Er is een ruime keuze aan canvasstoffen beschikbaar, of je nu je eigen doek maakt of kant-en-klare, opgespannen doeken of canvaspanelen koopt. De ondergrond die je kiest, hangt af van je behoeften. Verschillende stofdiktes, materialen en oppervlaktebehandelingen zorgen voor verschillende schilderervaringen. Ook het uiteindelijke uiterlijk van je schilderij zal hierdoor beïnvloed worden.

Beschilderbare, opgespannen doeken zijn verkrijgbaar in vele maten en stijlen. Door een primer , kunt u het oppervlak naar wens aanpassen. Dunne doekpanelen en Ultralite-vellen zijn licht van gewicht en ideaal voor schilderen in de buitenlucht. We bieden 40 verschillende doekformaten per meter of in rollen van 10 meter om op te spannen.

Veel kunstenaars experimenteren met verschillende doeken, grondlagen en ondergronden om het beste oppervlak te vinden. De eigenschappen van het oppervlak kunnen een grote invloed hebben op de schilderijen van sommige kunstenaars, vooral bij het werken met olieverf of acrylverf.

Houd bij het kiezen van een schildersezel rekening met de stabiliteit en duurzaamheid van het materiaal je gaat werken. Lichtgewicht materialen zijn geschikt voor kleinere, minder veeleisende taken, maar een stevige houten schildersezel biedt de nodige ondersteuning voor zwaardere materialen zoals grote doeken of mixed media. Ergonomie is hierbij essentieel.

04 Maak uzelf vertrouwd met de basisprincipes van artistiek ontwerp

Ik ben er stellig van overtuigd dat het belangrijk is om effectief te leren, in plaats van doelloos tijd te verspillen. Zonder de juiste begeleiding kun je jarenlang oefenen en weinig tot geen vooruitgang boeken. Dit zijn de essentiële principes van de kunst:

• Kleur
• Uitdrukking
• samenstelling
• Randen / Lijnen
• Penseelwerk
• Schildertechniek

Ik beschouw ze als de hoekstenen van de schilderkunst. Het is belangrijk om je er al vroeg mee vertrouwd te maken, omdat ze je helpen precies te begrijpen wat er gebeurt wanneer je penseel het doek raakt. Het beheersen van deze essentiële aspecten zal elke verfapplicatie verbeteren.

Hier volgt een beknopt overzicht van de belangrijkste zaken:

Kleur

Kleur is iets wat we allemaal zo goed kennen dat we de betekenis ervan vaak over het hoofd zien. Veel mensen begrijpen of waarderen de ware aard van kleur niet volledig.

Ik vind het makkelijker om kleur te begrijpen door te kijken naar tint, verzadiging en toonwaarde. Dit zijn de drie elementen waaruit een kleur bestaat.

De tint geeft de positie van een kleur op de kleurencirkel aan. Rood, blauw, geel, groen – dit zijn allemaal verschillende kleuren. De verzadiging beschrijft de rijkdom, intensiteit of levendigheid van een kleur. De toonwaarde beschrijft de mate van lichtheid of donkerheid van een kleur.

Maak uzelf vertrouwd met deze drie termen, aangezien ze in elk kunstwerk dat u produceert zullen voorkomen.

De toonwaarde is een aspect van kleur, maar vanwege het belang ervan in de schilderkunst wordt het vaak beschouwd als een fundamenteel concept op zich. Elke kleur bezit een inherente waarde die zich bevindt op het spectrum tussen wit en zwart .

Als we kleur buiten beschouwing laten, krijgen we een spectrum aan waarden, variërend van lichtgrijs tot bijna zwart. Een solide toonstructuur is niet strikt noodzakelijk (denk aan veel van de opmerkelijke impressionistische schilderijen), maar het helpt onmiskenbaar om je kunstwerk een sterke basis te geven. Schilderen met verschillende toonwaarden geeft je meer flexibiliteit bij het aanbrengen van penseelstreken, kleuren en details.

samenstelling

Bij discussies over compositie in de schilderkunst of fotografie kom je een veelheid aan ingewikkelde termen, 'regels' en theorieën tegen die de principes van compositie in de visuele kunsten proberen te verklaren. Termen zoals...

• focus van aandacht
• regel van derden
• Gulden middenweg
• Horizonlijn
• Richtlijnen
• Evenwicht / Balans
• ritme
• Beweging
• harmonie

…enzovoort. Uiteindelijk zijn er echter slechts twee essentiële vragen die van belang zijn voor het creëren van uitmuntende composities.

1. Wat wilt u uitdrukken?
2. Hoe ga je dat verwoorden?

Dat is alles. Al het andere is relatief onbelangrijk

Laten we deze vragen eens nader bekijken…

Wat wilt u uitdrukken?

Als je schilderij een stem had, wat zou die dan uitdrukken? Het zou iets simpels kunnen zijn, zoals: "Ik wil laten zien hoe licht weerkaatst op het wateroppervlak."

Het is belangrijk dat je boodschap duidelijk is.

Hoe ga je dat verwoorden?

Hoe organiseer je alle elementen van je schilderij om harmonie te creëren en de beoogde boodschap over te brengen? Beschouw elk van je unieke penseelstreken, vormen, lijnen, kleuren en texturen als hulpmiddelen die tot je beschikking staan.

Randen / Lijnen / Grenzen

Randen fungeren als scheidingslijn tussen twee vormen. Ze kunnen expliciet, zacht of afwezig zijn. Scherpe randen creëren een duidelijke overgang tussen de twee vormen; zachte randen zorgen voor een vloeiende overgang; en ontbrekende randen zijn zo subtiel dat ze bijna onzichtbaar zijn.

Penseelwerk

Penseeltechniek verwijst naar de tastbare indrukken die ontstaan ​​door het penseel, paletmes, vinger of ander gereedschap dat bij het schilderen wordt gebruikt. Dit is een element van de schilderkunst dat vaak over het hoofd wordt gezien, terwijl het juist een kenmerkend element is dat een schilderij zijn unieke uitstraling geeft .

Zonder penseeltechniek kunnen we net zo goed voor fotografie kiezen of ons bezighouden met digitale kunst in plaats van ons toe te leggen op traditionele kunst.

Schildertechnieken

Techniek verwijst naar je vermogen om specifieke handelingen uit te voeren. Naarmate je meer ervaring opdoet en je je comfortabeler voelt in de omgang met penselen en verf, zal je techniek zich vanzelf ontwikkelen. Het is echter belangrijk om je bewust te zijn van eventuele negatieve gewoonten die je tijdens je artistieke reis kunt ontwikkelen.

Dit kan te maken hebben met hoe je je penseel vasthoudt of met de penseelstreken die je gebruikt. Het afleren van slechte gewoonten die al jarenlang ingeburgerd zijn, kan een hele uitdaging zijn.

Om een ​​effectieve schildertechniek te ontwikkelen, raad ik aan om meesterkunstenaars aan het werk te zien (dit kan ook via YouTube, online cursussen of virtuele workshops). Let op hun penseelvoering, hoe ze de verf op het doek aanbrengen, hoe ze kleuren mengen en soortgelijke details.

05 Begin met je eerste schilderij

Je bent nu klaar om aan je eerste schilderij te beginnen. Een kleine waarschuwing: het kan lastiger zijn dan het lijkt 🙂

Meestervaklieden lijken kunstwerken met indrukwekkend gemak te creëren. Maar men mag niet vergeten dat zij vele jaren, en in sommige gevallen zelfs decennia, aan hun vak hebben gewijd.

Ik raad aan om je eerste schilderij te beginnen met een ruwe schets; concentreer je op het vastleggen van je eerste indruk van het onderwerp. Bekijk het onderwerp vanuit het perspectief van vormen en kleuren. Vervolgens kun je het schilderij verfijnen en verdere details toevoegen.

Tip 1: Begin met ruwe schetsen

Maak je geen zorgen over het tekenen. Begin gewoon met wat schetsen. Zeg tegen jezelf dat je gewoon aan het spelen en experimenteren bent, en aan het kijken wat eruitziet.

Als je kunt schrijven, kun je ook tekenen; je hebt al je eigen vorm, een manier om letters en cijfers te schrijven, en unieke krabbels. Ook dat zijn vormen van tekenen. Let bij het tekenen en schetsen op de fysieke feedback die je krijgt van je hand, pols, arm, oren en tastzin.

Verander je aanpak. Wikkel je vingers in stof om je tastzin te veranderen en experimenteer met je andere hand om te zien wat er gebeurt. Dit alles vertelt je iets. Word innerlijk helemaal stil en schenk aandacht aan alles wat je voelt. Denk niet positief of negatief. Denk emotioneel, fantasierijk en onconventioneel.

Tip 2: Neem altijd een schetsboek mee

Bestrijk telkens een groot stuk papier. Vul echter niet zomaar de hele pagina van rand tot rand. Kijk naar de vormen, structuren, combinaties, details, rondingen, opbouw, verspreiding en composities die je aanspreken.

Herhaal dit nu op een ander oppervlak, willekeurig welk, om te ontdekken welk materiaal je mooi vindt. Teken op steen, metaal, schuimrubberen plaatjes, koffiebekers, etiketten, stoepen, muren, planten, stof, hout of wat dan ook. Maak gewoon markeringen om deze oppervlakken te versieren.

Maak je geen zorgen over het bereiken van meer. Elk kunstwerk is een vorm van winst. Vraag iemand welke ideeën ze hebben als ze zien wat je hebt gemaakt.

06 De weg naar je eigen handschrift

Een onderscheidende artistieke expressie vereist doorzettingsvermogen en passie. Inspiratie van andere kunstenaars kan als katalysator dienen zonder de eigen authenticiteit in gevaar te brengen. Consistentie in techniek en expressie vormt een individuele stijl.

De moed om nieuw creatief terrein te verkennen

De moed om creatieve risico's te nemen, nieuwe benaderingen te verkennen en op je eigen intuïtie te vertrouwen zijn cruciaal. Door voortdurende oefening ontstaat een unieke stijl, die de artistieke reis verrijkt en persoonlijker maakt.

Imitatie toegestaan

Iedereen begint als imitator. Dat is helemaal prima! Maar als je dat doet, focus je dan en voel de mogelijkheid om al deze dingen je eigen te maken – zelfs als de ideeën, gereedschappen en technieken van andere kunstenaars komen.

Stel je voor dat je een enorm stadion betreedt, vol ideeën, paden, benaderingen, gereedschappen en materialen, telkens wanneer je iets creëert. 

Ontwikkel een trainingsroutine

Oefen met het tekenen van je eigen handen terwijl je in de metro zit of ergens anders bent. Teken veel handen aan dezelfde kant, handen die elkaar overlappen. Of de handen van anderen, als je dat leuk vindt. Je kunt ook andere duidelijk zichtbare delen van je lichaam schetsen.

Maar je moet goed kijken en vervolgens schetsen of tekenen wat je ziet. Spiegels zijn ook handig als je alleen het punt wilt schetsen waar je wang je mond raakt. Experimenteer met verschillende schalen, vergroot, verklein en roteer objecten.

7 Je vaardigheden ontwikkelen

Evalueer en ontwikkel verder

Als je je eerste schilderij af hebt, is het tijd om even stil te staan ​​en je werk te evalueren, en te kijken waar je nog kunt verbeteren. Je eerste schilderij zal waarschijnlijk geen meesterwerk zijn, tenzij je een genie bent; maar dat is prima. Zelfs de meesters zijn ooit als amateur begonnen.

Beschouw je kunstwerk alsof het kunstkritiek is. Hier zijn een paar vragen die je kunt overwegen:

• Welke aspecten van het schilderij vind ik mooi?
• Welke elementen zou ik veranderen?
• Wat is de sfeer van het schilderij?
• Wat is de eerste indruk van het schilderij?
• Werkt de kleurencombinatie?
• Is de compositie logisch?
• Zijn er opvallende penseelstreken die het beeld aanvullen?
• Heb ik het onderwerp in het algemeen correct gepresenteerd?
• Stoort de afbeelding mij op de een of andere manier?
• Heb ik het standpunt redelijk goed begrepen?

Verzamel feedback en implementeer het

Constructieve feedback is een andere belangrijke factor in artistieke ontwikkeling. Open communicatie met anderen biedt nieuwe perspectieven op het eigen werk. Het is belangrijk om suggesties zorgvuldig te evalueren en af ​​te stemmen op de eigen visie.

Reflectie helpt om waardevolle inzichten te verkrijgen en deze doelgericht in het creatieve proces te integreren. De kunst schuilt in het kritisch onderzoeken van externe invloeden en het selecteren van alleen die invloeden die het eigen artistieke pad authentiek verrijken.

Constructieve omgang met mislukte pogingen

In het creatieve proces zijn mislukte pogingen waardevolle gebeurtenissen. Ze bieden kansen voor zelfreflectie en voortdurende verbetering. Vanuit een constructief perspectief worden obstakels leerzame momenten.

Wie falen als een leerervaring beschouwt, verbetert voortdurend zijn methoden. Deze benadering bevordert het gehele creatieve proces en ondersteunt persoonlijke artistieke expressie.

Diversiteit door middel van verschillende technieken

Experimenteren opent nieuwe creatieve mogelijkheden voor kunstenaars. Naast gevestigde methoden zoals olieverf of aquarel, kunnen onconventionele benaderingen (trefwoord: mixed media) tot verbluffende resultaten leiden. Elke techniek biedt zijn eigen mogelijkheden, texturen en kenmerken. Het resulterende kunstwerk kan vervolgens worden gebruikt individuele clubruimtes , keukens, woonkamers of slaapkamers te verfraaien.

De sleutel ligt in de bereidheid om grenzen te verleggen en op speelse wijze nieuwe paden te ontdekken.

8 bonustips

1. Trek je niets aan van wat anderen denken. Kritiek mag best welkom zijn, maar laat het je gedrag niet bepalen.
2. Word onderdeel van een gemeenschap. Doe mee aan wedstrijden, bezoek galerieën, netwerk met andere creatievelingen, lees blogs van kunstenaars, schrijf je in voor nieuwsbrieven, enzovoort. Hoe meer je ideeën uitwisselt met gelijkgestemden, hoe gemotiveerder je zult zijn.
3. Probeer je niet te laten intimideren door zeer getalenteerde kunstenaars. Er zal altijd wel iemand zijn die technisch bekwamer, deskundiger of ervarener is dan jij. Zoek inspiratie in plaats van je door hen bedreigd te voelen.
4. Begin niet meteen met het ontwikkelen van een unieke of gedenkwaardige stijl. Ervaring zal je in staat stellen om geleidelijk te groeien.
5. Focus op de basisprincipes: kleur, licht-donkercontrast, compositie, contouren, penseeltechniek en uitvoering. Elke penseelstreek draagt ​​bij aan deze basisvaardigheden. Na verloop van tijd zal dit je vooruitgang versnellen.
6. Zoek de meesters op die ons voorgingen. Leer over hun werk, hun leerproces en hun levensomstandigheden. Dit zal kennis en inspiratie voor je toegankelijk maken.
7. Aarzel niet om nieuwe activiteiten en ideeën te ontdekken.
8. Kijk naar slimme benaderingen, geheimen, methoden of strategieën van andere creatieve mensen.
9. Maak je leerproces flexibel en open.
10. Leren, oefenen, controleren en ontwikkelen zijn de enige geheimen om een ​​groot schilder te worden.