Marina Abramović: Kunst voor destructieve samenlevingen

Het artikel Marina Abramović of “De kunstenaar en zijn verhaal” ging gedetailleerd in op de historische en persoonlijke achtergronden die een rol spelen bij de beschouwing van de kunstenaar Marina Abramović en haar werk (wellicht meer dan bij andere kunstenaars).

De focus ligt nu op Abramovićs ontwikkeling als kunstenaar en op de ontwikkeling van haar oeuvre.

Hoe is Marina Abramović bij de kunst en haar kunst terechtgekomen?

Het zojuist genoemde artikel over de kunstenares Abramović toonde aan dat Marina Abramović afkomstig is uit een familie waarin kunst en creativiteit een belangrijke rol speelden en nog steeds spelen.

verklaarde Marina Abramović in een interview: "Ik wist altijd al dat ik als kunstenaar zou leven. Het was een noodzaak [...] de enige manier waarop ik in deze wereld kon functioneren" (Lynn MacRitchie, 1996, 'Marina Abramović: Exchanging Energies', Performance Research, Volume 1, p. 29).

Abramović studeerde schilderkunst aan de Academie voor Schone Kunsten in Belgrado, direct na haar middelbareschoolopleiding, van 1965 tot 1970. Medestudenten beschreven haar als een opvallend mooie jonge vrouw, vol zelfvertrouwen, buitengewoon begaafd in communicatie en altijd enthousiast optimistisch.

In die tijd schilderde Abramović verfijnde en smaakvolle figuratieve kunst op grotere doeken dan welke andere student ook, en creëerde hij krachtige schilderijen van meer dan twee vierkante meter. Vanaf 1968 begon Abramović met het publiceren van teksten, tekeningen en zijn eerste conceptuele werken.

Dit ontwikkelde zich onontkoombaar tot performancekunst als artistieke expressie van Abramović, zij het uitsluitend door afwijzingen en toevalligheden:

In 1970 wilde Abramović haar eerste performance uitvoeren in een beroemde galerie in Belgrado. Ze verving daarbij geleidelijk haar eigen kleding voor het publiek door de kleding uit haar jeugd, uitgekozen door haar moeder (een kuitlange rok, dikke kousen, schoenen die aan orthopedische schoenen deden denken), waarna ze een geladen pistool tegen haar hoofd zette en de trekker overhaalde.

Ofwel was dit voorstel van de Doma Omaldine Gallery te gewaagd, ofwel was het jeugdige protest tegen de beschermende pogingen van bezorgde moeders om de aantrekkelijkheid te verminderen te radicaal voor hen; in ieder geval resulteerde het voorstel van Abramović in een tentoonstelling van haar eerste abstracte kunstwerken , een serie wolkenschilderijen.

Abramovićs eerste performance vond daarom pas in 1971 plaats, toen zij en andere studenten hun werk tentoonstelden in het SKC (Studentski kulturni centar Beograd = Studenten Cultureel Centrum Belgrado) in oktober. Abramović had zich uitgestrekt op een tafel in een aangrenzende galerie (ze was naar verluidt gewoon moe), en collega-kunstenaar Era Milivojević wikkelde de liggende vrouw in met wat voor plakband hij ook maar bij de hand had, totdat ze eruitzag als een mummie – performancekunst was gaande, ook al moest de betekenis van het kunstwerk opnieuw worden geïnterpreteerd.

De kunstenares had duidelijk van de ervaring genoten; vanaf 1973 begon ze haar eerste eigen, geplande performances te creëren.

Ze gebruikten niet alleen tape; Marina Abramović maakte met haar allereerste performances onmiskenbaar duidelijk dat het niet haar ding was om de gevestigde kunstwereld te behagen.

Kort daarna, in 1975, maakte ze dit aan een breder publiek duidelijk door deel te nemen aan een performance van Hermann Nitsch . De medeoprichter van het Weense Actionisme was op dat moment geen Weens meer; hij had de "Rijnlanders van het Oosten" begin jaren zestig zo lang geërgerd met schandalige schilderacties en orgieën in mysterietheatervoorstellingen dat de autoriteiten hem wekenlang ongeschikt maakten om kunst te maken en op te treden, waarop Nitsch uiteindelijk reageerde door naar Duitsland te verhuizen.

Voor zowel Nitsch als Abramović was de samenwerking met een andere kunstenaar duidelijk geen succes: Nitsch schakelde vervolgens alleen amateurs in, terwijl Abramović aangaf dat ze de motivatie miste om binnen andermans concept te werken; de performance was over het geheel genomen zo onbeduidend dat er geen gedetailleerd verslag van bestaat. Desondanks wisten Hermann Nitsch en Marina Abramović wel een plekje te veroveren op de lijst van de "10 meest schokkende performancekunstwerken ooit", samengesteld door de Londense krant "The Guardian" in 2013.

Iedereen weet dit! – De belangrijkste werken van Marina Abramović

Dat gevestigde kunst niet haar ding is, blijkt ook uit Abramovićs belangrijkste werken, die de meeste (in Midden-Europa opgeleide) mensen wel kennen – en zelfs dit korte overzicht maakt duidelijk hoeveel dynamiek er in Marina Abramovićs kunst zit:

“Balkan Baroque” is een videoperformance-installatie die Abramović in 1997 opvoerde in het Joegoslavische paviljoen van de 47e Biënnale van Venetië. Abramović gaf commentaar op haar thuisland en het Balkanconflict door urenlang, naast een drieluik van videoprojecties, bergen verse runderbotten met een borstel te schrobben, terwijl ze begrafenisliederen uit haar thuisland zong.

"Seven Easy Pieces" in het Solomon R. Guggenheim Museum in New York. De performance duurde zeven dagen en herhaalde zes historische performances van andere kunstenaars die in de jaren 60 en 70 furore hadden gemaakt; de zevende performance was een nieuw werk van haarzelf.

Abramović verwijst naar:

• "Zaaibed" van Vito Acconci uit 1972
• "Hoe leg je plaatjes uit aan een dode haas" van Joseph Beuys uit 1965
• VALIE EXPORT's "Action Trousers, Genital Panic" uit 1969
• "Body Pressure" van Bruce Nauman
• Gina Pane's "Conditioning" uit 1973
• Haar eigen uitvoering "Lips of Thomas" uit 1975
• De nieuwe originele voorstelling heette "Entering the Other Side"

"The Artist is Present" in het Museum of Modern Art (MoMA) in 2010, tijdens een retrospectieve tentoonstelling van haar werk in het New Yorkse museum. Gedurende de tentoonstelling, die liep van 14 maart tot en met 31 mei 2010, zat Abramović aan een tafel in het atrium van het museum, met een stoel voor de bezoekers tegenover haar.

Abramović bleef zwijgend; hoe spraakzaam de bezoekers waren, is te zien in de volgende video van enkele minuten…

…met het ontroerende moment waarop haar jarenlange partner Ulay plaatsnam in de bezoekersstoel. In totaal zat Abramović daar maar liefst 721 uur; tegen het einde van de performance was ze door 750.000 bezoekers bekeken en door meer dan 1.500 mensen 'bezeten'.

Dit waren zeker niet alle voorbeelden “die iedereen kent”; de kunst van Marina Abramović is buitengewoon rijk en divers:

De kunst van Marina Abramović: van spectaculaire soloperformance tot tijdloze performance

Marina Abramovićs eerste performance in 1971, met zijn mummie-achtige houding, was nogal braaf, maar ze hoefde niet samen te werken met de schandalige activist Hermann Nitsch om echt los te gaan:

In 1973 vermaakte Abramović zich in "Rhythm 10" door met twintig messen in de ruimtes tussen haar gespreide vingers te steken (een knipoog naar vrouwelijke kunstenaars uit het verleden, zie Art-o-Gramm: Picasso – The Artist, Life and Love – Scenes 2 en 5 over Dora Maar, die zich ook aan deze ongezonde gewoonte overgaf). Abramović snijdt zichzelf in elk geval regelmatig en ernstig, maar "Rhythm 10" wordt nog steeds (of misschien juist daarom) beschouwd als haar eerste "volwassen" werk.

In Rhythm 5 (1974) doordrenkt Abramović een houten frame in de vorm van een vijfpuntige ster (bedoeld als verwijzing naar de communistische "Rode Ster") met 100 liter benzine, steekt het in brand en springt na wat capriolen in het frame om op de vloer van de galerie te gaan liggen. In deze nu zuurstofloze ruimte verliest ze onmiddellijk het bewustzijn.

Abramović werd gered door een toeschouwer die zich realiseerde dat een ongewoon stille en onbeweeglijke Marina Abramović niet paste bij een verder nogal actievolle voorstelling; de ambulance arriveerde net op tijd en bracht haar naar het ziekenhuis. Hier kunt u het brandende spektakel zien met de halfdode Abramović in het midden.

Abramović overleefde het kennelijk in goede stemming; in hetzelfde jaar volgde "Rhythm 0": een zes uur durende performance waarin Abramović zwijgend tussen het publiek stond. Het publiek kreeg 72 objecten ter beschikking, met de uitnodiging om er naar eigen inzicht mee te doen. Onder deze objecten bevonden zich rozen en veren, parfum en honing, brood, druiven en wijn, een schaar en een scalpel, scheermesjes en spijkers, een metalen staaf en een geladen pistool.

Abramović wilde ontdekken hoe ver het publiek zou gaan. Het begon rustig, met strelen, bloemen geven, kussen en voeren; al snel smeerden ze haar in met lippenstift, goten ze water over haar hoofd, staken ze rozenstekels in haar navel… halverwege de voorstelling had het publiek haar kleren al met scheermesjes afgesneden; in het vierde uur bewerkten ze haar huid met dezelfde mesjes, en een bewonderaar sneed zelfs haar keel door om haar bloed te drinken.

Een reeks seksuele aanrandingen volgde, die de kunstenares, vastbesloten om menselijk groepsgedrag te onderzoeken en bloot te leggen, ook moest doorstaan; toen het publiek haar vastberaden overgave van wil opmerkte, vormde zich een groep om de kunstenares te beschermen.

Toen het geladen pistool tegen Abramovićs hoofd werd gehouden en haar vinger om de trekker werd geplaatst, brak er een vechtpartij uit in het publiek... Afschuwelijk, angstaanjagend, ontgoochelend – toen Abramović de volgende ochtend wakker werd, had ze een grijze streep in haar haar.

Had ze destijds maar toegang gehad tot de kennis die tegenwoordig op internet beschikbaar is! Een beetje informatie maakt al duidelijk dat groepen mensen sterke leiders volgen (die overduidelijk slechte bedoelingen hebben, zelfs voor zichzelf) en onverklaarbaar genoeg zelfs overduidelijk valse beweringen voor waar aannemen zodra ze zich onrustig voelen, geconfronteerd worden met iets nieuws of met veranderingen (je zou ook kunnen zeggen dat groepen mensen de neiging hebben tot zelfdestructief groepsgedrag zodra het leven niet meer volgens plan verloopt, Pegida doet de groeten).

Als Abramović alleen de verslagen over "De Golf", het Milgram-experiment en het conformiteitsexperiment van Solomon Asch had gelezen, zou ze niet minder bang of gedesillusioneerd zijn geweest, maar had ze zichzelf wellicht de fysieke ervaring kunnen besparen..

• "De golf"
• Milgram-experiment
• Conformiteitsexperiment

Abramović bevond zich mogelijk in een kwetsbare emotionele toestand, aangezien haar eerste huwelijk net was gestrand. Van 1971 tot 1976 was Abramović getrouwd met de Servische kunstenaar Neša Paripović , een voormalige klasgenoot van de Academie in Belgrado, met wie ze begin jaren zeventig ook had samengewerkt in het studentencultureel centrum.

Beiden werkten in een losse groep met andere kunstenaars aan niets minder dan de deconstructie van het modernistische kunstconcept. Zelfs dit werk verliep niet zonder conflicten; toen de groep in 1973 tijdens een festival in Edinburgh, Schotland, een ontmoeting en discussie met Joseph Beuys moest doorstaan, viel ze kort daarna uiteen.

Het huwelijk is mogelijk niet helemaal vreedzaam geëindigd; toen Neša Paripović begin jaren 2000 door Abramović-biograaf James Westcott om een ​​interview werd gevraagd, zou hij simpelweg de telefoon hebben opgehangen.

In 1975 voerde Marina Abramović de performance "De lippen van Thomas" in een galerie in Oostenrijk: volledig naakt at ze een kilo honing, dronk een liter rode wijn, kerfde een pentagram in haar buik met scheermesjes en lag bloedend en wankelend op een kruis op ijs; ze zou dit een half uur hebben volgehouden.

Hier is een still uit de performance: Open image (opnieuw uitgevoerd in het Guggenheim Museum in New York in 2005). Een reeks van vier verdere performances uit 1975 en 1976 is te bekijken op www.youtube.com/watch?v=ihDy3dD-iUg.

In 1975 creëerde ze "Kunst moet mooi zijn, de kunstenaar moet mooi zijn", een van Abramovićs baanbrekende werken, waarin ze uitgebreid en praktisch ingaat op de schoonheid van de kunstenaar en de schoonheid van de kunst, die in de conservatieve bourgeoisie sinds Wilhelm Traugott Krugs "Systeem van de theoretische filosofie, deel 3, Smaaktheorie" (1810) onmogelijk uit te roeien zijn gebleken. Een fragment is hieronder weergegeven:

Frank Uwe Laysiepen ontmoette en verliefd op hem werd . Ze woonden en werkten samen van 1979 tot 1988 en leidden een nomadisch kunstenaarsleven, voortdurend onderweg, waarbij ze zelfs naar de Aboriginals en Tibet reisden. Veel van haar beroemdste en meest invloedrijke werken stammen uit deze periode.

“Charged Space” , uit 1978, bevindt zich nu in de collectie van het Museum Ludwig in Keulen. Een stilbeeld van de uitbundige dans, opgedragen aan Jane Crawford en Gordon Matta-Clark, het laatste werk in hun serie “14 Performances”, is te zien op newmedia-art.org. De performance vond plaats in mei 1978 tijdens de “European Performance Series” in het Brooklyn Museum in New York.

In 1980 "Rest Energy" , een performance waarin Ulay een pijl vasthield en Abramović de boog; terwijl ze beiden achterover leunden, wees de pijl naar Abramovićs hart. Hun levens lagen in zijn handen, zoals zo vaak bij hun gezamenlijke performances.

In 1982 plaatsten Abramović en Ulay een cactus in een galerie tijdens hun performance "Like Luther", omringden hem met prikkeldraad en vroegen de galeriehouders om elke dag vriendelijk tegen de cactus te spreken. Ze wilden zien of de cactus zijn stekels zou verliezen in zo'n beschermde en liefdevolle omgeving (wat niet gebeurde).

En zo ging het verder (met volop ruimte voor je eigen ontdekkingen van spectaculaire optredens) totdat Abramović en Ulay in 1988/1989 uit elkaar gingen. Natuurlijk niet zomaar, en niet in een slechte bui, maar met een optreden – een optreden van drie maanden op de Chinese Muur.

Ulay begon in het westen, Abramović in het oosten, waarna ze elk 2500 kilometer naar elkaar toe liepen. Dit was echter niet helemaal het oorspronkelijke plan; toen de voorstelling begon, heette deze "De Geliefden" en was bedoeld om hun toch al gespannen relatie nieuw leven in te blazen.

Toen Ulay onderweg de Chinese vertaalster zwanger maakte, en Abramović dit aan het einde van de 2500 kilometer lange verzoeningsmars bekende, viel er weinig meer te doen... de ontmoeting midden op de muur was de laatste ontmoeting tussen Ulay en Abramović voor lange tijd.

Vanaf 1989 werkte Abramović samen met filmregisseur, performance- en videokunstenaar Charles Atlas (bekend van zijn jarenlange samenwerking met Merce Cunningham, waaruit tien dansfilms voortkwamen) aan het toneelstuk "The Biography", dat haar artistieke leven tot dan toe als solowerk presenteert. "The Biography" ging in 1992 in première en toont bij elke uitvoering verschillende facetten van haar artistieke praktijk en persoonlijke ontwikkeling.

In 1994 bracht Abramović de theatervoorstelling Delusional op de planken, waarin ze haar gevoel van machteloosheid en woede over de gebeurtenissen tijdens de Joegoslavische oorlogen verwerkte – een voorloper van de voorstelling "Balkan Baroque" uit 1997, die zich richtte op het verdriet om de wreedheden, de vele slachtoffers en de nu onomkeerbare staat van desintegratie.

In 2001 hakte Abramović voor haar werk "Human Nests" zeven kunstmatige grotten uit in de wanden van een steengroeve en voorzag ze elk van een touwladder. De grotten waren bedoeld voor contemplatie, maar tegelijkertijd "aangevuld" met het gevaar om uit de kleine holtes te vallen. Zo ontstond een omgeving die zowel beschut als verontrustend was.

In 2002 bracht de kunstenares twaalf dagen en nachten door in drie voor het publiek zichtbare, openluchtruimtes van de Sean Kelly Gallery in New York voor haar werk "The House with the Ocean View". Ze dronk alleen mineraalwater, at, sprak, schreef of las niet, sliep niet meer dan zeven uur per dag en douchte drie keer per dag – een openbaar, monastiek meditatieverblijf midden in New York City.

Deze herinnering van Abramović aan het werk van haar broer Velimir Abramović, hoogleraar filosofie en Tesla-expert, dateert uit 2003: "Tesla Ball" .

hierboven beschreven "Seven Easy Pieces" , waarmee hij een fundamentele discussie op gang bracht over de blijvende waarde en duurzaamheid van performancekunst.

In hetzelfde jaar produceerde Abramović de kunstfilm "Balkan Erotic Epic" , die handelt over seksuele en vruchtbaarheidsrituelen op de Balkan: Abramović legt verschillende rituelen uit in afzonderlijke scènes, terwijl vrouwen hun borsten in de zon en hun vulva's in de regen hielden, en mannen masturbeerden of de grond penetreerden (een enigszins verwarrende beschrijving, maar het lijkt niet te zijn vastgelegd waarom de vrouwen hun vulva's niet ook in de zon hielden of hoe hard de grond was die de mannen moesten penetreren).

In 2010 moest Abramović opnieuw "een paar uur" stilzitten tijdens de eerdergenoemde performance "The Artist is Present", ditmaal zittend. Fragmenten van de performance zonder Ex Ulay zijn te zien in deel 11 van de YouTube-serie van de documentaire "The Future of Art" (Erik Niedling, Ingo Niermann, Duitsland, 2010).

(De serie, bestaande uit 21 afleveringen over vele belangrijke hedendaagse kunstenaars, is de moeite waard om in zijn geheel te bekijken.).

In 2011 "The Life and Death of Marina Abramović" in première op het Manchester International Festival in The Lowry in Manchester, Verenigd Koninkrijk. Deze "kruising van theater, opera en beeldende kunst" werd gecreëerd door het theatergenie en universeel kunstenaar Robert Wilson in samenwerking met Marina Abramović en toerde na de première langs theaterfestivals en kunstlocaties.

deSingel in Antwerpen, Theater Carré in Amsterdam, Theater Basel, Teatro Real in Madrid, Luminato Festival in Toronto en Park Avenue Armoury in New York; aan het einde van de "reeks meesterlijke scènes" stond het publiek op en applaudisseerde (The Independent, VK).

Hieronder volgen twee fragmenten:

In 2013 ontwierp Abramović het decor voor de nieuwe productie van Maurice Ravels "Boléro" in de Opéra Garnier in Parijs. Sidi Larbi Cherkaoui en Damien Jalet regisseerden de productie, en de Italiaanse modeontwerper Riccardo Tisci van het Parijse modehuis Givenchy ontwierp de kostuums voor de dansers.

Van 11 juni tot 25 augustus 2014 voerde Abramović het langlopende werk "512 Hours" in de Serpentine Gallery in Londen. Ze deed het volledig zonder objecten en dwong het publiek hetzelfde te doen: iedereen kon tijdens de openingstijden naar binnen en tijd met haar doorbrengen, maar moest zijn jas, bagage en elektronische apparaten achterlaten bij de garderobe.

Abramović publiceerde een dagelijkse samenvatting van de dag in de vorm van een persoonlijk videodagboek. Een interview met Marina Abramović over dit en andere performances is te lezen in de Süddeutsche Zeitung: "Je moet bereid zijn om van de aarde te vallen ."

Met haar "Seven Easy Pieces", , ontketende Abramović een discussie die de performancekunst ingrijpend zou kunnen veranderen: of een performance opnieuw kan worden uitgevoerd, hoe de culturele kennis van performancekunst bewaard moet en kan worden, en hoe de rechten van de performers als producenten beschermd moeten worden; allemaal nieuwe vragen die het traditionele begrip van performancekunst volledig op zijn kop kunnen zetten.

Waar voorheen werd aangenomen dat een performance gebonden was aan het lichaam van de performer en niet herhaalbaar was, moeten performers, toeschouwers en beoordelaars nu worstelen met herhaalbaarheid en heruitvoerbaarheid, met de uitwisseling van artistieke kennis waarvan de culturele en historische betekenis in de loop der tijd verloren is gegaan.

Abramović pleit hiermee ook voor de stabilisatie van de performancekunst; alleen op deze manier kunnen performancekunstenaars erin slagen de rechten op hun werk te beschermen tegen commerciële exploitatie en verkeerde voorstelling van zaken in een wereld van toenemende digitalisering en uitwisselbaarheid van culturele kennis.

De zojuist gepresenteerde werken van Abramović zijn zeker niet al zijn werken; er valt nog veel te ontdekken in het oeuvre van deze gevoelige en buitengewone kunstenaar voor mensen die geïnteresseerd zijn in de kunst van onze tijd.

Het werk van Marina Abramović in de publieke ruimte: tentoonstellingen, kunst in de openbare ruimte en in openbare collecties

79 solotentoonstellingen en 632 groepstentoonstellingen publiekelijk tentoongesteld ; dat zijn zo'n 700 openbare tentoonstellingen, waarvan 122 in de VS, 79 in Duitsland, 63 in Italië, ruim 50 in Spanje, ruim 40 in Frankrijk en de overige 350 verspreid over de rest van de wereld.

Hieronder een selectie van hoogtepunten, biennales en documenta's:

• IX Biënnale van Parijs 1975
• 1982 documenta 7, Kassel
• 1982 4e Biënnale van Sydney: Visie in ongeloof, Sydney, NSW
• 1985 18° Bienal de Sao Paulo, São Paulo, Brazilië
• 1987 documenta 8, Kassel
• 1990 I Bienal de la Imagen en Movimiento '90, Madrid
• 1992 documenta 9, Kassel
• 1995 4e Internationale Biënnale van Istanbul, Istanbul
• 1995 SITE Santa Fe's eerste internationale biënnale - Verlangen en erbij horen: van het verre nabije, Santa Fe, NM
• 1997 47e Biënnale van Venetië, Venetië
• 2000 1e Echigo-Tsumari Kunsttriënnale 2000, Niigata-ken, Japan
• 2001 Yokohama 2001 – Internationale Triënnale voor Hedendaagse Kunst, Yokohama, Tokio
• 50e Biënnale van Venetië, Venetië, 2003
• 2003 II Bienal de Valencia – La Ciudad Ideal, Valencia
• 2004 De 3e Internationale Biënnale van Mediakunst van Seoul – Digitale Homo Ludens (Spel en Spelen), Seoul Museum of Art (SeMA), Seoul
• 2005 5e Cetinje Biënnale, Cetinje, Montenegro
• 2005 5e Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brazilië
• 52e Biënnale van Venetië, Venetië (2007)
• Praagse Biënnale 3, Karlin Hall, Praag (2007)
• 2007 Kunstfilmbiënnale 2007, Kunstmuseum Bonn
• Yokohama Triënnale 2008 – Time Crevasse, centrale en waterkantlocaties, Yokohama
• 2008 28° Biënnale van São Paulo, São Paulo
• 2008 Mediation Biënnale 08, Centrum Kultury Zamek, Poznan
• 2008 Xviii Biënnale Internationale di Scultura, Accademia di Belle Arti di Carrara
• 2009 5a Bienal VentoSul – o mundo todo aqui, vai mexer com voce, Instituto Paranaense de Arte, Curitiba, Brazilië
• 2009 3e Moskou Biënnale voor Hedendaagse Kunst, Moskou
• 7e Biënnale van Florence, Florence (2009)
• Biënnale van bewegende beelden 2009, Deventer
• 54e Biënnale van Venetië, Venetië (2011)
• 2011 3e Biënnale van Bewegende Beelden, Geïnspireerde Videokunst, Deventer
• 2012 11e Biënnale van Havana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, Havana
• 7e Internationale Mediakunstbiennale van Seoul, Seoul Museum of Art (SeMA), Seoul (2012)
• 2013 4e Biënnale van Hedendaagse Kunst van Thessaloniki – Oude kruispunten maken het nieuw 2, Staatsmuseum voor Hedendaagse Kunst, Thessaloniki
• 2013 2e Mediterrane Biënnale in Sakhnin, Arab Heritage Museum van Sakhnin, Israël
• 2014 V Bienal De Arte Contemporáneo De La Fundación Once, CentroCentro Cibeles, Madrid
• 2015 1e Trio Biënnale, Rio de Janeiro, Brazilië

Marina Abramović als publiek figuur: prijzen en onderscheidingen, onderwijsactiviteiten, gevolgen

Een selectie van de prijzen die Marina Abramović heeft ontvangen:

• 1982 ars viva-prijs voor videokunst, culturele kring van het Duitse bedrijfsleven in de BDI e.V., samen met Uwe Laysiepen
• Gouden Leeuw op de 18e Biënnale van Venetië in 1997 voor de performance "Balkan Baroque"
• Kunstprijs van Nedersaksen 2003
• Bessie Award 2003, voor “Het huis met uitzicht op de oceaan”
• 2004 Eredoctoraat van de School of the Art Institute of Chicago
• Oostenrijkse onderscheiding voor wetenschap en kunst 2008
• Eredoctoraat in de Kunsten (2009), Universiteit van Plymouth, Engeland
• Culturele leiderschapsprijs 2011, American Federation of Arts, New York
• 13 juli 2012, Prijs voor Levenslange Prestatie, Podgorica, Montenegro
• In 2012 werd hij benoemd tot lid van de jury van het 69e Internationale Filmfestival van Venetië
• Berlijnse Beer 2012, prijs van de dagkrant BZ Berlin
• Erelid van de Royal Academy of Arts, Londen (2012)
• Lid van de National Academy of Design in New York sinds 2013
• Wereldprijs 2018
• Prinses van Asturië-prijs voor kunst 2021

Direct na het afronden van haar studie begon Marina Abramović haar kennis en ervaring door te geven: in de jaren zeventig begon ze les te geven aan de Academie voor Schone Kunsten in Novi Sad.

Van 1990 tot 1991 was Marina Abramović gasthoogleraar aan de Académie des Beaux-Arts in Parijs en aan de Universiteit van de Kunsten in Berlijn.

Van 1992 tot 1996 was ze professor aan de Hamburgse Hogeschool voor Beeldende Kunsten, en van 1997 tot 2004 was ze professor in de podiumkunsten aan de Hogeschool voor de Kunsten Braunschweig.

In 2005 richtte ze in New York de Independent Performance Group (IPG) op, een forum voor hedendaagse performancekunst, om samen te werken met getalenteerde jonge kunstenaars. De Independent Performance Group werd in 2007 opgeheven en Abramović richtte de Marina Abramović Foundation for the Preservation of Performance Art op .

De voorbereidingen voor de oprichting van het "Marina Abramović Instituut" (MAI) zijn al sinds 2012 gaande. Het instituut is bedoeld om de ontwikkeling van innovatieve performancekunst te ondersteunen en, als een "levend archief", historische voorstellingen te bewaren door middel van heropvoeringen.

Als onderdeel van dit langetermijnproject zal een gebouw in Hudson, New York, vanaf 2013 worden verbouwd en gerenoveerd om het Marina Abramović Instituut te huisvesten. Het gebouw, waarin ook een "Office for Metropolitan Architecture" van architect Rem Koolhaas is gevestigd, heeft een vloeroppervlakte van 3.000 vierkante meter.

Abramović is van plan de ruimtes te gebruiken als een "laboratorium voor de verkenning van tijdsgebonden en tijdloze kunst" – performancekunst, maar ook film, muziek, opera, dans, theater en video – en samen te werken met professionals uit de wetenschap, technologie en het onderwijs, OMA – Marina Abramović Instituut .

In de huidige fase van de ontwerpontwikkeling zijn architecten Rem Koolhaas en Shohei Shigematsu als partners betrokken. Rem Koolhaas is een internationaal gerenommeerd Nederlands architect die in 1975 in Rotterdam samen met Elia en Zoe Zenghelis en Madelon Vriesendorp het tot een van de meest prestigieuze architectenbureaus ter wereld uitgegroeide OMA (Office for Metropolitan Architecture) oprichtte.

Het OMA en de daaraan verbonden denktank AMO, die zich richt op projecten buiten architectuur en stedenbouw, zijn internationaal actief en gerenommeerd. Het OMA is verantwoordelijk voor een indrukwekkende portfolio van avant-gardistische hedendaagse architectuurprojecten, waaronder in Duitsland het Koolhaas House bij Checkpoint Charlie, de Axel Springer Campus, de Nederlandse ambassade in Berlijn en de uitbreiding van de Zollverein, een werelderfgoedlocatie in Essen; en in andere landen de Kunsthal Rotterdam, de Nexus Housing in Fukuoka, Japan, de Prada Epicenter-winkels in Beverly Hills en New York, het Guggenheim Hermitage in Las Vegas, Casa da Música in Porto en het Nationaal Universitair Kunstmuseum in Seoul; de lijst omvat nog 295 andere gebouwen.

In 2000 ontving Rem Koolhaas de Pritzker Architecture Prize, een wereldwijd gerenommeerde architectuurprijs, een jaar na Norman Foster en een jaar vóór Herzog & de Meuron. In 2014 werd hij benoemd tot directeur van de 14e Internationale Architectuurtentoonstelling op de Biënnale van Venetië ("Fundamentals"). Als hoogleraar aan Harvard richt Koolhaas zich op fundamenteel onderzoek in de architectuur.

Shohei Shigematsu werkt sinds 1998 bij OMA en is sinds 2008 partner. Sinds 2006 staat hij aan het hoofd van het OMA-kantoor in New York. Naast talloze andere stedelijke gebouwen heeft Shigematsu culturele locaties ontworpen, zoals het Nationaal Museum voor Schone Kunsten van Quebec en het Faena Arts Center in Miami Beach. Hij werkt graag rechtstreeks samen met kunstenaars (bijvoorbeeld Cai Guo Qiang, Marina Abramović en Kanye West). Aan de Harvard Graduate School of Design leidt hij een onderzoeksinstituut genaamd "Alimentary Design", dat de raakvlakken tussen voeding, architectuur en stedenbouw onderzoekt.

Het motto van het MAI is strijdlustig: "Kunst kan alleen gemaakt worden in destructieve samenlevingen die herbouwd moeten worden" – en daar lijken er momenteel veel van te zijn, dus het MAI heeft genoeg te doen; net zoals "Balkanbarok" helaas aan relevantie wint in het iets zuidelijker gelegen deel van de wereld.

Een andere toekomstgerichte activiteit van Marina Abramović is de verspreiding van de Abramović-methode, een reeks holistische oefeningen voor lichaam en geest die Abramović de afgelopen 40 jaar heeft ontwikkeld om de beperkingen van lichaam en geest te ervaren en te overwinnen.

Geheel in lijn met de moderne geneeskunde, die de beperkingen van de traditionele geneeskunde op alle fronten overstijgt, heeft Abramović meditatieve en fysieke oefeningen ontwikkeld die podiumkunstenaars kunnen beschermen tegen fysieke schade als gevolg van de typische stress die met podiumkunsten gepaard gaat.

Ze leert deze methode vooral aan jonge performancekunstenaars; samen met de ideeën die via de MAI worden overgebracht, is het een andere manier om performancekunst en toekomstige generaties performancekunstenaars "klaar te maken voor de toekomst".

in 2021 75 jaar en is in de loop van haar lange leven uitgegroeid tot de controversiële, maar zeer gerespecteerde koningin van de performancekunst . Ze speelde een cruciale rol in de popularisering van het genre. Om dit te bereiken, zat ze soms meer dan 700 uur zwijgend op een stoel, wierp ze zich tegen muren en sneed ze zichzelf open met scheermesjes.

Huidige toegang tot Marina Abramovic

Een uur durend kunstenaarsgesprek met Sam Keller, directeur van het Zwitserse kunstmuseum en de Fondation Beyeler, is hier te bekijken: https://www.fondationbeyeler.ch/programm/artist-talks/ (in het Engels).

getiteld "Balkan Baroque". Het scenario werd geschreven door regisseur Pierre Coulibeuf samen met de kunstenares. Marina Abramović speelt zichzelf in de film. Ubu Film: Pierre Coulibeuf .

Je kunt kunstwerken van Marina Abramović bekijken in de volgende galerieën:

• Brazilië: Luciana Brito Galeria São Paulo
• Griekenland: Kappatos Galerij, Athene
• Italië: Lisson Gallery Milaan, Galleria Lia Rumma Napoli
• Nederland: PARC Editions Lent
• Noorwegen: Galleri Brandstrup Oslo
• Oostenrijk: Galerie Krinzinger, Wenen
• Spanje: Bernal Espacio Galería Madrid, La Fabrica Galeria Madrid
• Zwitserland: Art Bärtschi & Cie Genève
• VS: Kathryn Miriam Greenwich CT, Kunzt.gallery Miami FL, Sean Kelly Gallery New York City NY
• Verenigd Koninkrijk: Lisson Gallery Londen

Marina Abramović in openbare collecties:

• Australië: Art Gallery of New South Wales Sydney NSW, Museum of Contemporary Art Sydney (MCA) Sydney NSW
• België: Museum voor Hedendaagse Kunst Antwerpen (MuHKA) Antwerpen, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (SMAK) Gent
• Duitsland: Wemhöner Collectie Berlijn, Kunsthalle Bielefeld, Museum Ludwig Keulen, Julia Stoschek Collectie Düsseldorf, Kunstpalais Erlangen, Kunsthalle zu Kiel
• Finland: Kiasma Museum voor Hedendaagse Kunst Helsinki
• Frankrijk: Centre d'Art le LAIT Albi, FRAC Franche-Comté Besançon, Musée d'Art Contemporain Lyon, 49 NORD 6 EST Frac Lorraine Metz
• Griekenland: Nationaal Museum voor Hedendaagse Kunst (EMST) Athene
• India: Kiran Nadar Museum of Art (KNMA) New Delhi
• Italië: Studio Stefania Miscetti en Nomas Foundation Rome
• Canada: National Gallery of Canada Musée des beaux-arts du Canada Ottawa ON
• Kroatië: Museum voor Hedendaagse Kunst (MSU) Zagreb
• Luxemburg: Musée d'Art Moderne Groothertog Jean (MUDAM) Luxemburg
• Macedonië: Oostelijk Tekenmuseum Skopje
• Nederland: Stedelijk Van Abbemuseum Eindhoven
• Polen: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Niepołomicach (MOMA) Niepolomice
• Servië: Museum voor Hedendaagse Kunst Belgrado (MoCAB)
• Slovenië: Moderna galerija Ljubljana
• Spanje: Centro de Artes Visuales Helga de Alvear Cáceres, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) Léon, ARCO Collection en Fundación Telefónica Madrid, Es Baluard Museu d'Art Modern Palma de Mallorca, Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) Vejer de la Frontera Cádiz
• Zweden: De Wanas Stichting Knislinge
• Zwitserland: Kunstmuseum Bern, Kunstmuseum Wallis Sion, Kunstmuseum des Kantons Thurgau Warth
• VS: Museum of Contemporary Photography (MoCP) Chicago, Illinois, Eileen S. Kaminsky Family Foundation (ESKFF) Jersey City, New Jersey, The Progressive Art Collection Mayfield Village, Ohio, Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO) Miami, Florida, Solomon R. Guggenheim Museum en Museum of Modern Art (MoMA) New York City, New York, The Fabric Workshop and Museum Philadelphia, Pennsylvania, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) San Francisco, Californië

Op pippinbarr.com/games/dmai vind je het "Digitale Marina Abramović Instituut" waar je van alles kunt doen... en het echte Marina Abramović Instituut kunt steunen: "Als je geniet van je digitale ervaring van het Instituut, help dan mee om MAI werkelijkheid te laten worden door hier te steunen."

In 2010 werd de biografie "When Marina Abramović Dies" gepubliceerd; een interview met biograaf en auteur James Westcott is te lezen op ARTFCITY: When Marina Abramović Dies, An Interview with Biographer and Author James Westcott .

In 2012 werd de documentaire "The Artist Is Present" van Matthew Akers en Jeff Dupre uitgebracht, die de voorbereidingen voor de retrospectieve tentoonstelling en de performance, en de gebeurtenissen in het MoMA laat zien.

Een van haar meest recente projecten, "7 Deaths of Maria Callas ", werd een paar maanden geleden in München en Parijs gevierd. In dit werk, dat muziek, zang en film combineert, ensceneert de kunstenares, samen met de Amerikaanse acteur Willem Dafoe, haar eigen dood.

Abramovic bracht het grootste deel van de coronapandemie door op het platteland in de buurt van New York – hij hield zich bezig met tuinieren, zwemmen, dieren observeren en yoga.

“Ik heb het gevoel dat ik de beste fase van mijn leven heb bereikt. Ik drink niet, ik rook niet, ik gebruik geen drugs en ik doe elke ochtend vijftig minuten yoga , aldus de meervoudig bekroonde artiest , die dit jaar onder andere werd onderscheiden met de Spaanse Prinses van Asturië-prijs.