De carrière van David Hockney: zoveel meer dan alleen buitengewoon goede humor

David Hockney staat momenteel op de 20e plaats van de grootste kunstenaars ter wereld ranglijst van ArtFacts

Op Hockneys 75e verjaardag in 2012 stond hij nog steeds op nummer 36; de Britse schilder werd echter met zoveel tentoonstellingen van zijn werk geëerd dat hij op dat moment ook tot de drie tot vijf belangrijkste kunstenaars ter wereld werd gerekend.

De festiviteiten rond zijn 80e verjaardag in 2017 overtroffen dit zelfs.

Zelfs de ranglijsten van de grootste namen kunnen nog aanzienlijk veranderen. Iedereen die echter gedurende een langere periode tot de top 100 van een wereldwijd erkende kunstenaarslijst behoort, is zonder twijfel een van 's werelds toonaangevende kunstenaars die de kunstwereld significant vormgeven. Zoals David Hockney , die sinds ongeveer 1965 steevast hoog scoort in elke ranglijst van hedendaagse kunst.

Het eerste deel van deze serie over de wereldberoemde kunstenaar toonde aan en legde uit dat David Hockney geen popartschilder is, en dat ook nooit is geweest, hoewel deze stijl vaak aan hem wordt toegeschreven. Het volgende deel zal zich richten op de carrière van David Hockney – en biedt daarmee opnieuw de gelegenheid om wijdverbreide en te simplistische portretten van deze invloedrijke kunstenaar te ontkrachten

David Hockney heeft zijn carrière niet in Amerika opgebouwd; hij was al beroemd in kunstkringen toen hij daar aankwam. Hockney schilderde niet alleen prachtige schilderijen, maar was ook zeer succesvol in een breed scala aan artistieke disciplines

Nieuwe kunst, nog steeds in het oude Engeland

In 1959 solliciteerde David Hockney naar het Royal College of Art in Londen, in de hoop zijn puur academische opleiding in Bradford om te zetten in de ontwikkeling van zijn eigen stijl. Zoals elke jonge vrije geest vond Hockney de kleurrijke, onconventionele popart uit de VS fascinerend en had hij goede persoonlijke redenen om zich ervan te distantiëren en zich te richten op ironische, maar tegelijkertijd levensbevestigende maatschappijkritiek.

De ernst waarmee hij zijn artistieke werk benaderde, stond hem echter niet toe zich zo gewillig over te geven aan de mooie, kleurrijke kunstwereld van de hedendaagse Amerikaanse popart, zoals sommige afbeeldingen lijken te suggereren.

Hockney moest eerst een lange, traditionele omweg maken: tot het einde van zijn studie in 1962 werkte hij vastberaden en onafgebroken aan zijn eigen beeldtaal; hij wilde een volledig nieuwe uitdrukkingsvorm vinden of uitvinden, ergens tussen abstractie en figuratieve weergave in.

Hij had in Bradford al zijn eerste conflicten met het onderwerp ervaren, maar had het tijdens zijn verblijf daar nog niet losgelaten. Aan het Royal College of Art concentreerde hij zich aanvankelijk uitsluitend op het zien en benadrukken van het beeld als een oppervlak. Dit opvallende kenmerk van Hockneys vroege werk aan het Royal College of Art (hallo Sandra Blow, zie Hockney deel 1) was een zeer bewuste beeldstrategie die een doorslaggevende stap voor de kunstenaar zou blijken te zijn.

Studeren in het hart van de Londense culturele en artistieke scene, en samenwerken en discussiëren met medestudenten die eveneens geïnteresseerd waren in nieuwe wegen en uitdrukkingsvormen, bood Hockney volop gelegenheid om zich te verdiepen in de verschillende kunststromingen van zijn tijd en om in dit leerproces zijn eigen beeldtaal te ontwikkelen.

De eerste benadering van abstractie bestond uit expressieve schilderijen op karton in een abstracte stijl, zoals "Growing Discontent" (1959, afbeelding niet beschikbaar), hoewel de titel zelf al Hockneys afkeer van een louter gebarenrijke, expressieve schilderstijl à la Alan Davie en Jackson Pollock .

Hockney gaf deze abstracte schilderijen na een paar maanden op, omdat hij zich realiseerde dat de weg naar moderniteit voor hem niet kon bestaan ​​uit het aantrekken van een nieuw stilistisch keurslijf genaamd Pop Art in plaats van de beperkingen die hij met veel moeite had afgeworpen door de rigide regels van de traditionele 'koninklijke kunst'.

Hockney wilde meer: ​​een persoonlijke stem; een elegant, nieuw compromis tussen abstractie en figuratie, iets wat niet te vinden was in de trendsettende kunst van de modieuze Amerikanen. Daarom gaf Hockney er de voorkeur aan om zich opnieuw te laten inspireren door Europese kunstenaars, van wie velen al lange tijd probeerden te bemiddelen tussen abstractie en figuratie.

Tijdens zijn bezoeken aan tentoonstellingen in Londen in het voorjaar van 1960 ontdekte hij Francis Bacon (Hello, Sandra Blow), wier figuratieve schilderijen Hockneys eerste belangrijke inspiratiebron werden.

Bovendien vond Hockney inspiratie in Jean Dubuffets ogenschijnlijk primitieve "Art Brut", Brassaï de eerste graffitifotograaf , die in de jaren dertig al foto's van Parijse muurschilderingen had verzameld.

Het idee leverde Dubuffet een doorslaand succes op; tijdens Dubuffets documenta-periode (drie opeenvolgende deelnames: 1959, 1964, 1968) werden zijn figuur-tableaus, omlijst door primitief schrift of samengesteld uit levende letters ( "Vertu virtuelle" ; "Hopes and Options" , vrijwel overal waar moderne kunst te vinden was, beschouwd als "anarchie in haar mooiste vorm"

Voor Hockney waren dit cruciale impulsen; hij voelde een sterke band met Dubuffets afbeeldingen, die de grens tussen kinderkunst en de hoogstaande cultuur van het oude Egypte , en zag in deze "anonieme stijl" ("Davis Hockney" door David Hockney 1976, p. 67) een essentieel voorbeeld voor zijn werk tijdens zijn tijd aan het Royal College.

nooit verliezen wat een student uit Seoul (zoals zij zelf benadrukt) "Europese emotionele of figuurgerichte tendens" in haar filosofiedissertatie aan de Ludwig Maximilian Universiteit van München over het vroege werk van David Hockney,

Misschien was het juist deze nadruk op Europese artistieke tradities; Hockneys aarzeling, net als die van zijn Britse collega's, om direct vernieuwende Amerikaanse stijlen te omarmen om zich los te maken van de Europese artistieke traditie, die leidde tot een oeuvre van 'wereldkunst' dat mensen op alle continenten kon inspireren.

Zelfs in het oude Engeland heeft goede jonge kunst een kans

Tegen het einde van zijn studie aan het Royal College of Art ontwikkelde Hockney zijn eerste unieke expressiestijl, waarmee hij al heel vroeg en heel snel beroemd werd in zijn thuisland

In 1960 werd de getalenteerde heer Hockney uitgenodigd voor de jaarlijkse tentoonstelling van de "London Group" . De London Group is een Londense kunstenaarsvereniging die tot op de dag van vandaag actief is. De vereniging werd in 1913 opgericht als een avant-gardistische oppositie tegen de conservatieve Royal Academy of Arts; haar verklaarde doel is "het publiek bewust maken van hedendaagse beeldende kunst door middel van jaarlijkse tentoonstellingen".

De Royal Academy of Arts in Londen is de kunstinstelling in Groot-Brittannië die zich sinds de oprichting door George III, in opdracht van de monarch, toelegt op de bevordering van schilderkunst, beeldhouwkunst en architectuur. George III regeerde van 1760 tot 1820; vanaf 1765 zou hij de eerste tekenen hebben vertoond van de psychische aandoening die de tweede helft van zijn regeerperiode zou overschaduwen; de Royal Academy of Arts werd opgericht in 1768…

De eerbiedwaardige Royal Academy was waarschijnlijk al lang vóór de Brexit niet bepaald gezegend met een verfrissende geest; het idee om jonge kunstenaars (zelfs homoseksuele) studenten zoals David Hockney te tonen in een van haar beroemde zomertentoonstellingen was simpelweg ondenkbaar.

Hoe ver men als RA (Royal Academician) achterloopt op de tijd, blijkt bijvoorbeeld uit het feit dat David Hockney zelf pas in 1991 werd verkozen tot lid van de Royal Academy of Arts in Londen – toen was hij 54 jaar oud en al 30 jaar een beroemd kunstenaar.

Dit artikel van de "Guardian" Grayson Perry, die met zijn 58 jaar niet bepaald jong meer is , de tentoonstelling van de zomer van 2018 (het 250-jarig jubileum van de Academie) redde van een "versimpelde versie", aldus de journalist van de Guardian, door het verraste Britse kunstestablishment te confronteren met een wilde verzameling trash art.

Daarentegen geniet de London Group, zowel toen als nu, van haar tentoonstellingen met de stilistische diversiteit die alle jonge kunstenaars, die niet opgemerkt werden of afgewezen werden door de Royal Academy of Arts, aan de jaarlijkse tentoonstelling toevoegen.

David Hockney exposeerde kort daarna opnieuw, en deze tentoonstelling van jonge hedendaagse kunstenaars uit 1961 in de RBA Galleries in Londen werd beroemd omdat de studenten van het Royal College, Patrick Caulfield , Derek Boshier , Allen Jones , David Hockney, RB Kitaj en Peter Phillips in één klap beroemd door werden.

“Young Contemporaries” in 1974 “New Contemporaries” eveneens een Britse organisatie die zich richt op het ondersteunen van opkomende kunstenaars aan het begin van hun carrière. De organisatie werd opgericht door Carel Weight, de leraar van David Hockney.

In 1949 kreeg hij het idee om de nauwelijks gebruikte galerie van de Royal Society of British Artists (RBA, een andere Britse kunstenaarsvereniging die in 1823 werd opgericht als tegenwicht voor de slaperige Royal Academy) in Suffolk Street in Londen te gebruiken om werk van studenten .

Zo gezegd, zo gedaan, en de oprichters kwamen ook overeen om de exposerende "Young Contemporaries" via een zo onpartijdig en democratisch proces dat het bijna on-Brits te noemen is: de kunstenaar meldt zich anoniem aan met een kunstwerk; de juryleden komen tijdens het hele selectieproces niet te weten tot welke school, leeftijd of nationaliteit de deelnemer behoort.

In het decennium sinds de oprichting had de jaarlijkse tentoonstelling Young Contemporaries al een reputatie opgebouwd als platform voor de meest opwindende nieuwe kunst van die tijd. Begin jaren zestig was de Young Contemporaries-tentoonstelling een absolute aanrader voor kenners van hedendaagse kunst, en wereldburgers met een waardering voor moderne kunst zorgden ervoor dat ze dit spektakel niet wilden missen.

De tentoonstelling van 1961 was een doorslaand succes, vooral bij de kritische kunstkenners, die gretig de nieuwe Britse popart en met name de vroege werken van David Hockney omarmden. Deze opwindende nieuwe ontdekkingen werden besproken en doorgegeven, en David Hockney werd geleidelijk aan een gespreksonderwerp in de avant-garde kunstwereld.

Een galeriehouder vindt zijn kunstenaar

Op deze tentoonstelling Young Contemporarys uit 1961 was ook werk te zien van John Kasmin , een jonge rebel uit East End in Londen die onlangs door de politie uit Nieuw-Zeeland was gezet (omdat hij als bohemien werd beschouwd) en sinds zijn terugkeer in Londense galerieën werkte.

"Doll Boy" van de toen nog onbekende student David Hockney (nu in de collectie van Tate) op de Young Contemporaries Show in 1961 Marlborough Gallery in New London. Na het werk nodigde Kasmin Hockney uit voor een kop thee, hij mocht hem graag en wilde het schilderij zo graag hebben dat hij bereid was zijn baas en medeoprichter van Marlborough Fine Art, Harry Fischer, ermee te confronteren.

Kasmin mocht in de galerie sowieso niet kiezen op basis van zijn eigen smaak/instinct, dus nam hij ontslag (tot grote teleurstelling van de oprichters van Marlborough, die zijn potentieel al hadden herkend) en nam de belangrijkste klant van de galerie met zich mee.

Deze Sheridan Dufferin, wiens volledige naam Sheridan Frederick Terence Hamilton-Temple-Blackwood, 5e Markies van Dufferin en Ava was, was dan ook een welgesteld persoon. Dufferin financierde de oprichting van de Kasmin Gallery, die gevestigd was in een ongewoon groot, kaal wit pand aan New Bond Street in Londen en waar in 1963 de eerste solotentoonstelling van David Hockney plaatsvond.

Hockney vereeuwigde Kasmin in 1963 in het schilderij "Play within a Play" ( curiator.com/art/david-hockney/play-within-a-play ) "als een gevangene tussen leven en kunst" , dus hij wist waarschijnlijk toen al wat een geluksvogel hij was als galeriehouder John Kasmin, die in kunst geloofde en niet alleen maar dingen wilde verkopen.

De reactie op Hockneys eerste solotentoonstelling in de Kasmin Gallery in Londen was overweldigend; David Hockney werd een ster aan het prestigieuze Royal College of Art. De jonge man, die voorheen werd omschreven als buitengewoon verlegen in "koninklijke kringen", vertoonde nu zijn eerste tekenen van rebellie (maar wordt nog steeds beschreven als innemend, charmant en absoluut niet berekenend).

Temidden van al deze vroege roem bleef Hockneys studie, die hij blijkbaar niet volledig afrondde, achter de rug. Volgens John Kasmin weigerde hij een essay of iets dergelijks te schrijven, ontving hij daarom niet de gebruikelijke gouden medaille en kocht hij in plaats daarvan een gouden laméjasje.

Vermoedelijk was Hockney meer geïnteresseerd in de "Tekenprijs" die hij in zijn laatste jaar won. Deze prijs bestond uit 100 pond, die Hockney prompt uitgaf aan een reis naar New York, Berlijn en Egypte om inspiratie op te doen voor zijn illustraties.

Hockney zou na deze reis zijn teruggekeerd met stralend blond haar, meer zelfvertrouwen en een extravagantere levensstijl. Net als veel van zijn collega-kunstenaars was hij niet bepaald gecharmeerd van het sociale klimaat in het Verenigd Koninkrijk destijds: homoseksuelen konden nog steeds worden bestraft met een levenslange gevangenisstraf, hoewel ze sinds het Wolfenden-rapport van 1957 niet meer werden vervolgd.

Volgens Kasmin, Kitaj, Blow en anderen die al de wereld rondgereisd hadden, was er meer opwindende kunst "daarbuiten" dan de behangschilderijen van John Minton, de mozaïeklandschappen van Julian Trevelyan en de "vreselijke kleine tekeningen" ( citaat Kasmin) van Lucian Freud.

Over het algemeen vond Hockney het weer te slecht, het land te nationalistisch (hallo Brexit) en veel mensen te bekrompen en chagrijnig.

Buiten de beperkingen

In elke "trotse natie met een glorieuze geschiedenis" schuilt de verleiding om buitenlanders en andersdenkenden met minachting te behandelen. Hoe smaller de horizon, hoe meer als anders wordt beschouwd; onafhankelijke kunstenaars wanneer hun werk afwijkt van de gangbare smaak, en mensen met een ongebruikelijke seksuele geaardheid nog meer.

Moderne, beschaafde samenlevingen bestrijden dergelijke tendensen; onafhankelijke vrijdenkers hebben altijd de neiging gehad zich aan te sluiten bij de landen waar deze strijd op een bepaald moment het meest succesvol wordt gevoerd – voor de meeste jonge kunstenaars in het naoorlogse Engeland wezen grote rode pijlen naar Amerika.

Vijf van de zes medestudenten die samen met Hockney bekendheid hadden verworven tijdens de tentoonstelling Young Contemporarys in 1961, kwamen na hun afstuderen aan het Royal College of Art min of meer snel in de VS terecht; slechts twee van hen keerden later definitief terug naar Engeland

Ridley Scott ontving in 1963 een reisbeurs voor een jaar naar de VS en werkte twee jaar bij Time Life, Inc. samen met documentairemakers Richard Leacock en D.A. Pennebaker. In 1965 keerde hij terug naar Engeland om een ​​cursus production design bij de BBC te volgen, wat leidde tot zijn toelating tot het regieopleidingsprogramma.

In 1968 verliet hij de BBC om Ridley Scott Associates op te richten, dat uitgroeide tot een van de meest succesvolle reclamefilmproductiebedrijven in Europa. Van daaruit lanceerde hij zijn bekende carrière als regisseur.

Allen Jones en Peter Phillips woonden van 1964 tot 1966 in New York en reisden veelvuldig door de Verenigde Staten. Jones verhuisde vervolgens naar Duitsland (hij doceerde aan kunstacademies in Hamburg en Berlijn, nam deel aan documenta III in 1964 en documenta 4 in Kassel in 1968) voordat hij terugkeerde naar zijn geboorteland Frankrijk. Peter Phillips bleef internationaal actief, doceerde in Birmingham en Hamburg, exposeerde zijn werk wereldwijd en reisde tot in Afrika en Australië. Hij woont momenteel op Mallorca.

Na zijn afstuderen Derek Boshier

De enige geboren Amerikaan, RB Kitaj, doceerde tot 1967 tekenles aan de Ealing School of Art, de Camberwell School of Art en de Slade School of Fine Art in Londen, nam deel aan documenta III in Kassel en de Biënnale van Venetië in 1964, en keerde pas in 1965 na negen jaar ballingschap terug naar de VS ter gelegenheid van zijn eerste Amerikaanse tentoonstelling in de Marlborough-Gerson Gallery in New York.

Hockney ontsnapte in februari 1964: tijdens zijn eerste grote reis in de wereld had hij Henry Geldzahler ontmoet, destijds conservator van het Metropolitan Museum of Art in New York, die bekend stond om zijn betrokkenheid bij jonge kunstenaars en Hockney had aangemoedigd om naar Los Angeles te verhuizen.

Ze hadden op talenten zoals Hockney gewacht: in hetzelfde jaar had Hockney zijn zeer succesvolle eerste solotentoonstelling in de VS in de Alan Gallery , en in de zomer van 1964 kreeg hij een aanstelling als docent aan de Universiteit van Iowa.

Hockney vestigde zich echter in Los Angeles, zijn nieuwe thuis in de VS. Hij was gefascineerd door het zonnige Californië ; geen wonder, als je bedenkt waar David Hockney eerder had gewoond:

Hockneys geboorteplaats Bradford bevond zich in de jaren vijftig en zestig op een ecologisch en architectonisch dieptepunt, na een nog minder glorieus verleden: in de 19e eeuw was Bradford uitgegroeid van een landelijk marktstadje met een paar duizend inwoners tot een industriestad met meer dan 50 kolenmijnen en de "wolhoofdstad van de wereld".

Het stadsbeeld werd gekenmerkt door ontoereikende arbeiderswoningen, militaire kazernes en textielfabrieken waarvan de 200 schoorstenen constant zwarte, zwavelhoudende rook uitstootten. Rond 1850 was Bradford de vuilste stad van Engeland, met cholera en tyfus als veelvoorkomende ziektes, en de gemiddelde levensverwachting van de inwoners was achttien jaar.

Bradford liep weinig schade op tijdens de Tweede Wereldoorlog, maar de herstructurering en herontwikkeling door autoriteiten die vaak esthetisch gezien niet veel voorstelden, hebben het historische gezicht van Bradford mogelijk nog grondiger aangetast.

Toen David Hockney daar opgroeide, bestond Bradford uit lelijke gebouwen en chaotische straten vol onbeveiligde bouwplaatsen en uniforme flatgebouwen met voetbalvelden ertussen, zonder een spoor van groen; de huizen waren zwartbruin en lelijk en de lucht was nog grijs.

John Kasmin bezocht hem een ​​of twee keer per jaar in de VS; een foto van hen beiden uit 1965 werd genomen in de VS toen ze samen met kunstenaarskennissen uit Engeland een tentoonstelling van de nieuwe Londense schilderkunst bezochten in het Walker Art Center in Minneapolis.

Kasmin groeide op in relatief idyllische omstandigheden in de Londense wijk Whitechapel, tegenover Bradford, en bracht vanaf zijn zeventiende zes jaar door in het "pure platteland" van Nieuw-Zeeland. Tegen deze achtergrond is het begrijpelijk dat de galeriehouder met een vleugje ironie terugdenkt aan hoe gecharmeerd Hockney was van elk detail van de relaxte Californische levensstijl; Hockney zou hem zelfs hebben meegesleept naar Disneyland…

Vanuit Hockneys perspectief is Californië echter de meest logische keuze ter wereld: vrije, inspirerende (Pop)kunst in plaats van koninklijke beperkingen, zon in plaats van motregen, weidse horizonnen in plaats van smalle straatjes, zwembaden in het groen in plaats van met grind bedekte sportvelden, vrolijke en goed gebouwde jongens (met ontblote bovenlichamen) in plaats van serieuze mannelijkheid in pakken en stropdassen... en dat een overvloed aan de nieuwste technische snufjes, genaamd Disneyland, een moderne kunstenaar fascineert, zou een galeriehouder die in deze branche werkt, niet moeten verbazen.

De eerste bloei onder de Californische zon

De tijd van zijn vertrek naar de vrijheid was ook de tijd waarin David Hockney zijn eerste eigen beeldtaal : heldere, koele vormen, een objectieve benadering, een focus op het verwerken van nieuwe ervaringen, die zorgvuldig werden vastgelegd met de eveneens nieuwe Polaroidcamera voor reflectie.

Voor Hockney was de nieuw uitgevonden acrylverf het ideale medium voor deze fase; de ​​"Doucheschilderijen" , "Zwembadschilderijen" en "Huiselijke Scènes" , imponeren niet alleen door hun kleuren en expressiviteit, maar ook door de toepassing van de nieuwste ontwikkelingen die die tijd te bieden had.

De nieuwste technologische ontwikkelingen vertaald naar kunst, in een eigen taal met rijke kleuren en heldere motieven, zonder onbegrijpelijke academische, intellectuele of psychologische verwikkelingen en boodschappen – deze combinatie raakte en betoverde vele liefhebbers van moderne kunst en al snel ook mensen die gewoon op zoek waren naar mooie kunst en/of trendy kunst met een hoge gebruiks- en decoratieve waarde.

Hockney brak pas echt door in Californië; en dat was het begin van een artistiek leven waarvan de intensiteit de toeschouwer duizelig kan maken

Tussen 1965 en 1967 ontving en vervulde Hockney lesopdrachten aan de Universiteit van Colorado in Boulder en aan de Universiteit van Californië in Los Angeles en Berkeley in San Francisco.

In 1966 creëerde Hockney zijn eerste toneelontwerp voor het Royal Court Theatre in Londen, voor Alfred Jarry's surrealistische stuk "Ubu Roi", waarmee het begin van talloze toneelontwerpen werd ingeluid. Tegenwoordig kennen veel van zijn tijdgenoten David Hockney "alleen" als schilder, maar hij was zo actief als toneelontwerper, fotograaf en grafisch kunstenaar dat hij ook in deze disciplines terecht wordt beschouwd.

In 1968 bracht Hockney de zomer thuis in Engeland door en reisde hij met vrienden naar Parijs, Zuid-Frankrijk, Cornwall en Noord-Ierland. In de herfst vergezelde hij zijn toen nog relatief nieuwe liefde, de Californische kunstfotograaf Peter Schlesinger, naar Londen, waar Schlesinger van plan was zich in te schrijven aan de Slade School of Art.

Vervolgens reisde hij door naar Saint-Tropez, waar hij "Le Nid du Duc" bezocht en uitgebreid fotografeerde – het dromerige huis van regisseur, scenarioschrijver en producent Tony Richardson (1964, 4 Oscars voor "Tom Jones", Hotel New Hampshire, Phantom of the Opera e.v.) zou later een rol spelen in zijn kunst.

Daarnaast schilderde hij enkele van zijn beroemdste werken ( Christopher Isherwood en Don Bachardy ; de Amerikaanse verzamelaars Fred en Marcia Weisman ) en nam hij deel aan documenta 4 in Kassel.

Een marathoncarrière met eindeloze snelheidsuitbarstingen

Dit tempo hield aan: in 1969 accepteerde Hockney een gasthoogleraarschap aan de Hamburgse Academie voor Schone Kunsten; hij ondernam herhaaldelijk langere reizen, die hij combineerde met werk en experimenten en langdurige verblijven in de betreffende uithoeken van de wereld.

Zo bracht hij in 1975 bijvoorbeeld een langere periode door in Parijs met zijn ouders, die ook uitgebreid in zijn werk werden geportretteerd. Eveneens in 1975 verwerkte Hockney het onderzoek dat hij begin jaren zestig had verricht voor de etsenreeks van William Hogarths "The Rake's Progress" in een toneelontwerp voor het Glyndebourne Festival Opera in East Sussex, waar Stravinsky's "The Rake's Progress" werd uitgevoerd.

Daarnaast ontstonden er voortdurend geheel nieuwe artistieke ideeën, bijvoorbeeld vanaf 1976 fotocollages, elk samengesteld uit vele Polaroid-foto's. "Twenty Photographic Pictures" en de compositie bestaande uit 63 Polaroids met de zussen Imogen en Hermiane Cornwall-Jones werden destijds goed ontvangen en vertegenwoordigden opnieuw een unieke benadering die inging tegen de heersende modetrends.

Tegenwoordig worden deze werken vaak gepresenteerd als een uiting van "kubistische fase" en toegeschreven aan een late kennismaking met het kubisme en het werk van Picasso ; Hockney was echter al tijdens zijn studie aan het Royal College of Art met deze kennismaking begonnen.

In 1977 was het werk van Hockney te zien op documenta 6, in 1978 op de 38e Biënnale van Venetië en in 1979 op de 3e Biënnale van Sydney; in 1978 ontwierp Hockney het decor voor Mozarts "Die Zauberflöte" in het Glyndebourne Festival Opera in East Sussex.

In 1980 ontwierp Hockney de decors en kostuums voor een drievoudig eerbetoon aan de Franse kunst uit het Picasso-tijdperk in de Metropolitan Opera. Het weelderige werk, getiteld Parade, bestond uit het ballet "Parade" met muziek van Erik Satie, de opera "Les mamelles de Tirésias" met een libretto van Guillaume Apollinaire en muziek van Francis Poulenc, en de opera "L'enfant et les sortilèges" met een libretto van Colette en muziek van Maurice Ravel. In 1981 ontwierp hij opnieuw een drievoudige set decors voor de Metropolitan Opera: Stravinsky's "Le Sacre du Printemps", "Le Rossignol" en "Oedipus Rex".

Vanaf 1982 verschenen er nieuwe Polaroid-collages, nog veelzijdiger (en misschien wel kubistischer?), een spel met een grote verscheidenheid aan formaten en principes van compositie en ordening.

In 1983 werkte Hockney gelijktijdig voor de Los Angeles Music Center Opera en het Royal Opera House in Londen, en ontwierp hij decors voor het Eye and Ear Theatre in New York. Voor de tentoonstelling "Hockney Paints the Stage" in datzelfde jaar herontwierp hij ook het decor voor de opera "L'enfant et les sortilèges", een werk dat tot op de dag van vandaag te bewonderen is als permanente installatie in het Honolulu Museum of Art.

In 1985 nam Hockney deel aan de XIII Biënnale van Parijs, en in 1986 aan PaperArt (de 1e Internationale Biënnale van Papierkunst in Düren, Westfalen), waar hij ongetwijfeld nieuwe experimenten uitvoerde; in 1987 ontwierp hij het decor voor Richard Wagners opera "Tristan und Isolde" in opdracht van de Los Angeles Music Center Opera.

Vanaf het midden van de jaren tachtig stortte Hockney zich weer meer op de schilderkunst, ditmaal voornamelijk op de studie van Henri Matisse (en Pablo Picasso, herhaaldelijk).

Al snel waren enkele technische innovaties klaar voor verwerking, en vanaf het einde van de jaren tachtig experimenteerde Hockney met drukwerk, kleurenkopieermachines en faxapparaten – wat resulteerde in vierkleurenkopieën, faxtekeningen en abstracte computergraphics, het nieuwe oeuvre dat bekend staat als " Home Made Prints" .

In 1989 exposeerde David Hockney zijn werk op de 20e Biënnale van São Paulo in Brazilië en ontving hij de Japanse Praemium Imperiale . Dit was de eerste keer dat deze "Nobelprijs voor de Kunsten" werd uitgereikt; Hockney deelde de prijs in de categorie schilderkunst met Willem de Kooning (eerste prijswinnaars in de andere categorieën: beeldhouwkunst Umberto Mastroianni; architectuur I.M. Pei; muziek Pierre Boulez; theater/film Marcel Carné).

Vanaf 1991 ontwierp Hockney opnieuw toneeldecors, voor Puccini's "Turandot" bij de Chicago Lyric Opera en voor Richard Strauss' "Die Frau ohne Schatten" in 1992 in het Royal Opera House in Londen; bovendien werd hij in 1991 toegelaten als lid van de Royal Academy of Arts in Londen.

In 1994 ontwierp Hockney kostuums en decors voor twaalf opera-aria's in Mexico-Stad als onderdeel van Placido Domingo's televisieprogramma Operalia. Opnieuw maakte hij gebruik van de nieuwste technologische ontwikkelingen en bouwde hij complexe schaalmodellen (1:8) in een beweegbaar toneel van 1,8 m x 1,2 m. Met behulp van een computergestuurd systeem kon hij naar believen lichteffecten programmeren en synchroniseren met de muziek.

In 1995 nam Hockney deel aan de 46e Biënnale van Venetië; in 1997 ontving hij de Britse Order of the Companions of Honour (een orde van het Verenigd Koninkrijk en het Gemenebest die sinds 1917 uitmuntende prestaties op diverse gebieden eert) en werd hij toegelaten tot de American Academy of Arts and Sciences.

In 2004 werd zijn werk gelijktijdig tentoongesteld op de Biënnale van Liverpool en de Whitney Biënnale in New York.

In 2006, na een grondige studie van de methoden van de oude meesters, werd zijn boek "Geheime kennis: De verloren technieken van de oude meesters herontdekken" gepubliceerd; in 2012 creëerde Hockney een grootschalig schilderij van 176 vierkante meter voor de Weense Staatsopera, dat een hoogtepunt vormde van de tentoonstellingsreeks "IJzeren Gordijn" als onderdeel van het "museum in ontwikkeling" in het seizoen 2012/2013.

In 2012 ontving Hockney de Order of Merit van de koningin (een Britse onderscheiding voor uitzonderlijke militaire, wetenschappelijke, artistieke en literaire prestaties) – die hij accepteerde nadat hij in 1990 een ridderschap van de koningin had afgewezen (zie bbc.com ); hij nam ook deel aan de 4e Biënnale van Hedendaagse Kunst in Madrid; en in 2015 (op 78-jarige leeftijd) aan de 5e Biënnale van Hedendaagse Kunst in Thessaloniki…

David Hockney in 2017 80e verjaardag tate.org.uk/whats-on/ ). De San Francisco Opera reconstrueerde en hernam in 2017 Hockneys toneelontwerp voor Turandot, waarvoor Hockney de San Francisco Opera Medal ontving.

Dit was nog niet eens het begin van een biografie, slechts een kort overzicht van een paar belangrijke momenten in Hockneys leven. Naast al dat reizen, onderzoek, lesgeven en experimenteren, heeft David Hockney zich voornamelijk met kunst beziggehouden; genoeg kunst voor meer dan 306 solotentoonstellingen en bijna 900 groepstentoonstellingen ... er zijn nog geen officiële statistieken over, maar veel kunstenaars hebben de grens van 1000 tentoonstellingen zeker niet gehaald.

Het derde deel van deze serie richt zich op de befaamde beeldende kunst van David Hockney – maar niet uitsluitend, want wereldberoemde kunstenaars zoals David Hockney bieden de wereld nog vele andere inspiratiebronnen…

Hier is een selectie van zijn werken op Pinterest:

(Je moet cookies hebben geaccepteerd om het Pinterest-bord te kunnen bekijken)