Body Art: oltre la superficie. Il corpo umano come spazio espositivo

Le arti visive si stanno sempre più concentrando sulla fisicità. Con grande impegno, nel XXI secolo sono state allestite numerose mostre dedicate alla body art e alla body art , dedicate a un'arte perennemente amata dalle belle arti, a volte anche prendendola in giro.

le arti visive hanno ampiamente esplorato il corpo umano . Per secoli, il corpo umano è stato un motivo centrale nell'arte ed è stato rappresentato in vari modi.

L' idealizzazione del corpo umano diffusa nell'antica Grecia La scultura greca era caratterizzata dalla rappresentazione realistica del corpo, con particolare attenzione alla ricerca della perfezione e dell'armonia.

Le celebri statue come la Venere di Milo o il Discobolo sono ancora oggi testimonianze impressionanti di questo periodo.

Ma già molto prima degli antichi Greci, la rappresentazione degli attributi fisici aveva un ruolo importante in varie culture arcaiche.

In Egitto, ad esempio, i faraoni erano ritratti come sovrani forti e potenti, mentre le donne erano spesso raffigurate come simboli di fertilità. Nel corso della storia, vari movimenti artistici esplorato approfonditamente il tema del corpo umano.

Mentre in alcune epoche prevalevano le forme idealizzate, in altri periodi ci si concentrava sulla rappresentazione realistica delle caratteristiche e delle emozioni individuali.

Il corpo umano nell'arte contemporanea

Anche nel XXI secolo, questa fascinazione per la fisicità continua a trovare espressione in numerose mostre e opere di artisti contemporanei. Ciò non implica solo la mera rappresentazione del corpo, ma anche la riflessione delle norme sociali e dell'identità.

Nella società odierna, un corpo intatto e bello ci viene presentato ogni giorno come la cosa più naturale del mondo.

Che si tratti di riviste, poster, televisione e, ultimo ma non meno importante, internet e i social media, ovunque ci troviamo di fronte a corpi perfetti e impeccabili. Questo ideale di bellezza è onnipresente ed esercita un'enorme pressione su di noi.

Sembra quasi che conformarsi a questo ideale sia diventato un dovere. Ci sforziamo di modellare e migliorare il nostro corpo. Diete , sessioni in palestra e chirurgia estetica sono solo alcuni dei mezzi che utilizziamo per soddisfare il nostro desiderio di un aspetto attraente.

È quindi importante ricordare che la bellezza non è definita esclusivamente da fattori esterni. Un corpo sano e bello può anche essere accompagnato da imperfezioni: le cicatrici raccontano storie, le rughe riflettono le esperienze di vita e le curve simboleggiano femminilità o mascolinità.

Con il massimo impegno fisico, gli artisti si impegnano a esplorare e rappresentare il corpo umano in tutte le sue sfaccettature. Portano le mostre sulle spalle, offrendo continuamente al pubblico nuove prospettive sull'argomento.

Non vengono utilizzati solo i media tradizionali come la pittura o la scultura , ma vengono impiegate anche nuove forme d'arte come la performance , l'action art , le installazioni , la concept art o i media digitali .

Il corpo come concetto culturale

I corpi sono soggetti a cambiamenti, non solo dal punto di vista evolutivo e medico (parola chiave: invecchiamento), ma anche da quello estetico e culturale.

Ma il corpo di 500 anni fa era fondamentalmente diverso da quello di oggi? "Assolutamente no", postula Philip J. Sampson , autore di "The Representation of the Body .

Un corpo rimane un corpo, che si tratti del Leonardo da Vinci dei muscoli d'acciaio di Arnold Schwarzenegger in un film d'azione. Il corpo non ha alcun desiderio o capacità di cambiare. Sembrava ovvio. Ma è ancora vero?

Il concetto di corpo umano è rimasto invariato per diversi secoli. Si presumeva che il corpo fosse un oggetto naturale complesso ma non problematico e che, per le sue proprietà fisiche e biologiche, necessitasse di nutrimento, calore e ossigeno.

La forma del corpo è cambiata relativamente poco dall'ultimo balzo evolutivo (a meno che non sia senza tempo) e non è significativamente influenzata da circostanze sociali o culturali. Tutti questi presupposti sono contestati dai teorici postmoderni, a volte apparendo piuttosto ingenui.

Il corpo umano è un prodotto della cultura e la nostra comprensione di esso si è evoluta nel corso della storia."

Il corpo umano, o meglio, la sua percezione, è il prodotto di uno sviluppo culturale e la nostra comprensione di esso si è evoluta costantemente nel corso della storia. Dagli antichi ideali di bellezza alle moderne nozioni estetiche odierne, abbiamo subito una trasformazione straordinaria.

Prendiamo il bodybuilding , in cui il già citato Arnold Schwarzenegger raggiunse la fama mondiale e rifletté lo spirito dell'epoca d'oro del bodybuilding.

Le radici del bodybuilding, tuttavia, risalgono all'antica Grecia. Oltre 2.000 anni fa, il corpo umano era venerato come espressione di bellezza e forza. Gli atleti erano ammirati per il loro fisico muscoloso e la loro abilità atletica. Questa venerazione pose le basi per il bodybuilding successivo.

Lo sviluppo del bodybuilding come forma d'arte è stato trainato principalmente dai media. Film come "Pumping Iron" con Arnold Schwarzenegger e riviste come "Muscle & Fitness" hanno ispirato sempre più persone ad apprezzare l'estetica del bodybuilding.

L'attenzione non era più rivolta esclusivamente alle competizioni individuali: attorno a questo tema si stava sviluppando un'intera sottocultura. Oltre a una grande disciplina e a un allenamento rigoroso, anche integratori come gli aminoacidi per la crescita muscolare un ruolo importante per gli atleti.

Ciò che è particolarmente interessante è quanto la cultura pop e la permeazione delle nostre vite moderne con i social media stiano influenzando sempre di più la nostra percezione del corpo, la nostra identità e la definizione degli ideali di bellezza.

In un mondo in cui selfie e immagini ritoccate sono onnipresenti, la ricerca della perfezione sta diventando sempre più diffusa. Sembra quasi compulsiva: questo culto dilagante del corpo, sia tra i giovani che tra gli anziani, sembra quasi un'abitudine.

Le palestre sono in piena espansione, i programmi dietetici stanno diventando di moda e persino gli interventi chirurgici per migliorare il proprio aspetto stanno riscuotendo grande popolarità.

L'onnipresente culto del corpo è il risultato di una complessa interazione di diversi fattori: pressione sociale, influenze dei media e motivazione personale giocano tutti un ruolo nella nostra percezione del nostro corpo e nella ricerca della bellezza.

È importante notare, tuttavia, che gli ideali di bellezza cambiano continuamente nel tempo. Ciò che è considerato bello oggi potrebbe essere fuori moda domani. Pertanto, anche il concetto soggettivo di estetica a continui adattamenti.

Breve storia dell'arte del corpo nella modernità

Il titolo della pubblicazione di Marina Schneede, “Mit Haut und Haaren” (Con pelle e capelli) , ci fornisce una buona base per considerare la body art e il corpo umano come tela, superficie di proiezione e materiale a partire dagli anni ’60.

Questa mostra esplora il corpo e le sue componenti più significative nell'arte contemporanea . Il titolo non solo mette in risalto il tema trattato, ma anche la passione e la dedizione con cui gli artisti lo affrontano.

, la storica dell'arte tedesca Marina Schneede esamina vari aspetti del corpo nell'arte: dalle rappresentazioni classiche alle interpretazioni astratte, vengono un'ampia varietà di posizioni artistiche .

Particolarmente interessante è la varietà di materiali e tecniche che gli artisti utilizzano per affrontare il soggetto. Che si tratti sculture in marmo o bronzo, dipinti su tela o installazioni in spazi pubblici, ogni forma ha una propria forza espressiva e trasmette impressioni molto diverse allo spettatore.

Ma ciò che accomuna queste opere è la loro intensità. Gli artisti sono appassionati dei loro soggetti: si immergono letteralmente nelle loro opere. Esplorano non solo le caratteristiche esteriori del corpo umano, come le proporzioni o l'anatomia ulteriormente : affrontano emozioni , identità e norme sociali .

Non rifuggono da rappresentazioni provocatorie o controverse, ma cercano consapevolmente nuove prospettive. Questo impegno per il corpo nell'arte è anche espressione dello spirito del tempo .

In un mondo caratterizzato dal progresso tecnologico e dalle realtà virtuali, l'arte contemporanea invia un messaggio: ci ricorda che noi esseri umani abbiamo ancora una presenza fisica, con tutti i nostri punti di forza e di debolezza.

Le opere presentate trasmettono una consapevolezza corporea che non mira a uno stile corporeo standardizzato, ma piuttosto a esplorare i confini della psiche e del corpo. Considerano il corpo come mezzo di espressione e ne esaminano gli usi rituali e manipolativi.

Anni '60 e '70: la body art e l'era dell'autostima

Negli anni '60, gli artisti iniziarono a utilizzare corpo umano come mezzo diretto per le loro opere body art , in cui il corpo stesso diventava un'opera d'arte.

La body art, nota anche come body art , è un concetto artistico sviluppatosi a partire dai movimenti Happening e Fluxus . Utilizza il corpo umano sia come mezzo espressivo sia come vero e proprio oggetto d'arte in sé.

Tra gli artisti più noti del movimento della body art figurano Marina Abramović, Chris Burden, Günter Brus, Gina Pane, Pipilotti Rist, Carolee Schneemann, Vito Acconci, Valie Export e Timm Ulrichs. Tra loro figurano anche molti artisti dell'Azionismo viennese degli anni '60.

Un elemento centrale della body art è la sfida che pone l'osservatore. Il valore di un'opera d'arte dipende dalla misura in cui sconvolge i modelli di pensiero dell'osservatore e lo strappa dal suo ruolo passivo.

Successivamente, negli anni Settanta, iniziarono a utilizzare il corpo come materiale per le loro opere. Fu questa evoluzione una reazione al predominio dell'arte astratta ?

Le ragioni per cui si ricorreva direttamente al proprio corpo erano molteplici. Certamente si trattava anche di una risposta all'arte astratta, ma secondo la storica dell'arte Marina Schneede, l'obiettivo primario era esperienze immediate , e farlo con il proprio corpo.

Ciò fu di fondamentale importanza per gli artisti dell'epoca. Un esempio è forse il più famoso artista performativo tedesco, Timm Ulrichs , che si esibì come opera d'arte vivente già nel 1961.

Ma c'erano anche altre considerazioni: ad esempio, alcuni ricercatori volevano esplorare lo spazio in modo molto concreto, in particolare l'ambiente che circondava i loro corpi. Rebecca Horn, ad esempio, ha inventato le dita a guanto – estensioni delle dita lunghe un metro – per esaminare proprio questo aspetto dello spazio in modo più dettagliato.

Tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70, sempre più artisti iniziarono a considerarsi individui politicamente attivi . Cercarono di attirare l'attenzione e di smuovere i seguaci della società spensierata e benestante e il pubblico agiato del miracolo economico. Ciò richiedeva espressioni artistiche e contenuti drastici.

Si voleva che fossero rivelatori e scioccanti, il che spesso richiedeva il pieno impegno dell'individuo.

Cosa poteva dimostrare un impegno più forte e incondizionato in quel momento che permettere al proprio corpo di diventare un mezzo per esprimere il messaggio artistico

Il mio corpo è l'intenzione, il mio corpo è l'evento, il mio corpo è il risultato."

ha proclamato una volta Günter Brus , che dal 1967 in poi ha trasformato la sua iniziale autopittura in analisi pubbliche del corpo che coinvolgevano lamette da barba, prodotti digestivi, sangue e sofferenza fisica.

In che modo la rappresentazione del corpo nell'arte moderna differisce da quella delle epoche passate?

La consapevolezza del corpo è cambiata?

Gli esempi citati da Marina Schneede dimostrano che il coinvolgimento artistico diretto con il corpo – che nella maggior parte dei casi significava con il proprio corpo – continua ancora oggi.

Anni '80 e '90: alienazione, modificazione corporea e biotecnologia

Negli anni '80, l'epidemia di AIDS divenne la nuova minaccia per il corpo e Mona Hatoum , artista presente a documenta 11 nel 2002, sottolineò la vulnerabilità del corpo come punto centrale del suo lavoro poco dopo l'inizio del nuovo secolo.

Negli anni Novanta si sono verificati rapidi sviluppi nell'ingegneria genetica, nella biotecnologia e nell'informatica , le cui possibilità e pericoli sono aumentati.

In un'epoca in cui fiorivano nuovi culti del corpo che esploravano approfonditamente le funzioni e i limiti del corpo umano, affrontando al contempo la minaccia della sua dissoluzione nel cyberspazio, il ruolo dell'individuo di fronte alla progettazione del corpo, ai trapianti di cervello e alla manipolazione genetica era oggetto di dibattito. Questa discussione oscillava tra sovraccarico sensoriale e imitazione virtuale.

Sebbene gli artisti non possano intervenire direttamente nei discorsi biotecnologici, possono raffigurare la stranezza attraverso la manipolazione delle immagini ed esprimere così l'incertezza causata da questi progetti.

Mona Hatoum

La mancanza di familiarità con il proprio corpo, la sensazione di alienazione riguardo alla sua fruibilità e la potenziale minaccia di non riuscire più a percepirsi come un'unità di corpo e mente: tutti questi aspetti di una possibile scissione della coscienza nel XXI secolo sono stati ritratti in modo impressionante Mona Hatoum

Lo ha visualizzato attraverso un viaggio endoscopico attraverso il suo interno.

Orlan

Intorno al 1990, l'artista performativa e femminista francese Orlan una decisione straordinaria: si sottopose a una serie di interventi di chirurgia facciale . Questi non erano però di natura puramente estetica: furono messi in scena come una performance artistica in una rinomata galleria di New York.

Con questa azione spettacolare non ha voluto fare altro che mettere in discussione gli ideali di bellezza attuali del nostro tempo .

Orlan ha documentato l'intero processo della sua ripugnante trasformazione attraverso un'affascinante serie di fotografie che ha presentato al pubblico. Ciò ha permesso a ogni spettatore di assistere in prima persona alla trasformazione del suo viso dopo ogni intervento chirurgico.

Queste immagini scioccanti hanno rivelato chiaramente cosa succede dietro le quinte nel settore della bellezza e ci hanno fatto riflettere sulle nostre idee sull'estetica.

Con la sua performance, Orlan ha presentato il tema della body modification sotto una luce completamente nuova. Invece di cedere alla pressione del perfezionismo e del conformismo, ha consapevolmente messo in mostra la propria individualità e unicità.

Attraverso il suo atto radicale di resistenza alle norme prevalenti, ci ha sfidato tutti a mettere in discussione la nostra definizione di bellezza.

Marina Abramovic e Jenny Holzer

La scena della body art è una comunità affascinante che spazia dai primi body artist ad artisti eticamente motivati ​​e impegnati socio-politicamente come Marina Abramovic e Jenny Holzer .

Pretendono molto da se stessi e dal pubblico, lavorando in modo meditativo o con mezzi stimolanti.

Jenny Holzer, rinomata artista e artista concettuale statunitense, progettò in questo modo una rivista per la Süddeutsche Zeitung nel 1993. Aggiunse un tocco provocatorio e scioccante mescolando il sangue al carattere della copertina.

Questo insolito progetto aveva uno scopo ben preciso: richiamare l'attenzione sul violento spargimento di sangue nel mondo. Attraverso il suo lavoro artistico, cercò di attirare l'attenzione in modo potente sui terribili effetti della violenza e della guerra.

L'inclusione del sangue nel design della rivista ebbe un impatto enorme sui lettori, scatenando forti emozioni come orrore, disgusto e persino indignazione.

Utilizzando questa forma d'arte radicale, Jenny Holzer ha affrontato direttamente la nostra responsabilità umana di fronte alla sofferenza globale causata da atti di violenza. Il suo obiettivo non era solo quello di sottolineare che tali eventi sanguinosi accadono; piuttosto, le sue opere intendevano ispirarci a impegnarci con questo problema e a cercare attivamente soluzioni.

100a Biennale di Venezia

Il corpo umano è stato il tema centrale anche della 100ª Biennale di Venezia del 1995. In una mostra imponente, che ha colpito per la ricchezza dei materiali, la storia dell'arte degli ultimi 100 anni è stata presentata da questa prospettiva e, in alcuni casi, sono stati effettuati confronti con studi scientifici.

La mostra ha colpito per la varietà e la qualità delle sue opere. Dai dipinti classici alle installazioni moderne, ha offerto una panoramica completa di vari movimenti e stili artistici che hanno scelto il corpo umano come tema principale.

Body art nel XXI secolo: la rinascita della body art?

l'artista visiva Käthe Wenzel , da giugno 2016 docente di pratica estetica presso l'Università Europea di Flensburg, ha pubblicato un libro incentrato su tre straordinari artisti che hanno scelto corpo umano come oggetto espositivo

Gunther von Hagens , rinomato anatomista e plastinatore, raggiunse la fama mondiale grazie alle sue tecniche innovative di preparazione e rappresentazione scultorea del corpo umano.

I suoi affascinanti plastinati permettono all'osservatore di sperimentare in modo unico la complessa interazione tra organi e tessuti.

Un altro protagonista del libro è il fotografo Michael Brendel . Con il suo approccio artistico, mette abilmente in scena il corpo umano, creando immagini suggestive, ricche di estetica e profondità. La sua attenzione per i dettagli gli permette di catturare la bellezza del corpo umano in tutte le sue sfaccettature.

l'artista britannico Damien Hirst è uno dei principali artefici di quest'opera. Noto per le sue opere provocatorie sul tema della vita e della morte, presenta ancora una volta l'uomo come elemento centrale. Con le sue spettacolari installazioni, ispira riflessioni sulla mortalità, la transitorietà e l'esistenza.

Questo libro offre una panoramica dettagliata del lavoro di tre artisti eccezionali e della loro esplorazione del corpo umano come espressione di vita e transitorietà. Una recensione dettagliata del libro è disponibile qui: Deutschlandfunk Kultur – Il corpo nell'arte.

Ma ci sono artisti ancora più radicali che praticano attività fisica, a volte anche in modo violento. Lo ha dimostrato la mostra personale del 2010 Santiago Sierra Centre d'art contemporain di Brétigny, vicino a Parigi .

La mostra presentava le fotografie di un'azione estremamente provocatoria e controversa, in cui la schiuma di poliuretano e varie prostitute avevano un ruolo centrale.

In questa produzione le donne erano avvolte in pellicola di plastica nera mentre assumevano posizioni esplicite e provocatorie, decisamente non adatte a occhi giovani.

L'artista Sierra ha scelto di coinvolgere diversi uomini per spruzzare la schiuma specificamente sui genitali femminili: una decisione coraggiosa, volta a superare i limiti e stimolare il dibattito sulla sessualità e su come affrontare i tabù sessuali. La serie di immagini ha creato un forte impatto visivo, scatenando allo stesso tempo intense reazioni.

Negli ultimi anni, diverse mostre d'arte hanno affrontato i nuovi adattamenti e le nuove forme di espressione del corpo umano nell'era della manipolazione genetica, della modificazione corporea e della riproduzione capitalista ( ha riferito SZ ).

la mostra "Body Extensions" al Museum für Gestaltung di Zurigo ha esaminato la crescente importanza del fitness e della bellezza nella nostra società, che viene perfezionata attraverso la chirurgia plastica e le protesi corporee artificiali.

La Secessione viennese, invece, presentò nella mostra “Body Display” .

L'arte spesso si occupa del corpo umano, ma soprattutto della sua impotenza . Nella mostra "In the Air" di Teresa Margolles i visitatori entravano in una stanza che ricordava una lavanderia. Due umidificatori aumentavano significativamente il contenuto d'acqua nella cella e i visitatori venivano contaminati dagli odori dei cadaveri precedentemente lavati.

Si suppone che questi corpi siano vittime anonime della guerra alla droga a Città del Messico. La mostra sollecitava un'indagine più approfondita e il riconoscimento della realtà della guerra alla droga.

Cosa rimane?

Le opere di Margolles e Sierra ricordano il movimento della body art degli anni '60 e '70, quando gli artisti usavano il proprio corpo come una tela e si trafiggevano con le armi. L'obiettivo era quello di incidere direttamente sul corpo esperienze come piacere, sofferenza e morte.

Anche Chris Burden, Gina Pane e Marina Abramovic si sono esposti a un dolore notevole per dimostrare in modo impressionante come la body art serva a superare le emozioni intorpidite e l'oppressione sociale.

La Scuola viennese di arte d'azione radicale, guidata da Otto Mühl, Günter Brus e Hermann Nitsch, è stata riscoperta nei musei di Vienna e Graz nel XXI secolo. Tuttavia, il suo potenziale un tempo distruttivo appare ora più giocoso e umoristico che scandaloso. La sua fede nell'autenticità del corpo individuale appare ingenua e superata in un'epoca di manipolazione genetica e di conformismo capitalista di massa dei corpi.

La body art degli anni '60 e '70 , in cui gli artisti usavano i loro corpi come tele per rappresentare esperienze come il piacere, la sofferenza e la morte, è ora sostituita da una forma di body art più sofisticata e cinica.

Questa nuova body art porta veri e propri campi di battaglia all'interno del museo e ha un'attenzione al postumano. Tuttavia, non è immune da kitsch e pathos.

Elenco delle fonti e bibliografia

Libri e riviste

• KUNSTFORUM: Vol. 132 – Il futuro del corpo I (1995)
• Marina Schneede : Con pelle e capelli: il corpo nell'arte contemporanea , DUMONT Literature and Art Publishing (2002)

Internet

• Philip J. Sampson: La rappresentazione del corpo : , https://www.kunstforum.de/artikel/die-reprasentation-des-korpers/
• Deutschlandfunk : Con pelle e capelli. Il corpo nell'arte contemporanea , https://www.deutschlandfunk.de/mit-haut-und-haaren-der-koerper-in-der-zeitgenoessischen-100.html
• Susanne Nessler : Il corpo nell'arte , Deutschlandfunk Kultur, https://www.deutschlandfunkkultur.de/der-koerper-in-der-kunst-100.html
• Holger Liebs (Süddeutsche Zeitung) : Il corpo umano nell'arte : Il nudo e il caos, https://www.sueddeutsche.de/kultur/der-menschliche-koerper-in-der-kunst-die-nackten-und-die-chaoten-1.415429