Body Art: oltre la superficie. Il corpo umano come spazio espositivo

Le arti visive stanno rivolgendo sempre più la loro attenzione alla forma umana. Anche nel XXI secolo, numerose mostre dedicate alla body art e alla body art , esplorando questo tema da sempre amato dalle belle arti e talvolta persino lasciandosi trasportare da esso.

Le arti visive corpo umano nel corso della storia . Per secoli, il corpo umano è stato un motivo centrale nell'arte ed è stato rappresentato in vari modi.

L' idealizzazione del corpo umano diffusa nell'antica Grecia La scultura greca era caratterizzata dalla rappresentazione realistica del corpo, sottolineando soprattutto la ricerca della perfezione e dell'armonia.

Le statue più celebri, come la Venere di Milo o il Discobolo, restano testimonianze impressionanti di quest'epoca.

Ma già molto prima degli antichi Greci, la rappresentazione degli attributi fisici aveva un ruolo importante in varie culture arcaiche.

In Egitto, ad esempio, i faraoni erano raffigurati come sovrani forti e potenti, mentre le donne erano spesso raffigurate come simboli di fertilità. Nel corso della storia, vari movimenti artistici esplorato approfonditamente il tema del corpo umano.

Mentre in alcune epoche prevalevano le forme idealizzate, altri periodi si concentravano sulla rappresentazione realistica delle caratteristiche e delle emozioni individuali.

Il corpo umano nell'arte contemporanea

Anche nel XXI secolo , questa fascinazione per il corpo fisico continua a trovare espressione in numerose mostre e opere di artisti contemporanei. Non si tratta solo di raffigurare il corpo, ma anche di riflettere sulle norme sociali e sull'identità.

Nella società odierna, ogni giorno ci viene presentato un corpo intatto e bello come la cosa più naturale del mondo.

Che si tratti di riviste, poster, televisione e, ultimo ma non meno importante, internet e i social media, ovunque ci troviamo di fronte a corpi perfetti e impeccabili. Questo ideale di bellezza è onnipresente ed esercita un'enorme pressione su di noi.

Sembra quasi che conformarsi a questo ideale sia diventato un obbligo. Ci impegniamo con impegno per modellare e migliorare il nostro corpo. Diete , palestre e chirurgia estetica sono solo alcuni dei mezzi che utilizziamo per soddisfare il nostro desiderio di un aspetto attraente.

Non è quindi importante ricordare che la bellezza non è definita solo dall'aspetto fisico. Un corpo integro e bello può anche includere imperfezioni: le cicatrici raccontano storie, le rughe mostrano l'esperienza di vita e le curve simboleggiano la femminilità o la mascolinità.

Gli artisti si dedicano con passione all'esplorazione e alla rappresentazione del corpo umano in tutte le sue sfaccettature. Organizzano mostre per offrire al pubblico sempre nuove prospettive sull'argomento.

implica non solo l'uso di media tradizionali come la pittura o la scultura , ma anche nuove forme d'arte come la performance , l'action art , le installazioni , la concept art o i media digitali

Il corpo come concetto culturale

I corpi sono soggetti a cambiamenti, non solo dal punto di vista evolutivo e medico (parola chiave: invecchiamento), ma anche da quello estetico e culturale.

Ma il corpo 500 anni fa era fondamentalmente diverso da quello odierno? "Certamente no", postula Philip J. Sampson , autore di "The Representation of the Body" .

Un corpo rimane un corpo, che si tratti del Leonardo da Vinci dei muscoli scolpiti di Arnold Schwarzenegger in un film d'azione. Il corpo non ha desiderio né capacità di cambiamento. Sembrava ovvio. Ma è ancora vero?

La concezione del corpo umano è rimasta invariata per diversi secoli. Si presumeva che il corpo fosse un oggetto naturale complesso ma non problematico che, per le sue proprietà fisiche e biologiche, necessitava di cibo, calore e ossigeno.

La forma del corpo è cambiata relativamente poco dall'ultimo balzo evolutivo (a meno che non sia senza tempo) e non è significativamente influenzata da circostanze sociali o culturali. Tutti questi presupposti sono messi in discussione dai teorici postmoderni, che a volte appaiono piuttosto ingenui nelle loro argomentazioni.

Il corpo umano è un prodotto della cultura e la nostra comprensione di esso si è evoluta nel corso della storia

Il corpo umano – o meglio, la sua percezione – è il prodotto di uno sviluppo culturale e la nostra comprensione di esso si è costantemente evoluta nel corso della storia. Dagli antichi ideali di bellezza alle moderne nozioni estetiche odierne, abbiamo subito una trasformazione straordinaria.

Prendiamo il bodybuilding , in cui il già citato Arnold Schwarzenegger raggiunse la fama mondiale e rifletté lo spirito del periodo d'oro del bodybuilding.

Tuttavia, le radici del bodybuilding risalgono all'antica Grecia. Lì, oltre 2000 anni fa, il corpo umano era venerato come espressione di bellezza e forza. Gli atleti erano ammirati per il loro fisico muscoloso e la loro abilità atletica. Questa venerazione pose le basi per il bodybuilding successivo.

Lo sviluppo del bodybuilding come forma d'arte è stato trainato principalmente dai media. Film come "Pumping Iron" con Arnold Schwarzenegger e riviste come "Muscle & Fitness" hanno ispirato sempre più persone ad apprezzare l'estetica del bodybuilding.

L'attenzione non era più rivolta esclusivamente alle competizioni individuali: attorno a questo tema si stava sviluppando un'intera sottocultura. Oltre a una grande disciplina e a un allenamento rigoroso, anche gli integratori come gli aminoacidi per la crescita muscolare un ruolo importante per gli atleti.

Ciò che è particolarmente interessante è quanto la cultura pop e la pervasività dei social media nelle nostre vite moderne stiano influenzando sempre di più la nostra percezione del corpo, la nostra identità e la definizione degli ideali di bellezza.

In un mondo in cui selfie e immagini ritoccate sono onnipresenti, la ricerca della perfezione sta diventando sempre più diffusa. Questo dilagante culto del corpo sembra quasi compulsivo, sia tra i giovani che tra le generazioni più anziane.

Le palestre sono in piena espansione, i programmi dietetici stanno diventando di moda e persino gli interventi chirurgici per migliorare il proprio aspetto stanno riscuotendo grande popolarità.

L'onnipresente culto del corpo è il risultato di una complessa interazione di vari fattori: pressione sociale, influenze dei media e motivazione personale giocano tutti un ruolo nella nostra percezione del nostro corpo e nella ricerca della bellezza.

Tuttavia, è importante notare che gli ideali di bellezza cambiano costantemente nel tempo. Ciò che è considerato bello oggi potrebbe essere obsoleto domani. Pertanto, anche il concetto di estetica, a continui aggiustamenti.

Una breve storia dell'arte del corpo nei tempi moderni

Il titolo della pubblicazione di Marina Schneede, "With Skin and Hair" , ci fornisce una buona base per considerare la body art e il corpo umano come tela, superficie di proiezione e materiale a partire dagli anni '60.

Si tratta del corpo e delle sue componenti più importanti nell'arte contemporanea . Ma questo titolo non solo chiarisce il tema, ma anche la passione e la dedizione con cui gli artisti si dedicano a questo soggetto.

, la storica dell'arte tedesca Marina Schneede esplora vari aspetti del corpo nell'arte: dalle rappresentazioni classiche alle interpretazioni astratte, vengono un'ampia gamma di posizioni artistiche .

Ciò che è particolarmente interessante è la diversità di materiali e tecniche che gli artisti utilizzano per affrontare il tema. Che si tratti di sculture in marmo o bronzo, dipinti su tela o installazioni in spazi pubblici, ogni forma ha una propria forza espressiva e trasmette impressioni molto diverse allo spettatore.

Ma ciò che accomuna queste opere è la loro intensità. Gli artisti si dedicano al loro soggetto con totale passione, immergendosi letteralmente , anima e corpo . Non si limitano a esplorare le caratteristiche esteriori del corpo umano, come le proporzioni o l'anatomia , ma approfondiscono: affrontano emozioni , identità e norme sociali .

Non rifuggono da rappresentazioni provocatorie o controverse, ma ricercano consapevolmente nuove prospettive. Questo impegno per il corpo nell'arte è anche espressione dello spirito del tempo .

In un mondo plasmato dal progresso tecnologico e dalle realtà virtuali, l'arte contemporanea lancia un messaggio: ci ricorda che, in quanto esseri umani, abbiamo ancora una presenza fisica, con tutti i nostri punti di forza e di debolezza."

Le opere presentate trasmettono una consapevolezza corporea che non mira a uno stile corporeo standardizzato, ma cerca piuttosto di esplorare i confini della psiche e del corpo. Considerano il corpo come mezzo di espressione e ne esaminano sia l'uso rituale che quello manipolativo.

Anni '60 e '70: la body art e l'era dell'autoaffermazione

Negli anni '60, gli artisti iniziarono a utilizzare il corpo umano come mezzo espressivo diretto . Inizialmente, ciò assunse la forma della Body Art , in cui il corpo stesso diventava l'opera d'arte.

La body art, nota anche come body art , si è sviluppata come concetto artistico a partire dai movimenti Happening e Fluxus . In questa forma d'arte, il corpo umano è utilizzato sia come mezzo espressivo che come opera d'arte stessa.

Tra gli artisti più noti del movimento della Body Art figurano Marina Abramović, Chris Burden, Günter Brus, Gina Pane, Pipilotti Rist, Carolee Schneemann, Vito Acconci, Valie Export e Timm Ulrichs. A questo movimento appartengono anche molti artisti dell'Azionismo Viennese degli anni '60.

Un elemento centrale della Body Art è la sfida che l'osservatore deve affrontare. Il valore di un'opera d'arte dipende da quanto i modelli di pensiero dell'osservatore vengono sconvolti e quanto viene scosso dal suo ruolo passivo.

Più tardi, negli anni Settanta, utilizzarono il corpo come materiale per le loro opere. Fu questa evoluzione una reazione al predominio dell'arte astratta ?

Le ragioni per cui si è deciso di incorporare direttamente il proprio corpo erano molteplici. Certamente, si trattava anche di una risposta all'arte astratta, ma secondo la storica dell'arte Marina Schneede, si trattava principalmente di creare esperienze immediate

Ciò fu di fondamentale importanza per gli artisti dell'epoca. Un esempio è forse il più famoso artista performativo tedesco, Timm Ulrichs , che si esibì come opera d'arte vivente già nel 1961.

Ma c'erano anche altre considerazioni: ad esempio, alcuni ricercatori volevano esplorare lo spazio in modo molto specifico, in particolare l'ambiente in cui si trovavano i loro corpi. Rebecca Horn, ad esempio, ha inventato le dita a guanto – estensioni delle dita lunghe un metro – per indagare più da vicino proprio questo aspetto dello spazio.

Tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70, sempre più artisti iniziarono a considerarsi politicamente attivi . Cercarono di attirare l'attenzione e di scuotere i seguaci della società spensierata e benestante, così come il pubblico compiaciuto del miracolo economico. Ciò richiese drastiche forme artistiche di espressione e contenuto.

Si trattava di contenuti che dovevano essere rivelatori e scioccanti, il che spesso richiedeva il pieno impegno dell'individuo.

Cosa poteva dimostrare un impegno più forte e incondizionato in quel momento che usare il proprio corpo come mezzo per esprimere un messaggio artistico

"Il mio corpo è l'intenzione, il mio corpo è l'evento, il mio corpo è il risultato."

Günter Brus una volta proclamò che, a partire dal 1967, trasformò la sua prima autopittura in analisi pubbliche del corpo che coinvolgevano lamette da barba, prodotti digestivi, sangue e sofferenza fisica.

In che modo la rappresentazione del corpo nell'arte moderna differisce da quella delle epoche passate?

La consapevolezza nei confronti del corpo è cambiata?

Gli esempi citati da Marina Schneede dimostrano che il coinvolgimento artistico diretto con il corpo – che nella maggior parte dei casi significava: con il proprio corpo – continua ancora oggi.

Anni '80 e '90: alienazione, modificazione corporea e biotecnologia

Negli anni '80, l'epidemia di AIDS divenne una nuova minaccia per il corpo e Mona Hatoum , artista presente a documenta 11 nel 2002, sottolineò la vulnerabilità del corpo come punto centrale del suo lavoro poco dopo l'inizio del nuovo secolo.

Gli anni '90 hanno visto rapidi sviluppi nell'ingegneria genetica, nella biotecnologia e nell'informatica , aumentandone sia le opportunità che i rischi.

In un'epoca in cui fiorivano nuovi culti del corpo che esploravano intensamente le funzioni e i limiti del corpo umano, affrontando al contempo la minaccia della sua dissoluzione nel cyberspazio, il ruolo dell'individuo di fronte alla progettazione del corpo, ai trapianti di cervello e alla manipolazione genetica era oggetto di dibattito. Questa discussione oscillava tra sovraccarico sensoriale e imitazione virtuale.

Sebbene gli artisti non possano intervenire direttamente nei discorsi biotecnologici, possono rappresentare la stranezza attraverso manipolazioni di immagini ed esprimere così l'incertezza causata da questi progetti.

Mona Hatoum

La mancanza di familiarità con il proprio corpo, la sensazione di alienazione riguardo alla sua fruibilità e la potenziale minaccia di non riuscire più a percepirsi come un'unità di corpo e mente: tutti questi aspetti di una possibile scissione della coscienza nel XXI secolo sono stati presentati in modo impressionante Mona Hatoum

Lo ha visualizzato attraverso un viaggio endoscopico attraverso il suo interno.

Orlan

Intorno al 1990, l'artista performativa e femminista francese Orlan una decisione straordinaria: si sottopose a una serie di interventi chirurgici al viso . Tuttavia, questi non erano di natura puramente estetica, ma furono messi in scena come una performance artistica in una rinomata galleria di New York.

Con questa azione spettacolare, non voleva fare altro che mettere in discussione gli ideali di bellezza prevalenti nel nostro tempo .

Orlan ha documentato l'intero processo della sua ripugnante trasformazione attraverso un'affascinante serie di fotografie, che ha poi presentato al pubblico. Ciò ha permesso a ogni spettatore di assistere in prima persona a come il suo viso cambiava dopo ogni intervento chirurgico.

Queste immagini scioccanti hanno rivelato chiaramente cosa succede dietro le quinte dell'industria della bellezza e hanno spinto a riflettere sulla nostra idea di estetica.

Con la sua performance, Orlan ha gettato una luce completamente nuova sul tema della body modification . Invece di soccombere alla pressione del perfezionismo e del conformismo, ha consapevolmente messo in mostra la propria individualità e unicità.

Attraverso il suo atto radicale di resistenza alle norme prevalenti, ci ha sfidato tutti a mettere in discussione la nostra definizione di bellezza.

Marina Abramovic e Jenny Holzer

La scena della body art è una comunità affascinante che spazia dai primi body artist ad artisti eticamente motivati ​​e impegnati socio-politicamente come Marina Abramovic e Jenny Holzer .

Pretendono molto da se stessi e dal pubblico, lavorando in modo meditativo o con metodi stimolanti.

Jenny Holzer, rinomata artista e artista concettuale statunitense, ha progettato una rivista per la Süddeutsche Zeitung nel 1993. Ha aggiunto un elemento provocatorio e scioccante mescolando il sangue alle lettere della copertina.

Questo insolito progetto aveva uno scopo ben preciso: attirare l'attenzione sul violento spargimento di sangue nel mondo. Attraverso il suo lavoro artistico, ha cercato di evidenziare in modo efficace gli effetti orribili della violenza e della guerra.

L'inclusione del sangue nel design della rivista ebbe un impatto enorme sui lettori, scatenando emozioni forti come orrore, disgusto e indignazione.

Utilizzando questa forma d'arte radicale, Jenny Holzer ha affrontato direttamente la nostra responsabilità umana di fronte alla sofferenza mondiale causata da atti di violenza. Il suo scopo non era semplicemente quello di sottolineare che tali eventi sanguinosi accadono; piuttosto, le sue opere intendevano incoraggiarci ad affrontare questo problema e a cercare attivamente soluzioni.

100a Biennale di Venezia

Il corpo umano è stato anche il tema centrale della 100ª Biennale di Venezia del 1995. In una mostra imponente e affascinante per la ricchezza dei materiali, la storia dell'arte degli ultimi 100 anni è stata presentata da questa prospettiva, e sono stati effettuati anche confronti con studi scientifici.

La mostra ha colpito per la sua diversità e la qualità delle opere esposte. Dai dipinti classici alle installazioni moderne, ha offerto una panoramica completa di vari movimenti e stili artistici che hanno scelto il corpo umano come soggetto principale.

Body art nel XXI secolo: Rinascimento della Body Art?

L'artista visiva Käthe Wenzel , professoressa di pratica estetica presso l'Università europea di Flensburg dal giugno 2016, ha dedicato un libro a tre artisti straordinari, pubblicati qualche anno dopo l'inizio del secolo, che hanno scelto corpo umano come oggetto espositivo

Gunther von Hagens , rinomato anatomista e plastinatore, ha acquisito fama mondiale grazie alle sue tecniche innovative di preparazione e rappresentazione plastica del corpo umano.

I suoi affascinanti plastinati permettono all'osservatore di sperimentare in modo unico la complessa interazione tra organi e tessuti.

Un altro protagonista del libro è il fotografo Michael Brendel . Con il suo approccio artistico, mette in mostra abilmente il corpo umano, creando immagini impressionanti, ricche di estetica e profondità. Attraverso la sua attenzione per i dettagli, riesce a catturare la bellezza del corpo umano in tutte le sue sfaccettature.

l'artista britannico Damien Hirst è una delle figure chiave di questo lavoro. Noto per le sue opere provocatorie sul tema della vita e della morte, presenta ancora una volta l'umanità come elemento centrale. Con le sue spettacolari installazioni, incoraggia la riflessione sulla mortalità, la transitorietà e l'esistenza.

Questo libro offre una panoramica dettagliata del lavoro di tre artisti eccezionali e della loro esplorazione del corpo umano come espressione di vita e transitorietà. Una recensione dettagliata del libro è disponibile qui: Deutschlandfunk Kultur – Il corpo nell'arte.

Tuttavia, ci sono anche artisti più radicali che utilizzano tutto il loro corpo, a volte persino in modo violento. Lo ha dimostrato la in Francia Centre d'art contemporain di Brétigny, vicino a Parigi, dello spagnolo Santiago Sierra

La mostra presentava le fotografie di un'azione estremamente provocatoria e controversa, in cui la schiuma di poliuretano e varie prostitute avevano un ruolo centrale.

Questa messa in scena mostrava le donne avvolte in pellicola di plastica nera mentre assumevano posizioni inequivocabili ed esplicite, decisamente non adatte a occhi giovani.

L'artista Sierra ha scelto di ingaggiare diversi uomini per spruzzare deliberatamente schiuma sui genitali femminili: una decisione audace, intesa a superare i limiti e stimolare il dibattito sulla sessualità e sulla gestione dei tabù sessuali. La serie di immagini risultante crea un potente impatto visivo e, allo stesso tempo, provoca intense reazioni.

Negli ultimi anni, diverse mostre d'arte hanno affrontato i nuovi adattamenti e le nuove forme di espressione del corpo umano nell'era della manipolazione genetica, della modificazione corporea e della riproduzione capitalista ( ha riferito SZ ).

la mostra "Body Extensions" al Museum für Gestaltung di Zurigo ha esaminato la crescente importanza del fitness e della bellezza nella nostra società, che viene perfezionata attraverso la chirurgia plastica e le protesi corporee artificiali.

la Secessione viennese presentò nella mostra “Body Display” .

L'arte ha spesso a che fare con il corpo umano, ma soprattutto con la sua impotenza . Nella mostra di Teresa Margolles "En el aire", si entrava in una stanza che ricordava una lavanderia. Due umidificatori aumentavano significativamente l'umidità nella cella, e una era contaminata dalle emanazioni di cadaveri precedentemente lavati.

Si presume che questi corpi siano vittime anonime della guerra alla droga a Città del Messico. La mostra ha chiesto indagini più approfondite e il riconoscimento della realtà della guerra alla droga.

Cosa rimane?

Le opere di Margolles e Sierra ricordano il movimento della Body Art degli anni '60 e '70, quando gli artisti usavano il proprio corpo come una tela e si trafiggevano con le armi. L'obiettivo era quello di incidere direttamente sul corpo esperienze come piacere, sofferenza e morte.

Anche Chris Burden, Gina Pane e Marina Abramovic si sono sottoposti a notevoli dolori per dimostrare in modo impressionante come la body art serva a superare sentimenti insensibili e oppressione sociale.

La Scuola viennese di Arte Radicale d'Azione, incentrata su Otto Mühl, Günter Brus e Hermann Nitsch, è stata riscoperta nei musei di Vienna e Graz nel XXI secolo. Tuttavia, il suo potenziale un tempo distruttivo appare oggi più giocoso e umoristico che scandaloso. La sua fede nell'autenticità del corpo individuale appare ingenua e superata nell'era della manipolazione genetica e del conformismo capitalista di massa dei corpi.

La body art degli anni '60 e '70 , in cui gli artisti usavano i loro corpi come tele per rappresentare esperienze come il piacere, la sofferenza e la morte, è ora sostituita da una forma di body art più sofisticata e cinica.

Questa nuova body art porta veri e propri campi di battaglia all'interno del museo e ha un orientamento postumano. Tuttavia, non è immune da kitsch e pathos.

Elenco delle fonti e bibliografia

Libri e riviste

• ART FORUM: Vol. 132 – Il futuro del corpo I (1995)
• Marina Schneede : Con pelle e capelli: il corpo nell'arte contemporanea , DUMONT Literature and Art Publishing House (2002)

Internet

• Philip J. Sampson: La rappresentazione del corpo : , https://www.kunstforum.de/artikel/die-reprasentation-des-korpers/
• Deutschlandfunk : Pelle e capelli. Il corpo nell'arte contemporanea , https://www.deutschlandfunk.de/mit-haut-und-haaren-der-koerper-in-der-zeitgenoessischen-100.html
• Susanne Nessler : Il corpo nell'arte , Deutschlandfunk Kultur, https://www.deutschlandfunkkultur.de/der-koerper-in-der-kunst-100.html
• Holger Liebs (Süddeutsche Zeitung) : Il corpo umano nell'arte : I nudi e il caos, https://www.sueddeutsche.de/kultur/der-menschliche-koerper-in-der-kunst-die-nackten-und-die-chaoten-1.415429