Arte degenerata o capolavori rivoluzionari? L'influenza rivoluzionaria di Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918) , uno degli artisti austriaci più importanti del XX secolo , ha avuto un effetto rivoluzionario sul mondo dell'arte con le sue opere.

Durante la sua vita, fu percepito in modo controverso come un artista provocatorio, ma i nazisti lo disprezzavano e bandirono la sua "arte degenerata ". Solo dopo la sua morte l'espressionista fu riconosciuto come un talento eccezionale.

Egon Schiele, nato 133 anni fa, il 12 giugno 1890, suscitò polemiche per tutta la sua vita. Ancora oggi, ci sono convinti sostenitori della sua arte, ma anche chi la liquida come pornografica.

Fino alla sua morte, avvenuta nel 1918, Schiele era noto come artista solo a Vienna e tra pochi tedeschi. Tuttavia, oggi è considerato una figura di spicco dell'Espressionismo e i suoi dipinti raggiungono prezzi elevati sul mercato dell'arte .

Tuttavia, la sua opera non è stata ancora completamente decifrata, come Klaus-Albrecht Schroeder , esperto delle opere di Schiele e direttore dell'Albertina di Vienna.

La sua espressività e il suo stile unico sfidarono le convenzioni tradizionali del suo tempo. Le influenze innovative di Schiele possono essere scoperte Museo del Belvedere o al Museo Leopold Gustav Klimt e di altri artisti viennesi .

Gustav Klimt e Oskar Kokoschka Egon Schiele è considerato uno dei più importanti rappresentanti dell'Espressionismo austriaco. Si allontanò dalle influenze dell'Art Nouveau e dagli elementi simbolisti che caratterizzarono la Secessione viennese e sviluppò uno stile con aspetti realistici che all'epoca suscitò scandalo.

La sua opera non solo racconta la sua affascinante vita, ma anche i cambiamenti sociali e artistici del suo tempo.

decidere se considerare la sua arte "degenerato" o rivoluzionario, poiché l'eredità artistica di Schiele è al tempo stesso controversa e affascinante. A Tulln, città natale di Egon Schiele, è allestita anche una mostra sulla sua vita e le sue opere, che offre uno spaccato del suo percorso artistico e mette in luce lo stretto rapporto con Wally Neuzil , sua musa e amante.

L'influenza e l'importanza di Egon Schiele sono innegabili e le sue opere continueranno a plasmare il mondo dell'arte.

La controversia che circonda l'arte degenerata e i capolavori rivoluzionari

Egon Schiele, importante artista austriaco del XX secolo, ha suscitato ammirazione e polemiche con le sue opere.

La sua rappresentazione avanguardistica del corpo umano e il suo stile espressivo alla moda hanno avuto un impatto duraturo sul mondo dell'arte. Le sue opere, spesso di natura erotica , in passato erano considerate oscene e immorali.

La vita di Egon Schiele fu segnata da controversie. La sua intensa espressione artistica e il suo comportamento deviante lo portarono spesso a scontrarsi con la società del suo tempo. Fu criticato per i temi sessuali presenti nelle sue opere e per la sua schietta rappresentazione del corpo umano.

Tuttavia, Schiele poteva contare anche su un gruppo di sostenitori devoti, tra cui la sua musa Wally Neuzil, che ispirò molti dei suoi capolavori. Il mondo dell'arte fu trasformato dall'approccio espressivo e innovativo di Schiele alla ritrattistica e al corpo umano.

Il suo uso di colori forti e linee decise portò una nuova prospettiva alle rappresentazioni tradizionali. L'influenza di Schiele sulla scena artistica viennese fu significativa e pose le basi per l'Espressionismo e altri movimenti artistici moderni.

Il Modernismo viennese, di cui Schiele è uno dei suoi esponenti più noti, è stato caratterizzato dalla tensione tra "estetica e oscurità ", leitmotiv dell'anno tematico 2018 a Vienna. Le opere di Schiele tendono verso l'oscurità, esplorando sperimentalmente le profondità e gli abissi dell'io, entrati in crisi intorno al 1900, con le loro espressioni facciali a volte estreme e i gesti misteriosi.

Nel 1910, l'imperatore Francesco Giuseppe espresse il suo orrore per un nudo femminile di Egon Schiele:

"È davvero terribile."

Se l'artista ne avesse avuto l'opportunità, avrebbe potuto rispondere all'imperatore: "Anche l'opera d'arte più sensuale racchiude un significato sacro!" – almeno questo è ciò che Schiele annotò in una lettera del 1911 ( Sonntagsblatt ).

Nella primavera del 1918, il critico Arnim Friedemann scrisse sul “Wiener Abendpost” a proposito dell’enfant terrible del modernismo classico:

Schiele preferisce dipingere e disegnare il vizio supremo e la depravazione più assoluta, la donna come animale da branco, da cui
sono cadute tutte le inibizioni della moralità e della vergogna. La sua arte – ed è arte! – non sorride; ci sogghigna orribilmente in una deformazione orribile.

Nell'ambito della politica culturale nazista, molte delle sue opere furono confiscate.

Il Centro di ricerca sull'arte degenerata dell'Istituto di storia dell'arte della Libera Università di Berlino ha stilato un inventario che elenca un totale di 23 opere di Egon Schiele confiscate durante il Terzo Reich.

Degli oggetti confiscati, 17 provenivano dal Museum Folkwang e cinque da altri musei tedeschi. L'origine esatta di un'opera era sconosciuta. Il centro di ricerca indica come data esatta del sequestro il 25 agosto 1937 ( database "Arte degenerata" ).

Vita di Egon Schiele – Una breve biografia

Infanzia, prime influenze e formazione artistica

Egon Schiele nacque il 12 giugno 1890 a Tulln, una cittadina vicino a Vienna. La sua vita e le sue opere sono strettamente legate alla capitale austriaca.

Schiele è cresciuto in un mondo di incredibili doppi standard . Suo padre era un comandante della stazione; ai bambini doveva sembrare un imperatore: tutti ballavano al suo ritmo. Aveva 40 dipendenti, una struttura gerarchica molto forte. Comandava tutti e, naturalmente, comandava altrettanto la famiglia. Ma Schiele deve anche aver capito che questo regime, questa etichetta, questa vita alla stazione non erano tutta la verità.

Il fatto che suo padre si rechi ripetutamente a Vienna, che faccia ripetutamente cose che esulano da queste etichette, che suo padre frequenti regolarmente prostitute, cose che possiamo supporre non siano sfuggite al giovane Egon.

Nel 1905, quando Egon aveva appena quattordici anni, la sua vita subì una svolta tragica: suo padre morì di sifilide. In mezzo a questa dolorosa perdita, il giovane Egon Schiele cercò conforto e realizzazione nell'arte.

Già alla tenera età di due anni disegnava treni e paesaggi, mentre il suo insegnante d'arte, Ludwig Karl Strauch, lo incoraggiava a scuola. Con il suo sostegno, il talentuoso Egon osò persino iscriversi alla rinomata Accademia di Belle Arti di Vienna , con grande successo: all'età di sedici anni fu ammesso e poté sviluppare ulteriormente il suo talento artistico.

Qui studiò pittura e disegno, ma fu frustrato dal conservatorismo della scuola.

Klimt come mentore

Nel 1907 incontrò Gustav Klimt, che lo incoraggiò e influenzò il suo lavoro. Klimt e Schiele instaurarono rapidamente un rapporto di mentore-allievo che avrebbe avuto un profondo impatto sullo sviluppo iniziale del giovane artista.

Klimt esercitò la sua influenza su Schiele non solo nello studio, ma anche presentandogli mecenati, modelli e le opere di altri artisti, come Vincent van Gogh , Edvard Munch e Jan Toorop , ai quali Schiele era molto legato nonostante la sua grande ammirazione.

Grazie a Klimt, Schiele venne anche introdotto Wiener Werkstätte stili di arte moderna dell'epoca.

Nel 1908, quando Schiele aveva diciotto anni, partecipò alla sua prima mostra, una collettiva a Klosterneuburg, una cittadina a nord di Vienna.

Protesta e il nuovo gruppo artistico

L'anno seguente, Schiele e alcuni compagni di studio lasciarono l'Accademia per protesta, citando i metodi di insegnamento conservatori della scuola e la sua incapacità di adottare pratiche artistiche più lungimiranti, diffuse in tutta Europa.

Nell'ambito di questa ribellione, Schiele fondò il Neukunstgruppe , composto da altri giovani artisti delusi che avevano abbandonato l'Accademia.

Il nuovo gruppo non perse tempo e organizzò diverse mostre pubbliche in tutta Vienna, mentre Schiele esplorava nuove forme di espressione pittorica, privilegiando distorsioni e contorni frastagliati delle forme e una tavolozza di colori più cupa rispetto a quella dell'Art Nouveau, più decorativa e ornata.

In sostanza, Schiele si allontanò gradualmente dallo stile reso popolare da Klimt, sebbene i due uomini rimasero vicini fino alla morte di Klimt, avvenuta all'inizio del 1918. Se il contenuto dell'opera di Schiele è indicativo, sembra che il mentore e il suo allievo condividessero un appetito insaziabile per le donne.

Alla prima mostra del New Art Group nel 1909 al Piska Salon di Vienna, Schiele incontrò il critico d'arte e scrittore Arthur Roessler , che strinse amicizia con lui e scrisse con ammirazione delle sue opere.

Nel 1910 iniziò una lunga amicizia con il collezionista Heinrich Benesch . A quel tempo, Schiele aveva sviluppato uno stile espressionista personale di ritratti e paesaggi e ricevette diverse commissioni di ritratti dall'intellighenzia viennese .

Scandali a Vienna e autoritratti allegorici

Mentre le opere di Schiele scandalizzavano la società viennese, egli vendette contemporaneamente molti dei suoi dipinti espliciti a collezionisti privati ​​quando i giornali criticarono il suo lavoro.

Lo sviluppo di rappresentazioni esplicite dei genitali femminili e maschili nell'arte è un fenomeno che poteva verificarsi solo a Vienna intorno al 1900. La città è stata scossa da scandali per un certo periodo e il dibattito pubblico sui limiti dell'arte è onnipresente.

Le signore delle classi sociali più elevate coprono con discrezione le gambe e le scollature dei loro abiti. Artisti come Gustav Klimt e Oskar Kokoschka sfidano i doppi standard di questa metropoli danubiana con le loro raffigurazioni provocatorie di donne nude .

Musicisti come Gustav Mahler e Arnold Schoenberg varcarono coraggiosamente i confini della modernità; di Arthur Schnitzler scossero le fondamenta della società, mentre Sigmund Freud parlò pubblicamente per la prima volta della sessualità femminile.

Sebbene Schiele non conoscesse personalmente lo psicoanalista, tutta Vienna era a conoscenza delle spettacolari scoperte di Freud.

Egon Schiele conosceva questo doppio standard fin dall'infanzia. In contrasto con l'ideale di bellezza della Secessione viennese, raffigurava il brutto e il distorto. Gli arti dei suoi giovani uomini e donne erano innaturalmente lunghi ed emaciati, mentre i loro genitali erano presentati in modo invitante e colorato.

Alla ricerca dell'isolamento, Schiele lasciò Vienna nel 1911 per vivere in diversi piccoli villaggi; si concentrò sempre più su autoritratti e allegorie della vita, della morte e del sesso, e realizzò acquerelli erotici .

L'artista ventenne era particolarmente affascinato dal passaggio dall'infanzia all'età adulta, sia nelle ragazze che nei ragazzi. Nelle sue opere, si concentrava spesso sul tema della scoperta di sé durante la pubertà. Questo orientamento artistico portò a uno scandalo nel 1912 a Neulengbach, una cittadina nella Selva Viennese.

I primi studi di Schiele furono particolarmente controversi perché utilizzava bambini come modelli nudi e mostrava ragazze adolescenti in situazioni implicitamente erotiche.

L'anno successivo fu un anno cruciale per Schiele, sia a livello personale che artistico. Oltre a partecipare a numerose mostre collettive – a Budapest, Colonia e Vienna – Schiele fu invitato dalla Galleria Hans Goltz di Monaco a esporre le sue opere insieme ai membri del gruppo espressionista "Il Cavaliere Azzurro ", che Wassily Kandinsky e Franz Marc .

Tra le opere di Schiele di questo periodo c'è il suo più famoso Autoritratto con alchechengi (1912), uno studio accattivante dell'artista, del suo volto e di altri tratti caratterizzati da rughe, cicatrici e sottili deformazioni.

La mostra di Goltz attirò su Schiele la massima attenzione fino ad allora e rivelò al pubblico il suo ricco uso di simbolismo personale e di allegorie oscure.

Arresto per modelle minorenni

Sempre nel 1912, mentre Schiele viveva nella cittadina austriaca di Neulengbach, venne arrestato nel suo studio e imprigionato per ventiquattro giorni con l'accusa di aver rapito e violentato una ragazzina di dodici anni.

Alla fine, queste accuse furono ritirate e l'artista fu condannato per aver esposto a immagini erotiche "degenerate" e, in un gesto simbolico, il giudice bruciò uno dei suoi disegni in aula (l'opera, raffigurante una giovane ragazza nuda dalla vita in giù, era stata precedentemente esposta sulla parete del suo studio).

L'incidente ebbe un impatto significativo su Schiele, che in seguito smise di usare bambini come modelli, sebbene la morbosità e l'esplicita sessualità delle sue opere, in particolare dei suoi disegni, sembrassero essere aumentate dopo il suo rilascio dalla prigione.

Servizio militare, matrimonio, tragedie e fine della vita

Nel 1913, la Galleria Hans Goltz di Monaco ospitò la prima mostra personale di Schiele. Un'altra mostra personale delle sue opere ebbe luogo a Parigi nel 1914.

Anche la sua vita privata subì una svolta quando nel 1915 scrisse a un amico: "Ho intenzione di sposarmi e di farlo con profitto" e propose di sposare Edith Harms, una giovane donna di buona posizione sociale.

Sebbene sperasse di continuare la sua relazione con Wally Neuzil, lei lo lasciò quando seppe del suo fidanzamento. Una perdita che è chiaramente espressa "La morte e la fanciulla"

Quattro giorni dopo il matrimonio, Schiele fu finalmente arruolato nell'esercito. Tuttavia, non partecipò mai a veri combattimenti per tutta la durata della guerra e gli fu invece permesso di continuare a praticare ed esporre la sua arte ovunque si trovasse.

Ispirato dai suoi viaggi di guerra, Schiele creò in questo periodo una serie di paesaggi e vedute cittadine prive dei consueti contorni esagerati dell'artista.

Nel 1917, Schiele tornò a Vienna e si dedicò intensamente al lavoro. Nello stesso anno, lui e Klimt fondarono insieme la Kunsthalle della città, un nuovo spazio espositivo progettato per incoraggiare gli artisti austriaci a rimanere in patria. L'anno successivo vide l'artista sperimentare sia successi commoventi che tragedie in vari modi.

A febbraio, il suo mentore e amico Klimt fu colpito da ictus e polmonite. Appena un mese dopo, la Secessione viennese tenne la sua 49a mostra annuale (1918) e dedicò lo spazio espositivo principale all'opera di Schiele, trasformando l'evento in un grande successo commerciale.

Morì pochi mesi dopo, all'età di 28 anni, il 31 ottobre 1918, a Vienna, a causa dell'influenza spagnola, che anche sua moglie aveva contratto con conseguenze fatali tre giorni prima. Nei tre giorni tra le rispettive morti, Schiele realizzò diversi schizzi della moglie defunta.

Nei suoi ultimi istanti di vita, il giovane artista austriaco Egon Schiele ebbe un'apparizione straordinaria: sul letto di morte, alla fine di ottobre del 1918, mentre le sue forze si indebolivano sempre di più, sussurrò le parole:

Dopo la mia morte, la gente senza dubbio mi elogierà e ammirerà la mia arte."

Lo stile unico di Egon Schiele

L'arte di Schiele ha la capacità di ritrarre le persone del loro tempo in modo unico e toccante. Questo stile permea ancora profondamente il nostro mondo visivo ed emotivo del XXI secolo.

Finora non esiste nulla di paragonabile che possa mettere in scena il corpo con altrettanta abilità, che si tratti di un campo di battaglia, di un parco giochi o di una scena del crimine.

Si tratta di un'abile autodrammatizzazione in cui ogni espressione emotiva, dalla disperazione intensa alla malinconia apatica, prende vita attraverso il colore, la forma spezzata o la linea, come un segno di decadenza o una macchia che si staglia su una superficie.

Era ossessionato da cosce e glutei, da genitali femminili e maschili, da abbracci eterosessuali, omosessuali e lesbici. Disegnava i sessi e li colorava come frutti troppo maturi. E si raffigurava come un santo, nudo con uno strumento d'amore oscenamente eretto. I corpi sono dolorosamente sottili su sfondi vuoti che diventano abissi.

Intorno al 1914, le sue figure dipinte sembrano barcollare in trance, senza orientamento né scopo. Ciò è dovuto alla "geometria" da cui Schiele ha creato le sue figure. Ad esempio, ha costruito una donna sdraiata partendo da due triangoli. Persino i suoi genitali sono di forma triangolare.

La messa in scena di Schiele dell'ossessione, dell'abissale e del morboso attraverso la pura arte grafica appare oggi più magica che mai, eppure profondamente umana allo stesso tempo. Questa contorsione quasi voluttuosa dei corpi rivela vaghe influenze del Simbolismo e dell'Art Nouveau viennese ; oggi, è vista come la ricerca di identità di un pittore, non tanto come l'opera di un mito precocemente dotato.

La rappresentazione del corpo nudo nelle opere di Schiele

La rappresentazione del corpo nelle opere di Schiele gioca un ruolo centrale nella sua opera e contribuisce alla sua controversa reputazione di artista.

Nelle sue opere, Schiele rompe con gli ideali tradizionali di bellezza e raffigura il corpo nella sua forma autentica e spesso nuda e cruda. Particolarmente noti sono i disegni di nudo di Schiele, in cui rivela l'anatomia umana nei dettagli e con spietatezza.

Rifugge le proporzioni idealizzate e raffigura il corpo in una prospettiva distorta per riflettere gli stati d'animo e le emozioni dei soggetti ritratti. Schiele si concentra sull'individualità di ogni singolo corpo, dimostrando così il suo fascino per l'unicità dell'esistenza umana.

Un'opera molto nota di Schiele che illustra questo approccio è il "Ritratto di Wally Neuzil" del 1912. In questo dipinto, l'artista mostra Wally Neuzil, la sua amante e musa, in una posa sicura con la parte superiore del corpo nuda.

La rappresentazione del corpo in quest'opera è onesta e spietata, il che all'epoca fu percepito come provocatorio e scandaloso. Tuttavia, la rappresentazione artistica del corpo di Schiele fu rivoluzionaria per il movimento artistico moderno e influenzò molti artisti della sua generazione.

La rappresentazione del corpo nelle opere di Schiele è un tema centrale che sottolinea la sua influenza rivoluzionaria nel mondo dell'arte. Le sue opere continuano a suscitare dibattiti sui limiti della rappresentazione del corpo e sul significato della bellezza nell'arte .

Gesti enigmatici e modelli di messa in scena religiosa

La mostra "Libertà dell'io" al Museo Georg Schäfer di Schweinfurt nel 2018 ha chiarito che Schiele era una persona spirituale, anche se non nel senso religioso tradizionale.

La mostra di Schweinfurt era divisa in tre sezioni: autorappresentazione e rappresentazione del corpo, mondo emotivo e soggettività.

Furono presentate importanti opere d'arte, come l'"Autoritratto con testa china" del 1912 (vedi illustrazione sopra) . In questo dipinto, l'artista forma una V con l'indice e il medio della mano destra. Una possibile allusione al gesto benedicente di Cristo, frequentemente utilizzato nell'arte bizantina?

Lo storico dell'arte Stefan Kutzenberger ( come riportato dal quotidiano protestante Sunday ) sottolinea nel catalogo allegato che questo gesto del pittore potrebbe essere un riferimento al Cristo Pantocratore nella chiesa di Chora a Istanbul.

Secondo Kutzenberger, il gesto di Schiele potrebbe quindi essere un simbolo di carisma artistico: l'immagine romantica dell'artista come sacerdote avrebbe quindi trovato un'impressionante attualizzazione negli anni intorno al 1900, o almeno questo è quanto scrive l'esperto in materia.

Offre anche un'altra spiegazione: Schiele potrebbe aver fatto degli esperimenti con il suo amico Dominik Osen, pittore e mimo, per determinare quali pose espressioniste avessero il maggiore effetto, ma questa spiegazione non esclude affatto quella menzionata sopra.

Schiele, cattolico e sposato con una protestante nel 1915, prediligeva temi religiosi nei suoi autoritratti. Kutzenberger ha sottolineato il fatto che la rappresentazione di Schiele come santo, profeta, predicatore, predicatore o anarchico non rivela nulla della sua persona o della sua vera storia di vita.

modelli di ruolo consapevolmente interpretati : per questo motivo è in buona compagnia con i discorsi postmoderni emersi in seguito.

I doppi autoritratti di Schiele testimoniano la sua profonda preoccupazione per l'occultismo e lo spiritualismo , che erano di moda intorno al 1900. In una lettera alla sorella, descrive un notevole episodio spiritualistico:

Oggi ho avuto un'esperienza spirituale davvero affascinante. Ero sveglio, ma rapito dallo spirito che si è annunciato in sogno prima che mi svegliassi. Finché mi ha parlato, sono rimasto paralizzato e senza parole.

Le opere di Schiele contengono spesso tracce di iconografia cristiana . Un esempio è il dipinto a olio " Madre con due bambini II" del 1915, che si ispira al tipo medievale della Pietà.

Un tipo di dipinto natalizio un po' diverso è "Madre morta I" (1910), che raffigura una madre defunta con la mano protettrice sul figlio. Schiele stesso considerava questo dipinto a olio una delle sue opere migliori.

Importanti opere d'arte di Egon Schiele

Nonostante la sua breve vita e la distruzione di alcune delle sue opere durante il periodo nazista, Schiele ci ha lasciato un patrimonio impressionante di opere.

A questo punto vorremmo mostrarvi 6 di quelle che consideriamo le opere più significative della sua vasta produzione e spiegarle brevemente, in ordine cronologico.

Ritratto di Gerti Schiele, 1909

Questo è uno dei numerosi ritratti realizzati da Schiele della sorella minore Gerti , la modella preferita dell'artista agli inizi della sua carriera e il membro della sua famiglia con cui era più strettamente legato.

Questo ritratto giovanile, dipinto da Gerti quando era adolescente, dimostra sia il forte legame stilistico tra l'opera di Schiele e quella di Klimt, sia il suo allontanamento dallo stile del suo mentore.

Nella posa e nella decorazione costituita da una serie di toppe piatte con accenti dorati e argentati, la figura di Gerti ricorda le opere di Klimt come il Ritratto di Adele Bloch-Bauer (1907).

Ma a differenza del suo predecessore klimtiano, il dipinto è meno decorativo e più statico e morbido, come se Schiele stesse plasmando il suo soggetto nell'argilla. Inoltre, Schiele sostituì la tavolozza riccamente scintillante e dominata dall'oro di Klimt con colori più tenui, creando un'immagine che appare disseccata e che ricorda più la decadenza che la crescita.

Tecnica : Olio, argento, vernice bronzo-oro e matita su tela

Posizione attuale : Museum of Modern Art, New York

Nudo maschile seduto (autoritratto), 1910

Gli autoritratti di Schiele sono straordinari non solo per la frequenza con cui l'artista si è ritratto, ma anche per il modo in cui lo ha fatto: rappresentazioni erotizzate in cui appare spesso nudo in pose molto rivelatrici , autoritratti maschili che sotto questo aspetto sono praticamente ineguagliabili nel mondo dell'arte occidentale.

In questo disegno, l'artista ha creato una visione intensa e quasi spaventosa di se stesso: emaciato, con occhi rossi luminosi, gambe deformi e senza piedi, il corpo completamente esposto ma il viso parzialmente nascosto, forse a suggerire un senso di vergogna in una posa contorta che, secondo molti autori, è dovuto alla notevole influenza della danza moderna.

Caratteristico dello stile espressionista che Schiele praticò sempre più in quel periodo, egli esprime la sua ansia attraverso linee e contorni, nonché attraverso la pelle che appare consumata ed esposta agli agenti atmosferici.

Tecnica : gesso nero, acquerello e guazzo su carta

Posizione attuale : Leopold Museum, Vienna

Autoritratto con Physalis, 1912

Questo è forse l'autoritratto più famoso di Schiele. In quest'opera, realizzata in un periodo in cui Schiele partecipava a numerose mostre, Schiele guarda direttamente l'osservatore e la sua espressione facciale rivela fiducia nel suo talento artistico.

Sebbene Schiele utilizzi meno distorsioni rispetto ad altri autoritratti, il dipinto rifiuta di idealizzare il soggetto e presenta cicatrici e altre linee caratteristiche dello stile di disegno delineato dell'artista.

Esposto a Monaco di Baviera nel 1912 insieme a opere di diversi altri artisti espressionisti, il dipinto è accompagnato da un ritratto che ritrae la sua allora amante, Wally Neuzil (il ritratto di Wally fu rubato dai nazisti dalla casa di un ebreo austriaco, ma fu poi salvato). È tornato a Vienna nel 2010 dopo una battaglia legale durata dodici anni.

Oggi è il fiore all'occhiello del Leopold Museum di Vienna, che ospita la più grande collezione di Schiele al mondo.

Tecnica : Olio su tela

Posizione attuale : Leopold Museum, Vienna

Gli eremiti, 1912

Questo raro doppio ritratto , una delle opere più allegoriche dell'opera di Schiele, raffigura Schiele e Klimt uno accanto all'altro, quasi come un tutt'uno. Nonostante la vicinanza dei due uomini e le loro somiglianze, Schiele trascorse gran parte della sua carriera cercando di liberarsi dall'influenza di Klimt.

In "Eremiti", entrambi gli uomini indossano i loro caratteristici lunghi caftani neri, un indumento per cui Klimt era noto e che Schiele, forse in omaggio, adottò nelle sue opere. Schiele, poco amante della modestia, posiziona Klimt sullo sfondo, cieco e in gran parte nascosto, come se fosse consumato dal giovane artista.

La forma risultante evoca una figura solitaria e oscura, suggerendo che il successore sicuro di sé di Schiele stia assumendo il ruolo del vecchio maestro. Il motivo dell'eremita richiama anche la concezione esistenziale di Schiele dell'artista come figura ai margini della società.

Tecnica : Olio su tela

Posizione attuale : Leopold Museum, Vienna

La morte e la fanciulla, 1915

In questo dipinto, una delle opere più complesse e inquietanti di Schiele, la figura femminile, scarna e lacera, si aggrappa alla figura maschile della morte, circondata da un paesaggio altrettanto lacero e quasi surreale.

Come in tutta la sua opera, anche in questa composizione Schiele unisce il personale all'allegorico, in questo caso ricorrendo a un tema derivato dal concetto medievale della Danza macabra, che raggiunse il suo apice nell'arte tedesca del XV secolo.

"La morte e la fanciulla" fu realizzato all'incirca nel periodo in cui Schiele si separò dalla sua amante di lunga data, Wally Neuzil, e pochi mesi prima di sposare la sua nuova amante, Edith Harms. Il dipinto commemora la fine della sua relazione con Neuzil e sembra rappresentare questa separazione come la morte del vero amore.

È interessante notare che il modo in cui le figure di Schiele sono quasi assorbite dai loro abiti e dall'ambiente astratto richiama la ritrattistica di Klimt, che collocava anch'egli i suoi soggetti in ambienti indecifrabili.

Tecnica : Olio su tela

Posizione attuale : Galleria austriaca, Belvedere, Austria

Città nel verde (La città vecchia III), 1917

Sebbene la sua arte fosse incentrata sulla figura umana, Schiele, che ebbe l'opportunità di viaggiare in tutta Europa nel corso della sua carriera, era attratto anche dalla campagna e dalle città.

In effetti, i dipinti dell'artista che raffigurano il paesaggio e la sua città natale, Vienna, costituiscono una parte significativa della sua opera. Questo dipinto è stato in parte ispirato dalla città natale di sua madre, Krumau , dove visse brevemente nel 1911.

I paesaggi di Schiele, sebbene spesso deserti, mostrano affascinanti parallelismi con la sua opera figurativa. Il frequente uso della vista a volo d'uccello nei suoi dipinti paesaggistici richiama uno degli elementi più radicali della sua ritrattistica: la tendenza a raffigurare i soggetti dall'alto.

Questo dipinto contiene altri elementi caratteristici dello stile di Schiele, in particolare l'uso di linee decise e contorni netti. Ciò che distingue quest'opera dai suoi ritratti è l'uso del colore e della tavolozza, per i quali Schiele non era noto.

Tecnica : Olio su tela

Luogo attuale : Neue Galerie, New York

Quanto costa un'opera d'arte di Egon Schiele?

Un disegno di Schiele, che oggi ha un valore medio di 100.000 euro, all'epoca fu venduto per soli 50 scellini, nemmeno 4 euro. Il valore stimato durante la sua vita era incredibilmente basso.

Rudolf Leopold perlustrò il mondo dell'arte alla ricerca delle opere dell'artista, le acquistò e le riunì per uno spettacolare tour mondiale.

Dagli anni '70, l'arte di Schiele ha vissuto una rinascita sul mercato, e i suoi dipinti e disegni raggiungono oggi cifre d' asta . Ciononostante, Schiele rimane ancora oggi nell'ombra di Gustav Klimt.

Letteratura e libri illustrati sul genio artistico austriaco

Opera standard di Schiele con carattere figurativo: un tesoro per collezionisti e fan

L'opera di Schiele è una delle opere più importanti del primo modernismo dopo il 1900 ed è al tempo stesso classica e senza tempo contemporanea nel suo esistenzialismo sensuale-fisico.

Ora, quasi un secolo dopo, la rinomata casa editrice Taschen un volume opulento: carta di alta qualità, elegante copertina in lino con lettere dorate in rilievo, contenente tutti i 221 dipinti degli anni 1909-1918 e 146 disegni.

Questo libro d'arte completo colpisce sotto ogni aspetto, con nove capitoli che combinano immagini e testo. Assistiamo allo straordinario talento e alla natura ribelle di Schiele mentre sperimentiamo la sua intensa estetica della trasformazione, un'appassionante miscela di insaziabile curiosità e provocante energia sessuale.

Il libro ci offre anche spunti sui dipinti di guerra di Schiele dal 1914 al 1918: corpi umani, ritratti e scene naturali spezzate come mappe aperte, ferite, sfigurate, tormentate e ricomposte.

Tobias G. Natter storico dell'arte ed esperto professionista museale cresciuto nella stessa regione di Schiele, ha curato un'opera di grande valore su Schiele . Quest'opera è di inestimabile valore per i collezionisti e gli appassionati dell'artista.

L'imponente libro illustrato è in copertina rigida su Amazon .

Ulteriori consigli di lettura:

• Egon Schiele: Collezione Leopold, Vienna; di Rudolf Leopold, Elisabeth Leopold
• Gustav Klimt ed Egon Schiele (1965), catalogo della mostra Guggenheim / di Thomas Messer
• Egon Schiele, di Klaus Albrecht Schròder
• Egon Schiele, di Erwin Mitsch

Fonti, riferimenti e ulteriori informazioni:

• LA STORIA DELL'ARTE , Egon Schiele , https://www.theartstory.org/artist/schiele-egon/
• Frankfurter Rundschau , Il corpo, un campo di battaglia , https://www.fr.de/kultur/kunst/koerper-schlachtfeld-11032975.html
• MANOSCRITTO SWR2 , L'artista Egon Schiele "Enfant terrible" del modernismo classico - Di Martina Conrad
• Il giornale domenicale dell'Associazione Stampa Evangelica per la Baviera (EPV), Museo Schweinfurt presenta la mostra di Egon Schiele "Libertà dell'io", https://www.sonntagsblatt.de/artikel/kultur/schweinfurter-museum-zeigt-egon-schieles-ausstellung-freiheit-des-ichs