Emilia e Ilya Kabakov o “L’anima russa di New York” – Parte 1

Emilia e Ilya Kabakov gli artisti concettuali più importanti al mondo perché da oltre tre decenni sorprendono il mondo con l'arte russa originale proveniente da New York .

New York non è esattamente nel cuore della Russia; il fatto che qui venga creata autentica arte russa è sorprendente, e a ragione. Ma non è l'unica cosa sorprendente dei Kabakov e della loro storia: uno sguardo alle vite di questi due artisti rivela una narrazione artistica meravigliosa dopo l'altra, condita con sottile arguzia e una sfida tanto positiva quanto persistente.

Quel che è certo è che i Kabakov sono tra gli artisti più influenti al mondo, conosciuti ovunque si possa creare e apprezzare l'arte libera (nella lista più neutrale disponibile dei migliori artisti del mondo, Emilia e Ilya Kabakov sono da tempo appena fuori dalla top 100). Un po' del resto, aperto a ogni interpretazione, è raccontato di seguito per stuzzicare curiosità sull'arte

Il percorso di Ilya ed Emilia Kabakov verso l'arte come professione

Ilya Kabakov nacque il 30 settembre 1933 a Dnipro, che fino al 1991, quando faceva parte dell'URSS, si chiamava Dnipropetrovsk e, fino al 2016, faceva parte dell'Ucraina. In teoria, la vita in questa grande città sul fiume Dnepr (oggi la quarta città più grande dell'Ucraina, con quasi un milione di abitanti) sarebbe stata meravigliosa, con un clima mediterraneo mite e il Mar d'Azov, una gigantesca vasca da bagno a portata di mano, la cui temperatura dell'acqua raggiunge spesso i 30 °C in estate. Ma non era destino; oggi, i litigi dell'Europa orientale turbano la tranquilla vita lì; certamente non all'epoca della nascita di Ilya Kabakov

La Seconda Guerra Mondiale era imminente; il padre di Kabakov fu arruolato (e in seguito morì al fronte), e Kabakov e sua madre furono evacuati a Samarcanda (oggi Uzbekistan). Lì, dal 1943 in poi, si dice che Ilya Kabakov abbia frequentato la scuola d'arte dell'Accademia di Belle Arti di Leningrado, anch'essa evacuata a Samarcanda.

Comunque sia andata (la madre di Kabakov aveva in realtà cose più importanti da fare che organizzare l'istruzione artistica gratuita per il figlio), lasciare vivere un bambino di 10 anni fu una mossa brillante nel bel mezzo della guerra.

La ricerca sul cervello ha stabilito e confermato che le attività creative creano neuroni e connessioni neurali che contribuiscono a un umore positivo. Infatti, sono così efficaci nel rimodellare positivamente il cervello (e quindi il resto del corpo) che le attività creative hanno ormai un posto fisso nella terapia del trauma.

L'arte porta gioia, forse inizialmente (nella costrizione, dopo l'evento tragico) solo in piccole parti/per un breve periodo – nel peggiore dei casi, si tratta solo di preservare un certo potenziale umano positivo (questo è il motivo per cui i soldati al fronte perseguono ogni sorta di attività allegre, che spesso vengono percepite come spietate dall'esterno o in retrospettiva).

Ma un neurone è un neurone, in guerra e in pace; le esperienze/emozioni positive portano sempre al rilascio di determinate sostanze; queste sostanze favoriscono sempre la formazione di connessioni cerebrali che fanno bene al cervello e alla persona.

Inoltre, fin dall'età di sette o otto anni, il giovane Kabakov aveva vissuto in un ambiente in cui si parlava una lingua straniera (a Samarcanda si parla il tagico, non il russo o l'ucraino come a Dnipropetrovsk), quindi frequentare la scuola d'arte era anche un rifugio nell'ambiente familiare della sua infanzia.

Il seme dell'"arte" era certamente stato piantato e, dopo la guerra, Ilya Kabakov si recò a Mosca per approfondire la sua formazione in questo campo. Dal 1945 al 1951 frequentò una scuola d'arte a Mosca e, dal 1951 al 1957, studiò grafica e illustrazione di libri presso l'Istituto d'arte di Mosca Surikov (una succursale della venerabile Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, che, dopo la sua divisione in arte e architettura, si dedicò alla formazione artistica), diplomandosi.

Kabakov è quindi un grafico e illustratore di libri qualificato , che ha studiato presso le due principali scuole d'arte del suo paese d'origine.

Fu formato nello stile allora prevalente o imposto del "realismo socialista" , ma si dice che abbia studiato Cézanne e tutti gli altri artisti internazionali su cui riuscì a mettere le mani, e che abbia persino realizzato studi di disegno libero dal vero (una deviazione scandalosa per un lavoratore in materia di arte imposta dallo Stato).

Che ciò fosse dovuto al fatto che il giovane Kabakov aveva assorbito troppa antica cultura islamica e la libertà di pensiero islamica primordiale negli altopiani uzbeki per poter tollerare il fetore ideologico del realismo socialista , o che semplicemente non provasse alcun desiderio "lavoratori di una fattoria collettiva ottimisticamente lungimiranti su un trattore" , è irrilevante; il suo desiderio di libertà si sarebbe poi fatto strada in modo inarrestabile.

Inizialmente, dopo la laurea, Kabakov lavorò diligentemente per un certo periodo come illustratore di libri per bambini. Ma il semplice fatto di aver visto Cézanne era un argomento così valido contro il tentativo di rovinare i libri per bambini illustrando la realtà socialista del mondo del lavoro che la sua attività non durò a lungo: nel 1965 divenne membro dell'Unione degli Artisti dell'URSS, che in realtà era una branca ideologica del Partito Comunista.

L'iscrizione garantiva a Kabakov il diritto di esporre le sue opere, ma non l'opportunità effettiva. Pertanto, dal 1967, l'attico di Kabakov nel centro di Mosca divenne sempre più un punto di riferimento per gli artisti moscoviti anticonformisti e dissidenti che, nelle dittature e negli stati totalitari, venivano definiti "dissidenti".

Un termine sconosciuto nelle democrazie, perché in quei paesi tutti hanno il diritto fondamentale di esprimere la propria opinione liberamente e senza impedimenti (da non confondere con l'incitamento all'odio incostituzionale o con gli insulti penalmente rilevanti che seguono la frase "bisognerebbe comunque avere il diritto di dire").

Lo stesso Ilya Kabakov si trasformò in un artista concettuale moscovita, le cui opere riflettevano inizialmente la mentalità russa e affrontavano i limiti sociali e i problemi quotidiani dei suoi concittadini in URSS. Ben presto emersero i suoi primi progetti architettonici utopici, finché Kabakov non arrivò finalmente alle utopie sociali e iniziò ad esplorarle in profondità. Lo fece principalmente con umorismo e ironia, sempre con un (amaro) legame con la realtà.

Dal 1978 in poi, Kabakov realizzò i suoi primi murales in cui parodiò l'"arte ufficiale" del sistema sovietico , abbellendoli in stile collage con testi corrispondenti. Successivamente, la tecnica del collage fu ulteriormente ampliata nelle sue installazioni, culminando nel 1981 nella storia dell'uomo che non buttava via nulla (un'installazione con diverse scatole piene di carte e spartiti, circondate da tutta l'altra spazzatura che appartiene all'identità di quest'uomo).

Kabakov era ancora coinvolto quando un gruppo di artisti moscoviti ribelli lanciò il "Concettualismo Moscovita" l'arte Soz (l'arte Soz era ciò che gli elementi della Pop Art, sparsi in Russia, trasformarono nel Realismo Socialista), e lo fecero al di fuori della scena artistica ufficiale sovietica. Tuttavia, Kabakov si stava già preparando ad andarsene; presto, opere che non gli era permesso esporre in URSS trovarono misteriosamente la strada per l'Occidente.

Nel 1985 Kabakov fu invitato alle sue prime mostre personali in Francia (11 giugno - 13 luglio 1985, "Ilya Kabakov", Galerie Dina Vierny, Parigi) e in Svizzera (31 agosto - 18 novembre 1985, "Ilya Kabakov: On the Edge", Kunsthalle Bern): 25 dipinti e 490 disegni arrivarono lì, ma sfortunatamente all'artista non fu permesso di viaggiare.

Anche senza di lui, le opere di Kabakov continuarono a viaggiare a Marsiglia e Düsseldorf nel 1986; nel 1986 le prime installazioni giunsero in Svizzera per vie avventurose in occasione della mostra “Rauminstallationen und Bildwerke aus dem 80er Jahren” (15.08. – 03.09.1986, Neue Galerie, Schlössli Götzental, Dierikon), mentre la mostra “Ilya Kabakov” fu esposta al Centre National des Arts Plastiques di Parigi dal dal 19.11.1986 al 11.01.1987.

Per una puntata di TateShots, i giornalisti hanno fatto visita alla coppia di artisti Kabakov nella loro casa di Long Island a New York, dove vivono da oltre trent'anni, mentre si preparavano per la loro prima grande mostra museale nel Regno Unito, alla Tate Modern (2018):

All'inizio del 1986, Michail Gorbaciov avviò il processo di ristrutturazione e modernizzazione dell'Unione Sovietica, che oggi conosciamo come Perestrojka; questo fu accompagnato dalla Glasnost, letteralmente apertura, libertà di informazione, libertà di parola, si potrebbe anche semplicemente parlare di libertà di opinione e di stampa o democratizzazione dello Stato.

Con le opere per la mostra "Arte contemporanea dall'Unione Sovietica: Ilya Kabakov e Ivan Tchuikov" (20 febbraio - 20 aprile 1987, Museo d'arte contemporanea, Basilea, Svizzera), all'artista fu finalmente permesso di lasciare il Paese, rimanendo inizialmente in Occidente con una borsa di studio dell'Associazione artistica di Graz, e non sarebbe tornato a casa finché la sua patria si sarebbe chiamata ancora URSS.

Dal 20 marzo all'8 aprile 1988, le opere "salvate" e nuove di Kabakov furono esposte nella mostra "Before Dinner" (organizzata dalla Graz Art Association) nel foyer dell'Opera di Graz; sempre nell'aprile 1988, l'arte e gli artisti fecero il salto dall'Austria attraverso l'Atlantico: dal 30 aprile al 4 giugno 1988, mostra "Ten Characters", Ronald Feldman Fine Arts, New York, USA.

È qui che entra in gioco Emilia , e poi ancora Emilia Lekach, un'emigrante russa che lavorava come curatrice e mercante d'arte a New York dal 1975.

Emilia Lekach è nata in URSS nel 1945. Dal 1952 al 1959 ha studiato alla Scuola di Musica di Mosca, dal 1962 al 1966 al Conservatorio di Irkutsk e dal 1969 al 1972 all'Università Statale di Mosca, dove ha studiato lingua e letteratura spagnola. Nel 1973, Emilia emigrò in Israele con tutta la famiglia. Nel 1975, si trasferì da Israele a New York, dove iniziò presto a lavorare come curatrice e mercante d'arte, posizione che ricopre ancora oggi. E la parte migliore, quasi incredibile: anche Emilia Kabakov Lekach è nata a Dnipropetrovsk.

Emilia Lekach e Ilja Kabakov, due persone provenienti da una delle decine di grandi città di un paese la cui superficie, anche nella sua forma attuale più piccola, è esattamente 47,84 volte più grande della Germania, si incontrano a 7.904 km di distanza da quella città, a New York, ed entrambi lavorano nel campo dell'arte contemporanea.

Un uomo e una donna, di 54 e 42 anni, con un'istruzione e passioni simili e con esperienze terribili simili sotto governi che ignorano i diritti umani, si erano persino incontrati da giovani a Mosca: non sarebbe stato piuttosto strano se non si fossero sposati?

Il fatto che questa storia non sia ancora stata trasformata in una fiaba Disney è probabilmente dovuto all'età dei protagonisti.

Questa non è la storia di una principessa bionda che "sogna ancora" e del suo eroe apparentemente spensierato e promettente, ma piuttosto di due affermati artisti contemporanei che, per molte buone ragioni, decidono di vivere e lavorare insieme. Anche senza la Disney, la loro storia si svolge come una fiaba e, grazie alla loro forza combinata, i due sono destinati a raggiungere la fama mondiale in breve tempo

Mondo libero, mente libera, buon lavoro

Ilja Kabakov rimase a New York e iniziò a lavorare con Emilia Lekach nel 1989. La coppia di artisti sviluppò uno stile di lavoro collaborativo in cui ognuno di loro dava, e dà ancora, il meglio di sé, in misura variabile a seconda del progetto.

Nel 1992 Ilja Kabakov ed Emilia Lekach formarono una coppia di artisti e, al più tardi con questo passo, divennero parte di una partnership artistica in cui la donna o l'uomo sono ciascuno "la metà dell'artista" (se qualcuno pensa di poter esprimere questa costellazione nel linguaggio di genere corretto: per favore, volentieri!).

Questa collaborazione lavorativa, spesso pubblicizzata come qualcosa di molto speciale, a ben guardare non ha molto di spettacolare: due persone lavorano insieme (alla pari, ovviamente) e si impegnano a sfruttare al meglio i rispettivi talenti e ad attenuare il più possibile le rispettive debolezze.

Un modello di base sensato per qualsiasi progetto che le persone intraprendono insieme e che dovrebbe funzionare a lungo termine senza reprimere il/i partner.