Comment un artiste devient-il réellement célèbre ?

Une grande partie de ce qui est aujourd'hui admiré, voire idolâtré, comme art était perçue de façon bien moins spectaculaire à l'époque de sa création. Il s'agissait souvent simplement du fruit d'un travail quotidien, réalisé avec soin à l'aide de matériaux aujourd'hui très prisés

Aujourd'hui, cette voie vers la création artistique se ressent encore, ou peut-être se redécouvre, lorsqu'un chef ou un créateur textile, animé d'un souci particulier du détail, conçoit des produits d'exception à partir d'une matière particulière, souvent qualifiés alors d'œuvres d'art. Nombre des œuvres que nous admirons aujourd'hui étaient à l'origine de magnifiques édifices érigés par de illustres souverains, conçus pour leur propre gloire et/ou par calcul stratégique afin d'impressionner leurs adversaires ou concurrents.

Dans un contexte très similaire, de nombreux bijoux, meubles, gâteaux et tableaux spéciaux ont été produits, tous créés essentiellement par des agents liés par des instructions poursuivant des idées similaires, que l'on pourrait également qualifier d'objets promotionnels.

Il faut reconnaître que ce sont souvent les personnes fortunées qui soutenaient l'art. Cela offre peut-être un point de départ pour l'une des distinctions utilisées pour différencier l'art du non-art : les œuvres créées aux frais d'un souverain et façonnées selon ses instructions, par opposition aux œuvres créées uniquement pour l'art.

Après réflexion, il apparaît rapidement que cette distinction doit avoir des contours très flous : bien qu’il s’agisse d’une commande, l’art peut être créé, ou la commande elle-même offre l’opportunité de la création artistique, ou encore le client est en réalité l’artiste.

On trace généralement la limite là où la liberté artistique est touchée, mais même cela est difficile ; alors l'art quasi conformiste qui peut encore émerger dans un environnement dictatorial ne serait plus de l'art du tout.

Cependant, dans ces cas-là, la personne qui a commandé l'œuvre devient célèbre, parfois elle seule (par exemple, lorsque de nombreux esclaves érigent un édifice impressionnant), parfois l'artiste aussi, s'il s'agit de l'œuvre importante d'un seul expert.

L'art pour l'art

En revanche, depuis le début du XIXe siècle, un mouvement prône « l'art pour l'art », c'est-à-dire un art créé uniquement pour l'art. Selon cette théorie, les œuvres d'art conçues selon ce principe doivent se suffire à elles-mêmes et ne doivent servir aucun but extérieur.

La notoriété des créateurs d'œuvres réalisées de cette manière semble être soumise à des règles différentes de celles qui s'appliquent aux « œuvres de commande ». Elle semble dépendre principalement de la capacité de l'artiste à attirer suffisamment l'attention sur son art.

De nos jours, deux espèces dominent principalement la scène artistique internationale

Les artistes qui accèdent à la notoriété au sein d'un réseau universitaire bien établi, lequel protège ses adeptes et cherche à faire taire toute voix dissidente et critique en niant leur compétence (ce qui reflète la communauté scientifique internationale, où les partisans de l'opinion dominante sont également avantagés), connaissent un succès fulgurant. La carrière de John Baldessari.

Il y a ensuite les artistes qui pensent que l'art ne s'apprend pas à l'université. Ils dépendent d'autres groupes sociaux pour accéder à la célébrité. Leur ascension est généralement semée d'embûches ; on peut citer de nombreux exemples, dont Jonathan Meese.

Un artiste qui parvient à devenir la coqueluche de la haute société peut gagner beaucoup d'argent, mais se heurte souvent au désavantage de voir ses œuvres exposées dans des environnements de très mauvais goût, voire ridiculisées dans les médias. De plus, il doit souvent faire face au fait qu'il n'est plus pris au sérieux par les personnes cultivées.

Cette célébrité, fruit d’un fort désir de publicité, présuppose toutefois que l’artiste souhaite réellement que « son œuvre conquière le monde ».

Cependant, nombreux sont les artistes qui ne considèrent pas la recherche de la gloire ou la réalisation de profits importants comme leur principale motivation artistique, mais qui créent plutôt pour l' art en soi : parce qu'ils veulent produire quelque chose de particulièrement beau, ou parce qu'ils veulent apprendre sur le monde et partager leurs connaissances, ou parce qu'ils veulent vraiment maîtriser un matériau rare, ou pour une autre forme de motivation intérieure.

Bien que ces artistes puissent apprécier de voir leur œuvre conquérir le monde, ils manifestent peu d'envie de se présenter au public de la manière et avec l'intensité clairement audible qui sont généralement requises.

Aperçu d'une carrière d'artiste : opportunités, potentiel et risques

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Gagner sa vie en tant qu'artiste : comment ça marche ? Découvrez-le grâce à la formation « Art Business Class » de Paint and Smile, un séminaire dédié aux artistes. Pourquoi tant d'artistes peinent-ils à réussir financièrement ? Cette vidéo vous dévoile les 8 erreurs les plus fréquentes à éviter.

Être artiste, un métier de rêve : comment devenir artiste et peut-on Vivre de l'art ? || Rapport PULS

Comment Vivre de l'art ? Qui détermine la valeur d'une œuvre et comment fonctionne le monde de l'art ? Pour le découvrir, Ariane se met elle-même à la peau d'une artiste, rend visite à deux jeunes artistes, les accompagne à des vernissages et des foires d'art, et discute avec des galeristes et des experts en art.

Pouvoir vivre de son art – pour beaucoup, c'est un rêve ! Mais derrière ce rêve créatif se cache un monde impitoyable : le marché de l'art ! Comment fonctionne-t-il, et que doit faire un jeune artiste pour vivre de son art ?

Ariane Alter, pour PULS Reportage, a mené l'enquête et a suivi deux jeunes artistes : l'un vit déjà de son art, l'autre espère en faire bientôt autant. Que faut-il pour se faire remarquer et réussir dans le monde de l'art ? Quel est le rôle d'un galeriste ? Et comment se fixent les prix des œuvres ?

L'art sur Instagram : expression de soi ou art authentique ? | Y-Collective

Lars Eidinger, Alexander Höller, Johanna Dumet, Joséphine Sagna : grâce à Instagram, de nombreux artistes connaissent un regain de popularité. L’art s’invite désormais sur les chaussures Nike, les pochettes de disques et même dans les cuisines partagées. Tout cela grâce aux réseaux sociaux. En théorie, les artistes d’aujourd’hui n’ont plus besoin de galeries pour réussir : Instagram leur suffit.

Dans ce reportage, les journalistes Anne Thiele et Johannes Musial suivent Alexander Höller. Ce jeune homme de 24 ans a attiré leur attention sur Instagram grâce à son corps entièrement tatoué, ses images saisissantes et son immense communauté de fans. Des célébrités comme Dieter Bohlen, Arnold Schwarzenegger et Barbara Meier achètent ses œuvres. Prix : 20 000 euros et plus. Mais qu’en est-il réellement de l’art ? Ou bien des artistes comme Alexander ne recherchent-ils que l’argent et la célébrité ?

Les journalistes cherchent également des réponses lors du vernissage d'une exposition de Lars Eidinger. L'acteur y présente ses photographies. Nombreux sont les visiteurs qui viennent car ils le suivent sur Instagram. Là-bas comme ailleurs, Eidinger aime être au centre de l'attention. Est-ce là le seul moyen de réussir de nos jours ?

Le galeriste Nils Müller, à l'origine de l'exposition, le sait que trop bien. Ancien graffeur, il est aujourd'hui propriétaire de la célèbre galerie Ruttkowski;68. Il connaît aussi les aspects les plus sombres du marché de l'art : le battage médiatique, le mercantilisme et les spéculateurs qui font flamber les prix. Ils engrangent ainsi des millions.

Le marché de l'art s'ouvre-t-il aux jeunes, et qui peut même se permettre d'acquérir des œuvres d'art ?

Vendre de l'art en ligne

Pour ces artistes, une opportunité de diffusion sans précédent s'offre à eux : la présentation de leur art à la communauté mondiale en ligne. Internet offre les premières plateformes où les œuvres peuvent être présentées indépendamment de l'identité de l'artiste. En ligne, les amateurs d'art ont un accès illimité, sans frontières, sans niveaux de revenus ni idées préconçues en matière de goût.

Les artistes qui publient leurs œuvres y ont accès sans discrimination et, selon la plateforme choisie, à un coût très faible (sans commune mesure avec une galerie qui conserve jusqu'à la moitié des revenus pour elle-même).

Pour la première fois, les artistes peuvent faire connaître leur art à un public qui n'est lié à aucune idéologie, sans les contraintes de la publicité, en proposant leur art en ligne, par exemple dans la galerie en ligne de Kunstplaza.de.

Lina Sahne

Auteure passionnée, fortement intéressée par l'art

www.kunstplaza.de