ART-O-GRAM: Qu'est-ce que l'art conceptuel?

Kunstplaza présente régulièrement sur ce blog des artistes reconnus dans le milieu. Nombre d'entre eux sont qualifiés d '« artistes conceptuels », ce qui amène souvent les néophytes à se demander ce l'art conceptuel .

Pour les débutants, voici un Art-o-Gram sur l'art conceptuel, une introduction succincte qui fournit des connaissances initiales et vise à encourager une exploration plus approfondie de cette forme d'art passionnante :

Les tentatives d'approche de l'art conceptuel se soldent souvent par un léger désespoir… 😉

Nombreux sont ceux qui ont du mal à appréhender l'art conceptuel ; certains peinent même à le reconnaître comme tel. Il leur est encore plus difficile d'aborder un artiste conceptuel et de formuler des hypothèses pertinentes sur « ce que l'artiste cherche à nous dire » .

Alors peut-être devrions-nous laisser la parole aux scientifiques en premier – comme toujours, lorsque la compréhension d'un domaine n'est pas tout à fait simple, une tentative de classification pourrait s'avérer utile.

Les historiens de l'art ont donc eux aussi consacré beaucoup de temps à essayer de forcer l'art conceptuel à entrer dans un cadre, avec succès bien sûr, puisque l'art conceptuel est considéré comme un style artistique à part entière (vous pouvez en savoir plus à ce sujet dans l'article d'Art-o-Gram intitulé « Comment l'histoire de l'art donne de l'ordre à l'art »).

Qu'est-ce que l'art conceptuel exactement ?

Dans l'article que nous venons de mentionner, vous apprendrez que la classification des œuvres d'art est l'une des tâches les plus difficiles qu'un véritable scientifique – neutre, soucieux de transmettre des connaissances et non de se baser sur un quelconque mérite – puisse entreprendre.

Définition en quatre phrases courtes :

L'art conceptuel est un style artistique a été profondément marqué dans les années 1960 par l'artiste américain Sol LeWitt et le peintre et artiste d'objets franco-américain Marcel Duchamp art conceptuel ou conceptualisme ). L'art conceptuel ne constitue pas un mouvement ou un style artistique monolithique, mais plutôt un ensemble de stratégies. Les artistes conceptuels conçoivent l'art comme une idée, et non comme la création d'un objet d'art concret et fini.

L'art conceptuel trouve ses origines dans l'art minimal ( le minimalisme en tant que forme d'art), et c'est avec lui que les théories et les tendances de la peinture abstraite développées.

Une classification plus complexe de l'art conceptuel

La classification est particulièrement problématique dans le cas de l'art conceptuel ; en effet, tous les critères de classification habituels « échouent » dans l'art conceptuel – il n'adhère ni à un genre (une grande variété de supports est souvent utilisée), ni à un genre spécifique (de nombreuses photographies ou paysages deviennent des installations, qui sont à leur tour de grands portraits), ni à une forme d'art spécifique (une sculpture d'un artiste conceptuel peut tout à fait être créée à partir d'écriture sur papier).

Ainsi, l'art conceptuel ne peut être classé que selon son style , et c'est probablement pour cette raison qu'il est considéré presque sans discussion comme l'un des styles artistiques clairement distincts que le monde de l'appréciation artistique a développés.

Selon que l'on se limite à l'Europe ou que l'on englobe le monde de l'art dans son ensemble, que l'on considère toutes les époques passées ou seulement les plus proches de l'époque actuelle, que l'on se limite au soi-disant grand art ou que l'on inclut l'art et l'artisanat du quotidien, on distingue plusieurs dizaines, voire deux fois plus, de styles artistiques, avec des ramifications plus ou moins grossières et des subdivisions controversées ; toutefois, l'art conceptuel conserve sa place parmi tous les modèles stylistiques.

En stylistique, pilier reconnu de l'appréciation artistique, on recherche les caractéristiques communes que présentent différentes œuvres d'art, afin de les regrouper sous une désignation stylistique.

, l'art conceptuel est considéré dans fondé dans les années 1960 par l'artiste américain Sol LeWitt

Il fut le premier à définir la caractéristique jugée cruciale pour cette classification, ce qui a permis de comprendre qu'aujourd'hui, l'art conceptuel est un art où le concept de l'œuvre occupe une place centrale. L'idée revêt une importance considérablement plus grande que la création même de l'œuvre.

Dans l'art conceptuel, l'exécution de l'œuvre n'a même pas besoin d'être réalisée par l'artiste lui-même, ce qui signifie que dans l'art conceptuel, en plus de l'œuvre finie, les instructions et les croquis, les notes et les livres d'artiste sont également considérés comme des œuvres d'art.

L'art conceptuel dématérialise ainsi l'œuvre d'art et en déduit rapidement la conséquence logique selon laquelle le spectateur doit être inclus dans l'œuvre.

Ses associations et le contexte dans lequel une œuvre est perçue joueront un rôle de plus en plus important dans le développement de l'art conceptuel, culminant dans de Dan Graham :

À ses yeux, ses pavillons d'art n'existent que lorsqu'ils sont investis par le public, dont les réactions diverses, provoquées par Graham, donnent vie aux œuvres.

L'importance de cette caractéristique explique également pourquoi des formes d'art aussi diverses que l'art objet, les objets éphémères, les installations in situ ou les happenings peuvent donc être considérées comme faisant partie de l'art conceptuel.

Il suffit qu'elles partent de l'idée que la pensée, le concept, est d'une importance primordiale pour l'œuvre. La mise en œuvre de cette idée n'est pas nécessairement assurée par l'artiste.

Désormais, ce ne sont plus les œuvres finies qui priment, mais les croquis, les textes d'instruction, les notes, etc. Les livres d'artistes, qui développent leurs propres qualités esthétiques, y sont également inclus.

Pour le spectateur de cette œuvre, il existe une caractéristique cruciale tout autre : pour comprendre une œuvre conceptuelle, il devra toujours dialoguer avec l'artiste et ses idées ; sinon, il ne pourra jamais saisir le concept.

Le conceptualisme représente un aspect important de l'art contemporain, mais il ne faut pas le confondre avec toutes les pratiques artistiques qui rejettent les supports classiques tels que la peinture et la sculpture ou qui placent l'intentionnalité de l'artiste au centre du processus créatif.

Contribution vidéo de la Schirn Kunsthalle à titre d'explication complémentaire

Une autre approche de la définition de l'art se trouve dans la vidéo suivante « QU'EST-CE QUE L'ART CONCEPTUEL ? | Le moyen le plus court d'en apprendre davantage sur l'art » proposée par la célèbre Schirn Kunsthalle de Francfort

Aperçu des idées clés

• « L’idée devient une machine à créer de l’art » — telle était la conception que l’artiste Sol LeWitt se faisait de lui-même, exprimée dans son texte « Paragraphes sur l’art conceptuel » en 1969. Cette phrase représente le concept fondamental du mouvement, soulignant la prédominance de l’idée.
• L'œuvre ne doit pas nécessairement être un objet (fini). Un recueil d'instructions de l'artiste peut suffire.
• L'art conceptuel abandonne la beauté, l'esthétique, la rareté et la virtuosité comme moyens d'évaluer une œuvre d'art.
• L'art conceptuel se doit d'être intellectuellement stimulant et interpellant pour le spectateur. Les artistes cherchent à créer un art conceptuel qui suscite la réflexion.
• Les œuvres d'art conceptuel remettent également en question le rôle des musées et le rôle prépondérant du marché de l'art en tant que « dictateur » de l'art et de la production artistique.

Comment est né le style artistique « art conceptuel » ?

Tout a commencé avec l'expressionnisme , un mouvement artistique de peinture moderne apparu en Amérique du Nord après la Seconde Guerre mondiale, qui mettait davantage l'accent sur la spontanéité et les émotions que sur les règles, la raison et la perfection.

le minimalisme Art minimal en anglais s'est également développé en Amérique du Nord au début des années 1960 , visant la clarté schématique, la logique et l'objectivité ainsi que la suppression de l'expression personnelle.

L'expressionnisme abstrait, en particulier, a été influencé de manière décisive par les dadaïstes et les surréalistes Marcel Duchamp (qui a vécu à New York pendant les deux guerres mondiales) et son ami René Magritte (qui a eu sa première exposition à New York en 1936), et certains aspects de ces styles artistiques ont certainement fait de ces deux artistes extraordinaires des pionniers de l'art conceptuel.

Le surréalisme considérait que sa principale tâche était de bouleverser les habitudes conventionnelles dans la perception de l'art, et Dada se révoltait contre tout art et toute forme d'art conventionnels ainsi que contre tous les idéaux bourgeois.

Ainsi, l'idéal de Magritte d'une réalisation de la réalité inhérente à l'œuvre d'art est devenu un pilier programmatique de l'art conceptuel, tout comme l'idée de Duchamp selon laquelle « rétinien » (l'art perceptible uniquement par l'œil) était sensationnaliste et ne devait pas être pris au sérieux, et que le véritable art naît là où l'œuvre d'art a un effet sur la pensée.

L'origine du terme « art conceptuel » remonte à un texte d' Henry Flint de 1961, Essay: Concept Art , dans lequel l'artiste et philosophe du groupe Fluxus décrivait ses performances et son travail artistique comme un travail conceptuel.

Marcel Broodthaers également devenu un théoricien important de l'art conceptuel au cours de sa carrière artistique, voire un artiste conceptuel à part entière. Il a notamment été le premier à faire de la théorie de l'art, du marché de l'art et du fonctionnement des musées le sujet de son œuvre, et dès la fin des années 1960, il a franchi les frontières de la peinture pour présenter des installations, des livres d'artiste, des sculptures, des films et des photographies comme œuvres d'art à part entière.

« art conceptuel » précisément à cette époque , lorsqu’il a écrit « Paragraphes sur l’art conceptuel » en 1967. Il y définissait son art comme « conceptuel » et pertinent pour le spectateur avant tout sur un plan intellectuel, par opposition à « l’art perceptif », . Pour la première fois dans cet ouvrage, l’idée de l’œuvre, le concept, occupe le devant de la scène.

Cependant, la première exposition d'art conceptuel est considérée comme étant une exposition de l'artiste américain Mel Bochner de 1966, qui a eu lieu à la galerie de la School of Visual Arts à New York .

Il s'agissait de la première exposition de Bochner, intitulée « Dessins de travail et autres éléments visibles sur papier qui ne sont pas nécessairement destinés à être considérés comme de l'art ». Il avait photographié des dessins de conception, des notes, des croquis et d'autres documents d'artistes minimalistes amis, par exemple une facture de Donald Judd de 3 051,16 $, rassemblé les tirages dans quatre dossiers noirs et les avait exposés sur quatre piédestaux.

« art conceptuel » a culminé avec quatre expositions importantes en 1969 et dans l'essai de Lucy Lippard « Six Years : the dematerialization of the art object from 1966 to 1972 » , dans lequel l'historienne d'art américaine décrit précisément le mouvement d'art conceptuel de cette époque.

Depuis, de nombreux artistes conceptuels de renommée internationale ont présenté leurs œuvres. Pour comprendre comment celles-ci s'inscrivent dans la définition que nous venons de donner et l'importance de l'art conceptuel dans le monde de l'art contemporain, consultez l'article d'Art-o-Gram intitulé « Les artistes conceptuels et la signification de l'art conceptuel » .

L'art conceptuel aujourd'hui

Le mouvement de l'art conceptuel est formellement associé aux artistes conceptuels des années 1960 et 1970. Cependant, il reste présent dans la production artistique de nombreux artistes contemporains.

Même au XXIe siècle, des artistes qui ne se définissent pas nécessairement comme conceptuels créent de l'art conceptuel . L'influence du conceptualisme se manifeste aussi bien dans la tendance à une critique socio-politique ou institutionnelle de l'œuvre que dans l'utilisation des idées et de l'information comme moyens de définir l'art.

On retrouve son langage artistique dans l'art d'installation moderne, l'art de la performance, le land art, ou encore l'art numérique et vidéo.

Artistes conceptuels importants et leurs œuvres les plus importantes

Parmi les œuvres les plus importantes de l'art conceptuel figure sans aucun doute « Wall Drawing #46 » de Sol LeWitt . L'œuvre consiste en des instructions écrites de l'artiste : « Lignes verticales, non droites, ne se touchent pas, couvrent le mur uniformément » , que le spectateur est ensuite invité à reproduire.

L'artiste n'est pas directement impliqué dans la création et la réalisation physique de l'œuvre.

« Une et trois chaises » de Joseph Kosuth est une autre œuvre d'art conceptuel novatrice. Cette œuvre se compose d'une chaise, d'une photographie grandeur nature de la chaise et de la définition du mot « chaise » tirée d'un dictionnaire.

Ce concept vise à inciter les spectateurs à se demander : qu’est-ce qui constitue la « chaise » ? Est-ce l’objet, la définition, la photographie, ou les trois ? Kosuth évoque également la construction du langage et la manière dont les mots acquièrent du sens lorsqu’ils sont appliqués à des objets.

Parmi les pionniers les plus influents de l'art conceptuel figurent également l'artiste de performance Allan Kaprow (1927-2006), connu pour ses « Happenings », et Andy Warhol  (1928-1987). Ces deux artistes ont utilisé le conceptualisme sous diverses formes (voir Gallerix ).

Parmi les exemples récents de conceptualisme, citons l' art verbal de Barbara Kruger et Christopher Wool , ainsi que l' art corporel de Marina Abramovic (née en 1946).

Artistes célèbres associés à l'art conceptuel :

Yves Klein , dont l'œuvre « Sculpture aérostatique »  (1957, Paris), où 1 001 ballons bleus furent lâchés dans le ciel par la galerie Iris Clert. L'année suivante, Klein affirma que ses peintures étaient désormais invisibles et le démontra en exposant un espace vide (« Le Vide ») – un exemple précurseur d'art d'installation.

Stanley Brouwn , célèbre pour sa déclaration artistique de 1960 selon laquelle tous les magasins de chaussures d'Amsterdam présentaient une exposition de son travail.

Piero Manzoni , qui a scandalisé le monde de l'art en 1961 en exposant ses propres récipients remplis d'excréments, a également présenté des ballons gonflés de son souffle. Une autre de ses techniques non conventionnelles consistait à signer le corps de ses clients, les transformant ainsi en œuvres d'art vivantes.

Christo et Jeanne -Claude Javacheff , sculpteur et artiste conceptuel bulgare, s'est fait connaître grâce à son œuvre de 1962, « Rideau  de fer  Il s'agissait d'une barrière constituée de barils de pétrole, érigée dans une rue étroite de Paris, provoquant des embouteillages. Il expliquait que l'« art » résidait non pas dans la barricade elle-même, mais dans les embouteillages qu'elle engendrait.

Yoko Ono « Grapefruit » en 1964 livre contenant des instructions et des dessins décrivant comment parvenir à une expérience esthétique en coupant et en mangeant des pamplemousses.

John Baldessari , connu pour son film de 1970, dans lequel une série d'observations intellectuellement importantes sur l'art conceptuel de Sol LeWitt de morceaux populaires tels que « Some Enchanted Evening » et « Camptown Races » .

Douglas Huebler , connu pour son exposition des années 1970 composée de 12 photographies prises toutes les deux minutes alors qu'il conduisait sa voiture sur une route pendant 24 minutes.

Judy Chicago , figure majeure de l'art féministe des années 1970, a créé l'installation conceptuelle « The Dinner Party ». Cette œuvre se composait d'une table de banquet triangulaire avec 39 couverts, chacun dédié à une personnalité féminine importante de l'histoire. Les noms de 999 autres femmes étaient gravés dans le carrelage au sol, sous la table.

Walter De Maria , qui en 1977 enfonça une tige de laiton d'un kilomètre de long dans le sol du nord de l'Allemagne et baptisa le résultat le Kilomètre Terrestre Vertical. L'« art » existe donc dans l'imaginaire collectif.

Christopher Williams , connu pour son œuvre de 1989. Celle-ci comprenait une série de photographies monochromes de spécimens conservés sous verre provenant du Musée botanique de Harvard, sélectionnés parmi une liste de trente-six pays ayant enregistré une disparition politique en 1985.

Tracey Emin a créé un exemple célèbre d'art postmoderne avec son installation « My Bed » dont l'exposition de 1999 a été nominée pour le prix Turner. Elle consistait en un lit défait jonché d'objets personnels tels que des préservatifs, des culottes tachées de sang, des bouteilles et des pantoufles.

Martin Creed , artiste écossais postmoderne, a remporté le prix Turner en 2001 pour son œuvre conceptuelle « 227 : The Lights Going On and Off ». Neuf ans plus tard, il a fait don de cette œuvre rare à la nation. Il s’agit d’une pièce vide éclairée par une ampoule vacillante, accompagnée d’instructions. Malgré les railleries de plusieurs critiques d’art et les attaques d’un de ses rivaux envieux, ce chef-d’œuvre conceptuel a depuis été exposé dans certaines des plus grandes galeries du monde, et plus récemment au Museum of Modern Art (MoMA) de New York.

Parmi les autres artistes postmodernes ayant utilisé le conceptualisme dans leur travail, on peut citer : Giovanni Anselmo (né en 1934), Daniel Buren (né en 1938), Michael Craig-Martin (né en 1941), Gilbert & George (nés en 1943 ; nés en 1942), On Kawara (né en 1932), Giuseppe Penone (né en 1947), Cindy Sherman (née en 1954) et Martin Creed (né en 1968).