Roy Lichtenstein – La vie avec l'art

L’article « Le chemin de Roy Lichtenstein vers la gloire » décrivait précisément ce parcours, et aussi comment il s’est conclu, à savoir par une augmentation presque incroyable de la valeur de ses œuvres. Lichtenstein a dû attendre longtemps avant que ses œuvres ne lui permettent de vivre de sa passion.

La vie et l'art, ou la vie pour l'art ? Lichtenstein a tenté l'expérience

Roy Lichtenstein avait presque 40 ans lorsqu'il a connu sa percée artistique, et il y avait des raisons à cela : Lichtenstein n'avait jamais été un de ces artistes purs et durs dont la vie consiste à étudier l'art, à créer de l'art, à passer du temps avec des artistes et les industries créatives , et rien d'autre.

Lichtenstein était un artiste et une personne comme les autres : il avait commencé une formation pour une profession tout à fait normale (l'enseignement) lorsqu'il fut enrôlé dans l'armée ; il ne put profiter du fait que l'armée l'avait emmené à Paris comme prévu pour son développement artistique (et sa rencontre avec Picasso) car il dut rentrer chez lui en raison de la grave maladie de son père.

Après la guerre, il termina sa formation d'enseignant à l'Université d'État de l'Ohio et, bien qu'il eût entamé un master en beaux-arts , en 1949, il mit un nouvel obstacle à son « libre développement en tant qu'artiste » en se mariant et en ayant deux fils avec sa femme Isabel Wilson dans les années qui suivirent.

Lichtenstein était donc en partie responsable de nourrir sa famille, et dans les années 1950, il a occupé toutes sortes d'emplois qui servaient moins son développement artistique que sa capacité à gagner sa vie.

Dans la première partie de sa vie, il n'avait pas vraiment le temps de se consacrer à des expériences artistiques et à la recherche de son propre style – il participait tellement à une vie réelle et vibrante qu'il n'était pas facile, même pour une personne créative, de développer en parallèle des idées artistiques très raffinées.

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Cette vie dans l'Ohio, ponctuée de voyages occasionnels à New York, à 750 km de là, pour des raisons artistiques, aurait pu se poursuivre indéfiniment si Lichtenstein n'avait pas accepté un poste d'enseignant à l'université Rutgers du New Jersey en 1960. C'est là qu'il se retrouva dans un environnement extrêmement créatif et qu'il rencontra tous les artistes aujourd'hui considérés comme « pères du Pop Art ».

Certains des artistes contemporains les plus importants s'étaient réunis à l'université de l'Ohio : Jim Dine et Claes Oldenburg, Lucas Samaras et George Segal, George Brecht et Geoffrey Hendricks, Dick Higgins et sa femme Allison Knowles, George Maciunas et Robert Whitman, tous regroupés dans le New Jersey sur le campus de l'université Rutgers autour de deux professeurs : Allan Kaprow , « l'inventeur du Happening » , et Robert Watts , sculpteur, expressionniste et ami de Fluxus.

Cette créativité inspira une fois de plus Lichtenstein et l'encouragea à explorer même ses idées les plus extravagantes. Jusqu'alors, l'expression artistique de Lichtenstein s'était l'expressionnisme , le courant artistique dominant de l'époque, au sein duquel Lichtenstein ne parvenait pas à se situer clairement entre les deux écoles principales : la peinture gestuelle et les expressionnistes introvertis , qui, avec leurs larges applications de peinture, invitaient à la méditation.

Les œuvres issues de ces tentatives de positionnement n'avaient certainement pas attiré beaucoup d'attention lors des expositions new-yorkaises jusqu'alors, d'autant plus qu'il doutait de plus en plus de son style à la fin des années 1950.

Lichtenstein avait déjà commencé à expérimenter avec des représentations de personnages de bandes dessinées et de figures Disney , mais il n'a jamais exposé publiquement ces premières images Disney. Au lieu de cela, il les a recouvertes lui-même, admettant plus tard les considérer comme des actes de désespoir. C'est vraiment dommage, car ces images de Bugs Bunny, Donald Duck et Mickey Mouse lui auraient probablement rapporté beaucoup d'argent quelques années plus tard.

Car lorsque Lichtenstein s'est laissé inspirer par les idées des créatifs qui l'entouraient, le résultat de cette phase expérimentale a été qu'il a délibérément « oublié » complètement ses compétences artistiques acquises précédemment et a créé précisément une « image comique » comme première œuvre sans influence expressionniste.

Ainsi naquit le style typique de Lichtenstein ; « Look Mickey » fut suivi, au cours du même été 1961, par plusieurs autres images dans ce nouveau style, dans lesquelles il combinait des images nettes délimitées par des lignes fortes avec des zones monochromes, imitait des éléments de la technologie d'impression industrielle (points Ben-Day) et la bulle de dialogue connue des bandes dessinées.

À l'automne 1961, le professeur Kaprow organisa une rencontre entre Lichtenstein et Ivan Karp, directeur de la galerie new-yorkaise Leo Castelli , alors très en vogue. Lichtenstein présenta à ce dernier quelques-unes de ses toiles, réalisées dans un style nouveau. Karp jugea ces œuvres prometteuses et les montra donc à son supérieur, Leo Castelli. Ce dernier aurait décidé de représenter Lichtenstein « Jeune fille au ballon », mais Karp ne lui montra pas « Regarde Mickey »,

Lichtenstein est « sur toutes les lèvres » – presque impensable sans Castelli

C’est peut-être cette omission qui a permis à Lichtenstein de lancer sa carrière, car Andy Warhol avait commencé à intégrer des personnages de bandes dessinées à son art à peu près à la même époque. Il aurait également exposé ces images à la galerie Castelli, où elles auraient été refusées. Ce refus et l’appropriation de la bande dessinée par Lichtenstein auraient, quant à eux, incité Warhol à se détourner de ce genre au profit des biens de consommation, ce qui explique sa première place au classement des plus grands artistes de tous les temps, Roy Lichtenstein n’occupant que la 23e place.

Mais tout cela est venu bien plus tard ; en 1961, Lichtenstein réussit pour la première fois à intégrer l'une des galeries new-yorkaises les plus prisées de l'époque, et à partir de là, les choses n'ont cessé de progresser : les premières toiles se sont vendues rapidement, sa première exposition personnelle a affiché complet avant même son ouverture, et Lichtenstein pouvait désormais vivre de sa peinture.

Il réorganisa ensuite complètement sa vie : les décennies d’hivers passés ensemble dans l’arrière-pays, les années de lutte pour la survie et son mariage déjà tendu avec Isabel Wilson se soldèrent par un divorce ; Lichtenstein s’installa à New York, haut lieu de l’art, rencontra d’autres figures majeures du Pop Art comme Robert Rauschenberg et Jasper Johns , et se consacra entièrement à la peinture. Castelli avait de bonnes relations en Europe, et grâce à son ex-femme, Ileana Sonnabend, Lichtenstein y acquit également une certaine notoriété.

Production énergique dans le style de Lichtenstein

Voilà, c'est tout. Dans les années 1960, Lichtenstein acquit une renommée croissante et, en 1963, il créa ce qui est probablement son tableau le plus célèbre, « Whaam ! » , qui était déjà exposé à la Tate Modern de Londres en 1966. Au cours des années suivantes, il créa une multitude d'œuvres, se consacrant à une grande variété de thèmes, de sculptures et d'installations d'objets d'art, et peignant souvent en séries.

Peut-être en opposition consciente à Andy Warhol, Lichtenstein n'a jamais utilisé de photographies comme modèles, mais a continué à s'appuyer sur des bandes dessinées ou des documents imprimés commerciaux tels que l'annuaire commercial d'où « Girl with Ball » , et il a toujours produit de manière visible dans le style distinctif de Lichtenstein.

Dans ses premières œuvres, il expérimente de nombreux thèmes, utilisant parfois des modèles reconnaissables et intégrant des objets très simples. À l'instar de Warhol, il est alors influencé par la nouvelle vague de publicités pour les nouveaux biens de consommation. Il en résulte des tableaux tels que « Chaussette » , « Roto-broil » et « Machine à laver » , tous datant de 1961, qui furent condamnés par la critique d'art mais accueillis avec enthousiasme par les clients de Castelli en raison de leur représentation novatrice et subtile.

Lichtenstein a délibérément exploré le lien entre art et commerce , avec comme premier point culminant la toile « Art » , qui ne représentait que le mot lui-même sur près de deux mètres carrés. Ont suivi des abstractions dans un style bande dessinée évoquant les peintures de Picasso, des sculptures en céramique et en métal, des paysages et des séries de coups de pinceau ; la composition, faite de zones colorées cernées de contours noirs marqués et de zones pointillées, est restée constante.

Cette production artistique marque le début d'expositions majeures : en 1964, Lichtenstein devient le premier Américain à exposer Tate Gallery Pasadena Art Museum en Californie accueille la première rétrospective de son œuvre et sa première exposition personnelle en Europe, qui voyage ensuite à Amsterdam, Londres, Berne et Hanovre. En 1968, Lichtenstein participe pour la première fois à la documenta IV à Kassel , suivie en 1969 par sa première rétrospective au musée Guggenheim de New York.

L'époque des honneurs, des expositions et des collections

Gunter Sachs commanda à Lichtenstein le tableau « Léda et le Cygne » destiné à la suite Pop Art de son Palace Hotel à Saint-Moritz Académie américaine des arts et des sciences et acquit une ancienne remise à voitures à Southampton, sur Long Island, où il aménagea un atelier et vécut une période de relative solitude.

Au cours de la décennie suivante, son style n'a pas beaucoup évolué ; il a découvert les illusions d'optique et réalisé une grande variété de natures mortes, a également repris ses études d'histoire de l'art et peint des tableaux inspirés par l'œuvre d'artistes célèbres, comme le « Cavalier rouge » d'après Carlo Carrà et la « Scène de forêt » d'après Claude Monet.

Dès les années 1960, Lichtenstein reproduisait des chefs-d'œuvre de Cézanne, Picasso et Mondrian ; au total, il a réalisé plus de 100 interprétations de tableaux célèbres de ses illustres confrères. L'exposition « Roy Lichtenstein. L'art comme motif », présentée au musée Ludwig de Cologne en 2010, était consacrée à cet aspect de l'artiste.

Ce parcours à travers l'œuvre de Lichtenstein aborde le cubisme et l'expressionnisme, le futurisme et le modernisme, du style des années 1930 à l'art minimal et à la peinture abstraite . Lichtenstein ne se contente pas de copier, mais propose des interprétations personnelles si intéressantes de ses réinterprétations des classiques que sa réduction exclusive au pop art de style bande dessinée est peut-être regrettable.

Durant cette période, Lichtenstein entreprit également de retravailler ses propres œuvres, créant « Artist's Studio, Look Mickey » et d'autres rééditions en 1973 et 1974 dans le cadre de sa série « Artist's Studio ». Il réalisa également de nouvelles commandes, dont une Art Car pour BMW en 1977, une lampe sculpturale pour l'église St. Mary's en Géorgie en 1978, et « Mermaid » , une commande publique qui se dresse aujourd'hui devant le Fillmore Miami Beach, au Jackie Gleason Theater. Lichtenstein reçut également son premier doctorat honoris causa en 1977 du California Institute of the Arts, et en 1980, un autre doctorat honoris causa du Southampton College.

Dans les années 1980, Lichtenstein se lassa visiblement de la bande dessinée et revint à ses premières amours, créant des paysages tels que « Lever de soleil » (1984) et « Paysage au toit rouge » (1985), ainsi qu'une série entière d' « Esquisses de paysages ». D'autres commandes publiques suivirent : en 1984, il créa la sculpture « Coups de pinceau », qui se trouve aujourd'hui à l'aéroport international de Port Columbus ; l'année suivante, la « Fresque aux coups de pinceau bleus » à l'Equitable Center de New York ; en 1992, pour les Jeux olympiques, la sculpture « El Cap » à Barcelone ; et en 1994, l'immense fresque de la station de métro Times Square à New York.

Et d'autres distinctions : en 1987, il a reçu un doctorat honorifique de l'Université d'État de l'Ohio, en 1993, un doctorat honorifique du Royal College of Art, en 1995, le prix de Kyoto et la « Médaille nationale des arts » américaine, en 1996, un doctorat honorifique de l'Université George Washington de Washington DC, et au total, il a reçu plusieurs autres prix.

Ironie du sort, la dernière œuvre de Lichtenstein fut le logo de la maison de disques DreamWorks, réalisé dans son style caractéristique, alors même qu'il s'était considérablement éloigné de l'imagerie de la bande dessinée. Si le spectateur perçoit une contradiction, cela n'aurait certainement pas dérangé l'artiste, décédé en 1997. Lichtenstein ne se prenait jamais trop au sérieux : « Je ne pense pas que ce que l'on entend par là soit important pour l'art », une de ses citations célèbres (tirée du livre « Roy Lichtenstein » de John Coplans, publié en 1972 par Praeger à New York, p. 54).

Les critiques étaient parfois jugées très sévères ; par exemple, le magazine « Life » a publié un article se demandant si Lichtenstein « le pire artiste des États-Unis » Art Spiegelman est également devenue légendaire , selon laquelle « Lichtenstein n'a pas fait plus ni moins pour la bande dessinée qu'Andy Warhol pour la soupe ».

Bien que Lichtenstein ait parfois admis que les critiques le blessaient, il est généralement décrit comme un interlocuteur amical et, en ce qui concerne son évaluation, extrêmement détendu.

Œuvres de Roy Lichtenstein sur Pinterest

Arrière-goût désagréable

Au vu des prix payés aujourd'hui pour un « Lichtenstein », il avait toutes les raisons d'être aussi serein – les millions déboursés de son vivant ont depuis été multipliés par dix environ.

Il est d'autant plus regrettable, dès lors, qu'en 2013, plus de quinze ans après la mort de l'artiste, de prétendues « muses » apparaissent et, sans aucun respect pour le second mariage de Lichtenstein qui a duré près de trente ans, veulent tirer profit de leur connaissance de l'artiste à la veille d'une importante rétrospective de son œuvre.

Ou encore lorsque le galeriste qui a représenté Lichtenstein vers la fin de sa vie et qui a depuis géré sa succession fait la une des journaux principalement en raison de litiges juridiques concernant l'art de Lichtenstein…

sur ce galeriste , mais c'est un autre sujet que vous pourrez bientôt découvrir.

Joachim Rodriguez y Romero

Propriétaire et directeur général de Kunstplaza. Journaliste, rédacteur et blogueur passionné dans le domaine de l'art, du design et de la créativité depuis 2011. Diplôme de webdesign obtenu avec succès dans le cadre d'études universitaires (2008). Développement continu des techniques de créativité grâce à des cours de dessin en plein air, de peinture expressive et de théâtre/jeu d'acteur. Connaissance approfondie du marché de l'art grâce à de nombreuses années de recherches journalistiques et à de nombreuses collaborations avec des acteurs/institutions du monde de l'art et de la culture.

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