Un petit cadeau de Noël – à la découverte des artistes des anges (Partie 2)

Partie 2 – 1476 à 2013

Hugo van der Goes

Il est né vers 1440 à Gand et est mort en 1482 au monastère de Rood, près de Bruxelles.

Le peintre flamand Hugo van der Goes a accompli de grandes choses, bien que sa vie n'ait duré qu'un peu plus de quatre décennies – il est considéré comme l'un des principaux maîtres de la peinture des anciens Pays-Bas de la seconde moitié du XVe siècle.

Hugo van der Goes est mentionné pour la première fois aux historiens le 4 mai 1467. Ce jour-là, il est admis comme maître à la « Guilde des peintres Lucas » de Gand, avec Justus van Gent comme témoin et garant.

Les guildes de Saint-Luc étaient des confréries, semblables à des guildes, regroupant les professions artistiques, qui se développèrent principalement aux Pays-Bas au XVe siècle. Quiconque souhaitait devenir maître devait prouver sa citoyenneté de la ville concernée, parfois la propriété d'un bien immobilier, et généralement aussi son statut marital ; cependant, il n'est jamais fait mention d'une femme nommée van der Goes.

Il se peut que le peintre fût déjà si profondément engagé dans une confrérie religieuse à cette époque que l'exigence du mariage devienne superflue ; ou peut-être avait-il alors une épouse, dont on n'a retrouvé aucune trace jusqu'à nos jours. Quoi qu'il en soit, l'inscription comme maître était un grand honneur et une condition préalable à l'accès aux plus hautes fonctions politiques et économiques au sein des guildes.

Hugo van der Goes était donc certainement déjà actif comme peintre avant son admission dans la guilde, mais aucune preuve d'œuvres antérieures du maître nouvellement admis n'a été transmise.

L'adhésion à la guilde s'avéra rapidement payante ; en 1468, Hugo van der Goes reçut la commande de la décoration festive de la ville de Bruges pour la célébration du mariage de Charles le Téméraire avec Marguerite d'York, travaillant en collaboration avec le maître de guilde Jacques Daret de Tornai et d'autres artistes de la guilde.

De 1474 à l'automne 1476, Hugo van der Goes occupa la fonction de doyen de la guilde des peintres. Dès 1475, il entra également au monastère des Augustins de la Croix, près de Bruxelles, mais continua d'exercer son activité de peintre en tant que moine augustin ; une visite du futur empereur Maximilien au monastère, au cours de laquelle il commanda des tableaux, est attestée.

Ces témoignages nous apprennent qu'Hugo van der Goes acquit une grande renommée de son vivant et que ses œuvres étaient très appréciées. Toutes les œuvres qui nous sont parvenues furent commandées par de riches citoyens ou des membres de la noblesse.

De l'apogée de la carrière du maître, dans les années 1470, plusieurs œuvres magnifiques ont survécu : le « Retable de Monforte » , le « Retable d'Hippolyte » , une « Mort de la Vierge » et un « Retable de Marie » , le « Triptyque de Portinari » , le « Diptyque de Vienne » et une « Adoration des bergers » .

Néanmoins, le maître se retira du centre de la société pour se retirer au monastère ; une tentative de suicide est documentée lors d'un voyage à Cologne en 1481 ; après son retour au monastère, il renonça à tous ses privilèges et avantages et mourut en 1482 de cause inconnue ; on soupçonne qu'il devint fou à cause de son succès artistique.

Les Anges du 24 décembre sont un détail du Retable Portinari , créé entre 1475 et 1478 ; le triptyque est aujourd'hui visible à la Galerie des Offices à Florence.

Pietro Perugino

Il est né à Città della Pieve (Pérouse) entre 1446 et 1452 et est mort à Fontignano près de Città della Pieve en 1523.

« Il Perugino » (« celui de Pérouse ») s’appelait en réalité Pietro Vannucci ; son père, Cristoforo Vannucci, était l’un des hommes les plus riches de la région.

Pietro Perugino a probablement commencé à étudier la peinture dans des ateliers locaux, peut-être auprès de Bartolomeo Caporali ou de Fiorenzo di Lorenzo. Entre 1466/1470 et 1479, il se rend à Florence dans l'atelier d' Andrea del Verrocchio se forme aux côtés de Léonard de Vinci , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi , Filippino Lippi

Ces informations (sans dates plus précises) proviennent du récit de son biographe Giorgio Vasari, qui indique également que Verrocchio étudia l'art de la perspective auprès de Piero della Francesca . Son apprentissage auprès de Verrocchio se serait achevé en 1492, puisqu'il est mentionné comme membre de la guilde des peintres à partir de cette année-là.

Pérugin était déjà connu de ses contemporains bien avant cela ; en 1481, il créa « Consegna delle chiavi a Pietro » (« Le Christ donne les clés à Pierre »), une œuvre puissante de 3,35 × 5,50 m faisant partie du cycle de fresques murales de la chapelle Sixtine du Vatican.

Les peintres italiens les plus renommés de l'époque ont collaboré à ce cycle de fresques « Christ » est considéré comme le tableau le plus célèbre du Pérugin. La profondeur de perspective de l'œuvre impressionna profondément les contemporains de Pérugin, et ce travail fit de lui le peintre le plus célèbre du pays.

Pietro Perugino aurait ensuite tenu des ateliers à Pérouse et à Florence, où il aurait entamé une production en série, principalement d'images populaires de la Vierge Marie. Cela ne l'a toutefois pas empêché de créer des œuvres d'art inoubliables

La « Crucifixion de Jésus » au-dessus de l'entrée intérieure de la chapelle de la Portioncule (officiellement Santa Maria degli Angeli) à Assise. Cette chapelle est célèbre car Francesco Bernardone (plus connu sous le nom de saint François ou François d'Assise) y est décédé le 3 octobre 1226 ; ses compagnons ont ensuite fondé l'ordre franciscain.

Entre 1489 et 1493, Pérugin créa la « Vision de saint Bernard » , de 1493 à 1497 il travailla sur une « Crucifixion » à Santa Maria Maddalena dei Pazzi à Florence, entre 1496 et 1500 il réalisa un polyptyque à San Pietro à Pérouse (dont les parties sont aujourd'hui réparties entre les musées des villes françaises de Nantes, Rouen et Lyon et au Vatican), de 1497 à 1500 des fresques au Collegio del Cambio à Pérouse.

Pérugin est aujourd'hui considéré comme le plus grand maître de l'école ombrienne de la peinture de la Renaissance . Son plus grand accomplissement est peut-être d'avoir transmis son savoir-faire au légendaire Raphaël , considéré comme le plus grand peintre de tous les temps jusqu'au XIXe siècle.

L'influence du Pérugin est clairement perceptible dans les premières œuvres du jeune Raphaël. L'ange du 20 décembre est l'archange Michel de « L'Assomption de la Vierge avec quatre saints », créée en 1500 pour l'église du monastère de Vallombrosa, aujourd'hui conservée à la Galerie des Offices à Florence.

Maître de la légende d'Ursule de Cologne

(ou Maître de Cologne de la légende d'Ursule) n'est qu'un pseudonyme.

de ce peintre gothique tardif de l'École de Cologne, qui travailla à Cologne de 1480 (1489/90) à 1510/15. Toutes les représentations de la légende de sainte Ursule du cycle qu'il réalisa pour l'église Saint-Séverin de Cologne n'ont pas survécu. Le maître consacra au moins 19 tableaux à la légende d'Ursule, dont certains furent détruits pendant la Seconde Guerre mondiale et d'autres sont perdus. Les œuvres conservées sont aujourd'hui dispersées dans divers musées européens.

Puisque son œuvre présente des liens étroits avec la peinture néerlandaise de l'époque, il est probable que le maître soit originaire des Pays-Bas ou qu'il y ait au moins travaillé pendant une période considérable. Sa présence à Cologne est toutefois certaine, comme en témoignent les œuvres conservées dans l'église Saint-Séverin, ce qui explique pourquoi huit de ses toiles se trouvent aujourd'hui au musée Wallraf-Richartz de Cologne. Par ailleurs, un retable à volets, faisant partie d'un retable marial, lui est également attribué ; il est conservé à la Gemäldegalerie Alte Meister (Galerie des Maîtres Anciens) des Staatliche Kunstsammlungen Dresden (Collections d'Art de l'État de Dresde) .

Le Maître de la Légende d'Ursule de Cologne doit son nom au fait qu'il n'est pas le seul maître à avoir peint des scènes de la Légende d'Ursule qui nous sont parvenues et qui méritent d'être préservées, sans pour autant être connu sous son nom. Un maître de Bruges s'est également consacré à sainte Ursule ; il est aujourd'hui connu sous le nom de Maître de la Légende d'Ursule de Bruges, Maître de la Légende d'Ursule de Bruges ou Maître flamand de la Légende d'Ursule.

Ce peintre gothique tardif flamand a peint des retables illustrant la légende d'Ursule pour le couvent des Sœurs Noires de Bruges dès 1485 (date possible grâce aux images de la ville de Bruges de l'époque en arrière-plan).

Bien que sainte Ursule à Cologne qu'à Bruges : la princesse britannique avait consacré sa vie au Christ et devait néanmoins être mariée de force à un roi païen. Elle demanda un sursis de trois ans, entreprit un voyage en mer et eut une vision à Cologne au cours de laquelle un ange lui ordonna d'effectuer un pèlerinage à Rome (et lui prophétisa son martyre).

Ursule obéit et, sur le chemin du retour, traverse à nouveau Cologne, désormais assiégée par les Huns. Ses compagnons sont assassinés, et Ursule elle-même doit devenir l'épouse du chef hun. Devant son refus, celui-ci la tue. Grave erreur : onze mille anges apparaissent alors et mettent en déroute les Huns. En signe de gratitude, les habitants de Cologne érigent une église en l'honneur de sainte Ursule et la proclament sainte patronne de la ville .

L’Ange du 22 décembre, « l’Apparition de l’Ange », appartient au cycle d’Ursule créé vers 1500 par le Maître de Cologne et peut être vu musée Wallraf-Richartz

Domenico Beccafumi

Il est né vers 1486 près de Sienne, probablement à Montaperti (qui fait aujourd'hui partie de Castelnuovo Berardenga), et est mort le 18 mai 1551 à Sienne.

Un autre artiste aux multiples noms : Domenico, né Domenico di Pace, était le fils du fermier Giacomo di Pace. Ce dernier travaillait pour Lorenzo Beccafumi, et son fils entra également à son service. Beccafumi reconnut très tôt le talent artistique du jeune garçon, l’adopta et l’envoya à Sienne pour sa formation.

Il y étudia sous la direction de l'artiste Mechero, renommé dans la région, ce qui explique pourquoi ses contemporains l'appelaient soi-disant « il Mecherino » , le petit Mechero (d'autres pensent que ce surnom provient de sa petite taille).

En 1509/1510, Domenico Beccafumi se rendit à Rome pour étudier les dernières évolutions de la peinture – à Sienne, les peintres étaient plus conservateurs et travaillaient selon des principes traditionnels.

À Rome, Domenico put étudier les innovations révolutionnaires : Raphaël et ses élèves avaient commencé en 1508 avec les « Stanze » (stanza en italien = pièce), la décoration peinte des quatre appartements papaux du deuxième étage du Palais apostolique, commandée par le pape Jules II, qui fut poursuivie sous le pape Léon X jusqu'en 1524.

Parallèlement, Michel-Ange sur les fresques du plafond de la chapelle Sixtine  étudia à Rome peintres florentins de la Renaissance

Beccafumi retourna assez rapidement à Sienne, où il reçut un certain nombre de commandes publiques ; en 1513, par exemple, il peignit des fresques pour la chapelle de l’hôpital municipal de Sienne, Santa Maria della Scala, représentant la « Rencontre de Joachim et Anne » .

Plusieurs commandes privées sont également documentées, comme les fresques de la façade du Palazzo Borghesi. Cependant, seuls les dessins préparatoires de ces commandes subsistent ; d’autres œuvres de jeunesse de Beccafumi, datant de ses débuts à Sienne ou de son séjour à Rome, ont disparu.

Ce n'est que vers la fin de cette décennie que les commandes de Beccafumi sont mieux documentées : en 1519, Beccafumi reçoit « la commande de sa vie », la décoration du sol en marbre de la cathédrale de Sienne, à laquelle il se consacrera jusqu'à sa mort.

Depuis lors, Beccafumi a continué à travailler pour la municipalité de Sienne et pour des clients privés, principalement à Sienne ; il n'est jamais devenu un « peintre de célébrités » recherché (peintre de cour dans l'une des cours princières italiennes), et les commandes d'autres régions d'Italie, comme en 1540 pour l'amiral Andrea Doria à Gênes, étaient rares.

La plupart des œuvres conservées de Beccafumi peuvent donc être admirées à Sienne ; un retable ( « Moïse brisant les tables de la loi » ) de 1537 se trouve dans la cathédrale de Pise ; deux de ses « Saintes Familles » peuvent être admirées à Florence, aux Offices et au Palazzo Pitti ; la « Vierge à l’Enfant Jésus et le petit Jean » orne le Palazzo Barberini à Rome.

On reproche à Beccafumi de n'avoir pas tiré grand profit de son séjour à Rome, contrairement à d'autres artistes siennois. Tandis qu'Il Sodoma et Baldassare Peruzzi , par exemple, s'imprégnèrent de toutes les subtilités des grands maîtres de l'époque durant leur séjour romain, le style pictural de Beccafumi demeura provincial.

Beccafumi était sans doute profondément attaché à sa patrie, mais il était assurément un artiste qui a développé une créativité indépendante et parfois singulière. Il a peut-être consciemment choisi de rester largement à l'écart du courant maniériste dominant, comme en témoignent l'excentricité singulière et les détails parfois oniriques et empreints d'émotion qui caractérisent son œuvre.

Ses représentations diffèrent également par leur tonalité des œuvres souvent très colorées des maîtres romains classiques. Beccafumi privilégie des couleurs délicates et très naturelles, emploie un trait non pas nécessairement rectiligne mais plutôt légèrement irrégulier, aime envelopper ses tableaux d'une légère brume et peint des transitions douces, contrairement à la netteté et à la précision des tableaux des maîtres en vogue de son époque.

De plus, il était très polyvalent ; il ne se contentait pas de peindre, mais expérimentait également diverses techniques de gravure sur bois, travaillait comme sculpteur (statue équestre de l'empereur Charles Quint, sculptures d'anges dans la cathédrale de Sienne) et était actif comme illustrateur de manuscrits .

L'ange du 17 décembre appartient à l' « Annonciation » , que Domenico Beccafumi a créée en 1545/1546 pour l'église San Martino de Sienne.

Titien

est probablement né entre 1488 et 1490 (ou vers 1477) à Pieve di Cadore près de Belluno (République de Venise) et est mort à Venise en 1576.

Titien s'appelait en réalité Tiziano Vecellio, ou de son vivant il était appelé « Tiziano da Cadore » (de Cadore) d'après son lieu de naissance, ou encore « le soleil parmi les étoiles » – son talent lui a fait un nom très tôt.

Pour les générations suivantes, le peintre est considéré comme un représentant majeur de la peinture vénitienne du XVIe siècle , et l'un des principaux maîtres de la Haute Renaissance italienne en général ; le nom « Titien » suffit à l'amateur d'art pour savoir de qui il s'agit.

Tiziano Vecellio était l'aîné de quatre enfants issus d'une riche famille de la petite noblesse ; son père Gregorio était le principal ecclésiastique du château de Pieve, et son grand-père occupait un poste important dans l'administration de la ville.

Il est avéré que le talent du jeune Titien et de son frère Francesco fut remarqué très tôt ; à l'âge de neuf ans, Titien fut envoyé chez un oncle à Venise qui devait lui trouver un apprentissage artistique.

Titien et Francesco furent d'abord formés par le mosaïste Sebastiano Zuccato, qui les présenta ensuite aux ateliers des peintres vénitiens les plus renommés. Durant son apprentissage dans les ateliers de Gentile et Giovanni Bellini, Titien entra en contact avec d'autres peintres, dont Giorgione .

Un coup de chance pour le très jeune Titien : en 1507, Giorgione, déjà assez connu, reçut une commande de la ville de Venise pour concevoir les fresques extérieures du Fondaco dei Tedeschi (Bourse allemande), qui venait d'être reconstruit après un incendie.

L'« Arte Moderna » qui y fut déployé, très apprécié de ses contemporains, marqua l'avènement professionnel de Titien ; à environ 17 ans, il était déjà un artiste recherché.

Gentile Bellini en 1507 , Giorgione, devenu son rival, en 1510. Titien ouvrit son propre atelier à Venise en 1513, et la mort de Giovanni Bellini en 1516 le libéra du dernier rival sérieux de l'école vénitienne. Fort de cette position favorable, Titien devint un artiste de renommée mondiale et demeura, pendant les soixante années suivantes, le maître incontesté de la peinture vénitienne dans le monde culturel de son temps.

Au début de sa deuxième décennie, Titien obtint plusieurs privilèges municipaux qui, entre autres, l'autorisaient à achever les œuvres de ses maîtres les plus illustres, comme le tableau de Bellini pour la Grande Salle du Conseil de Venise. Il négocia également des contrats avantageux avec la ville de Venise, s'assurant un salaire fixe et une exemption d'impôt en échange de l'obligation de peindre les portraits de tous les doges pour un prix convenu.

Son ascension fut fulgurante ; Titien a peint les personnalités les plus en vue de son époque et a réalisé des œuvres sur commande pour elles, s'est marié en 1525, s'est installé dans ce qui était alors probablement le quartier le plus prestigieux de Venise, et en 1533, il a été nommé peintre de la cour par l'empereur Charles Quint et anobli (on dit que Titien avait auparavant peint deux portraits très flatteurs de l'empereur).

Depuis 1542, le pape Paul III souhaitait rencontrer Titien à Rome. Ce dernier avait acquis une telle renommée qu'il ne jugea pas nécessaire d'accepter l'invitation avant 1545. En 1548 et 1550, Titien accompagna l'empereur Charles Quint et son fils Philippe II aux diètes impériales d'Augsbourg. Durant les dernières années de sa vie, jusqu'en 1576, il travailla principalement pour l'empereur Philippe II. Titien mourut de la peste en 1576, à un âge avancé. Il est sans doute le peintre le plus célèbre que l'histoire vénitienne ait connu.

La « carrière » de Titien rappelle beaucoup celle d'un protégé de l'élite moderne, bénéficiant d'un soutien dès sa naissance, d'un accès à la bonne éducation et aux bons cercles, voire de « méthodes de marketing modernes » telles que la signature de ses tableaux qui en rehausse la valeur et la production en série de gravures, et la chance (si l'on peut appeler ainsi la mort opportune de ses rivaux) a certainement joué un rôle également.

Mais le talent (indépendant de la naissance) et le développement de ses propres compétences ont contribué au succès de Titien : il était un peintre polyvalent, surtout pour son époque, qui se limitait souvent aux thèmes religieux ; il a également peint des portraits, des paysages et des motifs mythologiques , et a même abordé des thèmes liés à l'amour terrestre.

Il a inventé une utilisation caractéristique et distinctive de la couleur dans son œuvre, a été l'un des premiers peintres en Italie à utiliser des peintures à l'huile modernes et a trouvé son propre style sculptural, façonné par son enfance dans les Dolomites, à travers plusieurs bouleversements et crises.

L’ange du 1er décembre est « l’ange de l’Annonciation » la « Résurrection du Christ » , créée entre 1520 et 1522 pour l’église San Nazzaro e Celso de Brescia.

Champion bavarois

est nommé l'artiste inconnu qui a peint l' « Annonciation à Marie » sur bois vers 1500 dans une taille de 107 × 80,5 cm dans le style gothique tardif.

Nous ne savons rien de l'artiste ; il ne nous a laissé ni son nom ni ses dates de naissance et de décès, mais de nombreux symboles sur son tableau nous apprennent quelque chose : l'ange qui présente à Marie le pot de fleurs est l'archange Gabriel – l'ange de la résurrection, de la grâce et de l'Annonciation, lorsqu'il apparaît comme un être féminin dans l'art chrétien.

Lorsque Gabriel est représenté sous une forme masculine, il est considéré comme un messager de Dieu capable d'interpréter des visions. Selon les traditions chrétienne et juive, il est également le chef des Chérubins (créatures ailées, hybrides de forme animale et humaine, qui exercent des fonctions protectrices ou servent Dieu) et des Séraphins (anges à six ailes qui volent autour du trône de Dieu en proclamant « Saint, saint, saint »). Gabriel – également connu sous les noms de Gabriel, Jabril et Jabrāʾīl – joue un rôle important dans l'islam en tant que transmetteur de la révélation au prophète Mahomet.

Le pot présenté par l'ange de l'Annonciation renferme des lys blancs, symbole d'amour pur et virginal dans le christianisme. Le maître n'a pas représenté n'importe quels lys blancs, mais l'espèce *Lilium candidum*, appartenant au genre botanique des lys, plus précisément le lys de la Madone.

Lorsque Gabriel annonce la naissance de Jésus à Marie, le lys de la Vierge est son attribut, qu'il porte sur lui ou dans ses mains, comme on le voit ici dans le tableau du maître bavarois. Il peut aussi avoir avec lui – comme ici – un rouleau, une trompette, ou son index levé peut symboliser l'Annonciation.

Un autre symbole que nous présente le maître bavarois est l' oiseau en cage . Il symbolise le pouvoir de la pensée, qui élève l'âme au sein du corps, lui permettant de s'épanouir et donnant à l'humanité la capacité de s'exprimer avec sagesse. L'ange du 16 décembre annonce la naissance de Jésus à la Mère de Dieu dans « L'Annonciation », un tableau que l'on peut admirer aujourd'hui au Kunsthaus de Zurich.

Rembrandt

Il est né le 15 juillet 1606 à Leyde et est décédé le 4 octobre 1669 à Amsterdam.

Rembrandt est le prénom de l'un des artistes baroques néerlandais les plus célèbres et les plus importants, Rembrandt Harmenszoon van Rijn , né en 1606 comme huitième des neuf enfants du meunier Harmen Gerritszoon van Rijn et de la fille du boulanger Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck et a vécu à l'époque de la célèbre peintre baroque italienne Artemisia Gentileschi .

Après l'école primaire et l'école latine, où il suivait des cours d'histoire biblique, de lecture des classiques et de rhétorique, Rembrandt s'inscrivit à la faculté de philosophie de l'université de Leyde en 1620, mais interrompit ses études peu de temps après pour devenir peintre.

Rembrandt devint l'élève du peintre d'histoire de Leyde, Jacob Isaacsz van Swanenburgh , qui, formé en Italie, lui enseigna les bases de la peinture et ses propres spécialisations de 1620 à 1624 : la peinture architecturale et les représentations scéniques de l'enfer ; les feux de l'enfer peints pendant cette formation seraient à l'origine de la maîtrise de Rembrandt dans la représentation de la lumière et de l'ombre dans ses peintures.

Par la suite, Rembrandt entreprit un apprentissage de six mois auprès du célèbre peintre d'histoire Pieter Lastman à Amsterdam, expérience qui l'aurait influencé plus profondément que ses années passées auprès de van Swanenburgh. La peinture d'histoire était alors considérée comme le genre pictural le plus prestigieux, et Lastman initia son élève à ce sujet de manière approfondie.

Fort de ce succès durable, Rembrandt ouvrit son premier atelier à Leyde en 1625 et attira rapidement l'attention par sa peinture. À tel point qu'à la fin de 1628, le secrétaire du stathouder des Provinces-Unies (ancêtres des Pays-Bas actuels) commença à soutenir l'artiste et à lui obtenir des commandes. En 1629 et 1630, Rembrandt parvint même à vendre des tableaux au roi d'Angleterre.

En 1631, Rembrandt abandonna son atelier de Leyde pour s'installer à Amsterdam. Grâce aux revenus tirés des portraits royaux, il put intégrer le prestigieux atelier du marchand d'art Hendrick van Uylenburgh. Dans cet atelier, qui prospérait principalement grâce à la copie et à la restauration d'œuvres d'art, Rembrandt obtint rapidement des commandes de portraits de riches marchands. Le gouverneur Frederick Henry, par l'intermédiaire de son secrétaire, acquit des tableaux et lui commanda un cycle de la Passion. Dès 1632, à seulement 26 ans, Rembrandt avait peint 30 tableaux et jouissait d'une situation financière confortable.

Rembrandt ne remplissait pas encore certaines conditions préalables à son admission à la Guilde d'Amsterdam (une condition d'indépendance dans la ville), qu'il a remplies dans les années suivantes, en travaillant dans l'atelier d'un autre maître et en se mariant ; Rembrandt a accompli ce dernier en 1634, opportunément avec la nièce de son marchand d'art et fille d'un riche patricien, et la même année il a rejoint la Guilde de Saint-Luc.

L’ange du 12 décembre a été créé par Rembrandt, « Jacob aux prises avec l’ange » de 1659 ; le destin ultérieur de Rembrandt est décrit dans le texte concernant l’ange du 15 décembre.

Rembrandt

Il avait été admis à la Guilde de Saint-Luc en 1634 et semblait ainsi avoir assuré son avenir ; son ascension était décrite dans le texte accompagnant l'image du calendrier du 12 décembre, et cela se poursuit comme suit :

En tant que maître indépendant, Rembrandt fut désormais autorisé à prendre des élèves et des apprentis, à les former et à travailler pour lui. Il continua à peindre et à vendre ses œuvres, et peu après, il emménagea dans sa propre maison avec sa femme. C'était en 1635. Parallèlement à son activité d'artiste, Rembrandt se lança dans le commerce d'œuvres d'art et commença à collectionner une grande variété de trésors historiques et scientifiques, de plantes et d'animaux rares, ainsi que des objets exotiques (des pièces de valeur provenant de contrées lointaines).

Ce qui ressemble à la carrière classique d'un nouveau riche insatiable s'est d'abord poursuivi de manière assez typique pour une telle personne : en 1638, Rembrandt avait dilapidé l'héritage de sa femme, soit environ 40 000 florins.

Peut-être les deux époux étaient-ils fastueux ; en tout cas, c'est Saskia Rembrandt qui fut réprimandée par ses proches pour son extravagance, ce qui provoqua un procès en diffamation intenté par Rembrandt contre les proches de sa femme.

Peut-être en quête de réparation pour la douleur et la souffrance endurées, Rembrandt acheta en tout cas une nouvelle maison le 5 janvier 1639, une véritable grande maison de ville, pour laquelle il contracta également un prêt qui devait être remboursé en cinq ou six ans.

Le chemin vers la ruine, amorcé par l'extravagance et les emprunts contractés pour acquérir cette vaste propriété, fut désormais accéléré par une succession de tragédies : le premier fils de Rembrandt n'avait survécu que quelques mois en 1635 ; l'année du procès en diffamation, sa première fille mourut peu après sa naissance ; en 1640, non seulement sa seconde fille décéda peu après son baptême, mais un mois plus tard, sa mère s'éteignit également. En 1641, son fils Titus naquit, mais en juin 1642, sa mère, Saskia, l'épouse de Rembrandt, mourut.

Avant le décès de Saskia, Rembrandt avait réussi à maintenir une grande productivité malgré toutes ses pertes ; la mort de sa femme fut désormais un coup trop dur, et son activité artistique déclina considérablement. À cela s’ajoutait l’inquiétude concernant son jeune fils, ce qui impliqua l’embauche de deux nourrices, les relations amoureuses de Rembrandt avec elles, les disputes qui s’ensuivirent entre elles, et les procédures judiciaires relatives à la pension alimentaire et au testament.

Rembrandt se trouva finalement incapable de rembourser ses prêts et dut emprunter encore plus d'argent ; peu avant de se déclarer insolvable en 1656, il transféra sa maison à son fils, mais même la vente aux enchères de sa maison et de ses collections ne suffit pas à régler les dettes.

Rembrandt dut s'installer dans un quartier pauvre, où il mena une vie recluse pendant quatre ans. Cette situation connut un bref regain de vitalité en 1660 lorsque son fils et sa mère adoptive l'engagèrent comme employé dans leur commerce d'art. Rembrandt put ainsi se constituer un réseau professionnel, accepter des commandes et enseigner à des élèves. Sa mère adoptive mourut en 1663 et, en 1668, son fils Titus décéda à l'âge de 27 ans. Rembrandt le rejoignit un peu plus d'un an plus tard.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn était un artiste de génie, célèbre et bien rémunéré par ses contemporains, et vénéré par la postérité comme l'un des plus grands artistes de tous les temps. Il vécut durant un âge d'or, une période de prospérité économique, artistique et politique. Il travailla avec acharnement pendant la majeure partie de sa vie, créant des centaines de tableaux qui atteignent des prix exorbitants – et pourtant, il parvint à s'appauvrir par une consommation inconsidérée et un prêt garanti uniquement par ses revenus futurs.

L’Ange du 15 décembre a été créé par Rembrandt en 1626 ; il s’agit de l’ange du tableau « Le prophète Balaam et l’âne » .

Ssemyon Fedorovich Ushakov

Il est né à Moscou vers 1626 et y est mort le 25 juin 1686.

Ssemyon, ou Simon Ouchakov, était un peintre d'icônes russe de renom . On ignore tout de sa vie jusqu'à son accession à un poste d'autorité. Ssemyon Fedorovitch Ouchakov a servi l'État russe en tant qu'artiste et, à la tête de l'atelier d'icônes de l'Armurerie du Kremlin, il était un artiste très connu et respecté.

Les artistes qui créaient des œuvres d'art pour les tsars et les dirigeants suprêmes russes ne bénéficiaient pas d'une renommée personnelle ; ils réalisaient des icônes (images religieuses des églises orientales, en particulier des églises orthodoxes) au nom de leurs dirigeants, qui devaient recevoir un soutien religieux, et de l'art profane pour la gloire de ces mêmes dirigeants.

De nombreuses œuvres de Ssemyon Ushakov nous sont donc inconnues ; cependant, son principal domaine d'activité et sa maîtrise auraient résidé dans la création d'icônes.

Ssemyon Ushakov, par exemple, a participé à la magnifique décoration de la cathédrale Ouspenski (cathédrale de l'Assomption) dans la laure de la Trinité-Saint-Serge à Serguiev Possad (1930-1991 Zagorsk). Le tsar Ivan le Terrible avait lancé la construction de cette cathédrale en l'honneur de la Mère de Dieu en 1559, et elle fut achevée en 1585 sous son fils Fiodor.

Elle fut construite sur le modèle de la cathédrale Ouspenski du Kremlin de Moscou, la plus grande église du Kremlin (et aujourd'hui le plus ancien bâtiment entièrement conservé de Moscou) ; la Laure de la Trinité, située à environ 70 km au nord-est de Moscou, fut fondée vers 1340 par saint Serge de Radonège et est depuis lors l'un des centres religieux les plus importants de l'Église orthodoxe russe.

La décoration magistrale de l'intérieur de la cathédrale a débuté en 1684 ; le peintre de la cour, Simon Ouchakov, a participé aux travaux de l' iconostase à cinq niveaux . Une iconostase est un mur orné d'icônes et comportant des portes entre la nef et le chœur ; celle de la cathédrale Ouspenski devait initialement compter 76 icônes.

Les deux magnifiques icônes d'une iconostase en bois doré, conservées dans l'église de la Trinité de Nikitniki, dans le quartier de Kitaï-Gorod à Moscou, sont également attribuées à Simon Fiodorovitch Ouchakov.

Ssemyon Ushakov est récemment revenu sur le devant de la scène à Moscou lorsque, au printemps/été 2012, le Palais à facettes du Kremlin de Moscou (la partie la plus ancienne du Grand Palais du Kremlin, le plus ancien bâtiment profane de Moscou) a été restauré dans sa forme originale – l'intérieur a été restauré sur la base des descriptions faites par le peintre d'icônes au XVIIe siècle.

Ssemyon Fedorovich Ushakov a créé l'Ange du 19 décembre, l' archange Gabriel, comme icône russe ; elle date du deuxième tiers du XVIIe siècle.

Un artiste russe inconnu

Il nous a laissé une icône de Saint Nicolas.

Nous ne savons absolument rien de cet artiste, car l'icône représente saint Nicolas et constitue donc clairement la représentation d'un saint de l'Église orthodoxe. Cette forme particulière de vénération, à travers des images de saints peintes sur des panneaux de bois, est un culte propre à l'Église orthodoxe. Le choix de saint Nicolas comme sujet d'une icône est également caractéristique de cette Église

Dans l'histoire de l'Église, on compte deux saints Nicolas. Nicolas de Myre, évêque, est né vers 270/280 près de Myre, à l'est de Rhodes (aujourd'hui Demre, dans le district d'Antalya, en Turquie), et y est décédé en 345/351. Nicolas de Pinara, évêque, était abbé du monastère de Sion, près de Myre, et a exercé son ministère à Pinara pendant les cinq dernières années de sa vie ; sa date de naissance est inconnue et il est décédé en 564.

Les deux saints Nicolas sont donc étroitement liés à la ville de Myre et furent vénérés comme saints dans l'Église orthodoxe grecque dès le VIe siècle. Depuis lors, Myre est un lieu de pèlerinage pour l'Église orthodoxe, et saint Nicolas est également un motif populaire dans les Églises orthodoxes orientales ; il est probablement représenté plus fréquemment que tout autre saint sur les icônes.

Saint Nicolas est reconnaissable à ses attributs. Il porte les habits d'un évêque orthodoxe, une bande de brocart ornée de croix appelée omophorion autour des épaules, et tient un livre à la main. Le style de l'œuvre — la tempera à l'œuf appliquée sur bois, ornée d'une auréole d'argent, avec un cadre et un fond en feuille d'argent — indique que cette icône a été créée il y a environ 350 ans, vers 1665.

En Occident, saint Nicolas est également vénéré, principalement comme évêque de Myre, à tel point que ses reliques furent dérobées à Myre par des marchands italiens. Ce vol eut lieu en 1078 et, à partir de 1087, une église fut construite autour des reliques volées : la basilique Saint-Nicolas de Bari , qui attire aujourd’hui environ 200 000 pèlerins par an.

Saint Nicolas n'est pas seulement vénéré comme un saint parce qu'il était évêque, mais de nombreuses légendes entourent Nicolas de Myre : on raconte qu'il aurait sauvé des innocents de la mort, arraché les filles d'un débiteur à la prostitution et leur aurait donné trois pépites d'or en guise de dot, ramené à la vie de jeunes hommes tués et salés par des aubergistes en colère, multiplié magiquement le blé pour sauver les habitants de Myre de la famine, guéri les malades, sauvé des garçons de la noyade et chassé les démons des puits empoisonnés.

On disait simplement que Nicolas de Sion/Pinara était amical et charitable ; les deux saints se sont fondus en une seule figure de grand bienfaiteur.

Saint Nicolas de Myre mourut le 6 décembre 343 ; plus tard, sa fête devint notre Saint-Nicolas, jour où Saint Nicolas, en souvenir des pépites d'or pour les filles pauvres, remplit leurs chaussures de cadeaux .

L'artiste russe inconnu a créé l'Ange du 6 décembre, l' icône de Saint Nicolas .

William Blake

Il est né à Londres le 28 novembre 1757 et y est décédé le 12 août 1827.

William Blake naquit dans une famille de riches marchands de bas et reçut une éducation à domicile dispensée par sa mère, Catherine Wright Armitage Blake. On dit qu'il avait un tempérament si obstiné que ses parents n'osèrent pas l'envoyer à l'école.

Il semblait tout aussi peu fait pour une profession ordinaire et subalterne, raison pour laquelle il fut inscrit dans une école de dessin à l'âge de dix ans. Il s'agissait de l'une des plus importantes écoles de dessin de Londres et, de toute évidence, elle convenait parfaitement à William Blake ; à partir de 1772, il effectua un apprentissage de graveur, et à partir de 1779, il devint étudiant à la Royal Academy of Arts .

En réalité, l'admission à la Royal Academy aurait dû lui garantir une brillante carrière de peintre d'histoire, mais Blake se brouilla avec le président de l'Académie, Sir Joshua Reynolds, un portraitiste plus attaché à la tradition qu'à l'originalité, et ses espoirs d'une grande carrière furent ainsi anéantis.

Il trouva la femme idéale pour cela, Catherine Boucher, issue d'un milieu modeste, qu'il épousa en 1783. Catherine ne savait même pas lire, mais elle était dotée d'une grande curiosité, apprit de son mari et s'instruisit par elle-même.

Au bout d'un certain temps, elle devint une aide précieuse pour Blake, qui ouvrit une imprimerie en 1784 ; certaines difficultés liées à l'absence d'enfants du couple furent surmontées, et le mariage, qui dura jusqu'à la mort de Blake (plus de 40 ans), est considéré comme un partenariat exceptionnellement heureux et fructueux.

La carrière de William Blake connut moins de succès faute de soutien influent ; il travailla comme imprimeur, graveur et illustrateur jusqu’à sa mort, pauvre et ignoré du gratin du monde de l’art. Il put toutefois compter sur des amis et des mécènes qui l’aidèrent à traverser les périodes les plus difficiles en lui confiant des commandes.

Ce n'est que très tard dans sa vie que Blake a vu une nouvelle génération d'artistes commencer à apprécier son œuvre – à partir de 1818 environ, la carrière atypique d'un homme très doué, gênant et incompris par les penseurs pesants, a lentement pris une tournure positive.

Ces jeunes artistes avaient un don pour déceler le talent, même s'il était en avance sur son temps, et il s'agissait des œuvres très novatrices de William Blake, découvertes par les préraphaélites vers le milieu du XIXe siècle et qui bénéficiaient alors d'une large reconnaissance – le peintre avait près d'un siècle d'avance sur son temps.

Depuis lors, il a conservé une grande popularité, tant auprès des connaisseurs que du grand public. Les peintures et gravures de cet artiste exceptionnel, son œuvre poétique et sa vision mystique de la nature n'ont cessé d'être redécouvertes. William Blake possédait de nombreux talents remarquables ; par exemple, il la gravure en relief et a donné libre cours à son imagination débordante dans des visions qu'il a transposées en poèmes et en peintures.

La liste des écrivains, compositeurs classiques, compositeurs de jazz, musiciens de rock, musiciens pop et réalisateurs qui ont été profondément influencés dans leur œuvre par William Blake est légendaire, et il ne semble pas que cette liste soit près de s'allonger.

William Blake a créé l'ange du 21 décembre, « l'archange Raphaël avec Adam et Ève » , en 1808.

Inga Schnekenburger

Elle est née Ingrid Hübler le 28 juin 1949 à Winsen an der Luhe et est décédée le 20 novembre 2013 à Tenerife.

Inga Schnekenburger est l'artiste qui, avec son mari Willi Schnekenburger, a offert www.onlinekunst.de/engel

Inga Schnekenburger (alors Ingrid Hübler) a remporté des prix dans des concours créatifs dès son plus jeune âge, a étudié à l'École des arts appliqués de Hambourg de 1967 à 1968 ; sa première exposition personnelle a eu lieu à Geesthacht en 1969, et elle a terminé sa formation de graphiste en 1971.

Elle a épousé Artur Kaesmacher en 1969, et leurs enfants sont nés en 1971 et 1973 ; de 1976 à 1980, elle a étudié l'art, l'artisanat, la pédagogie, la psychologie et la philosophie à l'Université des sciences appliquées de Lüneburg et a réussi son premier examen d'État pour l'enseignement de l'art et de l'artisanat en 1980.

En 1977, elle divorce d'Artur Kaesmacher et commence à travailler comme conférencière en art au centre d'éducation pour adultes de Lüneburg, suivie d'une formation et d'examens d'enseignante, puis, à partir de 1986, elle enseigne l'art au lycée et, à partir de 1989, elle occupe un poste d'enseignante à l'Université des sciences appliquées de Basse-Saxe du Nord-Est pour la formation à la créativité.

Durant cette période, Ingrid Hübler a organisé cinq expositions personnelles, deux expositions collectives et une rétrospective, et a fondé une école d'art. En 1991, elle a quitté la Basse-Saxe avec une exposition au Städtisches Glockenhaus de Lüneburg et s'est installée à Donaueschingen, dans le Bade-Wurtemberg.

Elle y a dirigé l'École municipale d'art pour la jeunesse jusqu'à fin janvier 1992 et a épousé l'artiste Willi Schnekenburger. Elle a ensuite enseigné la formation à la créativité à l'Université des sciences appliquées de Furtwangen jusqu'en 1997 et a participé à de nombreuses expositions jusqu'en 2001

Multiples apparitions aux Semaines Internationales de la Céramique à Hüfingen, une « croix miroir » à Munich, des aquarelles, des objets et des céramiques, certains en collaboration avec Willi Schnekenburger, au State Garden Show de Bad Dürrheim, à Coblence, Asbach, Furtwangen, Lohmar, Schwerin, Düsseldorf, Meiningen, Berlin et Hochfelden en Alsace, France.

Parallèlement, la peinture, l'art des objets et les céramiques d'Inga Schnekenburger ont rejoint le mouvement vers le monde numérique : en 1995, avec « Pictures about I Ching – Bilder zum I Ching » , la première présentation sur Internet a eu lieu, de 1997 à 1998 l'artiste s'est formée comme développeuse multimédia, en 1998 Willi et Inga Schnekenburger ont fondé onlinekunst.de, sur cette plateforme d'art et de culture sur Internet, de nombreuses expositions et projets artistiques ont eu lieu depuis lors.

Bien que le site ne soit plus mis à jour (en décembre 2014) suite au décès d'Inga Schnekenburger en 2013, une visite vaut assurément le détour ; le projet artistique computergarten.de, par exemple, a également été lancé en 1998 et s'est développé au fil des ans, pour aujourd'hui proposer une riche collection d'art numérique et de photographies artistiques numériques.

Inga Schnekenburger nous a laissé les anges des 2, 4 et 9 décembre, « l’Ange de Jean » , « Le temps passe » et « l’Ange gardien » , de magnifiques images de synthèse et aquarelles.