Roy Lichtenstein - Way to Fame and Records sur le marché de l'art

Avec Andy Warhol, Roy Lichtenstein l'un des artistes dont tout le monde reconnaît les œuvres, (presque) partout dans le monde. Il produit son art accrocheur depuis les années 1960, et à cette époque, il est rapidement devenu l'une des principales figures de l'art moderne.

Et bien sûr aussi l'un des protagonistes centraux du pop art , son travail est considéré comme l'art, qui a mieux défini les exigences de base du pop art que l'œuvre de tout autre artiste parodiste.

Lichtenstein lui-même a décrit le pop art comme une peinture «non« américaine », mais en fait la peinture industrielle », un regard sur la carrière et la montée de l'artiste, cependant, montre que le prix de ses œuvres d'art se développe d'une manière qui ne se rappelle pas la production de masse industrielle, mais plutôt la construction de plantes dans la grande industrie.

Le début confortable de Lichtenstein dans le monde de l'art

Roy Fox Lichtenstein est né en 1923 à New York comme un enfant de la classe moyenne juive haut de gamme, avec un agent immobilier en tant que père et mère dans un rôle de femme au foyer classique. Il grandit dans le "Upper West Side", la partie exclusive de Manhattan, qui se situe entre Central Park et les rives de la rivière Hudson, et visite l'école privée Franklin pour les garçons après les années d'école primaire à l'école publique.

Lichtenstein avait attiré tôt l'enfant parce que ce passe-temps à Franklin n'a pas été transmis scolaire, il a écrit à la Parsons School of Design pour peindre les aquarelles le samedi.

Le jeune Lichtenstein était également intéressé par l'anthropologie et les sciences naturelles, il a passé beaucoup de temps près de l'appartement du parent dans l'American Museum of Natural History.

Il est également connu que Lichtenstein, à l'adolescence, a écouté avec passion des pièces de radio très tendance. Surtout, il aurait sélectionné les pièces de la radio, dont les histoires étaient parfois des héros sombres (anti) qui étaient également connus de bandes dessinées, telles que "The Shadow" , "Flash Gordon" ou "Buck Rogers" .

Ce plaisir a été interprété plus tard: le jeune Roy a inconsciemment enregistré des clichés héroïques et mystiques ici. L'adolescent polyvalent a ensuite souvent visité des concerts de jazz au Apollo Theatre de Harlem, où il est décédé avec dévouement.

Au cours de la dernière année du lycée, Lichtenstein de la Parsons School of Design a trouvé son ancienne organisation mère, la Ligue des étudiants en art de New York , où il a écrit à la classe d'été.

Ici, il a travaillé sous les soins de Reginald Marsh , un artiste du régionalisme américain , dans lequel, en plus d'une représentation réaliste de la vie rurale, une compréhension du développement des nouvelles technologies et donc aussi une compréhension du nouvel art a reçu peu d'espace.

Les "régionalistes réalistes" connaissaient Lichtenstein de son temps de lycée, ils étaient très appréciés aux États-Unis dans les années 1930. Pendant cette période de Grande Dépression, les images de guérison de la vie de la campagne américaine ont rempli des objectifs compensatoires similaires à nos films d'origine après la Seconde Guerre mondiale.

Lichtenstein était probablement enthousiaste à l'idée de tirer sous une célébrité qu'il avait déjà lue dans son tout premier livre d'art, "Thomas Craven's Modern Art" de 1934.

Même si Marsh a représenté un réalisme social qui ne s'est pas épuisé dans de beaux paysages, son élève a rapidement été déçu de la demande de Marsh d'exercice d'art réaliste, qui considérait le développement rapide de la technologie négligée ainsi que le développement de son propre style artistique.

Peut-être que Lichtenstein avait également pris une suggestion complètement différente du régionalisme, il a en tout cas décidé d'explorer davantage son pays après le lycée et a décidé d'étudier à l'Ohio State University (à partir de 1940).

Après la tradition, un véritable coup de chance pour l'artiste potentiel, même si à la demande de ses parents, la qualification pédagogique a d'abord demandé: il a appris de l'artiste et professeur Hoyt L. Sherman , qui devait étendre considérablement son horizon artistique.

Sherman, un partisan et maître de l'art moderne , a fait connaître Lichtenstein avec les influenceurs les plus importants de l'art à l'époque: Cézanne et Van Gogh , Mondrian et Gauguin, Matisse et Picasso et bien d'autres. Surtout avec ses encouragements, à la recherche de sa propre approche, et son concept de l'unité de perception devrait avoir une influence à vie sur Lichtenstein.

Lichtenstein a maintenant commencé à gérer un peu plus en détail l'histoire de l'art, on pourrait également dire qu'il voulait tout savoir sur l'art depuis les premières images de la grotte. Dans la Fondation Lichtenstein, en mémoire de cette époque, une copie de "Art Through the Ages" (1936), avec l'adresse de Lichtenstein à Columbus (capitale de l'Ohio et le siège de l'université) est dans le cadre.

La découverte de l'ego artistique de Lichtenstein est soudainement interrompue

En 1943, la Seconde Guerre mondiale rattrapé Lichtenstein, servant dans l'armée jusqu'en 1945, qui a commencé en Europe. Lichtenstein a suivi des cours pour l'histoire et le français après la guerre et a tenté de rendre visite à son modèle Picasso - qu'il n'a pas réussi parce qu'il a été rappelé chez lui après seulement six semaines: son père était en train de mourir.

Lichtenstein a obtenu son diplôme à l'été 1946 et a commencé le cours Master of Fine Arts , qu'il a terminé en 1950. En même temps, on lui a offert un enseignement artistique , qu'il a régulièrement interprété jusqu'en 1951 et après.

Entre les deux, il avait épousé Isabell Wilson, avec qui il a déménagé à Cleveland parce qu'il y avait trouvé un emploi. Contrairement à Lichtenstein, il a accepté toutes sortes d'emplois, en tant que dessinateur et en tant que concepteur de canettes, a pu exposer seul pour la première fois à Cleveland et a même eu sa première exposition solo à New York en 1951, mais l'enthousiasme de ses images à intervention à s'entraîner n'a pas réussi à se matérialiser.

Lichtenstein a maintenant voyagé entre Cleveland et New York, a travaillé comme designer et comme décorateur de fenêtres, a obtenu le premier fils en 1954 et peint un peu entre les deux.

Il ne s'est pas passé grand-chose artistiquement pendant cette période: Lichtenstein a toujours fluctué entre l'expressionnisme et le cubisme et l'abstraction auto-déterminée , il a aliéné des images américaines typiques et des constructions en bois peintes, éprouvées dans des sculptures en bois et en métal et aussi se démarquait à New York trois fois jusqu'en 1955, seulement tout ce qui a été vendu.

Ce n'étaient pas de bonnes conditions préalables pour contribuer aux moyens de subsistance d'une famille de quatre personnes, il a pris son enseignement en 1957, en 1958, il s'est vu offrir un emploi à la New State University à Oswego en tant que professeur adjoint d'art, où il a enseigné les prochaines années.

Enfin! - la montée de Lichtenstein à la gloire

En 1960, Lichtenstein a changé pour l'Université Rutgers dans l'État du New Jersey. Ici, il apprend à Allan Kaprow , l' inventeur des "événements" et d'importants artistes contemporains tels que Robert Watts, Jim Dine, Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg et Jasper Johns , c'est-à-dire les pionniers du pop art en concentration.

Toutes ces rencontres avec leurs influences auraient déclenché une sorte d'étincelle initiale à Lichtenstein, en 1961, il a peint ses premières images de pop art, il a d'abord expérimenté toutes les traditions de la gomme de chewing, puis il les a fait ressortir dans un grand format, puis a rompu avec toutes les traditions de ses précédents techniques de pollution industrielle industrielle.

Son premier travail de grand format, dans lequel il utilise des personnages à bords durs et des points de jour Ben (points de numérisation spéciaux dont la technologie d'impression Ben Day a inventé), a été l' "Look Mickey" de 1961, qui est aujourd'hui accrochée à la National Gallery of Art à Washington DC.

Cette photo a été prise comme l'un de ses fils avec son doigt au milieu d'un livre Micky Mouse et a dit:

Je parie que vous ne pouvez pas peindre aussi bien que ça, hein, papa? "(" Je parie que tu ne peux pas si bien peindre, ou papa? ").

La même année, Lichtenstein a produit six autres œuvres d'art, sur lesquelles des personnages bien connus d'emballage de chewing-gum et de dessins animés ont été montrés, il avait trouvé son style.

L'année suivante, il a également trouvé quelqu'un à Leo Castelli qui lui a garanti son loyer par des paiements permanents lorsque Lichtenstein a travaillé exclusivement pour sa galerie, un soutien pour Castelli, qu'il a donné aux artistes prometteurs.

Castelli avait déjà exposé à Lichtenstein au préalable, mais ne s'était pas retrouvé prêt pour une telle sorte de bourse. Cela a changé soudainement, parce que l'art nouvellement inventé de Lichtenstein est arrivé tellement à savoir que l'exposition individuelle de 1962 dans la galerie Castelli a été épuisée avant son ouverture.

Comment Lichtenstein obtient vraiment le marché international de l'art

Ce qui suit maintenant est un excursus par rapport à l'artiste Lichtenstein, le représentant de Lichtenstein par les propriétaires de galeries bien connus et les prix de vente croissants de ses photos sont une petite histoire très intéressante de la New York Gallery Company et en même temps un rapport sur la façon dont ces opérations de galerie perdent la vente aux enchères d'art

Comme déjà mentionné, Lichtenstein a pu exposer à New York pour la première fois en 1951, dans lequel la galerie de la Julius Carlebach , il a déjà eu la chance à ce moment-là pour susciter les œuvres de l'artificateur progressiste Leo Castelli, qui a également exposé à Lichtenstein les œuvres de la New York Galen Expositions avec les œuvres de Lichtenstein.

Cette année et après, de nombreuses galeries ont été créées à New York, qui sont engagées dans l'art moderne, et les œuvres de Lichtenstein étaient à un moment donné dans chacune de ces galeries: initialement souvent à John Heller, dans la galerie Pace et la Brooke Alexander Gallery , Mary Boone et Rosa Esman, avec Marilyn Pearl et James Goodman, à Blum Helman, Phyllis aim et Condon Riley, les Galeries de Sperone Westwater et à Mitchell-Innnes & Nash.

Vers la fin de sa vie, son art était également entré dans la sphère de l'influence du puissant empire des galeries gagosiennes - on pourrait dire que Lichtenstein accompagnait l'histoire de la Galerie de la New York avec ses œuvres d'art.

Également à partir des années 1960, Lichtenstein a été présentée par Ileana samedi (anciennement Ileana Castelli) et sa galerie à Paris, c'est grâce à elle qu'un marché européen a été créé pour Andy Warhol , Roy Lichtenstein et d'autres artistes de la pop art. D'autres galeries ont montré son art dans d'autres endroits aux États-Unis, comme la Ferus Gallery fondée en 1957 à Los Angeles.

En raison des efforts de vente engagés de tous ces propriétaires de galeries, Lichtenstein est devenu imparable, mais l'artiste doit le succès financier réel d'une forme de ventes différente: très tôt sur "Lichtenstein" pourrait des résultats exceptionnels sur les enchères d'art . Comme 1970 le "Big Painting No. 6" (créé en 1965), qui dans l'une des enchères de New York Sotheby’s a organisé des enchères pour 75 000 $ au concessionnaire artistique allemand et propriétaire de la galerie Rudolf Zwirner.

De tels records faibles ne devraient pas rester, "Torpedo ... allez!" À partir de 1963 dans de Christie, en novembre en 1989, a déjà été vendu pour 5,5 millions de dollars et a promu Lichtenstein à trois voies de l'artiste a payé des œuvres d'art individuelles.

Là où il est resté, lors de la vente aux enchères de Christie's à New York suivante, le "Kiss II" disparu pour 6,0 millions de dollars, survolé par "Happy Tears" , lors de la vente aux enchères de novembre de Christie en 2002 grâce à un prix d'achat de 7,1 millions de dollars.

Maintenant, un grand saut gratifiant a été suivi: en 2005 "dans la voiture" (1963) a été vendu pour 16,25 millions de dollars, en 2010 "OHHH ... bien ..." de 1964 a reçu le contrat à 42,6 millions de dollars, en 2011 en 2011, le trou de serrure de Lichtenstein était "Je peux voir toute la salle! ... Et il n'y a personne dedans!" À partir de 1961, s'est vendu à 43 millions de dollars et a amené la veuve du directeur général de Time Warner, Steve Ross, un peu plus de 2000% (Ross a acheté la photo en 1988 pour 2,1 millions).

Tout de retour dans la vente aux enchères de Christie de New York Novembre, seulement en 2012, c'était le tournant de la maison de vente aux enchères de Sotheby parce que Christie voulait se concentrer sur les expressionnistes abstraits - une bonne idée, une image de Mark Rothko est passée au-dessus de la table pour près de 87 millions de dollars. Sotheby's, en revanche, n'a pu prendre que 44,8 millions de dollars pour «Sleeping Girl» à partir de 1964, mais au moins un nouveau record de Lichtenstein.

Lors de la vente aux enchères de printemps en 2013, l'art de Lichtenstein est retourné chez Christie's, le 15 mai 2013, la "Woman with Flowed a" de 1963 a atteint un nouveau prix record de 56,1 millions de dollars de manière longue.

Malheureusement, Lichtenstein lui-même n'a remarqué qu'une partie des succès à double chiffre, il est décédé en 1997 .

Il peut être excité de voir à quels hauteurs la spirale de prix de ses œuvres d'art tourne toujours, surtout avant le H

Dossiers des enchères au 21e siècle

Le prix maximum précédent pour une peinture de Roy Lichtenstein a été atteint en novembre 2015 avec Christie's à New York. travail «infirmière 1964» a changé les propriétaires pour 95 365 000 $ (environ 85 millions d'euros). Il était à l'origine intitulé "Effrayance" et était l'une des collections de certains amoureux de l'art de renom tels que Leon Kraushar et Karl Ströher.

La peinture carrée de 1964 mesure un mètre de hauteur et de largeur et a été estimée à plus de 80 millions de dollars. «Nurse» a été vendu aux enchères lors de la vente aux enchères spéciale «The Artist's Muse» chez Christie's, qui comprend des œuvres de peintres et de sculpteurs qui ont été créés entre les années 1860 et 2000.

La peinture la plus chère que Lichtenstein ait jamais créée pourrait être son travail "Masterpiece" de 1962, qui appartenait à Agnes Gund. Steven Cohen aurait acheté une vente privée pour 165 millions de dollars en 2017. Les enchères publiques des œuvres d'art de Lichtenstein n'ont pas encore atteint cette somme. Néanmoins, avec ses dix meilleurs résultats dans les enchères publiques, l'artiste est l'un des artistes les mieux vendus et est considéré comme un pionnier sur le marché de l'art.

La «fille endormie» de l'artiste de la pop art, qui a atteint près de 45 millions de dollars à New York en 2012, est la deuxième œuvre taxes Le tableau de 1964 a été vendu lors d'une vente aux enchères de Sotheby's pour 44 882 500 $.

Les lithographies signées et les tirages d'écran originaux sont très populaires auprès des collectionneurs d'art dans le monde entier, même s'ils sont des productions de masse. Les graphiques originaux les plus connus incluent "Shipboard Girl" , "Crying Girl" et "Nude Reading" .

Albertina a célébré le 100e anniversaire du Pop Art Master

Albertina a honoré le Master of Pop Art cet été avec une rétrospective complète , qui comprenait plus de 90 peintures, sculptures et graphismes de l'artiste, unique et unique.

The most important works of its most extensive artistic work are brought to Vienna through generous loans of 30 renowned museums, including exhibits from the Museum of Modern Art in New York, the Whitney Museum, the National Gallery in Washington, the Yale University Art Gallery in New Haven, the Museum Ludwig in Cologne, the Louisiana Museum in Humlebæk, the Moderna Museet in Stockholm and the Museo Thyssen-Bornemisza in Madrid.

L'exposition a été conçue en coopération avec la Fondation Roy Lichtenstein et était basée sur un généreux cadeau d'environ 100 œuvres en Albertina.

L'exposition a présenté les premières œuvres des années 1960, y compris le chef-d'œuvre du pop art de cette époque: "Look Mickey" . De plus, des peintures emblématiques de publicité se trouve en noir et blanc, des paysages en technologie de l'émail et des œuvres d'art, inspirés par Picasso, Dalì, Kirchner et Pollock, pouvaient être vus.

Un point culminant particulièrement impressionnant a été une sculpture monumentale de coups de pinceau, qui s'est détachée de la toile et a dominé la pièce.