Roy Lichtenstein - Way to Fame and Records sur le marché de l'art

Roy Lichtenstein, au même titre qu'Andy Warhol, partie de ces artistes dont l'œuvre est reconnue de tous, ou presque, partout dans le monde. Il crée un art si particulier depuis les années 1960 et est rapidement devenu l'une des figures majeures de l'art moderne.

Et donc, bien sûr, l'un des principaux protagonistes du Pop Art ; son œuvre est considérée comme l'art qui a défini de manière parodique les exigences fondamentales du Pop Art mieux que l'œuvre de tout autre artiste.

Lichtenstein lui-même décrivait le Pop Art comme « non pas de la peinture “américaine”, mais en réalité de la peinture industrielle », mais un coup d’œil sur la carrière et l’ascension de l’artiste montre que le prix de ses œuvres d’art a évolué d’une manière qui rappelle non pas la production industrielle de masse, mais plutôt la construction d’usines dans l’industrie à grande échelle.

Les débuts prometteurs de Lichtenstein dans le monde de l'art

Roy Fox Lichtenstein naquit en 1923 à New York, au sein d'une famille juive de la haute bourgeoisie. Son père était agent immobilier et sa mère, femme au foyer. Il grandit dans l'Upper West Side, quartier huppé de Manhattan situé entre Central Park et les rives de l'Hudson, et après avoir fréquenté l'école primaire publique, il entra à la Franklin School for Boys, un établissement privé.

Lichtenstein dessinait déjà depuis son enfance, mais comme ce passe-temps n'était pas enseigné à Franklin, il s'inscrivit à la Parsons School of Design pour peindre des aquarelles le samedi.

Le jeune Lichtenstein s'intéressait également à l'anthropologie et aux sciences naturelles ; il passait beaucoup de temps au Musée américain d'histoire naturelle, situé tout près de chez ses parents.

On sait également que Lichtenstein, adolescent, écoutait avec passion les pièces radiophoniques alors très populaires. Il aurait une préférence particulière pour celles dont les histoires mettaient en scène des (anti-)héros parfois sombres, également connus des bandes dessinées, tels que « The Shadow » , « Flash Gordon » ou « Buck Rogers » .

Plus tard, cette observation amusée fut interprétée ainsi : le jeune Roy avait inconsciemment assimilé des clichés héroïques et mystiques. L’adolescent, à la fois polyvalent et réceptif, fréquentait alors assidûment les concerts de jazz du théâtre Apollo à Harlem, où il croquait avec passion les musiciens.

Durant sa dernière année de lycée, Lichtenstein, ancien élève de la Parsons School of Design, a rejoint l'ancienne organisation mère de celle-ci, l' Art Students League de New York , où il s'est inscrit au cours d'été.

Il travailla ici sous la supervision de Reginald Marsh , un artiste du régionalisme américain , mouvement dans lequel, outre une représentation réaliste de la vie rurale, on accordait peu de place à la compréhension du développement des nouvelles technologies et donc également à la compréhension du nouvel art.

les « régionalistes réalistes » depuis ses années de lycée ; ils étaient très appréciés aux États-Unis dans les années 1930. Pendant cette période de Grande Dépression, les images idylliques de la vie rurale américaine remplissaient une fonction compensatoire similaire à celle de nos films Heimat après la Seconde Guerre mondiale.

Lichtenstein était sans doute ravi de dessiner sous l'égide d'une célébrité dont il avait lu l'histoire dans son tout premier livre d'art, « L'Art moderne de Thomas Craven », paru en 1934.

Bien que Marsh ait certainement dépeint un réalisme social qui ne se limitait pas à de jolis paysages, son élève fut bientôt déçu par l'exigence de Marsh en matière de pratique artistique réaliste, qui négligeait à la fois le développement rapide de la technologie et considérait le développement de son propre style artistique comme superflu.

Peut-être Lichtenstein avait-il également tiré une inspiration complètement différente du régionalisme ; en tout cas, après le lycée, il décida d'explorer davantage son pays et choisit d'étudier à l'université d'État de l'Ohio (à partir de 1940).

Selon la tradition, ce fut un véritable coup de chance pour l'artiste en herbe, même si, à la demande de ses parents, il visait initialement une qualification d'enseignant : il étudia sous la direction de l'artiste et professeur Hoyt L. Sherman , qui allait considérablement élargir ses horizons artistiques.

Sherman, fervent défenseur et maître de l'art moderne , initia Lichtenstein aux plus grandes influences artistiques de l'époque : Cézanne et Van Gogh , Mondrian et Gauguin, Matisse et Picasso , et bien d'autres. Surtout, les encouragements de Sherman à développer sa propre approche et sa conception de l'unité de la perception marquèrent durablement Lichtenstein.

Lichtenstein commença alors à approfondir ses connaissances en histoire de l'art ; on pourrait même dire qu'il souhaitait tout savoir sur l'art depuis les premières peintures rupestres. En témoignage de cette période, la Fondation Lichtenstein conserve un exemplaire de « L'Art à travers les âges » (1936) d'Elizabeth Gardner, dont la couverture porte l'adresse de Lichtenstein à Columbus (capitale de l'Ohio et siège de l'université).

La découverte artistique de Lichtenstein est brutalement interrompue

En 1943, la Seconde Guerre mondiale rattrapa Lichtenstein ; il servit dans l’armée jusqu’en 1945, année où il fut déployé en Europe. Après la guerre, Lichtenstein suivit des cours d’histoire et de français à Paris et tenta de rendre visite à son idole Picasso – ce qu’il ne put faire car il fut rappelé chez lui après seulement six semaines : son père était mourant.

Lichtenstein termina sa formation d'enseignant durant l'été 1946 et commença un programme de maîtrise en beaux-arts , qu'il acheva en 1950. Parallèlement, on lui offrit un poste d'enseignant d'art , qu'il occupa régulièrement jusqu'en 1951 et occasionnellement par la suite.

Entre-temps, il avait épousé Isabell Wilson et s'était installé avec elle à Cleveland, où elle avait trouvé un emploi. Contrairement à Lichtenstein, qui avait exercé toutes sortes de métiers, comme dessinateur et concepteur de boîtes de conserve, il put exposer seul pour la première fois à Cleveland et même à New York en 1951, mais l'enthousiasme attendu pour ses peintures abstraites, bien que timides, ne se manifesta pas immédiatement.

Lichtenstein faisait désormais la navette entre Cleveland et New York, travaillait comme dessinateur et comme étalagiste, eut son premier fils en 1954 et son deuxième en 1956, et peignait aussi un peu entre-temps.

Peu de choses se sont passées artistiquement durant cette période : Lichtenstein hésitait encore entre l'expressionnisme, le cubisme et l'abstraction autodéterminée , il a déformé certaines peintures américaines typiques et peint des constructions en bois, s'est essayé à la sculpture sur bois et métal , et a exposé à trois reprises à New York jusqu'en 1955, mais presque rien n'a été vendu.

Ces conditions ne lui permettaient pas de contribuer aux moyens de subsistance d'une famille de quatre personnes ; aussi, en 1957, il reprit ses activités d'enseignement et, en 1958, on lui offrit un poste de professeur adjoint d'art à la New State University d'Oswego, où il enseigna pendant les années suivantes.

Enfin ! – L'ascension de Lichtenstein vers la gloire

En 1960, Lichtenstein intègre l'université Rutgers, dans l'État du New Jersey. Il y rencontre Allan Kaprow , l' inventeur des « Happenings » , et par son intermédiaire d'importants artistes contemporains tels que Robert Watts, Jim Dine, Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg et Jasper Johns , c'est-à-dire les pionniers du Pop Art dans sa forme la plus aboutie.

Toutes ces rencontres avec leurs influences auraient déclenché une sorte d'étincelle initiale chez Lichtenstein ; en 1961, il peint ses premières œuvres Pop Art, expérimentant d'abord avec des images de chewing-gum, puis les publiant en grand format, puis rompant avec toutes les traditions de son travail artistique précédent, incorporant la bulle de dialogue comique dans ses images et utilisant avec enthousiasme les techniques d'impression industrielle.

Sa première œuvre de grand format, dans laquelle il utilisait des figures aux contours nets et des points Ben Day (points de demi-teintes spéciaux dont la technique d'impression a été inventée par Ben Day), était l'œuvre « Look Mickey » de 1961, qui est maintenant exposée à la National Gallery of Art de Washington DC.

Cette photo a été prise lorsque l'un de ses fils a tapoté du doigt au milieu d'un livre de Mickey Mouse et a dit :

Je parie que tu ne sais pas peindre aussi bien que ça, hein, papa ?.

La même année, Lichtenstein réalisa six autres œuvres d'art représentant des personnages célèbres tirés d'emballages de chewing-gum et de dessins animés ; il avait trouvé son style.

L'année suivante, il trouva également en la personne de Leo Castelli qui garantissait son loyer par des paiements réguliers si Lichtenstein travaillait exclusivement pour sa galerie, une forme courante de soutien pour Castelli, qu'il accordait à des artistes prometteurs.

Castelli avait déjà exposé l'œuvre de Lichtenstein, mais n'avait pas souhaité lui consacrer ce type de bourse. La situation changea brusquement, car l'art réinventé de Lichtenstein connut un succès retentissant, à tel point que son exposition personnelle de 1962 à la galerie Castelli afficha complet avant même son ouverture.

Comment Lichtenstein contribue réellement à moderniser le marché international de l'art

Ce qui suit est une digression concernant l'artiste Lichtenstein ; cependant, la représentation de Lichtenstein par des galeristes renommés et la hausse des prix de vente de ses tableaux constituent une petite histoire très intéressante du secteur des galeries new-yorkaises et, en même temps, un constat sur la façon dont ce secteur perd des parts de marché au profit du commerce international des ventes aux enchères d'art .

Comme mentionné précédemment, Lichtenstein a pu exposer à New York pour la première fois en 1951, à la galerie Julius Carlebach . À cette époque, il a également eu la chance d'attirer l'attention du mécène d'art progressiste Leo Castelli, qui a exposé ses œuvres dans sa galerie new-yorkaise dès les années 1950, puis, après l'exposition personnelle remarquable de 1962, est devenu son représentant exclusif. Dès lors, Castelli a organisé régulièrement des expositions des œuvres de Lichtenstein.

Avant et après cette année, de nombreuses galeries dédiées à l'art moderne ont été créées à New York, et des œuvres de Lichtenstein ont fini par être exposées dans chacune d'elles : initialement souvent chez John Heller, à la Pace Gallery et à la Brooke Alexander Gallery , chez Mary Boone et Rosa Esman, chez Marilyn Pearl et James Goodman, chez Blum Helman, Phyllis Kind, Hirschl & Adler, Getler Pall, chez Holly Solomon et Condon Riley, aux Sperone Westwater Galleries et chez Mitchell-Innes & Nash.

Vers la fin de sa vie, son art subit également l'influence du puissant des galeries Gagosian – on pourrait dire que Lichtenstein a accompagné l'histoire des galeries new-yorkaises de ses œuvres.

Dès les années 1960, l'œuvre de Lichtenstein fut présentée par Ileana Sonnabend (anciennement Ileana Castelli) et sa galerie parisienne ; c'est grâce à elle qu'un marché européen se développa pour Andy Warhol , Roy Lichtenstein et d'autres artistes du Pop Art. D'autres galeries exposèrent ses œuvres aux États-Unis, comme la Ferus Gallery à Los Angeles, fondée en 1957.

Grâce aux efforts soutenus de tous ces galeristes, la renommée de Lichtenstein n'a cessé de croître, mais son véritable succès financier, il le devait à un autre mode de diffusion : très tôt, ses œuvres ont obtenu des résultats exceptionnels lors des ventes aux enchères . Par exemple, en 1970, « Grande Peinture n° 6 » (créée en 1965) a été vendue pour 75 000 $ lors d'une vente organisée par Sotheby's , au marchand d'art et galeriste allemand Rudolf Zwirner.

Ces maigres records ne devaient pas durer ; « Torpedo…Los ! » de 1963 a été vendu pour 5,5 millions de dollars lors de de Christie’s en novembre 1989, propulsant Lichtenstein dans le trio d’artistes ayant payé les prix les plus élevés pour des œuvres d’art individuelles.

Où qu'elle soit restée, lors de la vente aux enchères suivante organisée par Christie's à New York en novembre, le « Kiss II » a été vendu pour 6 millions de dollars, surpassé par « Happy Tears » lors de la vente aux enchères de Christie's en novembre 2002, qui a atteint 7,1 millions de dollars.

S’en est suivi un bond spectaculaire et gratifiant : en 2005, « In the Car » (1963) a été vendu pour 16,25 millions de dollars ; en 2010, « Ohhh…Alright… » de 1964 a été adjugé pour 42,6 millions de dollars ; en 2011, la peinture de Lichtenstein représentant un trou de serrure, « I Can See the Whole Room!…and There’s Nobody in It! » de 1961, a été vendue pour 43 millions de dollars, rapportant à la veuve du PDG de Time Warner, Steve Ross, un profit d’un peu plus de 2000 % (Ross avait acheté le tableau en 1988 pour 2,1 millions de dollars).

Tout était de nouveau à l'honneur lors de la vente aux enchères de Christie's à New York en novembre, à ceci près qu'en 2012, c'était au tour de Sotheby's, Christie's souhaitant se concentrer sur les expressionnistes abstraits – une excellente idée, puisqu'une toile de Mark Rothko s'est vendue pour près de 87 millions de dollars. Sotheby's, en revanche, n'a réussi à obtenir que 44,8 millions de dollars pour « La Jeune Fille endormie » , ce qui constituait néanmoins un nouveau record pour l'artiste.

Lors de la vente aux enchères du printemps 2013, l'art de Lichtenstein est revenu chez Christie's, et le 15 mai 2013, la « Femme au chapeau fleuri » un nouveau prix record de 56,1 millions de dollars de manière habituelle.

Malheureusement, Lichtenstein lui-même n'a vécu que pour voir quelques-uns des succès multimillionnaires ; il est décédé en 1997 .

Il sera intéressant de voir jusqu'où ira la flambée des prix de ses œuvres, surtout avant le H

Records de ventes aux enchères au XXIe siècle

Le prix le plus élevé jamais atteint pour une œuvre de Roy Lichtenstein a été enregistré chez Christie's à New York en novembre 2015. L'œuvre « Nurse 1964 » a été vendue pour 95 365 000 dollars américains (environ 85 millions d'euros). Initialement intitulée « Frightenedness », elle a appartenu à plusieurs collectionneurs d'art de renom, dont Leon Kraushar et Karl Ströher.

Ce tableau carré de 1964 mesure un mètre de haut et de large et était estimé à plus de 80 millions de dollars. « Nurse » a été mis aux enchères lors de la vente spéciale « The Artist's Muse » , qui comprenait des œuvres de peintres et de sculpteurs créées entre les années 1860 et 2000.

Le tableau le plus cher jamais créé par Lichtenstein pourrait être son œuvre de 1962, « Chef-d'œuvre », ayant appartenu à Agnes Gund. Steven Cohen l'aurait acquis auprès d'elle lors d'une vente privée en 2017 pour 165 millions de dollars. À ce jour, aucune œuvre de Lichtenstein n'a atteint un tel montant lors des ventes publiques aux enchères. Néanmoins, avec dix de ses meilleures ventes aux enchères, l'artiste figure parmi les plus cotés et est considéré comme un pionnier du marché de l'art.

La deuxième œuvre la plus chère est considérée comme étant « Sleeping Girl » de l'artiste pop, qui a atteint près de 45 millions de dollars à New York en 2012. Le tableau de 1964 a été vendu aux enchères chez Sotheby's pour 44 882 500 dollars (près de 35 millions d'euros).

Les lithographies signées et les sérigraphies originales sont très recherchées par les collectionneurs d'art du monde entier, malgré leur production en série. Parmi les estampes originales les plus célèbres figurent « Shipboard Girl » , « Crying Girl » et « Nude Reading » .

ALBERTINA a célébré le centenaire du maître du Pop Art

Pour célébrer son centième anniversaire, le musée ALBERTINA cet été au maître du Pop Art avec une rétrospective complète , qui comprenait plus de 90 peintures, sculptures et estampes de l'artiste qui a combiné l'art populaire et l'art savant d'une manière si unique.

Grâce à de généreux prêts de 30 musées de renom du monde entier, les œuvres les plus importantes de sa vaste production artistique sont présentées à Vienne, notamment des pièces provenant du Museum of Modern Art de New York, du Whitney Museum, de la National Gallery de Washington, de la Yale University Art Gallery de New Haven, du Museum Ludwig de Cologne, du Louisiana Museum de Humlebæk, du Moderna Museet de Stockholm et du Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

L'exposition a été conçue en coopération avec la Fondation Roy Lichtenstein et s'est appuyée sur un généreux don d'environ 100 œuvres à l'ALBERTINA.

L'exposition présentait des œuvres de jeunesse des années 1960, dont le chef-d'œuvre du Pop Art de cette époque : « Look Mickey » . Étaient également exposées des peintures emblématiques en noir et blanc de supports publicitaires, des paysages en émail et des œuvres inspirées par Picasso, Dalí, Kirchner et Pollock.

L'un des points forts les plus impressionnants était une sculpture monumentale réalisée à partir de coups de pinceau, qui semblait se détacher de la toile et dominait la pièce.