John Cage – Maître d'une musique moderne et non hiérarchique

On célèbre le centenaire d'un musicien légendaire : le 5 septembre 2012, l'exceptionnel musicien John Cage eu 100 ans ! Installez-vous confortablement et prenez un instant pour vous remémorer sa musique (voir la courte vidéo ci-dessous avec la chanson « Ocean of Sounds »).

Vous ne connaissez aucune œuvre de John Cage par cœur ? Si, ​​si vous avez chez vous une pièce vraiment calme où vous retirer, vous en connaissez sûrement. Si vous vous y isolez pendant 4 minutes et 33 secondes, vous venez d'écouter « 4,33 », une pièce de John Cage qui, selon lui, « ne contient aucun son intentionnel » (c'est-à-dire aucune note ; dans un silence absolu, vous n'entendez que votre sang qui s'emballe).

Cette œuvre est aujourd'hui considérée comme une pièce maîtresse de la « Nouvelle Musique » ; cependant, au moment de la création de « 4.33 », John Cage avait déjà composé plus de 100 autres œuvres remarquables, et environ 150 autres compositions qui allaient bouleverser le monde de la composition traditionnelle allaient suivre.

Bien que la « Nouvelle Musique » existât déjà depuis un certain temps au début de sa carrière : ce terme est utilisé depuis le début du XXe siècle pour résumer les efforts visant à faire évoluer la musique au-delà du style de composition classique-romantique du XIXe siècle.

Le terme provient d'une conférence donnée en 1919 par le journaliste musical Paul Bekker sur les tendances de la musique émergente ; il a ensuite été adopté pour désigner les tendances de modernisation les plus diverses dans la musique « sérieuse » du XXe siècle, puis également du XXIe siècle.

Le tournant du XXe siècle a marqué le début d'un renouveau musical avec des compositeurs tels que Gustav Mahler, Ferruccio Busoni, Franz Schreker et Arnold Schoenberg. Les musiciens recherchaient des idées nouvelles pour tous les styles musicaux. Rapidement, des expérimentations musicales inédites ont vu le jour ; par exemple, la possibilité d'une autonomie rythmique a été découverte et le bruit a été intégré à la musique.

Dans ce contexte, la « musique nouvelle » ne développe pas un style unique et unifié, mais se manifeste plutôt à travers de nombreux styles différents, chez des compositeurs individuels, parfois même au sein d'une même œuvre. Ainsi, le XXe siècle est sans doute le premier siècle à avoir vu le polystylisme .

Fondamentalement, la « nouvelle musique » a également été influencée par les innovations technologiques de la radiodiffusion et de l'enregistrement sonore, qui ont rendu la musique reproductible à l'infini et l'ont ainsi popularisée auprès d'un public auparavant réservé à une élite. Le potentiel musical de cette nouvelle technologie elle-même devait être exploré, ce qui a incité les compositeurs de l'époque à de nombreuses expérimentations.

La Seconde Guerre mondiale a perturbé de manière dévastatrice ce développement pluraliste de la musique nouvelle, perturbation qui devait être atténuée après 1945 par la création de nouvelles institutions pour les musiciens et leur formation.

Les académies de musique ont rouvert leurs portes ou ont été entièrement rétablies face à la demande manifeste d'un nouveau départ, les sociétés de radiodiffusion publique ont offert aux compositeurs une nouvelle tribune, et l'attribution de commandes de compositions stimule davantage la production afin de reprendre le développement interrompu.

Si, avant la guerre, les principales impulsions à l'origine de la « musique nouvelle » provenaient d'Europe, et plus particulièrement des pays germanophones, son développement après-guerre prit une dimension de plus en plus internationale. Parallèlement aux œuvres produites dans les pays européens traditionnellement à la pointe de la musique, tels que la France, l'Italie, la Pologne et la Suisse, les États-Unis, avec le cercle de John Cage et Morton Feldman, attirèrent pour la première fois l'attention sur la scène musicale internationale.

John Cage a mis du temps à obtenir cette reconnaissance : né en 1912 dans une famille cosmopolite, son père était ingénieur et inventeur et sa mère journaliste. Il a passé une enfance stimulante en Californie et a reçu des leçons de piano dès son plus jeune âge.

Cage obtint son diplôme de fin d'études secondaires en 1928 avec la meilleure note jamais décernée, puis entreprit deux années d'études littéraires. À 18 ans, il passa un an et demi en Europe, où il étudia l'architecture classique et la musique de Bach, écrivit de la poésie et vécut ses premières expériences homosexuelles.

Cage se familiarisa avec l'avant-garde artistique européenne, l'œuvre d'Hugo Ball et Hans Arp, de James Joyce et Marcel Duchamp , de Kurt Schwitters et László Moholy-Nagy ; il séjourna en Allemagne, en Algérie et en Espagne ; il peignit, écrivit des poèmes et composa ses premières musiques .

En 1931, Cage retourna aux États-Unis, où il connut parfois de graves difficultés financières et exerça divers petits boulots. Néanmoins, en 1932, il commença à étudier la composition, d'abord avec Richard Buhlig. En 1933, il rencontra Xenia Kashevaroff, qu'il épousa en 1935. Durant ses études, Cage avait déjà pris des cours d'harmonie auprès du premier élève américain d'Arnold Schoenberg ; il reçut alors des leçons particulières de composition en contrepoint de Schoenberg jusqu'en 1937, bien que ce dernier l'eût assuré qu'il ne serait jamais capable de composer correctement.

Sa vie trépidante se poursuivit : en 1938, Cage fut engagé comme accompagnateur musical pour les cours de danse au Mills College de San Francisco. Il rejoignit ensuite le Cornish College of the Arts, où il travailla pour la chorégraphe Bonnie Bird (Martha Graham Group). Par la suite, il donna des conférences à Seattle et y fonda un ensemble de percussions, au sein duquel Merce Cunningham, qui deviendrait plus tard la personne la plus importante de sa vie, joua occasionnellement.

En 1940, Cage retourna à San Francisco, reprit son travail d'accompagnateur musical pour le cours de danse du Mills College, puis fut sollicité par Syvilla Fort pour composer une pièce pour son ballet. La musique de ballet ne pouvant être créée à l'aide de percussions, Cage utilisa un piano existant, dont il modifia le mécanisme avec de petits objets du quotidien afin d'obtenir les sonorités africaines recherchées.

À partir de 1941, Cage enseigna la musique expérimentale à l'École de design de Chicago, où il rencontra Peggy Guggenheim et Max Ernst, qui l'invitèrent à les rejoindre à New York . Cage et sa femme s'installèrent à New York, où ils vécurent chez les Ernst-Guggenheim et furent présentés à leur cercle d'artistes, parmi lesquels Piet Mondrian, Marcel Duchamp et André Breton.

Ces relations permirent à Cage de donner un concert au MoMA  ; il se fit connaître dans les cercles d’avant-garde new-yorkais et se constitua un réseau. Il rencontra des musiciens, des danseurs et des artistes plasticiens et put créer des œuvres pour des personnalités telles que Marcel Duchamp. Cage pouvait désormais enfin vivre de sa musique.

Au cours de la décennie suivante, il collabora avec de nombreux artistes de l'époque et fit autant de rencontres. Après sa séparation avec Xenia, Cage trouva en Cunningham son partenaire de vie et de travail, avec lequel il conçut et réalisa de nombreuses productions chorégraphiques. Un autre séjour en Europe avec Cunningham s'ensuivit, qui donna naissance à d'autres amitiés artistiques (Pierre Boulez, Alberto Giacometti, Ellsworth Kelly). Ses compositions devinrent de plus en plus audacieuses. En 1952, John Cage organisa le premier Happening au monde et s'inscrivit également pendant deux ans à l'Université Columbia pour étudier le zen.

La quête d'une vie plus simple a également conduit Cage à s'intéresser de près aux champignons, de la cueillette à la préparation. Dans les années 1950, il a entrepris une vaste tournée de concerts en Europe, a enseigné et, par ce biais, a exercé une influence considérable sur le mouvement Fluxus , dont certains artistes comptaient parmi ses élèves.

La vie de Cage resta tout aussi mouvementée pendant les 30 années suivantes, jusqu'à ce qu'il succombe à un AVC en 1992, peu avant son 80e anniversaire : il enseigna, composa et rencontra les figures de proue de l'époque , Karlheinz Stockhausen et Yoko Ono, Nam June Paik et Erik Satie, Joseph Beuys et Claes Oldenburg, et probablement tous les autres artistes ouverts aux nouvelles expériences et désireux d'explorer les limites des formes d'expression traditionnelles.

Lorsque Cage entreprit de développer une « musique sans domination » où chaque son, bruit et tonalité a une valeur égale, il influença irrévocablement le développement de la musique moderne. John Cage a toujours eu à cœur que les personnes sans ressources ni formation préalable puissent elles aussi participer à la musique et avoir la possibilité d'apprendre à écouter et à composer.

Lorsqu'il composait de la « musique aléatoire », dont les notes étaient déterminées par l'oracle du Yi Jing ou par les cartes astrologiques, il se souciait moins du son de la musique que de la rupture des habitudes d'écoute.

Pourquoi ? Pour Cage, l'ouverture aux formes d'expression nouvelles et expérimentales est une attitude qu'il est urgent d'inculquer à tous par l'école et l'éducation. Car ceux qui n'entendent et ne lisent que des choses rudimentaires ne peuvent penser qu'en fonction de schémas profondément ancrés. Et ceux qui pensent en fonction de schémas profondément ancrés remettent peu en question et acceptent beaucoup sans esprit critique…

Si vous êtes curieux : vous pouvez écouter une œuvre de John Cage à l’église Burchardi de Halberstadt . Inutile de vous précipiter : l’œuvre sera jouée jusqu’en 2640, vous avez donc plus de 600 ans devant vous (non, ce n’est pas une blague, c’est un projet absolument époustouflant !).

Nous n'en dirons pas plus ici ; vous trouverez toutes les informations complémentaires sur www.aslsp.org .