En retrospectiva, se puede decir que Nam June Paik se adelantó a su tiempo y acuñó el término "Superautopista de la Información" cuando internet era apenas una idea vaga. El artista, fallecido en 2006, un año antes del lanzamiento del primer iPhone, deja un legado significativo y multifacético, que ahora se documenta exhaustivamente por primera vez.
La biografía del videoartista, titulada NAM JUNE PAIK: MOON IS THE OLDEST TV,
En esta película, la cineasta coreano-estadounidense Amanda Kim la trayectoria de Nam June Paik, desde sus estudios en Múnich y los duros rechazos que enfrentó al principio de su carrera hasta el éxito de su TV Buddha y su canonización como el padre del videoarte . Fascinantes imágenes de archivo de todas las obras de Paik y entrevistas con muchos de sus contemporáneos crean un retrato convincente y completo de un artista innovador que pareció prever el futuro de internet. La película es producida y distribuida por GRANDFILM , una distribuidora cinematográfica independiente especializada en cine de gran valor artístico.
Nacido en la Corea ocupada por Japón, Paik y su familia se vieron obligados a huir del país en 1950 debido a la Guerra de Corea, circunstancia que influyó profundamente en su obra artística. Sus primeras obras, incluida la exposición de 1963 "Exposición de Televisión Musical-Electrónica" en Alemania Occidental, que incluía televisores manipulados, no alcanzaron reconocimiento inicialmente.
Sin embargo, se desarrolló rápidamente durante los diez años siguientes, creando instalaciones icónicas como TV Buddha , que hoy gozan de reconocimiento mundial. Su relevancia como videoartista, visionario tecnológico y creador de esculturas de torres de televisión de suelo a techo aún no ha sido plenamente documentada.
TV Buddha: icónica videoinstalación de Nam June Paik de 1974. Copyright: Grandfilm
Por lo tanto, el próximo estreno en Alemania representa un primer hito en la difusión de su obra a un público más amplio. Con un éxito rotundo, tan solo en Corea del Sur, 6 millones de personas vieron la emisión especial de una hora.
La visión artística de Nam June Paik surgió de una compleja relación con la tecnología de su época. No era simplemente un usuario de los nuevos medios. Se consideraba, más bien, un creador crítico de las posibilidades electrónicas emergentes.
La tecnología como herramienta y objeto de crítica
Paik reconoció desde el principio el potencial creativo de la televisión y se esforzó por..
"Diseñar la pantalla del televisor con tanta precisión como Leonardo, tan libremente como Picasso, tan colorido como Renoir y tan profundamente como Mondrian".
humanizar la tecnología y revelar su íntima conexión con el cuerpo humano.
El joven Nam June Paik en su taller creativo. Copyright: Grandfilm
En su obra de 1964, "Robot K-456", Paik creó una figura humanoide de aspecto deliberadamente desaliñado que podía caminar, emitir sonidos e incluso orinar. En una exposición en el Museo Whitney, hizo que un coche atropellara al robot en Madison Avenue. Este fue un evento escenificado mediante el cual exploró la capacidad de la tecnología tanto para ayudar como para causar daño.
“Utilizo la tecnología para odiarla.”
Esta famosa cita de Paik ilustra su postura ambivalente. Para él, la televisión era un "medio dictatorial" donde las clases altas se dirigían a las clases bajas, quienes solo podían escuchar y responder "sí". "Creo que la democracia significa responder ", explicó, y entendía su arte como un intento de "entablar un diálogo con la televisión .
Aunque Paik amaba el entretenimiento y la cultura pop, los incorporó a su obra y los transformó radicalmente. Se esforzó por utilizar las tecnologías de las telecomunicaciones para difundir el arte y facilitar la colaboración a través de grandes distancias.
El humor como medio de provocación
Como figura clave del movimiento Fluxus, Paik empleó estratégicamente el humor para desafiar los valores sociales tradicionales y el arte institucional. Sus espectaculares y provocativas performances se consideran obras representativas de este movimiento. De esta forma, cuestionó continuamente los esquemas existentes y presentó ideas sofisticadas y revolucionarias con humor.
Para Paik, el humor no era solo entretenimiento, sino una herramienta eficaz para abordar problemas contemporáneos. Sus ingeniosos y revolucionarios ataques a las instituciones, las reglas y las normas crearon un espacio para el cambio.
Porque por difícil que sea la situación, el humor podría de alguna manera crear espacio para el cambio”,
Ése podría ser su legado.
Nam June Paik y John Cage, extracto de la biografía cinematográfica “NAM JUNE PAIK: MOON IS THE OLDEST TV” Copyright: Grandfilm
Las obras más importantes de un vistazo
Las obras innovadoras de Nam June Paik redefinieron la relación entre los seres humanos y la tecnología. Conocido como el "padre del videoarte ", creó instalaciones que siguen influyendo en el panorama mediático actual.
Buda de la TV y la conexión entre Oriente y Occidente
Buda de la TV (1974) es una de las instalaciones más emblemáticas de Paik. Una estatua de Buda contempla su propia imagen en una pantalla de televisión, captada por una cámara en tiempo real. Este bucle cerrado simboliza la autorreflexión en un mundo saturado de medios. Al observarse a sí mismo en la televisión occidental, se crea un puente cultural.
Sorprendentemente, cuando los espectadores se acercan a la pantalla, también aparecen en la imagen, creando así un “entorno electrónico que no está cerrado y fomenta la participación del público”.
Global Groove y la democratización de los medios
Con Global Groove (1973), Paik creó una obra pionera de videoarte temprano. Este collage electrónico de 28 minutos comienza con las proféticas palabras: «Este es un vistazo al panorama del video del mañana, cuando puedas cambiar a cualquier canal de televisión del mundo ». Producida con John Godfrey en el estudio WNET, la obra fusiona danzas tradicionales coreanas con rock estadounidense, anuncios japoneses de Pepsi con cánticos navajos y actuaciones de John Cage y Allen Ginsberg.
El uso del sintetizador de vídeo desarrollado por Paik con Shuya Abe fue técnicamente revolucionario, ya que produjo efectos visuales similares a los del mashup de vídeo actual.
Superautopista electrónica: una visión hecha realidad
Superautopista Electrónica: EE. UU. Continental, Alaska, Hawái (1995) encarna la visión de Paik de una red global de comunicaciones. La gigantesca instalación consta de 336 televisores, 50 reproductores de vídeo, más de 1100 metros de cable y 175 metros de tubos de neón multicolores.
Cada estado de EE. UU. está delimitado por líneas de neón y muestra videoclips específicos; por ejemplo, escenas de "¡Oklahoma!" para Oklahoma o imágenes del Movimiento por los Derechos Civiles para Alabama. Para Washington, D.C., Paik instaló una cámara que muestra a los visitantes en tiempo real, lo que indica cómo los medios de comunicación influyen en nuestra autopercepción y en cómo nos perciben los demás.
Obras de Nam June Paik en museos de todo el mundo
La influencia de Paik se refleja en la presencia mundial de sus obras. El Museo Solomon R. Guggenheim alberga TV Garden (1974/2000), una instalación en la que se colocan monitores que reproducen Global Groove entre plantas vivas. El Museo Smithsonian de Arte Americano exhibe Electronic Superhighway y Megatron/Matrix (1995).
Sus obras también forman parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galería Nacional de Australia y el Museo Reina Sofía de Madrid. Su exposición itinerante más reciente, "El Futuro es Ahora", se inauguró en la Tate Modern de Londres en 2019 y posteriormente viajó al Museo Stedelijk de Ámsterdam y al Museo de Arte Moderno de San Francisco.
Una vida entre culturas y sistemas
La vida fragmentada de Nam June Paik refleja las convulsiones políticas del siglo XX. De niño, en la Corea ocupada por Japón, presenció cómo los maestros obligaban a los alumnos a "arrepentirse" si hablaban su lengua materna.
Identidad como coreano, estadounidense y ciudadano global
Como "ciudadano de Corea, una nación minoritaria en un continente minoritario", Paik se describió a sí mismo como un "observador necesariamente cínico" que, durante "18 años de vagar de Hong Kong a El Cairo y Reikiavik", aprendió tres idiomas occidentales y tres orientales. Esta existencia transfronteriza lo hizo "particularmente sensible al problema Este-Oeste ". Tras huir durante la Guerra de Corea, vivió en el extranjero durante más de tres décadas y describió su vida cotidiana como un "problema de comunicación".
Respuesta artística a los sistemas políticos
Obras de Paik, como "Réquiem de Guadalcanal" (1977/1979) y "Buenos días, Sr. Orwell" (1984), demuestran claramente su postura política. La transmisión en vivo de "Buenos días, Sr. Orwell" se emitió simultáneamente en Estados Unidos, Francia, Alemania y Corea del Sur, como contrapunto a las visiones distópicas de George Orwell. Paik estaba convencido de que la tecnología y la música rock representaban la mayor amenaza para el comunismo de Estado.
Regreso a Corea y temor a la represión
A su regreso a Corea en 1984, Paik parecía inusualmente ansioso e inseguro sobre cómo sería recibido. Sin embargo, fue recibido como un héroe nacional. Este regreso a casa inspiró una nueva fase de introspección.
Creó una obra por encargo para los Juegos Olímpicos de Verano de 1988 y posteriormente utilizó sus contactos internacionales para conectar a Corea con el mundo. Desempeñó un papel decisivo en la fundación de la Bienal de Gwangju en 1995 y del Pabellón Coreano en la Bienal de Venecia.
Influencia en la cultura mediática actual
de Paik sobre el panorama mediático se manifiestan hoy con más claridad que nunca. Sus collages de vídeo experimentales de la década de 1970 anticiparon el lenguaje visual de nuestro presente digital.
De MTV a TikTok: el lenguaje visual de Paik sigue vivo
El "padre del videoarte" moldeó la estética de MTV con sus cortes rápidos y colores psicodélicos. Sin embargo, su obra de 1973, Global Groove, anticipó mucho más: un mundo en el que "cada artista tendría su propio canal", una predicción precisa de YouTube y las redes sociales. Los jóvenes creadores de contenido de hoy se sorprenden al descubrir que Paik ya utilizaba técnicas en la década de 1970 que consideran originales.
Recepción en la cultura pop
Las producciones satelitales de Paik alcanzaron a millones de espectadores: tan solo "Good Morning Mr. Orwell" fue visto por 25 millones de personas en todo el mundo. Colaboró con figuras como David Bowie, Lou Reed y el Philip Glass Ensemble. Su instalación "Electronic Superhighway", con 336 televisores y referencias culturales de cada estado de EE. UU., anticipó la comunicación fragmentada de la cultura de los memes actual al establecer fragmentos de la cultura pop como una forma de comunicación independiente.
Lo que los artistas de hoy pueden aprender de Paik
El enfoque inquisitivo y experimental de Paik sigue siendo ejemplar. En lugar de usar la tecnología únicamente para un propósito específico, promovía el desmontaje y la reconsideración de las posibilidades tecnológicas. Entendía la tecnología como unarma de doble filo y, aun así, la utilizaba para conectar y comunicarse con la gente.
Sus obras ahora se exhiben en la Tate Modern, el SFMOMA y otros museos importantes, donde continúan atrayendo a un público joven e inspirando numerosas publicaciones en las redes sociales.
“Quien quiera tomarse una hora de descanso del constante y agotador panorama mediático para obtener una perspectiva multifacética y crítica desde una distancia artística, definitivamente debería marcar el estreno en cines el 11 de septiembre en su calendario”
Toda la información sobre el documental y su estreno en las salas alemanas se puede encontrar en la página del proyecto GRANDFILM .
Propietario y Director General de Kunstplaza. Publicista, editor y bloguero apasionado del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciado en Diseño Web (2008), perfeccionó sus técnicas creativas con cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, adquirido a través de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con actores e instituciones clave del sector artístico y cultural.
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