El impresionismo se originó en Francia entre 1860 y 1870 , y posteriormente se extendió a gran parte de Europa en la década de 1890.
El impresionismo alcanzó su apogeo entre 1863 y 1883. Incluso antes, había recibido la influencia de sus figuras más destacadas: Claude Monet , Édouard Manet y Edgar Degas . El impresionismo ejerció una fuerte influencia en los movimientos artísticos , y muchos artistas se mantuvieron fieles a él incluso durante el expresionista .
Descubre con nosotros la belleza del Impresionismo , un movimiento artístico revolucionario caracterizado por la representación de impresiones fugaces y el juego de luces y colores.
Campo de amapolas (1873) de Claude Monet: una obra maestra del impresionismo
El impresionismo: una breve introducción
El impresionismo fue un movimiento artístico revolucionario del siglo XIX que inauguró una nueva era en la pintura. Los impresionistas no solo buscaban plasmar la realidad externa, sino sobre todo las impresiones y sensaciones que experimentaban al contemplar un tema. La luz y el color desempeñaron un papel fundamental en este proceso.
El término Impresionismo como estilo proviene de la palabra francesa "impression ", que significa "impresión". El movimiento artístico recibió su nombre específicamente del cuadro de Claude Monet "Impresión, amanecer", que se presentó en la primera exposición del nuevo movimiento en París en 1874.
Impresión, amanecer, de Claude Monet
Un crítico de arte de la época utilizó el título con sorna para describir todo el estilo, pero los propios artistas adoptaron el término para su movimiento. El impresionismo se sitúa generalmente entre 1860 y 1920.
Lo especial de este movimiento artístico fue que los artistas comenzaron a observar conscientemente su percepción . Paralelamente al advenimiento de la fotografía, la representación meticulosa de los motivos dejó de parecer importante.
Reconocieron que los contornos de los objetos son creados por la conciencia individual. De hecho, el ojo percibe principalmente colores y formas; los contornos son meras interpretaciones. Los impresionistas se esforzaron por regresar a la «percepción pura» y representar la realidad en su forma más pura.
Los pintores impresionistas estaban fascinados por los efectos de la luz. Para reproducir la luz natural en sus pinturas, desarrollaron una nueva técnica que utilizaba pequeñas pinceladas y puntos . Esto dio como resultado una especial luminosidad y dinamismo en sus obras.
Los impresionistas trabajaban principalmente al aire libre o en sus estudios para aprovechar los cambios de luz. Algunos artistas pintaban el mismo tema en diferentes momentos del día o estaciones para captar las variaciones. Para lograrlo, desarrollaron nuevas técnicas de pintura que les permitían contornos más suaves .
Reconocieron que la percepción cambia rápidamente de un momento a otro y que es imposible capturar por completo un instante. Por ello, emplearon un estilo pictórico rápido para plasmar sus impresiones antes de que se desvanecieran. Los impresionistas valoraban la observación pura, sin interpretación ni construcción.
Con estos puntos focales y características, el impresionismo se convirtió en el punto de partida dela pintura moderna .
Entre los motivos típicos de su arte figuraban paisajes y escenas de bulevares con damas elegantemente vestidas, así como representaciones de bailarinas y mujeres en sus tocadores. También incorporaban con frecuencia motivos de la vida cotidiana, como la vida parisina.
Una de las exposiciones más famosas de este período fue la "Tercera Exposición Independiente de Arte" en París en 1877. Allí, las obras de los impresionistas se presentaron al público por primera vez. Fue un paso que revolucionó el mundo del arte y allanó el camino para el éxito del impresionismo.
Auguste Rodin es considerado una figura clave del Impresionismo en la escultura. Este estilo artístico se caracteriza, sobre todo en la escultura, por una superficie texturizada y llena de movimiento . En fotografía, el Impresionismo se conoce más comúnmente como Pictorialismo .
Los pictorialistas fueron los primeros en experimentar con la fotografía en color y apreciaban las imágenes borrosas. Uno de los fotógrafos más importantes del impresionismo hacia 1900 fue Heinrich Kühn (1866-1944), quien residía en Viena.
Si quieres saber más sobre el Impresionismo, ¡sigue leyendo! En las siguientes secciones, profundizaremos y analizaremos con más detalle las características, los artistas y las obras más famosas del Impresionismo.
Precursores y pioneros
Los pintores románticos Eugène Delacroix , John Constable , William Turner y Richard Parkes Bonington, así como los artistas de la Escuela de Barbizon y los pintores de Honfleur, fueron importantes precursores del Impresionismo. Charles-François Daubigny fue descrito como el líder de una «escuela impresionista», si bien sus esquemas compositivos seguían siendo académicos y clásicos. No obstante, expuso bocetos de paisajes en el Salón, lo que lo convirtió en un precursor del Impresionismo.
Ya en el siglo XVIII, Inglaterra mostró una mayor apertura hacia la pintura de paisaje en comparación con Francia. Este entusiasmo probablemente estuvo influenciado por el jardín paisajístico inglés, que imitaba un entorno natural, así como por la incipiente industrialización.
Artistas como Constable, Turner y Richard Parkes Bonington se esforzaron en sus obras por combinar la precisión científica (véanse los estudios de nubes de Constable) con la atmósfera y el ambiente. Los motivos que se disuelven gradualmente en nubes de color en las pinturas de William Turner, en particular, ejemplifican esta idea. El pintor se centraba en capturar el efecto del paisaje y representarlo con habilidad y precisión.
John Constable trabajó principalmente en Suffolk y sus alrededores, en Londres. Se inspiró en el detallado realismo, los sutiles matices de color, la luminosidad y los motivos sencillos de la pintura paisajística holandesa del siglo XVII. A partir de la década de 1820, su obra también fue reconocida en París, donde recibió la medalla de oro en el Salón «Carreta de heno».
Los pintores de la Escuela de Barbizon, como Camille Corot y Jean-François Daubigny, representaron el bosque de Barbizon, la vida rural y los animales en sus paisajes. Jean-François Daubigny fue especialmente conocido por sus paisajes atmosféricos, de estilo esbozado.
Gustave Courbet se centró en los bosques y paisajes rocosos de las montañas del Jura, utilizando la pintura al óleo como medio e influyendo en los futuros impresionistas. Estos, a su vez, se inspiraron en pintores barrocos como Frans Hals y Diego Velázquez.
La Escuela de Honfleur, en la Costa de Gracia, estaba compuesta principalmente por los artistas Eugène Boudin y Johan Barthold Jongkind. Boudin llevaba una vida modesta en Honfleur y fue el primer maestro de Monet. Sus pinturas se caracterizan por paisajes de playa y marinos, así como por la admiración de Corot por sus «bellezas meteorológicas».
Detalles sobre el origen del nombre del Impresionismo
El impresionismo recibió su nombre –como se mencionó al principio– debido a una crítica devastadora de Louis Leroy durante la primera exposición colectiva de los pintores más tarde conocidos como los “impresionistas” en 1874.
Los artistas habían organizado ellos mismos la exposición en el estudio parisino de Nadar, al no haber sido admitidos en el Salón. La iniciativa de los 30 artistas expositores se denominó "Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs ", que significa algo así como "Sociedad de Artistas Independientes".
El crítico de arte Louis Leroy acuñó el término Impresionismo al expandir el título de la obra de Claude Monet "Impression: Soleil levant" (1872) en un término de grupo y estilo.
La preponderancia del término Impresionismo se vio facilitada, en gran medida, por el hecho de que los propios artistas no encontraban un nombre propio para su movimiento. El término «Impresión» describe la percepción subjetiva del mundo antes de que comience el procesamiento racional de las impresiones sensoriales. Esta definición ya estaba establecida en el discurso estético.
En el siglo XIX, el término «Impresión» —así como «Pochade» — se utilizaba para bocetos rápidos que capturaban una primera impresión inmediata del sujeto. En cambio, «Étude» una representación más lenta y precisa del mismo.
Monet transformó el boceto en una obra de arte al presentarlo en exposiciones. El crítico de arte Leroy consideró la obra esquemática como una visión ingenua que el artista aún no había plasmado en una forma ordenada y racional.
El rumor de que las pinturas impresionistas fueron creadas espontáneamente persiste hasta el día de hoy.
Ya en 1877, el crítico Frédéric Chevalier observó acertadamente que la impresión de espontaneidad creada por los impresionistas provenía de su tosca técnica. La perspectiva aparentemente aleatoria de sus obras era, de hecho, una expresión de una desarticulación deliberada.
Influencias clave en el desarrollo del Impresionismo
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La mayoría de los padres fundadores del Impresionismo aún no habían cumplido los treinta, con la excepción de Pissarro, que ya tenía más de treinta, y se encontraban en pleno desarrollo de su estilo . Monet desarrolló un interés particular por los innovadores pintores Eugène Boudin y Johan Barthold Jongkind , quienes capturaron los efectos fugaces del mar y el cielo con sus técnicas pictóricas de gran intensidad cromática y estructura diferenciada.
Mujer con sombrilla en la playa, 1880, por Eugene Louis Boudin
Junto con sus compañeros del estudio de Gleyre, Monet adoptó el método de Boudin de pintar exclusivamente al aire libre —pintura plein air (del francés: en plein air: «al aire libre»)— y observar directamente la escena, en lugar de realizar un cuadro a partir de bocetos en el estudio. Tras el cierre del estudio de Gleyre en 1864, Monet, Renoir, Sisley y Bazille se trasladaron temporalmente al bosque de Fontainebleau, donde se dedicaron a la pintura plein air.
El bosque de Fontainebleau ya había atraído a otros artistas, como Théodore Rousseau y Jean-François Millet, quienes destacaron que el arte debía reflejar la realidad de la vida cotidiana.
El estudio de Gleyre y los estudiantes de la Académie Suisse se inspiraron en el renombrado artista Édouard Manet , quien, a su vez, siguió el ejemplo del pintor realista Gustave Courbet y representó con objetividad temas modernos. En la obra de Manet, la temática tradicional pasó a un segundo plano, dando prioridad a los acontecimientos y circunstancias de su época, mientras que la atención se centró en la manipulación deliberada del color, el tono y la textura como un fin en sí mismo para el artista.
La Charente en Port-Bertaud, 1862, por Gustave Courbet
El motivo se convirtió en un medio para lograr composiciones artísticas de campos de color planos y pinceladas precisas, minimizando la profundidad de perspectiva. Esto centró la atención en los patrones y relaciones de la superficie dentro de la pintura, en lugar de en el espacio tridimensional ilusorio.
Pissarro y los artistas más jóvenes se reunieron con Manet y Degas en el Café Guerbois alrededor de 1866.
La ruptura de tabúes por parte de los impresionistas
No solo se criticó la técnica artística, sino también la elección de los temas en las pinturas . De repente, se presentaron representaciones realistas de la vida que el público consideró inexactas y superficiales.
Algunos motivos fueron considerados inmorales y escandalosos porque abordaban temas tabú, como "Le Déjeuner sur l'herbe" , de 1863. Los impresionistas encontraron poca comprensión hacia su estilo pictórico entre los coleccionistas de arte y los salones parisinos, lo que los llevó a organizar sus propias exposiciones.
sobre la hierba , de Édouard Manet, 1863
Gustave Courbet presentó sus obras «Entierro en Ornans» (1858) y «El estudio» (1863) en su propio «Pabellón del Realismo ». Las obras de Manet, Whistler, Cézanne y Pissarro tampoco lograron reconocimiento en el Salón. Cuando el jurado aceptó solo un tercio de las 5000 obras presentadas al Salón de 1863, se produjo un gran escándalo y obligó al emperador Napoleón III a intervenir.
Antes de la inauguración, visitó la exposición y examinó todas las obras rechazadas. El Emperador decretó que los «rechazados» debían tener su propia exposición en el Palacio de la Industria: el Rechazados . Sin embargo, muchos artistas se negaron a participar por temor al rechazo.
Napoleón III suavizó el veredicto del jurado permitiendo que se exhibieran las obras rechazadas. El presidente del jurado, el conde Nieuwerkerke, las colgó en el Salón de los Rechazados, esperando la desaprobación del público. Unos 40.000 visitantes vieron, entre otras obras, «El almuerzo sobre la hierba»«Sinfonía en blanco n.º 1: La muchacha blanca» de James McNeill Whistler , ambas causantes de escándalos.
Sinfonía en blanco n.º 1: La muchacha blanca, 1862, de James Abbott McNeill Whistler
Aunque no hubo más Salon des Refusés, este socavó significativamente el dominio del Salón y la Academia. En los años siguientes, cada vez más artistas se unieron para formar asociaciones de exposiciones autogestionadas (por ejemplo, la Société des Artistes Indépendants , fundada en 1884 e importante para el Neoimpresionismo; el Salon d'Automne , fundado en 1903 e importante para las primeras presentaciones del Fauvismo y el Cubismo).
Tras varios años, los impresionistas alcanzaron el éxito. Las clases intelectuales, en particular, apreciaron y adquirieron obras impresionistas, lo que propició la amplia difusión del impresionismo.
Exposiciones, grupos y asociaciones importantes
En la década de 1860, las obras de la mayoría de los artistas de vanguardia fueron aceptadas en el Salón , la exposición pública anual patrocinada por el Estado en París. Sin embargo, hacia finales de la década, comenzaron a ser rechazadas con frecuencia. Los artistas reconocieron la injusticia del sistema de jurado del Salón y las desventajas que sufrían las pinturas de menor tamaño, como las suyas, en dichas exposiciones.
Se planeó organizar una exposición aparte, pero la guerra franco-prusiana (1870-71) interrumpió estos planes. Frédéric Bazille , quien lideró los esfuerzos, murió en combate.
A finales de 1873, se reanudaron las conversaciones y se fundó la Société Anonyme Coopérative d'Artistes-Peintres, Sculpteurs etc. Entre sus miembros figuraban Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas y Morisot, otro artista de vanguardia presentado al grupo por Manet. El colectivo tenía como objetivo organizar exposiciones, vender obras de arte y publicar una revista.
La Société Anonyme eligió deliberadamente un nombre que no sugiriera una escuela de arte concreta. Para su primera exposición en 1874, sus miembros invitaron a una amplia variedad de artistas de su red. Aunque Manet optó por no participar, unos treinta artistas aceptaron la invitación, lo que dio como resultado una presentación diversa de estilos y técnicas variadas.
Algunos críticos elogiaron los esfuerzos del grupo por diferenciarse de la corriente principal, pero la mayoría no quedó convencida por su arte y escribió duras críticas. El cuadro de Monet de 1872, «Impresión, amanecer», les valió el apodo despectivo de «impresionistas», acuñado por el periodista Louis Leroy en la revista satírica Le Charivari en 1874.
Desde el punto de vista financiero, la exposición no fue un éxito y, en última instancia, condujo a la disolución de la Société Anonyme.
En los años siguientes, algunos de los artistas que fundaron la Société Anonyme entre 1876 y 1886 organizaron siete exposiciones más . La participación fue variable, y algunos artistas, como Cézanne y Guillaumin, mostraron reticencia al principio. Durante la preparación de cada exposición, surgieron desacuerdos entre los grupos respecto al uso del término «Impresionismo» y la unidad estilística asociada, lo que provocó acaloradas discusiones durante las tres últimas exposiciones.
A lo largo de los años de las exposiciones, los participantes desarrollaron sus propios estilos personales e individuales, pero todos están unidos por los principios de libertad tecnológica, un enfoque personal en lugar de convencional de los temas y la representación precisa de la naturaleza.
El movimiento impresionista se disolvió a principios de la década de 1880, a medida que cada artista se centraba cada vez más en sus propios intereses y principios estéticos. A pesar de su corta existencia, el grupo lideró una revolución en la historia del arte , sentando las bases técnicas para artistas como Cézanne, Gauguin, Georges Seurat y Vincent van Gogh , así como para el movimiento postimpresionista.
El impresionismo abrió la posibilidad a artistas posteriores de la pintura occidental de apartarse de las técnicas y enfoques tradicionales sobre los temas.
Características y rasgos – ¿Cómo se pueden reconocer las pinturas impresionistas?
Las composiciones impresionistas son abiertas y luminosas, creadas mediante pinceladas visibles pero delicadas. Se concede especial importancia a la representación precisa de la luz en sus diferentes matices.
El estilo pictórico impresionista hace que la naturaleza sea comprensible y tangible, pero no mediante el método naturalista habitual, sino con una técnica que parece disolver los contornos.
Impresionismo: Colores vibrantes
El impresionismo se caracterizó por requisitos técnicos como pinturas sintéticas almacenadas en tubos de estaño, caballetes portátiles, lienzos preimprimados y sombrillas. Estas últimas servían no solo para proteger de la luz solar, sino también para preservar la luminosidad inherente de los colores.
La invención de las pinturas sintéticas permitió a los pintores pintar directamente al aire libre. El impresionismo se caracterizó sobre todo por sus colores brillantes y vibrantes .
En el Bois de Boulogne, c.1875-9 por Berthe Morisot
A diferencia del realismo y la pintura de salón, se evitaban los colores oscuros. En su lugar, se utilizaban con mayor frecuencia el amarillo cromo, los tonos naranja y rosa, el verde y el ultramarino. También aumentó la proporción de blanco de plomo, empleado para aclarar los colores.
Pinceladas sueltas y aplicación espontánea de pintura
La forma de pintar de los impresionistas es distintiva y a menudo reconocible por su pincelada . En comparación con las pinceladas suaves y apenas visibles de las pinturas románticas y realistas, los impresionistas utilizaban una pincelada más suelta y audaz .
Vista del Monte Marseilleveyre y la Isla de Maire, c. 1882-85 por Paul Cézanne
Solían utilizar pinceladas más cortas y colocar colores con diferentes matices uno junto al otro.
Los colores se mezclaban lo menos posible sobre el lienzo para un contraste simultáneo y conseguir que parecieran más vibrantes. Otra técnica empleada por los artistas impresionistas para enfatizar la viveza de los colores era pintar sobre un lienzo blanco.
Composición y perspectiva de la imagen
En el impresionismo, la definición detallada de una pintura no era primordial. En cambio, el enfoque se centraba en pinceladas sueltas y visibles, que difuminaban la claridad de las formas.
Esto permitió distinguir los elementos más importantes de los menos importantes, como ocurría en la pintura realista y romántica. Los pintores impresionistas también abandonaron la perspectiva tridimensional y la representación de la perfección y la simetría que habían sido populares períodos anteriores
Para los artistas del Impresionismo, el reto consistía en representar el mundo tal como realmente lo veían.
Reconocieron la belleza en las imperfecciones y los cambios momentáneos del mundo que nos rodea. Para desarrollar este enfoque, una nueva práctica se popularizó entre los pintores impresionistas: pintar al aire libre , es decir, en el lugar de los hechos.
Monet y otros artistas descubrieron que, al pintar en su entorno natural, podían captar mejor un instante único e imperfecto. De este modo, lograron una comprensión más íntima del mundo.
Elección de motivos y temas en las pinturas impresionistas
forma artística, que se percibía como revolucionaria estudio de la vida moderna también era una preocupación central para los impresionistas , como Charles Baudelaire había exigido en su momento.
Su temática abarcaba paisajes, figuras, retratos y bodegones , y los unía no solo su estilo pictórico, sino también su rechazo a los temas históricos o literarios . De este modo, los artistas se sentían conectados entre sí de muchas maneras.
En el invernadero de Édouard Manet
Con frecuencia, las actividades de ocio de la burguesía adinerada , de la que procedían la mayoría de los impresionistas, sirvieron de motivos en sus obras.
Boulevard Montmartre en una mañana de invierno por Camille Jacob Pissarro
Esto incluía lugares de entretenimiento , teatros de ópera (con bailarines y palcos), concurridos bulevares de París , barcos de vela y de remo , así como vacaciones de verano en tierra ymar .
Remeros remando en el río Yerres, 1877, por Gustave Caillebotte
La moda, los hipódromos,los jardines y los parques también aparecieron en las pinturas impresionistas.
El jardín de Les Mathurins en Pontoise por Camille Jacob Pissarro
pintoras del Impresionismo se dedicaron principalmente mundo doméstico y temas femeninos como la maternidad y los retratos de miembros de la familia .
En el comedor de Berthe Morisot
influencias japonesas
Puede que el contenido de las pinturas impresionistas no fuera revolucionario, pero su composición sí lo fue. Los límites entre las figuras y el fondo se difuminaban , haciendo que las figuras parecieran más parte de un cuadro mayor que el tema principal.
Las escenas parecían capturadas en un instante, como una instantánea, y no escenificadas. Este enfoque innovador coincidió con el auge de la fotografía y se inspiró en las estampas artísticas Ukiyo-e
El estilo Ukiyo-e utilizaba la perspectiva y la asimetría para evocar movimiento y acción en una escena. Para los artistas impresionistas, esta técnica oriental se convirtió en una herramienta fundamental para el descubrimiento de un nuevo estilo pictórico moderno.
La clase de baile, 1874, de Edgar Degas
Representantes importantes del impresionismo francés
El impresionismo y sus diferentes facetas en Europa
El impresionismo en Alemania
Los estilos y técnicas de pintura paisajística de Max Liebermann , Lovis Corinth y Max Slevogt están estrechamente vinculados a las teorías tardías y heterogéneas del Impresionismo. Resulta especialmente llamativo que Max Liebermann, junto con Diego Velázquez y Frans Hals, considerara los fundamentos del Impresionismo como «clásicos» y, conscientemente, no se viera a sí mismo como un revolucionario.
La búsqueda de una forma artísticamente apropiada para expresar la experiencia de la visión es considerada por Max Slevogt como el origen del impresionismo alemán, situándolo así dentro de la tradición romántica desde Caspar David Friedrich. Al igual que Friedrich, Slevogt también prefería las vistas panorámicas de su entorno. Como Max Liebermann y Lovis Corinth, Slevogt creía que el impresionismo alemán representaba no el mundo visible, sino el mundo interior del artista.
Veleros en el río Alster al atardecer (1905), por Max Slevogt
Por lo tanto, los paisajes de Slevogt también pueden describirse como impresionismo con un «ímpetu romántico », ni onírico ni sentimental. Para Slevogt, el desarrollo posterior del impresionismo había surgido, al menos, «desde dentro», si bien la introducción al catálogo de su exposición se asemeja en algunos pasajes a una defensa contra el expresionismo, postura que probablemente sea la principal responsable de ello.
Importantes artistas impresionistas de Alemania:
Otto Antoine (1865–1951)
Guillermo Claudio (1854-1942)
Lovis Corinth (1858–1925)
Hans Dieter (1881–1968)
Luis Eysen (1843–1899)
Philipp Franck (1860–1944)
Theodor Hagen (1842–1919)
Pablo Klimsch (1868–1917)
Gotthardt Kuehl (1850-1915)
Max Liebermann (1847–1935)
Ernst Oppler (1867–1929)
Richard Pietzsch (1872-1960)
Hermann Pleuer (1863-1911)
Leo Putz (1869–1940)
Max Slevogt (1868–1932)
Erwin Starker (1872-1938)
Robert Starlin (1867–1936)
Robert Sterl (1867–1932)
Wilhelm Trubner (1851-1917)
Karl Walther (1905–1981)
Macchiaioli en Italia
Los Macchiaioli fueron un grupo de artistas italianos que se establecieron en la Toscana en la segunda mitad del siglo XIX. Activos más de diez años antes que los impresionistas franceses, recibieron la influencia de varios pintores del siglo XIX como Camille Corot, Gustave Courbet y la Escuela de Barbizon.
Se inspiraron particularmente en sus visitas a París, especialmente en la Exposición Universal de 1855. Su obra abarca escenas de batalla del Risorgimento, motivos militares, así como paisajes y escenas de la vida campesina y burguesa.
Son conocidos sobre todo por sus pequeñas pinturas de estilo boceto, que les valieron su apodo (el término «Macchia» se refiere a las composiciones cromáticas de trazo esquemático). La pintura de Giovanni Fattori «La Rotonda dei Bagni Palmieri» .
La rotonda de Palmieri, 1866 de Giovanni Fattori
Importantes artistas impresionistas de Italia:
Giuseppe Abbati (1836–1868)
Odoardo Borrani (1833–1905)
Guglielmo Ciardi (1842-1917)
Giovanni Fattori (1825-1908)
Pietro Fragiacomo (1856-1922)
Eugenio Gignous (1850–1906)
Silvestro Lega (1826–1895)
José de Nittis (1846–1884)
Andrea Pavanello (1842-1906)
Daniele Ranzoni (1843–1889)
Rafael Sernesi (1838–1866)
Telémaco Signorini (1835-1901)
El impresionismo en España
El impresionismo, movimiento artístico importado de Francia, se manifestó en España a partir de 1880, y especialmente desde 1900. Uno de los representantes más importantes del impresionismo español es, sin duda, Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923), natural de Valencia. Sus obras se caracterizan por sus escenas costeras llenas de luz, que capturan momentos espontáneos de ocio.
En la costa de Valencia de Joaquín Sorolla y Bastida
Pero no solo Sorolla, sino también artistas como Eliseo Meifren y Priog , Santiago Rusigñol y Prat y Joaquín Mir Trixet contribuyeron significativamente a la fascinación por el impresionismo español con sus pinturas de jardines y escenas de género. La diversidad de estilos y motivos dentro de este movimiento refleja la vitalidad artística y la creatividad de esta época.
Importantes pintores impresionistas de España:
Aureliano de Beruete (1845-1912)
Francisco Domingo (1842-1920)
María Fortuny (1838–1874)
Francisco Gimeno Arasa (1858-1927)
Carlos de Haes (1826–1898)
Joaquim Mir (1873–1940)
Ignacio Pinazo (1849–1916)
Darío de Regoyos Valdés (1857-1913)
Martín Rico y Ortega (1833-1908)
Joaquín Sorolla (1863-1923)
El impresionismo en Gran Bretaña
La estrecha relación entre los artistas franceses y los británicos desempeñó un papel crucial en la difusión del impresionismo francés a través del Canal de la Mancha. James McNeill Whistler y John Singer Sargent, quienes fueron fundamentales para el desarrollo del impresionismo británico.
Pesca de ostras en Cancale (1878) por John Singer Sargent
Un pionero en este campo fue el pintor Walter Sickert , quien visitó por primera vez el estudio de Degas en 1883 y se inspiró profundamente en él. La fundación del New English Art Club en 1885, con la participación de John Singer Sargent, Stanhope Forbes y Thomas Cooper Gotch, brindó una plataforma para que artistas como Sickert, Philip Wilson Steer, Frederick Brown, Theodore Roussel y Bernhard Sickert presentaran su obra a un público más amplio.
Sin embargo, una controversia sobre la dirección del NEAC llevó a que los "Impresionistas de Londres" abandonaran el grupo y, en su lugar, presentaran su propia exposición en la Galería Goupil Estos acontecimientos contribuyeron significativamente al establecimiento y reconocimiento del impresionismo británico.
Importantes pintores impresionistas de Gran Bretaña:
George Clausen (1852–1944)
Wynford Dewhurst (1864-1941)
Augusto Edwin John (1878–1961)
Henry Herbert La Thangue (1859–1926)
Juan Lavery (1856–1941)
William Orpen (1878–1931)
William MacTaggart (1835–1910)
Philip Wilson Steer (1860–1942)
James Abbott McNeill Whistler (1834–1903)
El impresionismo en Rusia
En Rusia, el impresionismo se asocia con multitud de artistas de gran talento, entre los que destacan nombres famosos como Ilya Repin, Isaac Levitan y, especialmente, Valentín Serov y Konstantín Korovin . Fue a partir de la década de 1880 cuando los artistas rusos, que ampliaron su formación mediante viajes a Europa Occidental, en particular a Italia y Francia —incluida París—, se sintieron cada vez más fascinados por la influencia del impresionismo.
El Moulin Rouge – de Konstantin Alekseyevich Korovin (1861-1939). Óleo sobre cartón.
Este nuevo movimiento artístico se caracterizó por una llamativa aplicación de la pintura y el uso de tonalidades más claras. Sin embargo, a diferencia de otros países, el impresionismo en Rusia alrededor de 1900 fue solo uno de varios estilos posibles. La tradición de la pintura histórica y de género con un enfoque realista-simbolista, así como la representación lírica de paisajes, se siguió cultivando.
Sin embargo, especialmente a partir de la década de 1890, en Rusia se desarrolló una apasionada afición por los paisajes rurales bañados por el sol, que tenía como objetivo ayudar a fortalecer y consolidar la identidad nacional.
Importantes pintores impresionistas de Rusia:
Lev Samóilovich Bakst (1866-1924)
Alejandro Nikolayevich Benua (1870-1960)
Konstantin Ivanovich Gorbatov (1876-1945)
Ígor Emmanuilovich Grabar (1871-1960)
Konstantin Alexeyevich Korovin (1861-1939)
Isaac Ilich Levitan (1860-1910)
Vladimir Yegorovich Makovsky (1846–1920)
Vasili Grigorievich Perov (1834–1882)
Vasili Dmítrievich Polenov (1844–1927)
Illarion Mijáilovich Pryanishnikov (1840–1894)
Valentín Alexandrovich Serov (1865-1911)
Konstantin Andreevich Somov (1869-1939)
Vasili Wassiljewitsch Vereshchagin (1842–1904)
Serguéi Arsenievich Vinogradov (1869-1938)
El fin del impresionismo
Con el tiempo, los impresionistas se esforzaron cada vez más por crear pinturas de valor perdurable, y artistas como Renoir, Cézanne y los puntillistas lo lograron utilizando diversas técnicas. Esto quedó patente en la octava exposición impresionista de 1886.
Paul Cézanne se retiró al sur de Francia y se dedicó a Montaigne-Sainte-Victoire y a crear manchas de color cada vez más abstractas. Pierre-Auguste Renoir también expresó dudas sobre el Impresionismo, cansado de perseguir momentos fugaces. Anhelaba un arte de calidad perdurable y eterna, uno que pudiera exhibirse nuevamente en los museos.
Inspirado por los grandes maestros italianos y por Jean-Auguste-Dominique Ingres, Renoir plasmó esta influencia en sus pinturas neoclásicas a partir de 1887. Claude Monet continuó desarrollando el impresionismo, comenzando a pintar series de obras ya en 1876.
Su primera obra de este tipo —la pintura de la estación de tren de Saint-Lazare en París— se presentó ya en 1877 en la tercera exposición impresionista. En la década de 1880, realizó numerosos viajes y desarrolló aún más el concepto de pintura serial, que demostró a principios de la década de 1890 en Giverny y con sus pinturas de la fachada de la catedral de Rouen.
¿Qué quedó? El legado de los impresionistas.
En Occidente, las reacciones, críticas y reinterpretaciones del impresionismo han influido significativamente en numerosos movimientos artísticos modernos. El espíritu del impresionismo no solo ha moldeado las artes visuales, sino que también ha tenido un impacto duradero en la música y la literatura.
En la música, se intentó crear atmósferas o estados de ánimo, algo particularmente popular en la Francia de finales del siglo XIX. Los escritores y poetas franceses, a su vez, reflejaron el impresionismo a través de variaciones sintácticas y prosa fragmentaria.
Hoy en día, las obras de artistas impresionistas son muy codiciadas en el mercado del arte, atrayendo un considerable interés tanto de coleccionistas privados como de instituciones públicas. Sotheby’s vendió *Meules* de Monet por 110,8 millones de dólares, estableciendo un nuevo récord para el artista. Ese mismo año, el Museo de Orsay de París organizó retrospectivas de obras de Berthe Morisot, una destacada pintora impresionista.
Las obras impresionistas pueden admirarse en numerosas instituciones públicas de renombre en todo el mundo, como el Museo Marmottan Monet de París, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la National Gallery de Londres, el Museo de Orsay de París, el Museo de Bellas Artes de Boston y el Estatal del Hermitage de San Petersburgo.
Los mejores libros y los libros ilustrados más bellos sobre el Impresionismo
Con este artículo, hemos intentado ofrecerle una visión general inicial y completa de esta era artística . Quizás ahora desee profundizar en el tema o necesite información y detalles adicionales para sus estudios escolares, universitarios o de investigación.
Sumérgete en el fascinante mundo del arte impresionista hojeando una selección de libros y volúmenes ilustrados, algunos de los cuales nosotros mismos hemos utilizado como fuentes y referencias.
“El impresionismo: un mundo de color y luz”, de Norbert Wolf
“El impresionismo: un mundo de color y luz”, de Norbert Wolf
Este libro lujosamente diseñado, de gran formato e ilustrado, ofrece una visión completa del mundo del Impresionismo y su influencia en el arte y la cultura.
La obra de Norbert Wolf explica por qué el impresionismo se considera precursor del modernismo y por qué sigue atrayendo a innumerables visitantes fascinados a museos de todo el mundo. El autor analiza los antecedentes históricos, la crítica contemporánea y los movimientos posteriores en Europa, estableciendo conexiones con otras formas de arte como la fotografía, la música y la literatura. Este volumen profusamente ilustrado es una obra de referencia indispensable tanto para amantes del arte como para expertos.
“El impresionismo: Grandes maestros del arte”, de Florian Heine
“El impresionismo: Grandes maestros del arte”, de Florian Heine
Este volumen profusamente ilustrado presenta los logros del movimiento impresionista en un formato práctico y atractivo. Ofrece una gran cantidad de imágenes e información sobre los principales artistas de la época, muestra su desarrollo creativo en el manejo de la luz y el espacio, e ilustra la influencia de los nuevos descubrimientos científicos en su arte.
Con abundantes ilustraciones, el libro presenta obras de Manet, Monet, Renoir y otros importantes impresionistas, con detalles biográficos y contexto histórico.
«Pintura impresionista. 1860-1920», de Ingo F. Walther
«Pintura impresionista. 1860-1920», de Ingo F. Walther
Aunque el impresionismo es un movimiento artístico de gran difusión que ha producido numerosas obras, muchas de sus facetas permanecen sin explorar. Este libro está dedicado precisamente a estas áreas inexploradas, centrándose en artistas olvidados como Berthe Morisot, Lucien Pissarro y Gustave Caillebotte.
Además, arroja luz sobre la pintura impresionista más allá de las fronteras de Francia, ofreciendo una visión integral de este género artístico. Con análisis perspicaces y nuevos hallazgos, esta obra llena un importante vacío en la investigación impresionista e invita al lector a descubrir la diversidad y la belleza de este movimiento artístico de una forma completamente nueva.
“Impresionismo” de Karin H. Grimme (TASCHEN Verlag)
Esta fascinante mirada al mundo del Impresionismo nos sumerge en las obras maestras de algunos de los artistas más importantes de su época. Junto a figuras de renombre mundial como Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Morisot y Camille Pissarro, artistas menos conocidos pero igualmente talentosos también brillan con luz propia.
Personalidades como Marie Bracquemond, Medardo Rosso y Fritz von Uhde merecen sin duda ser reconocidas por su trabajo.
Desde su lanzamiento en 1985, la colección Basic Art Series se ha convertido en un recurso indispensable para amantes del arte y creadores de todo el mundo. Con un contenido excepcional y una amplia selección de artistas, se ha consolidado como la colección de libros de arte más vendida de todos los tiempos.
“Impresionismo: la colección Hasso Plattner” de Ortrud Westheider
Impresionismo: Colección Hasso Plattner, de Ortrud Westheider (Museo Barberini)
No existe ninguna colección comparable que presente la pintura paisajística impresionista de forma tan completa y convincente en su desarrollo e iconografía como la reunida por Hasso Plattner a lo largo de las últimas décadas. Las más de cien pinturas se exhiben ahora de forma permanente en el Museo Barberini de Potsdam, que él mismo fundó.
Ortrud Westheider, directora del Museo Barberini, utiliza esta colección para guiar al público a través de la historia del impresionismo francés.
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Propietaria y directora general de Kunstplaza. Publicista, editora y bloguera apasionada en los ámbitos del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciada en diseño web (2008). Ha perfeccionado sus técnicas creativas mediante cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, fruto de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con figuras e instituciones clave del sector artístico y cultural.
En el arte, los artistas y las obras de arte se clasifican en períodos estilísticos . Estos se basan en características comunes de las obras de arte y los productos culturales de una época determinada.
La división en épocas sirve como herramienta para estructurar y clasificar obras y artistas dentro de un marco temporal y un acontecimiento histórico-cultural.
El conocimiento de los periodos artísticos desempeña un papel fundamental, especialmente en el comercio del arte , así como en la teoría del arte y el análisis de la imagen clásica.
En esta sección del blog de arte, nos gustaría ayudarle a comprender mejor estas épocas, estilos y movimientos.
Estilos y movimientos artísticos
El estilo artístico o estilo de las obras de arte se refiere a la expresión uniforme de las obras de arte y productos culturales de una época, un artista o grupo de artistas, un movimiento artístico o una escuela de arte.
Se trata de una herramienta para clasificar y sistematizar la diversidad del arte. Señala similitudes que difieren de otras.
El término está relacionado temáticamente con el período artístico , pero no se limita a un período de tiempo específico y, por lo tanto, es mucho más amplio.
En esta sección, nos gustaría ayudarle a comprender mejor los estilos y movimientos artísticos.
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