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La pintura al óleo tiene una larga tradición
Las pinturas al óleo se remontan a alrededor del año 650 d.C. , y las pinturas al óleo se encuentran en el antiguo asentamiento histórico de Bamiyán, en Afganistán
Esta región se encuentra en la otrora importante Ruta de la Seda y es famosa por sus colosales Budas de Bamiyán. Detrás de las estatuas, en un amplio espacio interior excavado en la roca, se pueden encontrar los primeros ejemplos de pintura al óleo en las paredes .
Las pinturas al óleo de aquella época ya mostraban una gran variedad de ingredientes y pigmentos, e incluso los murales estaban cubiertos con una capa de barniz.
Esto sugiere que la tecnología ya estaba bastante avanzada y debió haber sido utilizada en Asia antes del siglo VII.
Durante mucho tiempo se atribuyó la invención de la pintura al óleo al pintor europeo del siglo XV Jan vanEyck . Sin embargo, se pueden encontrar instrucciones escritas para la producción de pintura al óleo en manuscritos de Teófilo, que datan incluso de antes (alrededor del año 1125 d.C.).
En aquella época, probablemente no se trataba de pintura al óleo sobre lienzo, sino que la pintura al óleo se utilizaba para la decoración de tallas, esculturas y pinturas sobre madera, especialmente para uso en exteriores.
Los artistas de los Países Bajos fueron, en última instancia, los primeros en popularizaróleo como medio pictórico , que luego se extendió como medio contemporáneo por todo el norte de Europa y posteriormente a Italia.
Las primeras pinturas al óleo se realizaron sobre tablas de madera, pero a finales del siglo XV el uso del lienzo se había popularizado cada vez más. Era económico y fácil de transportar.
Venecia fue pionera en el suministro de tela para velas debido a la abundancia de este material en la ciudad. Hacia 1540, la pintura al temple sobre tabla era una técnica poco común, e Italia se inclinaba cada vez más hacia la pintura al óleo sobre lienzo .
En los siglos siguientes, la pintura al óleo se utilizó casi continuamente sobre lienzo como medio para expresar muchos estilos y movimientos artísticos diferentes.
Pinturas al óleo famosas, parte 2: puestos del 26 al 50
En este artículo presentamos nuestra clasificación del puesto 26 al 50 .
Nuestros 26-50 mejores
A pesar de la gran cantidad de pinturas que el público ha contemplado en museos y galerías de arte de todo el mundo, solo una pequeña parte ha sido reconocida universalmente como clásica. De belleza y factura atemporales, estas obras de arte han trascendido el tiempo y los conceptos artísticos, dejando su huella en la historia del arte.
Estas pinturas son conocidas por personas de todas las edades y culturas como representantes de las mayores obras de arte jamás creadas y seguirán resonando en la mente de los amantes del arte durante muchos siglos venideros.
En nuestra colección de las 100 pinturas más famosas del mundo, encontrará aquellas obras maestras que han alcanzado el máximo impacto artístico y reconocimiento. Esta lista incluye obras de numerosos artistas célebres, que actualmente se exhiben en algunos de los mejores museos del mundo.
26. “La dama del armiño” de Leonardo da Vinci
Título: La dama del armiño | Año: ca. 1490 | Técnica: Témpera/óleo sobre tabla | Dimensiones: 40,3 x 54,8 cm | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Museo Czartoryski, Cracovia
La dama del armiño es una pintura de Leonardo da Vinci que data de alrededor de 1489-1490. Esta impresionante imagen mide 40,3 cm de ancho y 54,8 cm de alto. Desafortunadamente, es probable que el fondo original fuera cubierto en el siglo XVII.
La persona retratada se identifica como Cecilia Gallerani y probablemente fue pintada en una época en la que era amante de Lodovico Sforza, duque de Milán, y Leonardo estaba al servicio del duque.
La dama del armiño fue retocada extensamente. Se oscureció todo el fondo, se retocó el vestido que llevaba debajo del armiño y se repintó el velo transparente para que coincidiera con el color de su cabello. El resultado de este último retoque fue crear la ilusión de que su cabello le llegaba por debajo de la barbilla.
Otro cambio fue la adición de sombras oscuras entre los dedos de su mano derecha. Una observación detallada de los dos dedos inferiores revela que son considerablemente menos nítidos que los demás, después de que un restaurador desconocido los repintara. Una radiografía de esta pintura reveló la presencia de una puerta en el fondo original.
La Dama del Armiño de Leonardo es una de las obras más importantes del arte occidental. Solo se conservan unos pocos cuadros auténticos sobre tabla. Leonardo era enormemente curioso y a menudo pintaba con materiales experimentales o abandonaba proyectos una vez que dominaba el reto formal que cada uno presentaba.
La dama del armiño, objeto de la mayor rareza, es una imagen cautivadora de exquisita elegancia y revela el genio artístico de la mente creativa incomparable de Leonardo da Vinci
27. “El retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (El matrimonio Arnolfini)” de Jan van Eyck
Título: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (El matrimonio Arnolfini) | Año: 1434 | Técnica: Óleo sobre tabla de roble | Dimensiones: 82,2 × 60 cm | Estilo: Renacimiento holandés, Renacimiento temprano | Ubicación: National Gallery, Londres
Uno de los cuadros más famosos y fascinantes del mundo. Un hombre y una mujer ricamente vestidos se encuentran en una habitación privada. Probablemente se trate de Giovanni di Nicolao di Arnolfini, un comerciante italiano afincado en Brujas, y su esposa.
Aunque la habitación resulta perfectamente plausible —como si Jan van Eyck simplemente hubiera quitado una pared—, una mirada más atenta revela inconsistencias: no hay suficiente espacio para la lámpara de araña y no hay rastro de una chimenea.
Además, cada objeto fue cuidadosamente seleccionado para proclamar la riqueza y el estatus social de la pareja sin correr el riesgo de ser criticados por imitar a la aristocracia.
El hombre tiene la mano alzada, aparentemente en señal de saludo. En la pared del fondo, un gran espejo convexo refleja a dos hombres que entran en la habitación; uno de ellos también levanta el brazo. La firma de Van Eyck se encuentra justo encima.
¿Podría el hombre del espejo ser el propio van Eyck, de visita con su sirviente?
Título original: La Última Cena | Año: 1495–1498 | Técnica: Témpera, yeso, mástique y brea sobre pared | Dimensiones: 4,6 x 8,8 m | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Santa Maria delle Grazie, Italia
La Última Cena (Cenacolo Vinciano) de Leonardo da Vinci es una de las pinturas más famosas del mundo. Esta obra fue pintada entre 1494 y 1498, durante el reinado de Ludovico el Moro, y representa la última cena entre Jesús y sus discípulos.
Para crear esta obra única, Leonardo llevó a cabo una extensa investigación y realizó innumerables bocetos preparatorios. Abandonando el método tradicional de la pintura al fresco, Leonardo pintó la escena en seco sobre la pared del refectorio.
Se hallaron restos de láminas de oro y plata, lo que indica la voluntad del artista de representar las figuras con mayor realismo, incluyendo valiosos detalles. Tras su finalización, su técnica y factores ambientales contribuyeron al deterioro final del fresco, que ha sido restaurado en numerosas ocasiones.
La última restauración se completó en 1999, utilizando diversos métodos científicos para restaurar los colores originales lo más fielmente posible y eliminar los restos de pintura que se habían aplicado en intentos anteriores de restaurar el fresco.
Título original: El prendimiento de Cristo | Año: 1602 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 4,6 x 8,8 m | Estilo: Barroco | Ubicación: Galería Nacional de Irlanda
Caravaggio pintó esta extraordinaria obra en 1602 para el marqués romano Ciriaco Mattei. Con un nuevo enfoque visual de la historia bíblica, Caravaggio situó las figuras cerca del plano pictórico y utilizó un fuerte contraste de luces y sombras, lo que confiere a la escena un significado y un dramatismo excepcionales.
Judas ha identificado a Cristo con un beso justo cuando llegan los guardias del templo para arrestarlo. El discípulo que huye desordenado a la izquierda es San Juan Evangelista. Solo la luna ilumina la escena. Aunque el hombre del extremo derecho sostiene una linterna, en realidad es una fuente de luz ineficaz. En los rasgos de este hombre, Caravaggio se retrató a sí mismo a los 31 años como un observador de los acontecimientos, un recurso que empleó con frecuencia en sus pinturas.
El cuadro fue un encargo bien documentado y fue copiado con frecuencia por artistas contemporáneos. Sin embargo, en el siglo XX, la pintura desapareció tras ser vendida por la familia en 1802 y atribuida erróneamente a Gerrit van Honthorst, un discípulo neerlandés de Caravaggio.
Los estudiosos retomaron la búsqueda del original en la década de 1940, ya que muchos de ellos habían dejado de aceptar la autenticidad de una pintura del Museo de Arte de Odesa. Ahora se sabe que esta pintura es una copia realizada en 1626 para otro miembro de la familia Mattei.
El cuadro se considera ahora una obra clave de Caravaggio, creada durante su breve pero muy productiva etapa en Roma. Posee todas las características propias de sus grandes obras: una narrativa dramática, claroscuro, figuras expresivas, una dimensión espiritual y magníficos detalles en la superficie.
30. “La noche estrellada sobre el Ródano” de Vincent van Gogh
Título original: La noche estrellada sobre el Ródano | Año: 1888 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 72 x 92 cm | Estilo: Postimpresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
La Noche estrellada sobre el Ródano (septiembre de 1888) fue una de las tres pinturas creadas en el mismo mes que incorporaban el cielo nocturno y las estrellas como elementos simbólicos fundamentales. También pintó Terraza de café por la noche y un retrato de su amigo Eugène Boch, que quizá fue el más simbólico de los tres.
La Noche estrellada sobre el Ródano fue pintada en un punto de la ribera a tan solo un par de minutos a pie de la Casa Amarilla en la plaza Lamartine, que Van Gogh alquilaba en aquel entonces. El cielo nocturno y sus efectos de luz nocturna inspiraron algunas de sus pinturas más famosas, incluyendo La noche estrellada, su obra más célebre sobre el cielo nocturno.
El reto de pintar de noche fascinaba a Van Gogh. El punto de vista que eligió para «La noche estrellada sobre el Ródano» le permitió capturar los reflejos de las farolas de gas de Arlés sobre las brillantes aguas azules del Ródano. En primer plano, dos amantes pasean por la orilla del río.
Aquí, sus estrellas brillan con una luminosidad que emana del cielo nocturno, oscuro, azul y aterciopelado. Dispersas a lo largo de las orillas del Ródano, las casas también emiten una luz que se refleja en el agua, contribuyendo a la atmósfera misteriosa del cuadro.
Título: El jardín de las delicias | Año:1490-1500 | Técnica: Óleo sobre tabla de roble | Dimensiones: 220 x 390 cm | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Museo del Prado, Madrid
De todas las obras mencionadas hasta ahora, esta es quizás aquella en la que suceden más cosas simultáneamente. Hieronymus Bosch , un maestro pintor flamenco , creó el tríptico al óleo "El jardín de las delicias" entre 1490 y 1510.
Se encuentra expuesta en el Museo del Prado y es una pintura al óleo sobre tres paneles de roble que, leída de izquierda a derecha, muestra escenas del Edén, el jardín de las delicias terrenales (quizás advirtiendo a sus espectadores contra las tentaciones humanas) y el Infierno.
En el exterior, cuando los paneles están cerrados, se puede ver una representación de la supuesta creación del mundo.
El Jardín de las Delicias ha sido estudiado e interpretado de diferentes maneras por los científicos durante años, basándose en sistemas simbólicos que incluyen los alquímicos, heréticos, astrológicos, inconscientes y folclóricos.
La obra inspiró a muchos artistas posteriores a citar o incorporar elementos de la misma, entre ellos Pieter Bruegel el Viejo, David Teniers el Joven, los primeros surrealistas como Joan Miró y Salvador Dalí , y más tarde René Magritte y Max Ernst.
Título original: Almuerzo de los remeros | Año: 1880 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 130 × 173 cm | Estilo: Impresionismo | Ubicación: Colección Phillips, Washington, D.C.
En 1880, Pierre-Auguste Renoir creó esta obra maestra del estilo impresionista titulada "El almuerzo de los remeros" , también conocida como "El desayuno de los remeros" .
Es, sin duda, una de las obras más famosas del artista y plasma sus impresiones personales sobre su entorno. Todas las personas que aparecen en el cuadro pertenecen a su círculo íntimo y han sido inmortalizadas desde su perspectiva.
En primer plano a la derecha, Angèle, una de las modelos habituales de Renoir, se gira hacia el periodista Maggiolo, que está de pie. El pintor Gustave Caillebotte, recostado en su silla, mira fijamente a Aline Charigot, futura esposa de Renoir, que ronronea a su terrier, mientras el corpulento Alphonse Fournaise Jr., hijo del dueño del restaurante, se apoya en la barandilla del balcón, observando la escena.
En el centro se encuentra sentado el barón Raoul Barbier, un antiguo oficial de caballería, de espaldas al espectador, hablando con la mujer que descansa sobre sus codos en la barandilla y que presumiblemente es Alphonsine Fournaise, la hija del propietario.
Frente a Barbier se encuentra la actriz Ellen Andrée, bebiendo de una copa. Detrás de ella, Charles Ephrussi, con sombrero de copa, banquero y editor de la Gazette des beaux-arts, conversa con Jules Laforgue, poeta, crítico y secretario personal de Ephrussi.
En la parte superior derecha, Eugène Pierre Lestringuez, funcionario del Ministerio del Interior, ríe con Jeanne Samary, famosa actriz de la Comédie Française, mientras que el artista Paul Lhote, amigo íntimo de Renoir, inclina la cabeza.
El restaurante "Maison Fournaise" en Chatou, con una ubicación idílica a orillas del Sena, era un lugar de encuentro popular para remeros e impresionistas de la época. Sin embargo, a medida que aumentaba el interés por el ciclismo, el restaurante tuvo que cerrar a principios del siglo XX.
Gracias a la fama de los artistas visitantes y a esta obra única, el restaurante con museo anexo reabrió sus puertas en la década de 1990.
33. “El 28 de julio. La libertad guiando al pueblo”, de Ferdinand Victor Eugene Delacroix
OT: El 28 de julio. La Liberté guía al pueblo | Año: 1830 | Medio: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 260 × 325 cm | Época de estilo: Romanticismo | Ubicación: Louvre, París
En el Louvre se puede admirar un fascinante óleo sobre lienzo de 1830, inspirado Revolución de Juliola Mona Lisa de Leonardo da Vinci, se considera una de las obras maestras más importantes del museo.
Este cuadro se ha convertido en un importante símbolo de la Revolución Francesa.
En julio de 1830, estalló en Francia un importante conflicto conocido como la Revolución de Julio. En tan solo tres días, se desató un enfrentamiento entre el pueblo de París y el rey Carlos X, que finalmente provocó su huida y abdicación de la capital.
El motivo del levantamiento fue el desprecio del rey por las libertades concedidas en 1789. Luis Felipe I sucedió a Carlos X e instauró la Monarquía de Julio. La Revolución de Julio fue, por tanto, la segunda gran revolución en Francia, que trajo consigo cambios políticos duraderos en el país.
El cuadro , «La Libertad guiando al pueblo», representa una escena con barricadas en París. Al fondo, se divisan las torres de Notre Dame, que identifican claramente el lugar de los disturbios.
Como testigo presencial de los hechos, el artista decidió crear esta obra maestra, que posteriormente se convirtió en uno de los símbolos más importantes de la República Francesa. La obra sirvió de inspiración para numerosos sellos postales e incluso para el antiguo billete de 100 francos.
El cuadro se presentó por primera vez al público en el Salón de París en 1831. En aquel momento se le conoció "Scènes de barricades"
Desde 1863, la obra de arte se exhibió en el Museo de Luxemburgo. Siete años después de la muerte de Eugène Delacroix, en 1874, la obra, ahora titulada "La Libertad guiando al pueblo", se presentó en el Louvre.
Si desea ver la obra maestra en vivo, la encontrará en el piano de cola Denon, sala 77, en el primer piso del museo.
Título original: El columpio | Año: 1767-1768 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 81 × 64 cm | Estilo: Rococó | Ubicación: Colección Wallace, Londres
El rococó encarna la ligereza, la sensualidad y una decadencia lúdica en tiempos de convulsión.
Fragonard , pintor y erotista , dominó este estilo, y sus obras no siempre fueron bien recibidas bajo el reinado de Luis XV, ya que se consideraban demasiado subidas de tono. Un ejemplo de ello es una escena en la que una joven noble se columpia en un bosque salvaje.
El viejo árbol nudoso simboliza la aristocracia francesa opulenta de poco antes de la Revolución. La exquisita vestimenta de la dama contrasta con el entorno agreste, que se reconoce como un parque por las estatuas.
Mientras lanza con audacia su zapato derecho al aire y abre las piernas, deja entrever algo bajo su vestido que susurra. Un hombre de noble cuna yace absorto entre los arbustos, con el sombrero en alto, cautivado por el encanto del juego.
Al fondo, un lacayo algo mayor, probablemente su marido o un amante, se columpia.
Cuando estalló la Revolución Francesa, Fragonard tuvo que empacar sus pinturas y huir a su ciudad natal, Grasse, donde nació en 1732, hijo de un humilde comerciante de perfumes. Murió en 1806. La mayor parte de su obra se puede admirar actualmente en la Colección Frick de Nueva York.
Título: Almuerzo sobre la hierba | Año: 1863 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 264,5 × 208 cm | Estilo: Impresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
En 1863, el artista francés Édouard Manet la impresionante obra de arte "Le Déjeuner sur l'herbe".
El cuadro representa a cuatro personas sentadas tranquilamente sobre una manta de picnic en un bosque. Dos hombres parecen estar enfrascados en una animada conversación, mientras que una mujer está sentada desnuda junto a ellos. Al fondo se puede ver a otra mujer desnuda.
En 1863, la obra de Manet se consideró altamente provocativa y escandalosa, ya que en aquel entonces el Imperio Alemán estaba sujeto a estrictas regulaciones en materia de pintura. Estas regulaciones tenían como objetivo promover a los artistas conformistas y excluir a los "librepensadores" mediante la prescripción de técnicas, temas y otras especificaciones.
El Salón anual, una exposición supervisada por un jurado estricto, era la máxima expresión de reconocimiento a los artistas conformistas. Sin embargo, más de la mitad de las obras presentadas fueron rechazadas en 1863.
Para los artistas cuyas obras fueron rechazadas, esto supuso una carga enorme, ya que el acceso al mercado del arte se volvió prácticamente imposible. Manet, sin embargo, pudo permitirse la provocación gracias a una cuantiosa herencia.
Su primera foto escandalosa no solo ofendió al público, sino también a su familia.
Las críticas al sistema artístico imperante fueron tan fuertes que el entonces emperador Napoleón III decidió crear una exposición paralela donde pudieran exhibirse las obras rechazadas.
Después de que su cuadro, titulado "El baño", fuera rechazado, Manet lo expuso en el Salón de los Rechazados.
La obra maestra puede contemplarse hoy en el Museo de Orsay de París.
Édouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832 y murió allí el 30 de abril de 1883. Sus obras de arte son muy codiciadas en el mercado del arte, y algunas de sus pinturas se han vendido por millones de euros.
En reconocimiento a su obra, varias calles de Francia llevan su nombre, entre ellas la Rue Éduard Manet en París y otras ciudades.
Título original: Composición VIII | Año: 1923 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 140 × 201 cm | Movimiento artístico: Suprematismo, Arte abstracto | Ubicación: Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York
La magistral obraWassily Kandinsky , "Composición VIII" , es sencillamente impresionante. Todos los elementos aparecen en el lienzo como objetos flotantes en el espacio.
La forma circular, que reposa serenamente en la esquina izquierda, se ve realzada por el rojo circundante y crea un contraste con las formas geométricas, otorgando a la obra una apariencia estática.
Desde temprana edad, Kandinsky sintió fascinación por el color y le atribuía cualidades trascendentales. Su investigación se centró en la interacción entre sonido y color, con el objetivo de crear una obra de arte similar a una canción compuesta.
En el momento de la creación de la obra, durante la época de la Bauhaus , Kandinsky se trasladó de la Unión Soviética a la República de Weimar debido a las restricciones artísticas del sistema gubernamental marxista-leninista.
Durante los años que pasó en Rusia y su estado sucesor, dedicados principalmente a la reforma de los museos y al desarrollo de sus teorías artísticas, no fue productivo en cuanto a la creación de obras de arte. Sin embargo, regresó fortalecido y dispuesto a pintar.
El cuadro Composición VIII, el octavo de una serie de 1911, fue la primera obra que Kandinsky creó tras el estallido de la Primera Guerra Mundial. A diferencia de una improvisación, fue ejecutado según un plan específico. Fue creado en la Alemania de Weimar a principios de la década de 1920, tras la transición de la monarquía a la república democrática.
37. “Las espigadoras, 1857” de Jean-François Millet
Título original: Las espigadoras, 1857 | Año: 1857 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 84 × 111 cm | Estilo: Realismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
La obra más famosa de Millet, con mucho: "Las espigadoras" muestra a un trío de mujeres recogiendo los últimos granos de trigo de un campo.
Millet consideró que el tema de las mujeres recogiendo los últimos granos de trigo era un tema eterno, relacionado con historias del Antiguo Testamento.
El cuadro fue recibido con abierto desprecio por el público. Presentaba, bajo una luz favorable, a los estratos más bajos de la sociedad de la época, que explotaban el antiguo derecho a recoger los últimos restos de la cosecha de trigo.
Durante su vida, este cuadro solo atrajo fama entre la clase alta francesa, que temía una glorificación de las clases bajas, y solo alcanzó mayor popularidad después de la muerte del artista.
Título: El triunfo de Galatea | Año: 1511/1512 | Técnica: Óleo sobre lienzo / Fresco | Dimensiones: 295 × 225 cm | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Villa Farnesina, Sala de Galatea, Roma
Rafael, un pintor excepcional del Alto Renacimiento, se centró en la mujer en algunas de sus obras.
evidencia particularmente en la pintura "El triunfo de Galatea ". Este fresco fue creado específicamente para la Villa Farnesina en Roma, que una vez fue propiedad de Agostino Chigi, una de las personas más ricas de su tiempo.
La obra se basa en un mito griego en el que Galatea formaba parte de un triángulo amoroso. Se enamoró del pastor Acis, lo que provocó los celos del gigante Polifemo.
Mató a Acis con una columna gigante. Aunque el fresco formaba parte de una serie, nunca se terminó por completo.
Rafael eligió deliberadamente la escena en la que Galatea se transforma en una deidad después de su muerte y, por lo tanto, puede permanecer eternamente entre los dioses.
Esta transformación fue la recompensa por el dolor y las pruebas que soportó a lo largo de su vida. Rafael pintó el Triunfo de Galatea desde un lugar de profunda emoción, como respuesta a sus sentimientos por las "Estancias para la giga" .
Angelo Poliziano, otro artista, escribió las «Stanze per la giostra». Este poema se considera una obra maestra de su género de la época. El torneo en el que participó Giuliano de' Medici fue el escenario de la historia.
Galatea viaja montada en una concha transportada por dos delfines y está acompañada por dos aparentes cupidos que le disparan flechas de amor a la cabeza deliberadamente.
Rafael optó deliberadamente por no pintar a ninguno de los personajes principales de la historia mitológica para que no distrajeran la atención de la apoteosis de Galatea.
39. "La dama de Shalott" de John William Waterhouse
Título original: La dama de Shalott | Año: 1888 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 183 × 231 cm | Movimiento artístico: Realismo / Prerrafaelismo | Ubicación: Tate Britain
El óleo "La dama de Shalott" fue creado en 1888 por John William Waterhouse (1849-1917) y representa una escena del poema del mismo nombre de Lord Alfred Tennyson (1809-1892).
El lienzo mide 72 x 91 pulgadas y se expuso por primera vez en la Exposición de la Real Academia. Tras pertenecer a Sir Henry Tate (1819-1899), fue donado a la Tate Britain en 1894, pasando así a formar parte de una colección pública. Actualmente, la pintura puede admirarse en la Tate Britain.
La tonalidad tranquila y suave de la obra sigue encantando a espectadores de todo el mundo.
Sus obras posteriores demuestran claramente el renacimiento del estilo prerrafaelita en el mundo del arte. Aunque Waterhouse estuvo activo décadas después que los primeros prerrafaelitas, compartió muchas de sus mismas aspiraciones.
Sus pinturas están influenciadas por el arte italiano del Quattrocento y el arte medieval . Las obras posteriores de Waterhouse se caracterizan por un fuerte interés en la representación precisa de la naturaleza y armonizan perfectamente con el prerrafaelismo a través de sus colores saturados y ricos detalles.
La Señora de Shalott personifica el amor no correspondido , intensificado por numerosos símbolos de muerte, como golondrinas y hojas secas. En la barca, el crucifijo simboliza el sacrificio que la Señora está dispuesta a realizar.
Algunos expertos interpretan la acción de la dama, basada en su propia determinación, como un comentario sobre la limitada o inexistente capacidad de acción de las mujeres en la Inglaterra victoriana.
las mujeres estaban mayoritariamente confinadas al ámbito doméstico y, como Elaine, anhelaban la libertad y la independencia.
Título original: La clase de baile | Año: 1873-1874 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 85 × 75 cm | Estilo: Impresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
Su objetivo era conocer a los bailarines entre bastidores, admirar su disciplina y gracia, y observar su entrenamiento inspeccionando los estudios de danza.
Gracias a su buen amigo, tuvo la fortuna de presenciar esos momentos íntimos. En uno de sus cuadros, retrata al profesor Jules Perrot, un hombre pequeño, canoso, que durante la clase marca el ritmo golpeando el suelo con su bastón con un sonido dominante.
Mientras las demás bailarinas ya están estirando y la clase está llegando a su fin, el profesor habla con la bailarina que tiene delante, que escucha atentamente.
Degas era un observador sumamente perspicaz, como resulta evidente a primera vista al contemplar el cuadro. Además de la comunicación obvia en el plano medio, descubrimos numerosos gestos más sutiles.
Por ejemplo, una joven a la izquierda se rasca la espalda discretamente, mientras su vecina se ajusta un pendiente. La mujer de delante apoya el brazo en la cadera y se abanica.
Una segunda versión de la imagen muestra una escena más animada. Reconocemos inmediatamente a Jules Perrot a la derecha, que hoy lleva una camisa roja.
Junto con las bailarinas y sus madres, observa la actitud: una postura en la que la bailarina se apoya sobre una pierna y extiende con gracia la otra hacia atrás.
Degas no pretendía congelar el movimiento, sino experimentarlo plenamente con la mirada de su mente. Para él, la viveza resultante era una fuente de consuelo.
En una carta a su amigo Henri Rouart en 1886, describió lo triste que sería si las hojas de los árboles no se movieran.
Título original: Desnudo reclinado, 1917-18 | Año: 1917 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 60 × 92 cm | Movimiento artístico: Modernismo clásico | Ubicación: Colección privada en Shanghái, China
En 1917, Modigliani comenzó su magnífica serie de pinturas de desnudos . Las mujeres en sus lienzos están representadas desde una perspectiva cercana y mayormente desde arriba, con sus cuerpos estilizados ocupando todo el ancho de la composición.
La sábana oscura sobre la que reposan acentúa el brillo de su piel. Sin embargo, sus pies y manos siempre quedan fuera de plano. Algunas de las modelos parecen estar dormidas, pero la mayoría, como en este caso, mira directamente al espectador.
Estas obras continúan la tradición de representar a Venus desnuda , que persistió desde el Renacimiento hasta el siglo XIX.
El óleo «Desnudo reclinado» («Nu couché»), de 1917 y 1918, fue en su momento una de las pinturas más escandalosas. Quizás la obra más famosa de Amedeo Modigliani, se subastó en Christie's por la cifra récord de aproximadamente 170,4 millones de dólares (unos 158 millones de euros) a un coleccionista privado chino.
Esto convierte al cuadro en la segunda obra de arte más cara jamás subastada.
42. “Calle de París, día lluvioso”, de Gustave Caillebotte
Título: Calle de París, día lluvioso | Año: 1877 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 212 × 276 cm | Movimiento artístico: Impresionismo | Ubicación: Instituto de Arte de Chicago
Inspirado por el arte académico y moldeado por su formación en la renombrada École des Beaux-Arts bajo la dirección de Leon Bonnat (1833-1922), Gustave Caillebotte al ala realista del movimiento impresionista.
Su estilo pictórico realista le otorgó una sensibilidad natural para el arte contemporáneo. Al igual que sus predecesores Jean-François Millet (1814-75) y Gustave Courbet (1819-77), se esforzó por representar el mundo tal como era, no como debería ser. Con una tonalidad suave, creó obras únicas que reflejaban su visión y talento artísticos.
En esta obra maestra, Caillebotte despliega una monumentalidad y un virtuosismo compositivo extraordinarios al abordar la típica escena cotidiana de los impresionistas.
Se centra en los audaces bulevares introducidos por el barón Haussmann (1809-91) que transformaron el paisaje urbano de París. El resultado es una mezcla de realidad y ficción, hábilmente coreografiada y a la vez de una elegancia natural.
Las figuras distantes que representa reflejan el anonimato de los bulevares, mientras que la vista elegida enfatiza la enorme escala del desarrollo arquitectónico y eclipsa las figuras humanas que lo rodean.
Muchas de las figuras representadas parecen aisladas y absortas en sus pensamientos. Sus expresiones son apagadas y parecen apresurarse en lugar de pasear. El encuadre y el efecto fotorrealista de la imagen contribuyen a una estética moderna.
Título original: Dos mujeres tahitianas | Año: 1899 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 94 × 72 cm | Estilo: Postimpresionismo | Ubicación: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Paul Gauguin (1848-1903) solo se centró verdaderamente en su arte después de su matrimonio en 1773. Desafortunadamente, su nueva pasión lo llevó a divorciarse más de una década después.
Desencantado con la sociedad occidental, viajó por el mundo y finalmente se estableció en la Polinesia Francesa. Allí creó algunas de sus pinturas más famosas.
Los lienzos que Gauguin envió de vuelta a Francia desde los Mares del Sur reflejan la libertad que ejerció al crear imágenes de mujeres indígenas.
Aquí se orientó hacia las representaciones clásicas de desnudos y se apoyó en gestos y expresiones faciales para evocar a la “Eva tahitiana” , a quien invocó en sus escritos: “muy sutil, muy consciente en su ingenuidad” y envidiablemente “capaz de andar desnuda sin vergüenza” .
Las mujeres susurran secretos, ofrecen flores exóticas o frutas (prohibidas) y habitan el Edén tropical inventado por Gauguin, en el que prevalecen su visión artística —y su mirada masculina—.
Estas dos figuras también aparecen en sus obras monumentales Faa Iheihe (Pastoral tahitiana), 1898; (Tate, Londres) y Rupe Rupe (La cosecha de frutas), 1899; (Museo Pushkin de Bellas Artes, Moscú).
44. “Las ejecuciones del 3 de mayo de 1808” de Francisco de Goya
Título original: Los tiroteos del 3 de mayo de 1808 | Año: 1814 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 255 × 345 cm | Estilo: Clasicismo | Ubicación: Museo del Prado, Madrid
Con una crudeza implacable y una profunda melancolía, Goya ilustra vívidamente los rostros de personas atormentadas por la muerte y la desesperación.
El renombrado artista español Goya se inspiró en los violentos acontecimientos de la ocupación francesa de España (1808-1813) cuando creó esta impresionante obra de arte.
En esta escena, las figuras masculinas simbolizan la ejecución arbitraria de parte de la población de Madrid. Frente a ellas se alza una falange de soldados uniformados, un contraste que Goya realza con su hábil uso de la luz.
En particular, la linterna que se alza entre los dos grupos los separa y casi confiere al hombre desarmado de la camisa blanca un aura sagrada.
Es innegable que Goya incorporó iconografía cristiana a esta obra. Esto alude a las cuestionables acciones éticas y morales de un anónimo «ejército en la sombra» atribuido a Napoleón.
El incidente aludido ocurrió seis años antes de la creación de la obra. En aquel entonces, las tropas españolas se resistieron a la sumisión de Napoleón, lo que provocó una escalada del conflicto y numerosas ejecuciones de ciudadanos españoles. La noche representada en la ilustración, aproximadamente 45 insurgentes perdieron la vida.
Creada en 1814, la pintura fue realizada con óleos sobre lienzo y mide la impresionante cifra de tres metros y medio de ancho.
Título original: Brisa favorable (Un viento favorable) | Año: 1873-76 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 61,5 × 97 cm | Estilo: Realismo, Pintura marina | Ubicación: Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.
Homer desarrolló esta pintura basándose en bocetos y acuarelas que realizó durante una visita a Gloucester, Massachusetts, en 1873. La terminó en 1876, justo cuando la nación celebraba su centenario.
A lo largo de tres años, Homero perfeccionó la composición y reforzó su simbolismo optimista al darle a uno de los niños (en lugar del hombre) el control del timón y colocar un ancla en la proa, simbolizando la seguridad y la esperanza.
Cuando el cuadro se presentó por primera vez en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York en 1876, fue reconocido como una expresión positiva del futuro del país, una idea subrayada por el título original "Un viento favorable", que sugiere un camino tranquilo hacia el futuro.
“Breezing Up” es un ejemplo temprano de un motivo que fascinaría a Homer a lo largo de su carrera: el de los hombres en el mar , desde sus alegres comienzos en la década de 1870 hasta escenas más oscuras como “The Gulf Stream” décadas después.
La obra terminada indica que la significativa influencia del arte japonés en los pintores occidentales del siglo XIX también afectó a Homer, particularmente en el equilibrio compositivo entre la mitad izquierda (activa) y la derecha (espaciada). Homer había visitado Francia en 1866 y 1867, y la influencia de los paisajes marinos de los pintores franceses Gustave Courbet y Claude Monet también resulta claramente evidente.
Título: Olympia | Año: 1863 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 130,5 cm × 190 cm | Movimiento artístico: Impresionismo, Realismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
La modelo desnudaVictorine Meurent yace recostada sobre suntuosas mantas, mirando fijamente y con desafío al espectador. Manet había conocido a la joven apenas un año antes y rápidamente la convirtió en una de sus modelos favoritas.
Otros artistas también se inspiraron en ella. Pero poco se sabe de aquella misteriosa belleza. Ella misma incursionó en la pintura, aprendió a tocar la guitarra y, posteriormente, cayó en el alcoholismo.
Manet, en cambio, la muestra en todo su esplendor, como una musa floreciente que cautiva al espectador con su mirada.
Manet provenía de una familia adinerada y era considerado encantador, culto y talentoso. Su cuadro "El almuerzo sobre la hierba" ya había causado un escándalo, pero continuó esta tradición con "Olympia".
El motivo de la mujer reclinada recuerda a obras como la Venus de Tiziano o la de Goya, pero también a la famosa obra de Giorgione, "La Venus dormida" .
Sin embargo, la mujer representada aquí no es una diosa, sino una prostituta. El nombre «Olympia» carece de significado iconográfico, pero su pronunciación recuerda a mitos antiguos.
Manet aspiraba a unirse a las filas de los grandes maestros y reinterpretó un tema clásico de una forma novedosa. Desafortunadamente, su visión creativa no fue comprendida ni apreciada por todos. Este rechazo constante acabó provocándole una crisis nerviosa en 1871.
No pudo vender la obra en vida, e incluso después de su muerte no encontró comprador. Solo gracias a la ayuda de Sargent y Monet, quienes hicieron un llamamiento público para obtener donaciones, la obra fue finalmente adquirida Louvre
Título original: La lechera | Año: ca. 1660 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 46 cm × 41 cm | Estilo: Barroco , Siglo de Oro | Ubicación: Rijksmuseum Ámsterdam
Casi todo el mundo conoce la escena: una niña de pie junto a la mesa con una jarra de leche en la mano.
Detrás de ella se encuentra la famosa vidriera de Vermeer, cuyos característicos colores azul y amarillo dominan la habitación. También se sabe que Jan Vermeer van Delft tenía poco interés en pintar figuras prominentes de su ciudad natal, ya que carecían de atractivo artístico para él.
Pero para alimentar a su familia, al final tuvo que ceder a sus exigencias. Luchó con ahínco por su estilo, las proporciones y la composición de sus obras. Tras meses de minucioso trabajo, solo conseguía terminar dos cuadros al año.
Afortunadamente, se inspiró para crear una obra maestra como La lechera. La composición es magistral y el espectador puede descubrir multitud de objetos en el cuadro.
Pliegues en mangas y faldas, azulejos de Delft azules y blancos en el zócalo, reflejos de luz en el pan y un juego de colores en la jarra de barro: hay tanto que admirar.
48. “El Temerario” de Joseph Mallord William Turner
Título original: El Temerario combatiente | Año: 1839 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 91 cm × 122 cm | Estilo: Romanticismo, Marina | Ubicación: National Gallery, Londres
Temeraire, de 98 cañones, desempeñó un papel importante en el triunfo británico sobre Napoleón en la batalla de Trafalgar en 1805.
El cuadro pretendía simbolizar el declive del poder naval británico. Debido a que algunas de las pinturas de Turner fueron malinterpretadas por sus contemporáneos, sus críticos modernos consideran que El Temerario es una de sus obras de arte más destacadas.
El Temerario en batalla es una obra maestra que cautiva al espectador. Turner plasma de forma impresionante el ambiente y la atmósfera de la batalla de Trafalgar. El cuadro exhala cierta melancolía a la vez que celebra la victoria sobre Napoleón.
Turner eligió deliberadamente el momento posterior a la batalla para su obra. El Temerario yace en primer plano, majestuoso y orgulloso a pesar de sus graves daños. Al fondo, el sol se alza tras una formación de nubes, símbolo de esperanza y de un nuevo día.
El artista juega hábilmente con los efectos de luz y sombra, así como con los contrastes de color, para crear profundidad y dramatismo. Los cálidos tonos anaranjados del horizonte contrastan con el azul frío del agua, intensificando así la tensión entre la vida y la muerte.
Otro elemento fascinante son las columnas de humo en el horizonte —remanentes de la feroz batalla naval— que dan aún más vida al cuadro. El espectador casi puede oler la pólvora.
Pero esta obra no solo es técnicamente excepcional: también transmite una profunda emoción al espectador. Casi se puede sentir el espíritu heroico de aquella época: hombres valientes en alta mar luchando contra viento y marea por su país.
“El Temerario” pone de manifiesto el extraordinario talento de Turner y su capacidad para dar vida a la historia a través de las imágenes.
El cuadro es un hito del Romanticismo y aún se considera una de las obras más importantes del artista.
49. “El Boulevard Montmartre en una mañana de invierno”, de Camille Jacob Pissarro
Título original: El bulevar Montmartre en una mañana de invierno | Año: 1897 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 65 cm × 81 cm | Movimiento artístico: Impresionismo | Ubicación: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
de forma casi cuadrada y que mide aproximadamente 65 por 81 centímetros, mundo de París
Camille Jacob Pissarro se asocia tanto con el Impresionismo como con el Puntillismo . Aunque inicialmente fue controvertido, el Impresionismo perdido ni un ápice de su atractivo hasta el día de hoy, como lo demuestra de manera impresionante la pintura de Pissarro.
Sus pinturas logran captar toda la fascinación de la metrópolis parisina de finales del siglo XIX. Incluso el invierno se percibe claramente; una delicada y fría niebla parece flotar en el aire.
Las personas, los árboles y los edificios están esbozados en lugar de pintados con detalle, con la intención de crear una atmósfera especial en la imagen en vez de ofrecer una representación fotográfica.
Los colores son vibrantes pero difuminados, lo que confiere a la pintura cierta ambigüedad. Es casi como si el tiempo mismo hubiera pasado sobre el cuadro, dejando su huella.
El espectador casi puede sentir el pulso de la ciudad: la actividad frenética de las calles, la gente con sus elegantes atuendos, los carruajes y los vehículos de caballos. Sin embargo, al mismo tiempo, uno se da cuenta de que todo esto es transitorio. La tecnología avanza y, con ella, el paisaje urbano de París cambia.
Pissarro plasma esta transitoriedad a través de su elección del tema: una bulliciosa intersección en el corazón de París. Aquí, las viejas tradiciones se encuentran con los logros modernos, como la luz eléctrica y las locomotoras de vapor.
La interacción de estos elementos crea una tensión en la imagen: por un lado, el progreso y, por otro, la melancolía del pasado .
Es precisamente esta ambivalencia entre movimiento y quietud , entre lo antiguo y lo nuevo, lo que confiere a la pintura su atractivo. El paso del tiempo se hace visible aquí, no solo en relación con la arquitectura o la tecnología, sino también con respecto a los cambios sociales.
La obra invita a reflexionar sobre el ritmo vertiginoso en el que se ha convertido nuestro mundo; cómo evolucionamos constantemente pero a menudo olvidamos detenernos a reflexionar sobre nuestros orígenes.
Título original: Las dos Fridas | Año: 1939 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 173,5 cm × 173 cm | Movimiento artístico: Arte naíf , Surrealismo | Ubicación: Museo de Arte Moderno, Ciudad de México
El cuadro «Las dos Fridas» fue creado en 1939, poco después del divorcio de Frida Kahlo y Diego Rivera. La pintura al óleo representa las dos facetas de su personalidad.
A un lado se encuentra una versión desconsolada vestida con ropa tradicional, mientras que la versión sentada a su lado se representa como moderna e independiente.
Los orígenes de la inspiración para la pintura se remontan a su infancia, cuando Kahlo escribió en su diario que la imagen se basaba en sus recuerdos de un amigo imaginario.
Sin embargo, más tarde revelaría que lo que sintió tras la ruptura fue la soledad y la separación.
En este retrato al óleo, las dos figuras están sentadas y tomadas de la mano. Ambos corazones son claramente visibles; la versión tradicional de Kahlo muestra el corazón izquierdo desgarrado.
Sostiene el extremo de un lado de la aorta en su regazo, cerrado con fórceps, pero sangra abundantemente. Su angustia interior se refleja en el cielo tormentoso.
El Instituto Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de México adquirió la pintura en 1947 por 4.000 pesos, el precio más alto que la artista había recibido por su obra.
“Las dos Fridas” es una obra poderosa que no solo expresa el dolor personal de la artista, sino que también toca temas universales como el amor , la separación y la identidad.
Esto demuestra la capacidad del arte para conmovernos profundamente y expresar nuestras emociones, una cualidad que hace que las obras de Frida Kahlo sean tan atemporales.
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Propietaria y directora general de Kunstplaza. Publicista, editora y bloguera apasionada en los ámbitos del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciada en diseño web (2008). Ha perfeccionado sus técnicas creativas mediante cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, fruto de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con figuras e instituciones clave del sector artístico y cultural.
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Título: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (El matrimonio Arnolfini) | Año: 1434 | Técnica: Óleo sobre tabla de roble | Dimensiones: 82,2 × 60 cm | Estilo: Renacimiento holandés, Renacimiento temprano | Ubicación: National Gallery, Londres
Título original: La Última Cena | Año: 1495–1498 | Técnica: Témpera, yeso, mástique y brea sobre pared | Dimensiones: 4,6 x 8,8 m | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Santa Maria delle Grazie, Italia
Título original: El prendimiento de Cristo | Año: 1602 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 4,6 x 8,8 m | Estilo: Barroco | Ubicación: Galería Nacional de Irlanda
Título original: La noche estrellada sobre el Ródano | Año: 1888 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 72 x 92 cm | Estilo: Postimpresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
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