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Las pinturas al óleo se remontan a alrededor del año 650 d. C. , y las pinturas al óleo se pueden encontrar en el antiguo asentamiento histórico de Bamiyán, en Afganistán
Esta región se encuentra en la otrora importante Ruta de la Seda y es famosa por sus colosales Budas de Bamiyán. Tras las estatuas, en un amplio interior tallado en la roca, se encuentran los primeros ejemplos de pintura al óleo en las paredes .
Las pinturas al óleo de la época ya mostraban una gran variedad de ingredientes y pigmentos, y los murales incluso estaban cubiertos con una capa de barniz.
Esto sugiere que la tecnología ya era bastante avanzada y debe haber sido utilizada en Asia antes del siglo VII.
La invención de la pintura al óleo se atribuyó durante mucho tiempo al pintor europeo del siglo XV Jan vanEyck . Sin embargo, se pueden encontrar instrucciones escritas para su producción en manuscritos de Teófilo, que datan de una época aún más antigua (alrededor del año 1125 d. C.).
En aquella época, probablemente no se trataba de pintura al óleo sobre lienzo, sino que más bien se utilizaba pintura al óleo para la decoración de tallas, esculturas y pinturas sobre madera, especialmente para uso al aire libre.
Los artistas de los Países Bajos fueron los primeros en popularizaróleo como medio pictórico , que luego se extendió como medio contemporáneo por todo el norte de Europa y luego hasta Italia.
Las primeras pinturas al óleo se pintaban sobre tablas de madera, pero a finales del siglo XV, el uso del lienzo se popularizó. Era económico y fácil de transportar.
Venecia fue pionera en el suministro de telas para velas debido a su abundancia en la ciudad. Para 1540, la pintura al temple sobre tabla era un medio poco común, e Italia se inclinaba cada vez más hacia la pintura al óleo sobre lienzo .
En los siglos siguientes, la pintura al óleo se utilizó casi continuamente sobre lienzo como medio para expresar muchos estilos y movimientos artísticos diferentes.
Pinturas al óleo famosas Parte 2 – Lugares 26 al 50
En este artículo presentamos nuestro ranking del 26 al 50 .
Nuestro Top 26-50
A pesar de la gran cantidad de pinturas que se han visto en museos y galerías de arte de todo el mundo, solo unas pocas han sido reconocidas universalmente como clásicos. De belleza y ejecución atemporales, estas obras de arte han trascendido el tiempo y los conceptos artísticos, dejando huella en la historia del arte.
Estas pinturas son familiares para personas de todas las edades y culturas como representantes de las mayores obras de arte jamás creadas y seguirán resonando en las mentes de los amantes del arte durante muchos siglos más.
En nuestra colección de las 100 pinturas más famosas del mundo, encontrará obras maestras que han alcanzado el máximo impacto artístico y reconocimiento. Esta lista incluye obras de numerosos artistas famosos, actualmente expuestas en algunos de los mejores museos del mundo.
26. “La dama del armiño” de Leonardo da Vinci
Título: La dama del armiño | Año: c. 1490 | Técnica: Témpera/óleo sobre tabla | Dimensiones: 40,3 x 54,8 cm | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Museo Czartoryski, Cracovia
La Dama del Armiño es una pintura de Leonardo da Vinci que data de alrededor de 1489-1490. Esta impresionante imagen mide 40,3 cm de ancho y 54,8 cm de alto. Lamentablemente, el fondo original probablemente fue cubierto en el siglo XVII.
El tema del retrato se identifica como Cecilia Gallerani y probablemente fue pintado en una época en la que ella era la amante de Lodovico Sforza, duque de Milán, y Leonardo estaba al servicio del duque.
La dama de armiño fue sometida a intensos retoques. Se oscureció todo el fondo, se retocó el vestido que llevaba debajo del armiño y se repintó el velo transparente que lleva para que coincidiera con el color de su cabello. El resultado de este último retoque fue crear la ilusión de que su cabello le llegaba por debajo de la barbilla.
Otro cambio fue la adición de sombras oscuras entre los dedos de la mano derecha. Una observación detallada de los dos dedos inferiores revela que son considerablemente menos visibles que los demás, después de que un restaurador desconocido los repintara. Una radiografía de esta pintura reveló la presencia de una puerta en el fondo original.
La Dama del Armiño de Leonardo es una de las obras más importantes del arte occidental. Solo se conservan unas pocas pinturas sobre tabla auténticas suyas. Leonardo era enormemente curioso y solía pintar con materiales experimentales o proyectos abandonados una vez que dominaba el desafío formal que cada uno presentaba.
La Dama del Armiño, objeto de la mayor rareza, es una imagen cautivadora de exquisita elegancia y revela el genio artístico de la incomparable mente creativa de Leonardo da Vinci
27. “El retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (El matrimonio Arnolfini)” de Jan van Eyck
Título: El retrato de Giovanni Arnolfini y su (El matrimonio Arnolfini) | Año: 1434 | Técnica: Óleo sobre tabla de roble | Dimensiones: 82,2 × 60 cm | Estilo: Renacimiento holandés, Renacimiento temprano | Ubicación: National Gallery, Londres
Una de las pinturas más famosas y fascinantes del mundo. Un hombre y una mujer, elegantemente vestidos, aparecen en una habitación privada. Probablemente se trate de Giovanni di Nicolao di Arnolfini, un comerciante italiano que trabajaba en Brujas, y su esposa.
Aunque la habitación es perfectamente plausible, como si Jan van Eyck simplemente hubiera quitado una pared, una mirada más cercana revela inconsistencias: no hay suficiente espacio para la lámpara de araña y no hay señales de una chimenea.
Además, cada objeto fue cuidadosamente seleccionado para proclamar la riqueza y el estatus social de la pareja sin correr el riesgo de ser criticados por imitar a la aristocracia.
El hombre levanta la mano, aparentemente a modo de saludo. En la pared del fondo, un gran espejo convexo refleja a dos hombres entrando en la habitación, uno de los cuales también levanta el brazo. La firma de Van Eyck se encuentra justo encima.
¿Podría ser el hombre del espejo el propio Van Eyck visitando a su sirviente?
Título original: La Última Cena | Año: 1495-1498 | Técnica: Temple, yeso, masilla, brea sobre pared | Dimensiones: 4,6 x 8,8 m | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Santa Maria delle Grazie, Italia
La Última Cena (Cenacolo Vinciano) de Leonardo da Vinci es una de las pinturas más famosas del mundo. Esta obra, pintada entre 1494 y 1498 durante el reinado de Ludovico el Moro, representa la última cena entre Jesús y sus discípulos.
Para crear esta obra única, Leonardo realizó una exhaustiva investigación y produjo innumerables bocetos preparatorios. Abandonando el método tradicional de la pintura al fresco, Leonardo pintó la escena "en seco" en la pared del refectorio.
Se encontraron restos de láminas de oro y plata, lo que indica la voluntad del artista de representar las figuras con un realismo mucho mayor, incluyendo valiosos detalles. Tras su finalización, su técnica y los factores ambientales contribuyeron al deterioro del fresco, que ha sido objeto de numerosas restauraciones.
La última restauración se completó en 1999, utilizándose diversos métodos científicos para restaurar los colores originales lo más fielmente posible y eliminar los restos de pintura que se habían aplicado en intentos anteriores de restaurar el fresco.
Título original: El prendimiento de Cristo | Año: 1602 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 4,6 x 8,8 m | Estilo: Barroco | Ubicación: Galería Nacional de Irlanda
Caravaggio pintó esta extraordinaria obra en 1602 para el marqués romano Ciriaco Mattei. Con un nuevo enfoque visual de la historia bíblica, Caravaggio situó las figuras cerca del plano pictórico y empleó un fuerte contraste de luces y sombras, lo que confiere a la escena un significado y un dramatismo excepcionales.
Judas ha identificado a Cristo con un beso cuando los guardias del templo llegan para arrestarlo. El discípulo que huye desorientado a la izquierda es San Juan Evangelista. Solo la luna ilumina la escena. Aunque el hombre del extremo derecho sostiene una linterna, en realidad es una fuente de luz ineficaz. En los rasgos de este hombre, Caravaggio se retrató a sí mismo, a los 31 años, como observador de los acontecimientos, un recurso que empleó con frecuencia en sus pinturas.
La pintura fue un encargo bien documentado y fue copiada con frecuencia por artistas contemporáneos. Sin embargo, para el siglo XX, desapareció tras ser vendida por la familia en 1802 y atribuida erróneamente a Gerrit van Honthorst, un seguidor holandés de Caravaggio.
Los investigadores reanudaron la búsqueda del original en la década de 1940, ya que muchos ya no aceptaban la autenticidad de una pintura del Museo de Arte de Odessa. Ahora se sabe que esta pintura es una copia realizada en 1626 para otro miembro de la familia Mattei.
La pintura se considera ahora una obra clave de Caravaggio, creada durante su breve pero productivo periodo en Roma. Posee todas las características de sus grandes obras: narrativa dramática, iluminación en claroscuro, figuras expresivas, combinadas con una dimensión espiritual y magníficos detalles superficiales.
30. “Noche estrellada sobre el Ródano” de Vincent van Gogh
Título original: Noche estrellada sobre el Ródano | Año: 1888 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 72 x 92 cm | Estilo: Postimpresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
Noche estrellada sobre el Ródano (septiembre de 1888) fue una de las tres pinturas creadas en el mismo mes que incorporaron el cielo nocturno y las estrellas como elementos simbólicos fundamentales. También pintó Terraza de café de noche y un retrato de su amigo Eugene Boch, que fue quizás el más simbólico de los tres.
La Noche Estrellada sobre el Ródano fue pintada en un lugar a orillas del río, a solo un par de minutos a pie de la Casa Amarilla en la Place Lamartine, que Van Gogh alquilaba por aquel entonces. El cielo nocturno y sus efectos de luz nocturna inspiraron algunas de sus pinturas más famosas, entre ellas La Noche Estrellada, la pintura más famosa de Van Gogh sobre el cielo nocturno.
El reto de pintar de noche fascinó a Van Gogh. El punto de observación que eligió para "Noche estrellada sobre el Ródano" le permitió capturar los reflejos de las farolas de gas de Arlés sobre las brillantes aguas azules del Ródano. En primer plano, dos amantes pasean por la orilla.
Aquí, las estrellas brillan con un resplandor que emana del cielo nocturno, oscuro, azul y aterciopelado. Dispersas a lo largo de las orillas del Ródano, las casas también emiten una luz que se refleja en el agua, contribuyendo a la atmósfera misteriosa de la pintura.
Título: El Jardín de las Delicias | Año:1490-1500 | Técnica: Óleo sobre tabla de roble | Dimensiones: 220 x 390 cm | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Museo del Prado, Madrid
De todas las obras mencionadas hasta ahora, esta es quizás la que presenta más eventos simultáneos. El Bosco , uno de los primeros maestros de la pintura neerlandesa , creó el tríptico al óleo "El Jardín de las Delicias" entre 1490 y 1510.
Se encuentra en el Museo del Prado y es una pintura al óleo sobre tres tablas de roble que, leída de izquierda a derecha, muestra escenas del Edén, el jardín de las delicias terrenales (quizás advirtiendo a sus espectadores contra las tentaciones humanas) y el infierno.
En el exterior, cuando los paneles están cerrados, se puede ver una representación de la supuesta creación del mundo.
El Jardín de las Delicias ha sido estudiado e interpretado de forma diferente por los científicos durante años, basándose en sistemas simbólicos que incluyen los alquímicos, heréticos, astrológicos, inconscientes y folclóricos.
La obra inspiró a muchos artistas posteriores a citarla o incorporar elementos de ella, entre ellos Pieter Bruegel el Viejo, David Teniers el Joven, los primeros surrealistas como Joan Miró y Salvador Dalí , y más tarde René Magritte y Max Ernst.
Título original: Almuerzo de los remeros | Año: 1880 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 130 × 173 cm | Estilo: Impresionismo | Ubicación: Colección Phillips, Washington, D. C
En 1880, Pierre-Auguste Renoir creó esta obra maestra de estilo impresionista titulada “El almuerzo de los remeros” , también conocida como “El desayuno de los remeros” .
Es, sin duda, una de las obras más famosas del artista y refleja la intimidad de su entorno. Todas las personas que aparecen en la pintura pertenecen a su círculo íntimo y han sido inmortalizadas desde su perspectiva.
En primer plano, a la derecha, Angèle, una de las modelos habituales de Renoir, se gira hacia el periodista Maggiolo, de pie. El pintor Gustave Caillebotte, sentado hacia atrás en su silla, observa al otro lado de la mesa a Aline Charigot, la futura esposa de Renoir, quien ronronea a su terrier, mientras el corpulento Alphonse Fournaise Jr., hijo del dueño del restaurante, se apoya en la barandilla del balcón, contemplando la escena.
En el centro se sienta el barón Raoul Barbier, antiguo oficial de caballería, de espaldas al espectador, hablando con la mujer que descansa sobre los codos en la barandilla y que presumiblemente es Alphonsine Fournaise, la hija del propietario.
Frente a Barbier se sienta la actriz Ellen Andrée, bebiendo de un vaso. Detrás de ella, Charles Ephrussi, con sombrero de copa, banquero y editor de la Gazette des Beaux-Arts, conversa con Jules Laforgue, poeta, crítico y secretario personal de Ephrussi.
Arriba a la derecha, Eugène Pierre Lestringuez, funcionario del Ministerio del Interior, se ríe con Jeanne Samary, una famosa actriz de la Comédie Française, mientras el artista Paul Lhote, amigo íntimo de Renoir, inclina la cabeza.
El restaurante «Maison Fournaise» de Chatou, con una ubicación idílica a orillas del Sena, era un popular punto de encuentro para remeros e impresionistas de la época. Sin embargo, ante el creciente interés por el ciclismo, el restaurante tuvo que cerrar a principios del siglo XX.
Gracias a la fama de los artistas visitantes y a esta obra única, el restaurante con museo anexo fue reabierto en los años 90.
33. “El 28 de julio. La libertad guiando al pueblo” de Ferdinand Victor Eugene Delacroix
OT: El 28 de julio. La Liberté guía al pueblo | Año: 1830 | Medio: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 260 × 325 cm | Época de estilo: Romanticismo | Ubicación: Louvre, París
En el Louvre, podrá admirar una fascinante pintura al óleo sobre lienzo de 1830, inspirada Revolución de Juliola Mona Lisa de Leonardo da Vinci, se considera una de las obras maestras más importantes del museo.
Esta pintura se ha convertido en un símbolo importante de la Revolución Francesa.
En julio de 1830, estalló en Francia un importante conflicto, conocido como la Revolución de Julio. En tres días, estalló un conflicto entre el pueblo de París y el rey Carlos X, que finalmente condujo a su huida y abdicación de la capital.
El motivo del levantamiento fue el desprecio del rey por las libertades concedidas en 1789. Luis Felipe I sustituyó a Carlos X e instauró la Monarquía de Julio. La Revolución de Julio fue, pues, la segunda gran revolución en Francia, generando cambios políticos duraderos en el país.
El cuadro "La Libertad guiando al pueblo" representa una escena de barricadas en París. Al fondo, se ven las torres de Notre Dame, que identifican claramente el lugar de los disturbios.
Como testigo presencial de los acontecimientos, el artista decidió crear esta obra maestra, que posteriormente se convertiría en uno de los símbolos más importantes de la República Francesa. La obra sirvió de inspiración para numerosos sellos postales e incluso para el antiguo billete de 100 francos.
El cuadro fue presentado al público por primera vez en el Salón de París de 1831. En aquella época se conoció de “Escenas de barricadas”
A partir de 1863, la obra se expuso en el Museo de Luxemburgo. Siete años después de la muerte de Eugène Delacroix, en 1874, la obra, ahora titulada «La Libertad guiando al pueblo», se presentó en el Louvre.
Si desea ver la obra maestra en vivo, podrá encontrarla en el piano de cola Denon, sala 77, en el primer piso del museo.
Título original: El columpio | Año: 1767-1768 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 81 × 64 cm | Estilo: Rococó | Ubicación: Colección Wallace, Londres
El rococó encarna la ligereza, la sensualidad y la decadencia lúdica en una época convulsa.
Fragonard , pintor y erotista , dominó este estilo, y sus obras no siempre fueron bien recibidas bajo el reinado de Luis XV, pues se consideraban demasiado subidas de tono. Un ejemplo de ello es una escena en la que una joven noble se columpia en un bosque agreste.
El viejo y nudoso árbol simboliza la aristocracia francesa, madura poco antes de la Revolución. La exquisita vestimenta de la dama contrasta con el entorno agreste, reconocible como un parque por las estatuas.
Mientras lanza con audacia su zapato derecho al aire y abre las piernas, deja entrever bajo su vestido crujiente. Un hombre de noble cuna yace absorto entre los arbustos, con el sombrero en alto, cautivado por el encanto de este juego.
Al fondo, un lacayo algo mayor, probablemente su marido o un amante, se balancea en el columpio.
Cuando estalló la Revolución Francesa, Fragonard tuvo que empacar sus cuadros y huir a su ciudad natal, Grasse, donde nació en 1732, hijo de un comerciante de perfumes pobre. Murió en 1806. La mayoría de sus obras pueden admirarse actualmente en la Colección Frick de Nueva York.
Título: Almuerzo sobre la hierba | Año: 1863 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 264,5 × 208 cm | Estilo: Impresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
En 1863, el artista francés Édouard Manet la impresionante obra de arte "Le Déjeuner sur l'herbe".
La pintura representa a cuatro personas sentadas tranquilamente sobre una manta de picnic en un bosque. Dos hombres parecen mantener una animada conversación, mientras una mujer desnuda se sienta a su lado. Al fondo se ve a otra mujer desnuda.
En 1863, la obra de Manet se consideró altamente provocadora y escandalosa, debido a las estrictas regulaciones que regían la pintura en el Imperio Alemán. Estas regulaciones pretendían promover a los artistas conformistas y excluir a los "librepensadores" mediante la prescripción de técnicas, temas y otras especificaciones.
El Salón anual, una exposición supervisada por un jurado riguroso, fue la cumbre del homenaje a los artistas conformistas. Sin embargo, más de la mitad de las obras presentadas fueron rechazadas en 1863.
Para los artistas cuyas obras fueron rechazadas, esto supuso una carga extrema, pues el acceso al mercado del arte se volvió casi imposible. Manet, sin embargo, pudo permitirse la provocación gracias a una cuantiosa herencia.
Su primera foto escandalosa no sólo ofendió al público, sino también a su familia.
Las críticas al sistema artístico imperante fueron tan fuertes que el entonces emperador Napoleón III decidió crear una exposición paralela donde se pudieran exhibir las obras rechazadas.
Después de que el cuadro de Manet, titulado "El Baño", fuera rechazado, lo expuso en el Salón de los Rechazados.
La obra maestra puede verse hoy en el Museo de Orsay de París.
Édouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832 y murió allí el 30 de abril de 1883. Sus obras de arte son muy buscadas en el mercado del arte y algunos de sus cuadros se han vendido por millones de euros.
En reconocimiento a sus obras, varias calles de Francia llevan su nombre, incluida la Rue Éduard Manet en París y otras ciudades.
Título original: Composición VIII | Año: 1923 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 140 × 201 cm | Movimiento artístico: Suprematismo, Arte abstracto | Ubicación: Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York
La obra maestra abstractaWassily Kandinsky , "Composición VIII" , es simplemente impresionante. Todos los elementos aparecen en el lienzo como objetos flotantes en el espacio.
La forma circular, que se encuentra tranquilamente en la esquina izquierda, se calienta con el rojo circundante y crea un contraste con las formas geométricas, lo que le da a la obra de arte una apariencia estática.
Kandinsky sintió fascinación por el color desde muy joven y le atribuyó cualidades trascendentales. Su investigación se centró en la interacción entre el sonido y el color, con el objetivo de crear una obra de arte similar a una canción compuesta.
En el momento en que se creó la obra de arte, durante la era Bauhaus , Kandinsky se mudó de la Unión Soviética a la República de Weimar debido a las restricciones artísticas en el sistema de gobierno marxista-leninista.
Durante los años que pasó en Rusia y su estado sucesor, dedicado principalmente a la reforma museística y al avance de sus teorías artísticas, no fue productivo en cuanto a la creación de obras. Sin embargo, regresó fortalecido y listo para pintar.
La pintura Composición VIII, octava de una serie de 1911, fue la primera obra que Kandinsky creó desde el estallido de la Primera Guerra Mundial. A diferencia de una improvisación, se ejecutó siguiendo un plan específico. Fue creada en la Alemania de Weimar a principios de la década de 1920, tras la transición de la monarquía a la república democrática.
37. “Las espigadoras, 1857” de Jean-François Millet
Título original: Las espigadoras, 1857 | Año: 1857 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 84 × 111 cm | Estilo: Realismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
La obra más famosa de Millet, "Las espigadoras", muestra a un trío de mujeres recogiendo los últimos granos de trigo de un campo.
Millet encontró en el tema de las mujeres recogiendo los últimos granos de trigo un tema eterno, conectado con historias del Antiguo Testamento.
La pintura fue recibida con abierto desprecio por parte del público. Presentaba, con simpatía, a los estratos más bajos de la sociedad de la época, quienes se aprovechaban del antiguo derecho a llevarse los últimos restos de la cosecha de trigo.
Durante su vida, este cuadro sólo atrajo fama entre la clase alta francesa, que temía una glorificación de las clases bajas, y sólo ganó mayor popularidad después de la muerte del artista.
Título: El triunfo de Galatea | Año: 1511/1512 | Técnica: Óleo / Fresco | Dimensiones: 295 × 225 cm | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Villa Farnesina, Sala de Galatea, Roma
Rafael, destacado pintor del Alto Renacimiento, se centró en las mujeres en algunas de sus obras.
particularmente evidente en la pintura "El triunfo de Galatea ". Este fresco fue creado específicamente para la Villa Farnesina en Roma, que una vez fue propiedad de Agostino Chigi, una de las personas más ricas de su tiempo.
La obra se basa en un mito griego en el que Galatea formaba parte de un triángulo amoroso. Se enamoró del pastor Acis, lo que provocó celos del gigante Polifemo.
Mató a Acis con una columna gigante. Aunque el fresco formaba parte de una serie, nunca se completó por completo.
Rafael eligió deliberadamente la escena en la que Galatea se transforma en una deidad después de su muerte y puede así permanecer entre los dioses eternamente.
Esta transformación fue la recompensa por el dolor y las pruebas que soportó a lo largo de su vida. Con profunda emoción, Rafael pintó el Triunfo de Galatea como respuesta a sus sentimientos sobre las «Stanze per la giostra» .
Angelo Poliziano, otro artista, escribió las "Stanze per la giostra". Este poema se considera una obra maestra de su género en esa época. El torneo en el que participó Giuliano de Médici fue el escenario de la historia.
Galatea cabalga sobre una concha llevada por dos delfines y está acompañada por dos aparentes cupidos que disparan deliberadamente flechas de amor a su cabeza.
Rafael decidió deliberadamente no pintar ninguno de los personajes principales de la historia mitológica para que no distrajeran la atención de la apoteosis de Galatea.
39. “La dama de Shalott” de John William Waterhouse
Título original: La dama de Shalott | Año: 1888 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 183 × 231 cm | Movimiento artístico: Realismo / Prerrafaelita | Ubicación: Tate Britain
La pintura al óleo “La dama de Shalott” fue creada en 1888 por John William Waterhouse (1849-1917) y representa una escena del poema del mismo nombre de Lord Alfred Tennyson (1809-1892).
El lienzo mide 183 x 230 cm y se expuso por primera vez en la Exposición de la Real Academia. Tras ser propiedad de Sir Henry Tate (1819-1899), fue donado a la Tate Britain en 1894, pasando así a formar parte de una colección pública. Actualmente, la pintura puede admirarse en la Tate Britain.
La tonalidad tranquila y suave de la obra todavía encanta a los espectadores de todo el mundo.
Sus obras posteriores demuestran claramente el renacimiento del estilo prerrafaelita en el mundo artístico. Aunque Waterhouse actuó décadas después que los primeros prerrafaelitas, siguió muchos de sus mismos llamados a la acción.
Sus pinturas están influenciadas por el arte italiano del Quattrocento y el arte medieval . Las obras posteriores de Waterhouse se caracterizan por un gran interés en la representación precisa de la naturaleza y armonizan a la perfección con el prerrafaelismo gracias a sus colores saturados y su riqueza de detalles.
La Dama de Shalott encarna el amor no correspondido , intensificado por numerosos símbolos de muerte, como golondrinas y hojas secas. En la barca, el crucifijo simboliza el sacrificio que la Dama está dispuesta a realizar.
Algunos expertos interpretan la acción autodeterminada de la dama como un comentario sobre la limitada o inexistente capacidad de acción de las mujeres en la Inglaterra victoriana.
las mujeres estaban confinadas en su mayoría al ámbito doméstico y, como Elaine, anhelaban libertad e independencia.
Título original: La clase de baile | Año: 1873-1874 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 85 × 75 cm | Estilo: Impresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
Intentó conocer a los bailarines detrás de escena, admirar su disciplina y gracia y observar su entrenamiento inspeccionando los estudios de danza.
Gracias a su buen amigo, tuvo la suerte de acceder a estos momentos privados. En una de sus pinturas, retrata al profesor Jules Perrot, un hombre pequeño y canoso que, durante la clase, marca el ritmo con su bastón.
Mientras los demás bailarines ya se están estirando y la lección está llegando a su fin, el profesor habla con la bailarina que tiene delante, quien escucha atentamente.
Degas era un observador extremadamente agudo, como se aprecia a primera vista en la pintura. Además de la comunicación evidente en el plano intermedio, descubrimos numerosos gestos más sutiles.
Por ejemplo, una joven a la izquierda se rasca la espalda discretamente, mientras su vecina le ajusta el pendiente. La mujer de enfrente apoya el brazo en la cadera y se abanica.
Una segunda versión de la imagen muestra una escena más animada. Reconocemos inmediatamente a Jules Perrot a la derecha, quien hoy viste una camisa roja.
Junto con las bailarinas y sus madres, observa la actitud: una pose en la que el bailarín se para sobre una pierna y extiende con gracia la otra pierna hacia atrás.
Degas no deseaba congelar el movimiento, sino experimentarlo plenamente en su mente. Para él, la viveza resultante era una fuente de consuelo.
En una carta a su amigo Henri Rouart en 1886, describió lo triste que sería si las hojas de los árboles no se movieran.
Título: Desnudo reclinado, 1917-18 | Año: 1917 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 60 × 92 cm | Movimiento artístico: Modernismo clásico | Ubicación: Colección privada en Shanghái, China
En 1917, Modigliani comenzó su magnífica serie de desnudos . Las mujeres en sus lienzos están representadas desde una perspectiva cercana y mayoritariamente desde arriba, con sus cuerpos estilizados ocupando todo el ancho de la composición.
La sábana oscura sobre la que yacen acentúa la luminosidad de su piel. Sin embargo, sus pies y manos siempre quedan fuera del encuadre. Algunas modelos parecen dormidas, pero la mayoría, como aquí, miran directamente al espectador.
Estas obras continúan la tradición de representar a la Venus desnuda , que persistió desde el Renacimiento hasta el siglo XIX.
El óleo "Desnudo reclinado" ("Nu couché"), de 1917 y 1918, fue en su día una de las pinturas más escandalosas. Quizás la pintura más famosa de Amedeo Modigliani se subastó en Christie's por la suma récord de aproximadamente 170,4 millones de dólares (unos 158 millones de euros) a un coleccionista privado chino.
Esto convierte al cuadro en la segunda obra de arte más cara jamás subastada.
42. “Calle de París, día lluvioso” de Gustave Caillebotte
Título: Calle de París, día lluvioso | Año: 1877 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 212 × 276 cm | Movimiento artístico: Impresionismo | Ubicación: Instituto de Arte de Chicago
Inspirado por el arte académico y formado en la renombrada Escuela de Bellas Artes bajo la dirección de Léon Bonnat (1833-1922), Gustave Caillebotte al ala realista del movimiento impresionista.
Su estilo pictórico realista le proporcionó una sensibilidad natural para el arte contemporáneo. Al igual que sus predecesores Jean-François Millet (1814-1875) y Gustave Courbet (1819-1877), se esforzó por representar el mundo tal como era, no como debería ser. Con una tonalidad suave, creó obras únicas que reflejaban su visión y talento artísticos.
En esta obra maestra, Caillebotte muestra una monumentalidad y un virtuosismo compositivo extraordinarios al retomar la típica escena cotidiana de los impresionistas.
Se centra en los audaces bulevares introducidos por el barón Haussmann (1809-1891) que transformaron el paisaje urbano de París. El resultado es una mezcla de realidad y ficción, hábilmente coreografiada y con un estilo natural.
Las figuras distantes que representa reflejan el anonimato de los bulevares, mientras que la vista elegida enfatiza la enorme escala del desarrollo arquitectónico y eclipsa las figuras humanas que lo rodean.
Muchas de las figuras representadas parecen aisladas y absortas en sus pensamientos. Sus expresiones son sobrias y parecen apresurarse en lugar de caminar. El aspecto recortado y el efecto fotorrealista de la imagen contribuyen a una estética moderna.
Título original: Dos mujeres tahitianas | Año: 1899 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 94 × 72 cm | Estilo: Postimpresionismo | Ubicación: The Met, Nueva York
Paul Gauguin (1848-1903) sólo se centró verdaderamente en su arte después de su matrimonio en 1773. Desafortunadamente, su nueva pasión lo llevó a divorciarse más de una década después.
Irritado por la sociedad occidental, viajó por el mundo y finalmente se estableció en la Polinesia Francesa. Aquí creó algunas de sus pinturas más famosas.
Los lienzos que Gauguin envió a Francia desde los Mares del Sur reflejan la libertad que ejerció al crear imágenes de mujeres indígenas.
Aquí se orientó hacia las representaciones clásicas de desnudos y se basó en gestos y expresiones faciales para evocar la “Eva tahitiana” , a la que invocó en sus escritos: “muy sutil, muy conocedora de su ingenuidad” y envidiablemente “capaz de caminar desnuda sin vergüenza” .
Las mujeres susurran secretos, ofrecen flores exóticas o frutas (prohibidas) y habitan el Edén tropical inventado por Gauguin, en el que prevalecen su visión artística –y su mirada masculina–.
Estas dos figuras aparecen también en sus obras monumentales Faa Iheihe (Pastoral tahitiana), 1898 (Tate, Londres) y Rupe Rupe (La cosecha de frutas), 1899 (Museo Pushkin de Bellas Artes, Moscú).
44. “Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808” de Francisco de Goya
Título original: Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 | Año: 1814 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 255 × 345 cm | Estilo: Clasicismo | Ubicación: Museo del Prado, Madrid
Con una dureza implacable y una profunda melancolía, Goya ilustra vívidamente los rostros de personas atormentadas por la muerte y la desesperación.
El reconocido artista español Goya se inspiró en los violentos acontecimientos de la ocupación francesa de España (1808-1813) cuando creó esta impresionante obra de arte.
En esta escena, las figuras masculinas simbolizan la ejecución arbitraria de parte de la población madrileña. Frente a ellas se alza una falange de soldados uniformados, un contraste que se evidencia en el hábil uso de la luz de Goya.
En particular, la linterna que se encuentra entre los dos grupos los separa y casi le da al hombre desarmado de la camisa blanca un aura sagrada.
Es innegable que Goya incorporó iconografía cristiana en esta obra. Esto se refiere a las cuestionables acciones éticas y morales de un anónimo "ejército en la sombra" atribuido a Napoleón.
El incidente aludido ocurrió seis años antes de la creación de la obra. En aquel entonces, las tropas españolas se resistieron a la sumisión de Napoleón, lo que provocó una escalada de la situación y numerosas ejecuciones de ciudadanos españoles. En la noche representada en la ilustración, aproximadamente 45 insurgentes perdieron la vida.
Realizado en 1814, el cuadro fue pintado con pinturas al óleo sobre lienzo y tiene unas orgullosas dimensiones de tres metros y medio de ancho.
Título original: Breezing Up (A Fair Wind) | Año: 1873-76 | Medio: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 61,5 × 97 cm | Estilo: Realismo, Pintura marina | Ubicación: Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.
Homer desarrolló esta pintura basándose en bocetos y acuarelas que hizo durante una visita a Gloucester, Massachusetts, en 1873. La completó en 1876, justo cuando la nación celebraba su centenario.
A lo largo de tres años, Homer perfeccionó la composición y reforzó su simbolismo optimista al darle a uno de los niños (en lugar del hombre) el control del timón y colocar un ancla en la proa, simbolizando seguridad y esperanza.
Cuando la pintura se presentó por primera vez en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York en 1876, fue reconocida como una expresión positiva del futuro del país, una idea subrayada por el título original "Un viento favorable", que sugiere un camino suave hacia el futuro.
“Breezing Up” es un ejemplo temprano de un motivo que fascinaría a Homero a lo largo de su carrera: el de los hombres en el mar , desde sus alegres comienzos en la década de 1870 hasta escenas más oscuras como “La Corriente del Golfo” décadas después.
La obra terminada indica que la significativa influencia del arte japonés en los pintores occidentales del siglo XIX también afectó a Homer, especialmente en el equilibrio compositivo entre las mitades izquierda (activa) y derecha (despoblada). Homer había visitado Francia entre 1866 y 1867, y la influencia de las marinas de los pintores franceses Gustave Courbet y Claude Monet también es claramente evidente.
Título: Olympia | Año: 1863 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 130,5 cm × 190 cm | Movimiento artístico: Impresionismo, Realismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
La modelo desnudaVictorine Meurent se recuesta sobre suntuosas mantas, mirando directa y desafiantemente al espectador. Manet la había conocido tan solo un año antes y rápidamente la convirtió en una de sus modelos favoritas.
Otros artistas también se inspiraron en ella. Pero se sabe poco sobre su misteriosa belleza. Ella misma se aventuró en la pintura, aprendió a tocar la guitarra y más tarde sucumbió al alcoholismo.
Manet, por el contrario, la muestra en todo su esplendor: como una musa floreciente que cautiva al espectador con su mirada.
Manet provenía de una familia adinerada y era considerado encantador, culto y talentoso. Su cuadro "El descanso sobre la hierba" ya había causado un escándalo, pero continuó esta tradición con "Olimpia".
El motivo de la mujer reclinada recuerda a obras como la Venus de Tiziano o de Goya, pero también a la famosa obra de Giorgione "La Venus dormida" .
Sin embargo, la mujer representada aquí no es una diosa, sino una prostituta. El nombre «Olimpia» carece de significado iconográfico, pero su fonética es similar a la de los mitos antiguos.
Manet aspiraba a unirse a las filas de los grandes maestros y reinterpretó un tema clásico de una forma novedosa. Desafortunadamente, su visión creativa no fue comprendida ni apreciada por todos. Este rechazo constante acabó provocándole una crisis nerviosa en 1871.
No pudo vender la obra en vida, e incluso después de su muerte no encontró comprador. Solo gracias a la ayuda de Sargent y Monet, quienes solicitaron donaciones públicamente, la obra finalmente fue adquirida Louvre
Título original: La lechera | Año: c. 1660 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 46 cm × 41 cm | Estilo: Barroco , Siglo de Oro | Ubicación: Rijksmuseum de Ámsterdam
Casi todo el mundo conoce esta escena: una niña está sentada a la mesa con una jarra de leche en la mano.
Tras ella se encuentra la famosa ventana de Vermeer, cuyos típicos colores azul y amarillo dominan la estancia. También se sabe que Jan Vermeer van Delft tenía poco interés en pintar figuras prominentes de su ciudad natal, ya que le resultaban poco atractivas artísticamente.
Pero para alimentar a su familia, finalmente tuvo que satisfacer sus necesidades. Luchó con ahínco por su estilo, las proporciones y la composición de sus obras. En meses de minucioso trabajo, solo lograba completar dos cuadros al año.
Afortunadamente, se inspiró para crear una obra maestra como La Lechera. La composición es magistral y el espectador puede descubrir multitud de objetos dentro de la pintura.
Pliegues en las mangas y faldas, azulejos azules y blancos de Delft en el zócalo, reflejos de luz en el pan y un juego de colores en la jarra de barro: hay mucho que admirar.
48. “El Temerario luchador” de Joseph Mallord William Turner
Título: El Temerario Luchando | Año: 1839 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 91 cm × 122 cm | Estilo: Romanticismo, Marina | Ubicación: National Gallery, Londres
Temeraire, de 98 cañones, jugó un papel importante en el triunfo británico sobre Napoleón en la batalla de Trafalgar en 1805.
La pintura pretendía simbolizar el declive del poder naval británico. Debido a que algunas de las pinturas de Turner fueron malinterpretadas por sus contemporáneos, sus críticos modernos consideran a El Temerario en combate como una de sus obras de arte más destacadas.
Temerario en batalla es una obra maestra que cautiva al espectador. Turner captura de forma impresionante la atmósfera de la Batalla de Trafalgar. La pintura emana cierta melancolía a la vez que celebra la victoria sobre Napoleón.
Turner eligió deliberadamente el momento posterior a la batalla para su obra. El Temerario yace en primer plano, majestuoso y orgulloso a pesar de sus graves daños. Al fondo, el sol sale tras una formación de nubes, símbolo de esperanza y un nuevo día.
El artista juega hábilmente con los efectos de luz y sombra, así como con los contrastes de color, para crear profundidad y dramatismo. Los cálidos tonos naranjas del horizonte contrastan con el azul frío del agua, intensificando así la tensión entre la vida y la muerte.
Otro elemento fascinante son las columnas de humo en el horizonte, vestigios de la feroz batalla naval, que animan aún más la pintura. El espectador casi puede oler la pólvora.
Pero esta obra no solo es técnicamente excepcional, sino que también transmite un profundo impacto emocional al espectador. Se puede sentir prácticamente el espíritu heroico de aquella época: hombres valientes en alta mar luchando contra viento y marea por su país.
“The Fighting Temeraire” muestra el extraordinario talento de Turner y su capacidad para dar vida a la historia en imágenes.
El cuadro constituye un hito del Romanticismo y todavía se considera una de las obras más importantes del artista.
49. “El bulevar Montmartre en una mañana de invierno” de Camille Jacob Pissarro
Título original: El bulevar Montmartre en una mañana de invierno | Año: 1897 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 65 cm × 81 cm | Movimiento artístico: Impresionismo | Ubicación: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
mundo de París gracias a la obra de arte casi cuadrada, que mide aproximadamente 65 por 81 centímetros.
Camille Jacob Pissarro se asocia tanto con el impresionismo como con el puntillismo . Aunque inicialmente controvertido, el impresionismo perdido nada de su atractivo hasta nuestros días, como lo demuestra de forma impresionante la pintura de Pissarro.
Sus pinturas logran capturar la fascinación plena de la metrópolis parisina de finales del siglo XIX. Incluso el invierno es claramente palpable; una niebla delicada y fría parece flotar en el aire.
Las personas, los árboles y los edificios individuales están esbozados en lugar de pintados cuidadosamente, con la intención de crear una atmósfera especial en la imagen en lugar de proporcionar una representación fotográfica.
Los colores son vibrantes pero difuminados, lo que confiere a la pintura cierta ambigüedad. Es casi como si el tiempo mismo hubiera pasado por encima de la imagen, dejando su huella.
El espectador prácticamente puede sentir el pulso de la ciudad: el bullicio de las calles, la gente con sus elegantes ropas, los carruajes y los vehículos tirados por caballos. Sin embargo, al mismo tiempo, uno se da cuenta de que todo esto es efímero. La tecnología avanza y, con ella, el paisaje urbano de París cambia.
Pissarro captura esta fugacidad a través de su tema: una bulliciosa intersección en el corazón de París. Aquí, las antiguas tradiciones se unen a logros modernos como la luz eléctrica y las locomotoras de vapor.
El juego de estos elementos crea una tensión en la imagen: por un lado, el progreso y, por otro, la melancolía del pasado .
Es precisamente esta ambivalencia entre movimiento y quietud , entre lo antiguo y lo nuevo, lo que confiere a la pintura su atractivo. El paso del tiempo se hace visible aquí, no solo en relación con la arquitectura o la tecnología, sino también con los cambios sociales.
La obra invita a reflexionar sobre lo acelerado que se ha vuelto nuestro mundo: cómo evolucionamos constantemente pero a menudo olvidamos hacer una pausa y reflexionar sobre de dónde venimos.
Título original: Las dos Fridas | Año: 1939 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 173,5 cm × 173 cm | Movimiento artístico: Arte naif , Surrealismo | Ubicación: Museo de Arte Moderno, Ciudad de México
La pintura "Las Dos Fridas" fue creada en 1939, poco después del divorcio de Frida Kahlo y Diego Rivera. El óleo representa las dos facetas de su personalidad.
A un lado se sienta una versión con el corazón roto, vestida con ropa tradicional, mientras que la versión sentada a su lado es retratada como moderna e independiente.
Los orígenes de la inspiración para la pintura se remontan a su infancia, cuando Kahlo escribió en su diario que la imagen estaba basada en sus recuerdos de un amigo imaginario.
Sin embargo, más tarde revelaría que fue la soledad y la separación lo que sintió después de la ruptura.
En este retrato al óleo, las dos figuras están sentadas y tomadas de la mano. Ambos corazones son claramente visibles; la versión tradicional de Kahlo representa el corazón izquierdo desgarrado.
Sostiene el extremo de un lado de la aorta en su regazo, cerrado con fórceps, pero sangra profusamente. Su tormento interior se refleja en el cielo tormentoso.
El Instituto Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de México adquirió el cuadro en 1947 por 4.000 pesos, el precio más alto que la artista había recibido por su obra.
“Las Dos Fridas” es una obra poderosa que no sólo expresa el dolor personal de la artista, sino que también toca temas universales como el amor , la separación y la identidad.
Demuestra la capacidad del arte para conmovernos profundamente y expresar nuestras emociones, una cualidad que hace que las obras de Frida Kahlo sean tan atemporales.
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Propietario y Director General de Kunstplaza. Publicista, editor y bloguero apasionado del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciado en Diseño Web (2008), perfeccionó sus técnicas creativas con cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, adquirido a través de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con actores e instituciones clave del sector artístico y cultural.
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Título: El retrato de Giovanni Arnolfini y su (El matrimonio Arnolfini) | Año: 1434 | Técnica: Óleo sobre tabla de roble | Dimensiones: 82,2 × 60 cm | Estilo: Renacimiento holandés, Renacimiento temprano | Ubicación: National Gallery, Londres
Título original: La Última Cena | Año: 1495-1498 | Técnica: Temple, yeso, masilla, brea sobre pared | Dimensiones: 4,6 x 8,8 m | Estilo: Renacimiento | Ubicación: Santa Maria delle Grazie, Italia
Título original: El prendimiento de Cristo | Año: 1602 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 4,6 x 8,8 m | Estilo: Barroco | Ubicación: Galería Nacional de Irlanda
Título original: Noche estrellada sobre el Ródano | Año: 1888 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 72 x 92 cm | Estilo: Postimpresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
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