¿Quién no querría poseer una obra maestra de la historia del arte y un famoso óleo ? Sin embargo, para nosotros, los consumidores comunes, los precios, que a menudo alcanzan cifras millonarias, son simplemente inasequibles. La mejor alternativa, en cambio, es una reproducción fiel y de alta calidad de una obra de un maestro antiguo o contemporáneo.
Disfrute del esplendor de poseer arte de alta calidad eligiendo reproducciones de pinturas al óleo con calidad de museo . Las reproducciones artísticas son una excelente manera de adquirir pinturas de artistas de renombre mundial a un precio asequible.
Proveedores profesionales y experimentados, con una maestría excepcional, ofrecen reproducciones al óleo sobre lienzo pintadas a mano por artistas de gran talento, que exhiben el mismo brillo, atención al detalle y estilo artístico que las obras originales. Artistas con años, incluso décadas, de experiencia crean valiosas réplicas de arte sobre lienzos meticulosamente preparados.
Las reproducciones artísticas abarcan tanto láminas como pinturas a mano, y ambas opciones difieren significativamente en algunos aspectos. En nuestro artículo «Reproducciones artísticas de alta calidad para el hogar: una breve guía»copia pintada a mano o una lámina giclée ( impresión artística .
Independiente y gratuito gracias a tu clic.
con unguion (-) son enlaces de afiliados. Solo recomendamos productos que usamos (o usaríamos). Si haces clic en los enlaces de afiliados de nuestro contenido, podríamos recibir una comisión por tu compra (sin coste adicional para ti). Así financiamos nuestro contenido editorial gratuito (Más información aquí).
En plataformas como HandmadePiece, artistas profesionales crean reproducciones de pinturas al óleo de la más alta calidad, no simples impresiones. Gracias a la meticulosidad de estas reproducciones, se puede apreciar cada pincelada en la obra final.
Cada reproducción pictórica se crea en el propio estudio o taller del artista, con más de 20 años de experiencia, y todos los artistas siguen un proceso específico y detallado para lograr resultados fabulosos.
Para reproducciones artísticas de alta calidad y láminas elaboradas por maestros artesanos, recomendamos MeisterDrucke . Más de medio millón de obras de arte ya han sido reproducidas fielmente, todas a mano en Austria. Las numerosas reseñas positivas y de clientes satisfechos (por ejemplo, en ProvenExpert) lo avalan.
Pintura al óleo: la técnica centenaria de los maestros
La técnica de la pintura al óleo, que consiste en pintar con pigmentos utilizando aceite secante como aglutinante, se remonta al siglo VII d. C. y, por lo tanto, abarca una amplia gama de períodos estilísticos y movimientos artísticos . Innumerables obras de arte famosas se han creado utilizando esta técnica.
Los artistas budistas de Afganistán pintaron los primeros ejemplos conocidos de pinturas al óleo. En Europa, la técnica fue utilizada por artistas desde el siglo XII en adelante.
Muchas de las pinturas al óleo más famosas conocidas hoy en día en Occidente fueron creadas por artistas europeos, incluidos los grandes maestros, en los siglos posteriores, siguiendo los pasos de sus predecesores budistas.
La historia de la pintura al óleo en Europa
Fueron artistas de los Países Bajos quienes primero adoptaron la técnica de la pintura al óleo en Europa. Numerosos ejemplos se pueden encontrar en la pintura holandesa antigua.
La pintura al óleo tiene una larga historia en Europa. Fuente de la imagen:Depositphotos
En aquellos primeros tiempos, la pintura al óleo requería un proceso laborioso, ya que los aceites tradicionales (como el de linaza, amapola, nuez y cártamo) tardaban entre una y tres semanas en secarse. A veces, los aceites se hervían con resina, lo que daba como resultado un barniz brillante.
A pesar de la gran difusión que alcanzó la técnica de la pintura al óleo, en el apogeo del Renacimiento muchos artistas famosos de toda Europa la sustituyeron por la pintura al temple.
las valiosas pinturas al óleo siguen siendo muy codiciadas en las subastas actuales, y muchas de las obras más famosas al óleo sobre lienzo son admiradas con entusiasmo ininterrumpido por innumerables visitantes de museos.
Si te apetece un recorrido virtual por las pinturas al óleo más famosas y populares de los últimos siglos, a continuación encontrarás las 100 obras de arte más populares jamás pintadas con óleo. La mayoría de estas famosas pinturas se conservan en su estado original en los mejores museos del mundo.
Nuestros 100 mejores
1. Mona Lisa de Leonardo da Vinci
Año: ca. 1503-06 | Técnica: Óleo sobre tabla de álamo | Ubicación: Museo del Louvre, París
La joya de la corona del Louvre en París (donde se exhiben alrededor de 6.000 pinturas, pero el 90% de los visitantes se dirigen directamente a la Mona Lisa). de Leonardo da Vinci , perteneciente al Renacimiento italiano, es quizá el retrato al óleo más famoso de todos los tiempos y, sin duda, nuestra número uno.
Ha sido descrita como "la obra de arte más famosa, más visitada, más descrita, más cantada y más parodiada del mundo ". La Mona Lisa fue pintada al óleo sobre un panel de álamo blanco lombardo y es conocida, entre otras cosas, por la desconcertante expresión del sujeto (supuestamente Lisa Gherardini, una noble italiana), su ilusionismo atmosférico y su composición excepcionalmente única.
Dado que el rey Francisco I de Francia adquirió el cuadro, ahora es propiedad de Francia y se exhibe en el Louvre desde 1797. Quizás sea la pintura al óleo del mundo y ostenta el récord de la mayor valoración de seguro conocida en la historia: 100 millones de dólares en 1962, equivalentes a 660 millones de dólares en 2019.
Año: 1889 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Ubicación: Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York
de Vincent Van Gogh es considerada una de las pinturas más famosas del arte occidental y es una deslumbrante obra al óleo sobre lienzo, que actualmente se exhibe en el MoMA.
Pintada en 1889, la obra representa la vista que el pintor postimpresionista tenía desde su habitación en el sanatorio (con un pueblo imaginario a sus pies) en Saint-Rémy-de-Provence, Francia. Si bien Van Gogh realizó varias pinturas de esta misma vista, La noche estrellada es la única que la representa de noche. Se la considera su obra maestra.
Año: 1907-1908 | Técnica: Óleo y papel sobre lienzo | Ubicación: Belvedere, Viena
Gustav Klimt fue un pintor austriaco asociado al Simbolismo y al Art Nouveau. Creó El beso entre 1907 y 1908. Los expertos en arte creen que esta fue la obra cumbre del "Período Dorado" de Klimt.
Esta obra resplandeciente fue pintada al óleo sobre lienzo, pero Klimt añadió pan de oro, plata y platino para realzar su brillo. La obra representa a dos amantes abrazados (de ahí su título original, Los amantes), ataviados con vestimentas de estilo Art Nouveau.
Hoy, este famoso óleo se exhibe en el complejo barroco del Belvedere en Viena, Austria. Se considera una obra maestra de la tradición vienesa (una versión vienesa del Art Nouveau) y es la obra más famosa de Klimt.
Año: ca. 1665 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Ubicación: Mauritshuis, La Haya
El pintor holandés de la Edad de Oro,Johannes Vermeer, pintó La joven de la perla, un retrato al óleo sobre lienzo, alrededor de 1665 .
Aunque ha tenido diferentes nombres a lo largo de los siglos, adoptó su nombre actual en el siglo XX por el pendiente que lleva la niña del cuadro (que también lleva un vestido exótico y un turbante oriental).
Hoy la obra se exhibe en el Mauritshuis, un museo de arte en La Haya, Países Bajos, y ha sido un tema popular en la literatura a lo largo del tiempo (incluida la novela de Tracy Chevalier de 1999, "La joven de la perla" , una historia ficticia sobre la creación de la obra).
Año: 1937 | Medio: Óleo sobre lienzo | Ubicación: Museo Reina Sofía, Madrid
El famoso artista español Pablo Picasso pintó una de sus obras más famosas, el Guernica, en 1937 durante la Guerra Civil Española.
Este óleo sobre lienzo, en blanco y negro, representa el sufrimiento de personas y animales en medio de una violencia caótica. Picasso lo pintó en su casa de París después de que la Alemania nazi y la Italia fascista bombardearan Guernica, una ciudad del País Vasco español. El bombardeo había sido solicitado por los nacionalistas españoles de la época.
La impactante representación de las atrocidades de la guerra en el Guernica lo convirtió en lo que los críticos de arte describen como una de las pinturas antibélicas más influyentes de la historia, atrayendo la atención tan necesaria hacia la Guerra Civil Española.
El enorme cuadro mide 3,49 metros de alto y 7,76 metros de ancho y representa claramente un caballo corneado, una mujer gritando, llamas, un toro y escenas de desmembramiento. Actualmente, la obra se exhibe en el Museo Reina Sofía de Arte del Siglo XX en Madrid, España.
El cuadro de Rembrandt van Rijn "La ronda de noche" de 1642, también conocido como la compañía de milicia del 2º distrito bajo el mando del capitán Frans Banninck Cocq, es una de las obras más famosas de la colección del Rijksmuseum de Ámsterdam.
Otro famoso óleo sobre lienzo de la Edad de Oro holandesa uso del tenebrismo
Rembrandt dirige al espectador hacia sus motivos pictóricos más importantes a través de su dominio de la luz y la sombra: los dos hombres en el centro y la mujer con una gallina detrás de ellos en el centro izquierdo.
Año: 1872 | Medio: Óleo sobre lienzo | Ubicación: Museo Marmottan Monet, París
El pintor impresionista francés Claude Monet creó esta obra onírica. Amanecer, pintada en 1872, se expuso por primera vez en la impresionista de París en abril de 1874. Se dice que esta pintura al óleo sobre lienzo dio nombre al movimiento impresionista.
Monet retrata el puerto de Le Havre, su ciudad natal en el noroeste de Francia, utilizando una bella combinación de tonos grises, naranjas y rosas.
“Impresión, amanecer” se exhibe en el Museo Marmottan Monet de París, Francia.
Año: 1930 | Técnica: Óleo sobre cartón imitación piel de castor | Lugar: Instituto de Arte de Chicago
El cuadro "Gótico americano" de Grant Wood, una obra icónica del movimiento regionalista estadounidense , fue pintado en 1930 durante la Gran Depresión en Estados Unidos.
El cuadro, que actualmente forma parte de la colección del Instituto de Arte de Chicago, representa a un granjero de pie junto a su hija (aunque a menudo se la confunde erróneamente con su esposa).
Bautizada como «Gótico americano» por el estilo arquitectónico de la casa que aparece al fondo, es una de las pinturas más famosas del arte estadounidense del siglo XX . Pronto alcanzó fama mundial y es objeto de parodias frecuentes en la cultura popular estadounidense.
La obra se expuso por primera vez fuera de Estados Unidos en 2016 y 2017 en el Musée de l'Orangerie de París y en la Royal Academy of Arts de Londres.
9. La persistencia de la memoria, de Salvador Dalí
Este vídeo se reproduce mediante el modo de privacidad mejorado de YouTube, que bloquea las cookies de YouTube hasta que hagas clic en el botón de reproducción. Al hacer clic en el botón de reproducción, aceptas que YouTube instale cookies en tu dispositivo, que también pueden utilizarse para analizar el comportamiento del usuario con fines de investigación de mercado y marketing. Para obtener más información sobre el uso de cookies por parte de YouTube, consulta la Política de cookies de Google en https://policies.google.com/technologies/types?hl=de.
Año: 1931 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Ubicación: Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York
En 1931, el pintor español Salvador Dalí creó su mundialmente famosa obra "La persistencia de la memoria" . Esta obra surrealista se convirtió rápidamente en una de las más importantes del movimiento surrealista.
Desde su creación, ha sido mencionada numerosas veces en la cultura pop, particularmente debido a sus características más llamativas: los relojes de bolsillo “derretidos”.
Estos objetos suaves y fundentes respaldan la teoría del artista sobre la "suavidad" y la "dureza", que investigó intensamente y que fue fundamental para sus obras en ese momento.
Si bien algunos creían que La persistencia de la memoria representaba la visión de Dalí sobre la teoría de la relatividad especial de Albert Einstein, según el propio artista era "la percepción surrealista de un Camembert derritiéndose al sol".
10. Cristo en la tormenta en el mar de Galilea de Rembrandt van Rijn
Año: 1633 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 160 cm × 128 cm | Estilo: Barroco | Ubicación: Desconocida
Otra obra del famoso pintor al óleo y maestro holandés Rembrandt . La tormenta en el mar de Galilea fue creada en 1633.
Esta obra representa a los discípulos de Cristo en un barco de pesca en alta mar, luchando contra una tormenta y habiendo perdido el control de su nave.
Un discípulo vomita por la borda, otro mira fijamente al espectador mientras se aferra a su gorra. Este es un autorretrato del propio Rembrandt.
Solo se muestra a Cristo, manteniendo su serenidad. La escena está tomada de un relato bíblico de Cristo calmando la tempestad, del capítulo cuatro del Evangelio de Marcos.
La tormenta en el mar de Galilea, conocida como el único paisaje marino , se exhibió por última vez en el Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, pero fue una de las 13 obras robadas del museo en 1990. Su paradero sigue siendo desconocido.
Este vídeo se reproduce mediante el modo de privacidad mejorado de YouTube, que bloquea las cookies de YouTube hasta que hagas clic en el botón de reproducción. Al hacer clic en el botón de reproducción, aceptas que YouTube instale cookies en tu dispositivo, que también pueden utilizarse para analizar el comportamiento del usuario con fines de investigación de mercado y marketing. Para obtener más información sobre el uso de cookies por parte de YouTube, consulta la Política de cookies de Google en https://policies.google.com/technologies/types?hl=de.
Año: 1903-04 | Técnica: Óleo sobre madera | Ubicación: Instituto de Arte de Chicago
Una de las primeras y más famosas obras de Pablo Picasso es El viejo guitarrista , un óleo sobre tabla creado entre 1903 y 1904. La obra representa a un músico viejo, ciego y demacrado, encorvado sobre su guitarra en las calles de Barcelona.
En esta época, Picasso recibió la influencia de los movimientos del Modernismo , el Impresionismo , el Postimpresionismo y el SimbolismoPeríodo Azul de Picasso .
Un dato curioso sobre este famoso cuadro es que, como han revelado las radiografías, tres figuras distintas se ocultan tras el anciano guitarrista. Hoy en día, los visitantes pueden admirar esta obra maestra en el Instituto de Arte de Chicago.
12. Los lirios de Vincent van Gogh
Año: 1889 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 71 cm x 93 cm | Estilo: Postimpresionismo | Ubicación: Museo J. Paul Getty, Los Ángeles
Otro famoso óleo del artista holandés Vincent van Gogh , pintado en mayo de 1889. Esta es una de varias obras de una serie que también fueron creadas en la institución Saint Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence.
Esta hermosa obra fue creada justo un año antes de la muerte de Van Gogh en 1890. Los lirios que pintó se encontraban en el jardín del hospital, y se ha sugerido que el estilo de esta serie estuvo influenciado por las estampas japonesas Ukiyo-e, como puede apreciarse en muchas obras de Van Gogh.
El cuadro es apreciado por su suavidad y ligereza, y está “lleno de aire y vida”, como lo describió Theo, el hermano de Van Gogh.
Actualmente, la obra puede verse en el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles, California.
Año: 1656 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 3,18 m x 2,76 m | Estilo: Barroco | Ubicación: Museo del Prado, Madrid
El pintor español y artista principal del Siglo de Oro español , Diego Velázquez, pintó su obra icónica Las Meninas .
Es conocida principalmente por su complejidad, ya que esta pintura al óleo sobre lienzo cuestiona la relación entre realidad e ilusión, así como la que existe entre el espectador y los sujetos representados. Las Meninas es una de las obras más analizadas de la pintura occidental.
Aunque su significado es objeto de mucha controversia, según el historiador de arte español FJ Sánchez Cantón, Las Meninas representa la sala principal del real Alcázar de Madrid durante el reinado del rey español Felipe IV.
Las figuras representadas son miembros de la corte española: la infanta Margarita Teresa, junto con sus damas de compañía, chaperonas, guardaespaldas, dos enanos y un perro. En el centro se encuentra el propio Velázquez, mirando directamente al espectador y pintando sobre un gran lienzo. Se dice que las figuras del rey y la reina están al fondo.
Hasta el día de hoy, Las Meninas sigue siendo una de las pinturas más importantes del arte occidental y ha sido descrita como una representación de la teología en la pintura, primero por el pintor barroco Luca Giordano y por muchos otros después de él.
La obra se encuentra actualmente expuesta en todo su esplendor en una sala dedicada del Museo del Prado en Madrid, España.
14. “El nacimiento de Venus” (La nascita di Venere) de Sandro Botticelli
Año: ca. 1485 | Técnica: Témpera | Dimensiones originales: 180 x 280 cm | Estilo: Renacimiento italiano | Ubicación: Galería Uffizi, Florencia, Italia
El cuadro de Sandro Botticelli (1445-1510) representa el nacimiento de la diosa Venus , que llega a la isla de Chipre, concebida en una concha marina impulsada por las brisas: Céfiro y quizás Aura .
La diosa es recibida por una joven, a quien en algunos casos se reconoce como una de las Gracias o como la Hora de la Primavera, y que sostiene un paño listo para cubrir a Venus.
Los romanos equipararon a su diosa del amor, Venus, con la Afrodita griega, quien, según la leyenda, nació de la espuma del mar después de que Cronos castrara a su padre Urano y arrojara el falo al mar.
Para los italianos, Venus, como madre de Eneas, antepasado de los romanos, junto con Marte, padre de Rómulo y Remo, cuya madre provenía del linaje de Eneas, tenía un significado especial como prueba del origen divino de su pueblo.
15. “La terraza del café en la plaza del Forum, Arlés”, de Vincent van Gogh
Año: 1888 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Medidas: 81 x 65,5 cm | Estilo: Postimpresionismo | Ubicación: Museo Kröller-Mueller, Otterlo, Países Bajos
La Terraza del Café es una pintura al óleo de 1888 del famoso artista holandés Vincent van Gogh . A menudo se la conoce como la Terraza del Café en la Plaza del Foro.
Cuando se exhibió originalmente en 1891, se tituló Cafetería por la noche.
16. “Bal du moulin de la Galette” de Pierre-Auguste Renoir
Año: 1876 | Técnica: Óleo | Medidas: 31 × 175 cm | Movimiento artístico: Impresionismo | Ubicación: Museo de Orsay
El baile del molino de la Galette es un cuadro del artista francés Pierre-Auguste Renoir de 1876. Se encuentra en el Museo de Orsay de París y es una de las obras más famosas del impresionismo .
La obra de arte representa una tarde de domingo en el primer Moulin de la Galette de Montmartre, París.
17. “La creación de Adán” de Miguel Ángel Buonarroti
Año: 1510 | Fresco del techo de la Capilla Sixtina
La creación de Adán es, sin duda, una de esas obras que dejan a los espectadores profundamente impresionados. Esto no es de extrañar, ya que nos presenta una visión sobrecogedora de Dios .
Representa la creación de Adán por Dios a partir de los restos de la tierra. En la pintura, Adán aparece a la izquierda, recostado en el suelo con aparente tranquilidad. Se dice que Miguel Ángel pintó a Adán en esta posición para mostrar que Dios aún no le había insuflado vida.
Según una investigación realizada por un neurocientífico, la representación de Dios, con sus ayudantes y el paño rojo, se corresponde con una sección transversal del cerebro humano. Probablemente, esto pretendía reflejar la unidad de la mente y el cuerpo.
Es característico de la obra de Miguel Ángel el uso de cuerpos musculosos y la pintura de figuras que se asemejan a esculturas . Esto probablemente se deba a que Miguel Ángel era, ante todo, un escultor.
18. “Napoleón cruzando los Alpes” de Jacques Louis David
Año: 1803 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 2,6 m x 2,21 m | Estilo: Clasicismo, Neoclasicismo | Ubicación: Palacio de Versalles
Entre 1801 y 1805, el artista francés Jacques-Louis David una serie de cinco retratos ecuestres al óleo sobre lienzo del gran líder militar Napoleón Bonaparte .
El cuadro, encargado por el rey de España, representa una versión muy idealizada del cruce real de los Alpes por Napoleón a través del paso del Gran San Bernardo en mayo de 1800, poco antes de su victoria contra los austriacos en la Segunda Guerra de Coalición (1799-1802).
La representación de un gobernante a caballo se basa en una larga tradición que se remonta a la antigua Roma imperial. La ausencia de elementos militares en esta imagen pretende retratar a Napoleón como un pensador y estratega soberano que logró sus victorias mediante el intelecto, no mediante las armas.
Se discute si el cliente era el propio Napoleón.
Sin embargo, se ha convertido en una de las imágenes de Napoleón más reproducidas.
Este vídeo se reproduce mediante el modo de privacidad mejorado de YouTube, que bloquea las cookies de YouTube hasta que hagas clic en el botón de reproducción. Al hacer clic en el botón de reproducción, aceptas que YouTube instale cookies en tu dispositivo, que también pueden utilizarse para analizar el comportamiento del usuario con fines de investigación de mercado y marketing. Para obtener más información sobre el uso de cookies por parte de YouTube, consulta la Política de cookies de Google en https://policies.google.com/technologies/types?hl=de.
Año: 1907 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 243,9 × 233,7 cm | Movimiento artístico: Cubismo | Ubicación: Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York
Un famoso óleo del artista español Pablo Picasso , terminado en 1907. El cuadro, que forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno, representa a cinco prostitutas desnudas en un burdel de la calle Avión de Barcelona.
Ninguno de los personajes es convencionalmente femenino, y cada uno está retratado de una manera inquietantemente retorcida y como si fuera una máscara.
El óleo del artista español del siglo se considera un punto de inflexión en la historia de la pintura occidental y también anunció el surgimiento del cubismo.
20. “El caminante sobre el mar de niebla” de Caspar David Friedrich
Año: 1818 | Técnica: Óleo | Dimensiones: 95 cm x 75 cm | Movimiento artístico: Romanticismo alemán | Lugar: Hamburger Kunsthalle
El caminante sobre el mar de niebla es una pintura de Caspar David Friedrich , pintor romántico alemán , realizada en 1818. Se considera una de las obras más importantes del Romanticismo y una de sus piezas más emblemáticas. La obra se puede admirar en la Hamburger Kunsthalle de Hamburgo.
El excursionista, visto de espaldas, es el sujeto central de la imagen, de pie sobre un pico rocoso con vistas a un paisaje montañoso envuelto en niebla. Su cabello rubio oscuro ondea al viento. A pesar de la situación precaria, su postura transmite equilibrio, confianza y calma.
En el centro y al fondo del cuadro vemos un paisaje montañoso escalonado, atravesado por varios bancos de niebla.
Al fondo, a la izquierda del cuadro, se aprecia una alta montaña cónica oculta tras bancos de niebla. A la derecha, se distingue una montaña más pequeña, de forma irregular. Probablemente se trate del Zirkelstein, una formación rocosa de la Suiza Sajona .
Caspar David Friedrich, mediante la superposición de múltiples capas de montañas y jirones de niebla, logra crear la impresión de una extensión casi infinita. Vemos la inmensidad de la naturaleza tal como la ve el caminante, como si estuviéramos detrás de él.
21. Las dos hermanas en la terraza (1881) de Pierre Auguste Renoir
Año: 1881 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 100,5 x 81 cm | Movimiento artístico: Postimpresionismo | Ubicación: Instituto de Arte de Chicago, EE. UU.
El título «Dos hermanas» (en francés: les deux sœurs) fue dado al óleo por el propio Renoir. El sobrenombre «En la terraza» (en francés: Sur la terrasse) se lo puso posteriormente su primer propietario, Paul Durand-Ruel .
Renoir trabajó en el cuadro en la terraza de la Maison Fournaise, un restaurante situado en una isla del Sena en Chatou, un suburbio de París.
El cuadro representa a una joven y a su hermana pequeña sentadas al aire libre con una cesta de lana. Se ven arbustos y vegetación por encima de la barandilla de la terraza, con el Sena al fondo.
Jeanne Darlot (1863-1914), futura actriz, con tan solo 18 años en aquel entonces, posó como "la hermana mayor". Se desconoce quién posó como "la hermana menor". Sin embargo, se afirma que las dos modelos no eran parientes.
Renoir comenzó a trabajar en el cuadro en abril de 1881 y en julio del mismo año fue comprado por el marchante de arte Paul Durand-Ruel por 1.500 francos.
El cuadro se expuso por primera vez al público en la 7.ª Exposición Impresionista en la primavera de 1882. En 1883, se anunció que había pasado a formar parte de la colección de Charles Ephrussi. En 1892, el cuadro regresó a la colección de la familia Durand-Ruel.
22. Arreglo en gris y negro n.º 1 (Retrato de la madre del artista) de James Abbott McNeill Whistler
Año: 1871 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 144,3 × 162,4 cm | Movimiento artístico: Realismo americano | Ubicación: Museo de Orsay, París
El nombre coloquial de «La madre de Whistler» se le dio a esta obra al óleo sobre lienzo por simplicidad. El título original, «Arreglo en gris y negro n.º 1 (Retrato de la madre del artista)», de James Abbott McNeil Whistler, resultaba demasiado extenso para la mayoría de los espectadores.
La persona retratada es en realidad Anna McNeil Whistler, la madre de Whistler, quien posó para esta obra maestra cuando vivía en Londres con su hijo en 1871.
El pintor estadounidense no solo retrató a su madre, sino que además creó una obra que roza la abstracción. Predominan los tonos grises y negros, así como los rectángulos de diversas formas: una cortina a la izquierda, un cuadro con marco negro y paspartú claro a la derecha, y un cuadro recortado, también con marco negro, en el extremo derecho del cuadro.
Aunque es un ejemplo icónico del arte estadounidense (también conocida como la Mona Lisa ), la madre de Whistler ahora adorna el Museo de Orsay en París. El óleo fue adquirido por primera vez por coleccionistas franceses en 1891.
Sigue siendo una de las pinturas más famosas de un artista estadounidense fuera de los Estados Unidos.
Año: 1906 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 89,9 × 94,1 cm | Movimiento artístico: Impresionismo | Ubicación: Instituto de Arte de Chicago, Illinois, EE. UU.
«Nenúfares» fue creada por Claude Monet en impresionista . Esta famosa obra de arte de Claude Monet sigue el tema naturalista típico de los impresionistas.
Monet pintó el mismo cuadro varias veces, pero cada día los nenúfares tenían un aspecto diferente; los detalles, la iluminación y las pinceladas son muy distintos, lo que a su vez hace que cada pintura de nenúfares sea única.
Claude Monet dijo una vez que su jardín era su pasión. Tenía un estanque en su patio trasero con un puente japonés que lo cruzaba, creando un lugar perfecto para que él creara sus famosas obras.
En su primera serie de Nenúfares (1897-99), Monet pintó el estanque con sus plantas, puentes y árboles, claramente delimitado por un horizonte fijo. Con el tiempo, el artista se fue preocupando cada vez menos por el espacio pictórico convencional. Para cuando pintó Nenúfares, perteneciente a su tercera serie, había abandonado por completo la línea del horizonte.
Sobre este lienzo de ambigüedad espacial, el artista miró hacia abajo y se concentró exclusivamente en la superficie del estanque con su grupo de vegetación, que flotaba entre el reflejo del cielo y los árboles.
Por cierto, el pintor no utilizó muchos colores terrosos como marrones y tonos tierra. Se centró principalmente en tonos fríos como azules y verdes para transmitir una atmósfera tranquila y relajante, tal como se sentía cuando pasaba tiempo en su jardín.
Año: 1874 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 85 x 75 cm | Movimiento artístico: Impresionismo | Ubicación: Museo de Orsay, París
Cuando esta obra y sus variaciones fueron creadas a mediados de la década de 1870, eran, aparte de las pinturas históricas, las composiciones figurativas más ambiciosas de Degas .
Unas veintidós mujeres, bailarinas y sus madres, esperan en posición mientras una bailarina realiza una pose para su examen. Jules Perrot, uno de los bailarines y maestros de ballet más renombrados de Europa, imparte esta lección de danza ficticia en una sala de ensayo de la antigua Ópera de París, que se había incendiado recientemente.
El cuadro fue un encargo del cantante de ópera y coleccionista de arte Jean-Baptiste Faure en 1872. Fue uno de los escasos encargos que Degas aceptó. Trabajó en él de forma intermitente durante dos años antes de terminarlo.
25. Un domingo en La Grande Jatte, de Georges Seurat
Año: 1884 | Técnica: Óleo sobre lienzo | Dimensiones: 207,6 × 308 cm | Movimiento artístico: Puntillismo, Neoimpresionismo | Ubicación: Instituto de Arte de Chicago, EE. UU.
Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es la obra más famosa del pintor francés Georges Seurat. Representa a ciudadanos parisinos relajándose y conversando en un parque a orillas del Sena.
La obra se hizo famosa por el uso de la técnica puntillista, un estilo pictórico en cuyo desarrollo Seurat desempeñó un papel fundamental. El puntillismo consiste en la aplicación de pequeños puntos de pintura formando patrones para crear una imagen.
Seurat tenía solo 26 años cuando mostró por primera vez esta obra al público en la octava y última exposición anual impresionista en 1886.
Por su alcance, técnica y composición, se presentó como una provocación deliberada a sus primeros representantes, como Renoir y Monet. Cambió instantáneamente el rumbo de la pintura de vanguardia e inauguró un nuevo movimiento artístico que fue bautizado como "Neoimpresionismo "
Seurat murió a los 31 años. Creó otros lienzos ambiciosos, pero La Grande Jatte sigue siendo su obra maestra. Aunque la pintura se vio muy poco durante las tres décadas posteriores a su muerte en 1891, su visibilidad aumentó drásticamente en 1924 cuando Frederic Clay Bartlett la adquirió y prestó Instituto de Arte de Chicago
Desde entonces ha permanecido allí colgada, convirtiéndose en un icono y en una de las pinturas más famosas del mundo del arte.
Descubre nuestra clasificación del puesto 26 al 50 en la siguiente entrega de esta serie…
Aviso sobre enlaces de afiliados: con un guion (-) son enlaces de afiliados. Solo recomendamos o enlazamos a productos que usamos (o usaríamos) nosotros mismos, y todas las opiniones expresadas aquí son nuestras. Nuestras reseñas y recomendaciones de productos son independientes y se basan en investigaciones, opiniones de expertos y/o pruebas de productos. Si hace clic en los enlaces de afiliados de nuestro contenido, podríamos recibir una comisión por sus compras (sin costo adicional para usted), pero nunca recibimos compensación ni pago alguno por el contenido de nuestras recomendaciones. Así es como financiamos nuestro trabajo editorial y los artículos que ofrecemos gratuitamente (consulte nuestros Estándares Editoriales ). Lea la política de privacidad .
Propietaria y directora general de Kunstplaza. Publicista, editora y bloguera apasionada en los ámbitos del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciada en diseño web (2008). Ha perfeccionado sus técnicas creativas mediante cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, fruto de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con figuras e instituciones clave del sector artístico y cultural.
Utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a información del dispositivo. Esto nos permite mejorar su experiencia de navegación y mostrarle publicidad (no) personalizada. Si acepta estas tecnologías, podemos procesar datos como su comportamiento de navegación o identificadores únicos en este sitio web. La negativa o la revocación del consentimiento puede afectar negativamente a ciertas características y funciones.
Funcional
Siempre activo
El almacenamiento o acceso técnico es estrictamente necesario para el propósito legítimo de permitir el uso de un servicio específico expresamente solicitado por el suscriptor o usuario, o para el único propósito de llevar a cabo la transmisión de un mensaje a través de una red de comunicaciones electrónicas.
Preferencias
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para el propósito legítimo de almacenar preferencias que no fueron solicitadas por el suscriptor o usuario.
estadística
El almacenamiento o acceso técnico se realiza exclusivamente con fines estadísticos.El almacenamiento o acceso técnico se utiliza exclusivamente con fines estadísticos anónimos. Sin una orden judicial, el consentimiento voluntario de su proveedor de servicios de internet o grabaciones adicionales por parte de terceros, la información almacenada o recuperada para este fin generalmente no puede utilizarse para identificarle.
marketing
Se requiere almacenamiento o acceso técnico para crear perfiles de usuario, enviar publicidad o rastrear al usuario en uno o más sitios web con fines de marketing similares.
Puf-taburete Paisley en elegante blanco roto
89,00 €
