Nam June Paik y el arte mediático: la serenidad asiática desafía la obsesión occidental por el progreso

La posición de Nam June Paik en el mundo del arte: muy alta, sin duda.

Nam June Paik nació en 1932 en lo que entonces era una Corea unificada, pero vivió en los Estados Unidos desde 1964 hasta su muerte en 2006. Aunque el artista vivió la mayor parte de su vida (principalmente) en Nueva York y se convirtió en ciudadano estadounidense, no puede ser entendido únicamente como un artista estadounidense el pensamiento dentro de las tradiciones asiáticas con ideas vanguardistas de la cultura occidental .

Paik pasó de ser un historiador de la música y el arte especializado en composición a un artista visual excepcionalmente activo y prolífico, ocupando una posición destacada videoarte y el arte multimedia el "padre del videoarte". Si bien otros pioneros del videoarte y el arte multimedia han tenido carreras extraordinarias, Paik sigue estando entre los más renombrados. Entre ellos se encuentran el artista estadounidense Les Levine (nacido en 1935) y el artista alemán Wolf Vostell (al igual que Nam June Paik, nacido en 1932).

En cualquier caso, Paik fue uno de los primeros en descubrir los medios de comunicación universalmente accesibles del vídeo y la televisión; en un momento en que las "imágenes para todos" apenas comenzaban su marcha triunfal por todo el mundo.

Fue uno de los primeros en examinar con mayor detenimiento las características especiales y el potencial de un mundo de imágenes en movimiento que, por primera vez, estaba al alcance de todos, tanto de forma receptiva como activa. También las cuestionó mediante la interpretación artística.

Y Nam June Paik sigue ocupando uno de los primeros puestos en el ranking mundial del arte actual porque nunca se detuvo; absorbió continuamente nuevos impulsos de la música y las artes visuales, así como innovaciones técnicas, para analizarlos, catalizarlos y traducirlos en arte.

Mientras que Vostell figura en algún lugar entre 220 y 320 y Levine está "flotando" en algún lugar entre 2200 y 3200 (a lo que ninguno de ellos se opondría, porque han establecido prioridades completamente diferentes en sus vidas), Nam June Paik está actualmente (2016) clasificado en el puesto 40 en la lista de los mejores artistas del mundo (que se ordena por presencia pública y éxito de ventas).

La posición de Paik en el ranking mundial de arte rondó el puesto 50 entre 2006 y 2008, ascendiendo al 25 en 2009 y 2010. Desde entonces, su posición ha ido descendiendo paulatinamente, llegando al puesto 39 o 40 en 2016. Esta fluctuación ha sido algo inexplicable, con repuntes ocasionales. Se observa un ligero aumento en las exposiciones que incluyen la obra de Paik, ya sea de forma individual o colectiva, a partir de 2007 o 2008. Su repentino ascenso en el ranking podría deberse al récord alcanzado en subasta por Christie's en 2007 con una obra suya.

Pero en general, se trata de una competencia de altísimo nivel; Paiks se ha asegurado un lugar entre los 50 mejores artistas del mundo, que difícilmente perderá en un futuro próximo, dadas sus próximas exposiciones.

La trayectoria artística de Nam June Paik: de la "música antigua" a la "música nueva", de las humanidades a la electrónica.

Nam June Paik nació el 20 de julio de 1932 en Corea , entonces un país unificado y colonia japonesa. Paik era el menor de cinco hermanos en una familia acomodada; su padre era dueño de una gran fábrica textil.

Paik estaba destinado a ser pianista clásico y recibió la formación adecuada durante su juventud. La Segunda Guerra Mundial y la posterior división de Corea en 1948, instigada por las potencias ocupantes rivales, la Unión Soviética y Estados Unidos, truncaron su trayectoria. En 1950, la división del país se intensificó hasta convertirse en la Guerra de Corea, ya que ambos regímenes coreanos se consideraban los únicos sucesores legítimos del Imperio Coreano, que había sido anexado por Japón en 1910.

Corea del Norte, con el apoyo de China, buscaba imponer la reunificación de Corea bajo su liderazgo. Corea del Sur, de orientación occidental, se resistió, apoyada por tropas de las Naciones Unidas lideradas por Estados Unidos. La familia Paik era lo suficientemente adinerada como para desentenderse de la guerra ya en 1950. Primero se trasladaron a Hong Kong y luego a Japón.

Nam June Paik estudió estética occidental, musicología e historia del arte en Tokio desde 1952, graduándose en 1956 con una tesis sobre el compositor Arnold Schoenberg. Inspirado por ello, Paik se trasladó a Alemania para estudiar historia de la música en la Universidad de Múnich. También estudió composición con Wolfgang Fortner en la Universidad de Música de Friburgo.

Durante sus estudios, conoció a los compositores Karlheinz Stockhausen y John Cage, y a los artistas conceptuales Joseph Beuys y Wolf Vostell. De 1958 a 1963, trabajó con Stockhausen en el Estudio de Música Electrónica de la WDR en Colonia. Stockhausen y Cage lo inspiraron a trabajar en el campo del "arte electrónico" .

Nam June Paik se unió al movimiento artístico neodadaísta (Fluxus), que por entonces se estaba formando en torno a John Cage e incorporaba sonidos y ruidos cotidianos a su música. En 1962, junto con sus mentores, participó en el "FLUXUS: Festival Internacional de Música Nueva" en el Museo de Wiesbaden y en el "Pequeño Festival de Verano" en la Galería Parnass de Wuppertal.

La primera gran actuación en solitario de Paik tuvo lugar en 1963 en su exposición "Exposición de Música - Televisión Electrónica" en la Galerie Parnass de Wuppertal. Distribuyó televisores por todo el espacio expositivo, alterando o distorsionando sus imágenes mediante la acción de imanes.

En 1964, Paik se trasladó a Nueva York, donde conoció a la violonchelista clásica Charlotte Moorman, graduada de la famosa Juilliard School (donde estudiaron, por ejemplo, Pina Bausch, Miles Davis, David Garrett, Nigel Kennedy, Sophie von Kessel, Val Kilmer, James Levine, Barry Manilow, Thelonious Monk, Itzhak Perlman, Leontyne Price, Christopher Reeve, Kevin Spacey, Robin Williams y Pinchas Zuckerman) y que estaba comenzando una carrera de conciertos tradicional.

La extrovertida Moorman, al igual que el inquieto y sumamente curioso Nam June Paik, no se adaptaba a la vida en el foso de un concierto y encontraba fascinante la escena del arte performativo multimedia del Nueva York de los años sesenta ; en 1963 fundó el Festival de Vanguardia de Nueva York (en Central Park y en el ferry de Staten Island, que se celebró casi ininterrumpidamente hasta 1980). Pronto colaboró ​​estrechamente con Paik y realizó numerosas giras con él. Juntos fusionaron su videoarte con la música y la performance.

En Nueva York, Paik encontró exactamente el entorno de trabajo, el nivel de desarrollo tecnológico y el público necesarios para desarrollar sus ideas sobre el arte y alcanzar el éxito con ellas.

Todos ya han visto esto antes: Arte multimedia de Nam June Paik

No se trata de una sola obra de arte de Nam June Paik. Más bien, es un acontecimiento tan directamente vinculado al inicio de su carrera y a los iniciadores artísticos del concepto artístico de Paik que debe mencionarse en primer lugar:

El legendario "happening de 24 horas" de 1965 en la Galería Parnass de Wuppertal.

El acontecimiento comenzó el 5 de junio de 1965 a medianoche, terminó a medianoche y superó en intensidad e impacto mediático todo lo que había tenido lugar anteriormente en la Galería Parnass.

Mucho había sucedido en la Galerie Parnass: en 1950, "Huit Clos" (Ocho Cierres) ; en 1951, la primera exposición de Le Corbusier en Alemania; en 1952, "La voix humaine" (La voz humana) , una exposición de arquitectura de Ludwig Mies van der Rohe y la primera exposición individual en Alemania de Alexander Calder, arte abstracto del Tachismo, la École de Paris y el Informalismo; en 1956, la exposición "Poème Objet" con obras de 50 artistas de Alemania y Francia; en 1962, el "Kleine Sommerfest – Après John Cage" (Pequeño Festival de Verano – Después de John Cage), con la primera aparición pública en Alemania del fundador estadounidense de Fluxus, George Maciunas, a la que siguieron otros eventos de Fluxus en la galería; En 1963 tuvo lugar la mencionada exposición de Paik, "Exposición de Música", y una exposición de décollages de Wolf Vostell, que incluyó un happening de seis horas. La exposición "9-No-Décollages" se inauguró en 1964, seguida de la "Exposición del Jardín Delantero" del grupo Realismo Capitalista (que incluía a Gerhard Richter y Sigmar Polke); el "Happening de 24 Horas" constituyó la culminación en 1965.

Joseph Beuys , Bazon Brock, Charlotte Moorman, Nam June Paik, Eckart Rahn, Tomas Schmit y Wolf Vostell realizaron sus acciones en las distintas salas de la Villa Parnass:

performance «Consecuencias de las leyes de emergencia», Wolf Vostell primero se tumbó en el suelo marcando carne cruda y vísceras con alfileres; después, con una máscara antigás, se sentó en una caja de cristal llena de harina atomizada, que se removía con una aspiradora. Junto a la caja de cristal había una jaula de madera con estudiantes de la Escuela de Artes Aplicadas de Wuppertal, cargados de carne y masticando trozos de ella.

Joseph Beuys realizó “y en nosotros… debajo de nosotros… bajo el agua” . Se puso en cuclillas o se tumbó sobre una caja de naranjas cubierta con un hule blanco y ocasionalmente se estiró (desesperadamente o con anhelo, con movimientos mínimos) hacia objetos, a menudo fuera de su alcance.

Los objetos –grabadora, tocadiscos, altavoz, caja de zinc con grasa, despertador, cronómetros, los guantes de boxeo de los hijos de su hijo– seguramente deberían significar tanto para el espectador como los movimientos de Beuys –cabeza estirada sobre una cuña de grasa, pies suspendidos justo por encima del suelo, pala comunitaria (una pala con dos mangos hecha por él) frente a su pecho–, pero deberían permanecer sin interpretar aquí, excepto por la admiración de que Beuys fue el único que mantuvo su acción durante 24 horas completas.

Bazon Brock exhibió objetos cotidianos recogidos en la casa del galerista Jährling como "huellas de vida" y creó el texto literario "Según los resultados experimentales, un gramo de veneno de cobra mata a 83 perros, 715 ratas, 330 conejos o 134 humanos" poniéndose de cabeza frente a dos discos que giraban lentamente, cuyas ventanas revelaban una letra cada 15 minutos.

Eckart Rahn creó «música noise» con un contrabajo y una flauta dulce tocada monótonamente frente a un micrófono y un altavoz. Mientras lo hacía, leía el Informe Kinsey. Para lectores más jóvenes: El Informe Kinsey consta de dos libros del zoólogo e investigador sexual estadounidense Alfred Charles Kinsey, que «El comportamiento sexual en el hombre» (publicado en alemán en 1955 como «Das sexuelle Verhaltens des Mannes») en 1948 y «El comportamiento sexual en la mujer» (publicado en alemán en 1954 como «Das sexuelle Verhaltens des Frau») en 1953.

Cualquiera que esté familiarizado con los resultados de la investigación completamente seria y biológicamente rigurosa de Kinsey —cuyos títulos originales en inglés se traducen literalmente como "Comportamiento sexual del hombre" y "Comportamiento sexual de la mujer" — ​​ya no se sorprende de que el libro sobre las mujeres se publicara en Alemania un año después de su lanzamiento en ese país, mientras que el libro sobre los hombres se publicó siete años después de su lanzamiento en Estados Unidos.

Y comprende por qué los movimientos de hombres fuertes, desde partidos políticos hasta clubes de lanzamiento de troncos, tienden a una aversión casi histérica hacia la homosexualidad: simple miedo, porque la realidad destroza su visión del mundo. Casi la mitad de los hombres han tenido relaciones heterosexuales u homosexuales, o al menos han reaccionado ante personas de ambos sexos; cerca del 60% de los niños varones prepúberes recuerdan haber tenido experiencias voluntarias con personas del mismo sexo; aproximadamente la mitad de la población (hombres y mujeres) es bisexual en algún grado.

En realidad, esto no sorprende en absoluto, sino que es algo que experimentamos a diario (más allá del sentido estricto de la sexualidad): las personas con una orientación homosexual no son 100% hombres ni 100% mujeres; o dicho de otro modo: los "hombres" no exclusivamente dominados por la testosterona no siempre están de humor para la agresión, sino que también poseen rasgos tiernos y afectuosos (femeninos). Las "mujeres" no exclusivamente dominadas por el estrógeno no siempre están de humor para la armonía y el amor, sino que también pueden imponerse, con razonamientos serenos o incluso con una buena dosis de agresividad (masculina).

El 50% restante, por supuesto, no se compone exclusivamente de tipos machistas o afables; sin embargo, la categoría de los más machistas incluye un número desproporcionadamente alto de directivos de grandes corporaciones y comandantes militares (dejando de lado la sospecha de que la mayoría de ellos también son psicópatas; para más información, consulte www.zeit.de/ ). En la categoría de los más afables, en cambio, abundan sin duda los trabajadores sociales incansables y las personas divorciadas que han sido despojadas de todo artificio.

Si bien el tipo machista es más probable, aunque no exclusivamente, que sea un hombre, y el tipo cariñoso y afable que sea más probable, aunque no exclusivamente, que sea una mujer… La discriminación contra la homosexualidad es simplemente errónea porque es más beneficioso para nuestra sociedad si está compuesta por la mayor cantidad posible de personas que estén bien distribuidas y que “lleven dentro de sí ambas partes de la humanidad” .

Volviendo al evento de 24 horas : Thomas Schmit realizó una performance "sin público", con 24 cubos dispuestos en círculo, de los cuales vertió agua hasta que desapareció, e interrumpió la actuación tan pronto como entró un espectador en la sala.

Nam June Paik y Charlotte Moorman ofrecieron un concierto con obras de Ludwig van Beethoven, John Cage, Morton Feldman y La Monte Young. Paik parecía quedarse dormido sobre las teclas del piano; Moorman tocaba el violonchelo con un vestido de celofán transparente, que a veces empapaba, y en ocasiones golpeaba un espejo y su violonchelo contra él; esta actuación semidesnuda fue la que causó mayor revuelo.

Nam June Paik y Charlotte Moorman en el evento de 24 horas:

Aunque Eva y Joseph Beuys ayudaron a los Jährling a limpiar la villa al día siguiente, la carne de Wolf Vostell, ya ligeramente mohosa, fue enterrada en el jardín, y un amigo, escritor, aportó nebulizadores de Jacutin, altamente tóxicos, para fumigar las habitaciones. Los Jährling disolvieron la Galerie Parnass, que existía desde 1949, en septiembre de 1965 para viajar por África en una furgoneta Volkswagen. Presumiblemente, en busca de una vida más segura…

Sin embargo, Nam June Paik tenía algo planeado para la mañana siguiente: una auténtica "Ópera Robótica ". En la calle Moltkestraße 67 de Wuppertal-Elberfeld, frente a la Galería Parnass, K 456 hizo su primera aparición pública en Europa. K 456 era un robot muy talentoso y completo, de 185 cm de altura, capaz de hablar (recitando discursos de John F. Kennedy), caminar, mover la cabeza, mover los brazos y las manos de forma independiente y digerir la comida. El motivo por el que excretaba alubias blancas durante la digestión es probablemente tan difícil de comprender como el porqué de su nombre, inspirado en el Concierto para piano n.º 18 en si bemol mayor de Mozart, K. 456.

Concierto para piano n.º 18 de Mozart

El robot, o mejor dicho, la robotina, es una figura de tamaño natural hecha de madera, alambre y componentes electrónicos. Sus rasgos no son particularmente detallados y tienen un tono amarillento, pero son inconfundiblemente femeninos. El robot puede controlarse a distancia y, según sus creadores, Nam June Paik y el técnico de televisión Shuya Abe (con quien Paik colaboró ​​frecuentemente), fue concebido como el primer artista de performance no humano.

Por lo tanto, debía ser utilizado en todas las acciones callejeras futuras; tal vez por eso Paik había insistido en que a K 456 se le dieran senos que también pudieran moverse individualmente (¿para envidia de sus admiradoras?).

Aquí se puede al Robot K 456 en las calles de Berlín, tal como asombró a los transeúntes un “Homenaje a John Cage”

Y aquí demuestra sus alegres movimientos de pecho:

En 1982, Paik dejó que K 456 deambulara por las calles de Nueva York, con el previsible resultado de que el robot fuera atropellado por un coche en la esquina de Madison Avenue y la calle 75. Sin embargo, esto había sido acordado previamente entre Paik y el conductor, y los atónitos transeúntes presenciaron posteriormente cómo K 456 era trasladado al museo en una operación de rescate, donde, tras ser reparado, volvió a su pedestal.

Paik ya había comprendido entonces (cuando KITT, el coche autónomo de Hasselhoff, estaba conquistando la pantalla en "El coche fantástico") que los robots, a diferencia de los humanos, no están a la altura de la complejidad del tráfico rodado, no pueden evaluar los peligros ni reaccionar con la suficiente flexibilidad.

A diferencia de la mayoría de los fabricantes de automóviles modernos, Paik no creía que esto debiera cambiar jamás. Irónicamente, este artista electrónico, , adoptó una postura clara en contra de la entonces emergente noción de que los humanos eran imperfectos en comparación con la máquina perfecta.

El hecho de que un experto en las cadenas de control electrónico más sofisticadas creyera que el primer fallo en una cadena de procesos compleja no lo causaría un humano, sino un robot, debería disuadirnos durante un buen tiempo de confiar la compra de nuestros alimentos al ordenador del frigorífico. Al menos hasta que estemos a salvo de cortes repentinos de la red cuando queramos que nos recojan los 5994 yogures de frambuesa extra que pedimos…

Volviendo al «acontecimiento de 24 horas» : El acontecimiento quedó inmortalizado en la publicación «24 Horas », una documentación fotográfica del galerista Rolf Jährling y la fotógrafa Ute Klophaus (a quienes los participantes promovieron a coautores y participantes del evento). «24 Horas» fue publicada en 1965 por Hansen & Hansen en Itzehoe-Vosskate.

Además de las fotografías, el libro contiene notas y textos de los artistas: Joseph Beuys “Energieplan” , Charlotte Moorman “cello” , Rolf Jährling “Mittelwort” y Nam June Paik “Pensée” , en el que habla de cibernética y drogas y predice la victoria del arte conceptual sobre el arte popular de masas.

Bazon Brocks estaba más interesado en la atención del público y anota lacónicamente: "Cinco personas en casa de Vostell, todos en casa de Beuys, nadie en la mía".
Solo Wenzel, el hijo de Joseph Beuys, "se entregó tan visiblemente como el único a su historia narrada ", pero solo alrededor del mediodía hasta la una de la tarde, después de lo cual presumiblemente tuvo que regresar con su padre en la caja de naranjas para susurrarle palabras de aliento.

Al final del libro, varias páginas cuadradas tenían recortes para colocar una bolsita de plástico llena de harina, cortesía de Wolf Vostell. Al retirar la bolsita, se podía leer: «¡Pasa 24 horas con harina!». Hoy en día, presumiblemente con gusanos de la harina, si es que aún se puede conseguir un ejemplar, que ahora cuesta alrededor de 700 €.

Tras este suceso, Paik acaparó titulares actuaciones

"Opera Sextronique" de 1967, durante la cual Charlotte Moorman, que actuaba en topless, fue arrestada (el escándalo que rodeó su posterior condena conduciría a una nueva ley más liberal con mayor libertad en las representaciones artísticas).

le siguió el "Sujetador de TV para Escultura Viviente" , que Moorman interpretó con dos pequeños televisores sujetos a sus pechos, o en el siguiente video:

“cama con televisor” perduró desde 1972 hasta 1991 para Charlotte Moorman, a quien Paik admiraba profundamente.

1975: “Video Fish” , varios acuarios contiguos en los que los peces nadan frente a un número igual de monitores que muestran vídeos de peces nadando.

Hoy en día, ese concepto ya ha sido superado por "Vídeos para tu gato" :

(Vídeos para gatos domésticos, tema: acuario).

Moorman volvió a participar en 1976, en "TV Cello", donde toca un violonchelo construido con televisores, que evoca en la pantalla a diferentes músicos que tocan el violonchelo con cada golpe de arco:

Durante su colaboración con Moorman, el objetivo de Paik era elevar la música al mismo nivel de desarrollo que el arte y la literatura. También quería que el sexo dejara de ser un tema que causara ofensa en público. En una de sus obras Fluxus, se le indica al intérprete que se introduzca en la vagina de un cachalote vivo (cuya reacción, lamentablemente, no se registra).

se «Familia de robots» , que presentaba a miembros de tres generaciones: abuelos, padres, tíos e hijos. Las generaciones se distinguían por los materiales empleados, narrando así una historia familiar y representando diferentes etapas del desarrollo de los medios de comunicación durante el siglo XX. Paik presentó la tecnología como un producto del ingenio humano, lo que también podría explicar por qué la humanidad está perdiendo el contacto con la realidad.

Humaniza la tecnología para resistirla:

"Hay que conocer muy bien la tecnología para poder sobrevivir en ella" (cita de Paik).

Esta idea filosófica también se ilustra en la infraestructura mediática “Fish Flies on Sky” de Nam-June Paik en el Museum Kunstpalast (Düsseldorf) y Perpetuum Mobile I (U-Matic-Video): vídeo de un solo canal, 4:04 minutos (1987) en una red de televisores de tubo.

En 1988, para los Juegos Olímpicos de Verano de Seúl, Paik presentó "The More The Better" , una extraordinaria torre de medios compuesta por 1.003 monitores.

En 1989, Paik instaló el "Buda de la TV " sobre y frente a la pantalla. Puedes aprender más sobre el sentido y el sinsentido de los Budas en la pantalla en el canal de YouTube del Museum Kunstpalast Düsseldorf:

En 1990, «Pre-Bell-Man» como obra por encargo para la reapertura del Museo Postal Alemán. Paik realizó el collage del caballero moderno a partir de diversas partes de aparatos de radio y televisión, casi exclusivamente objetos de las colecciones del Museo Postal Alemán.

Paik adquirió únicamente el caballo del caballero en una tienda de antigüedades veneciana; el Pre-Campana se encuentra frente al recién inaugurado Museo de la Comunicación en Frankfurt am Main.

De 1990 a 1997, después del K 456 y la Familia de Robots, surgió una tercera ola de robots, en la que recreó algunos de sus héroes,
como "Gertrude Stein" (1990), "La Voz de Beuys" (1990) y Watchdog II (1997), solo que auténticos con una cámara de vigilancia al final de la cola y orejas con altavoces.

En honor a John Cage, quien murió en 1992, la “Pieza de Piano” , videos sobre un piano, algunos con fotos de Paik, otros con fotos de Cage, otros con fotos del mundo, y una cámara de vigilancia que graba al pianista y lo muestra en seis de las pantallas.

También en 1992 se creó la “Puerta de Brandeburgo” (ahora parte de la colección del Museo Ludwig de Colonia), una instalación de múltiples monitores compuesta por 200 televisores de diferentes tamaños con la forma de la Puerta de Brandeburgo en Berlín.

En 1995, Paik materializó la "Electronic Superhighway" en una instalación grotesca y gigantesca, repleta de imágenes tan vacías como aburridas, enmarcadas por un perturbador batiburrillo de neón que agredía la vista y el gusto. Una crítica cultural en su máxima expresión, tan sutil que los mismos fanáticos de las series, los pensadores superficiales y los seguidores de lo llamativo no se percataron de que eran el blanco de la crítica (¿acaso no es Trump sonriendo desde la pantalla en el centro?).

Aquí tenéis un poco más de "Paik para ver" de sus (primeros) años :

• Televisión participativa (1963)
• Corona de televisión (1965)
• Televisor magnético (1965)
• La Luna es el televisor más antiguo (1965)
• Silla de televisión (1968)
• 23/9/69, Experimento con David Atwood (1969)
• TV Cello (1971)
• Global Groove (1973)
• Jardín de la televisión (1974)
• Candle TV (1975)
• Video Fish (1975)
• Buda en vídeo (1976)
• Peces reales/Peces vivos (1982/1999)
• Buenos días, señor Orwell (1984)
• Reloj suizo (1988)

La exploración creativa de Paik con los nuevos medios no terminó ahí; a principios del siglo XXI, la tecnología láser a su obra. En su instalación más reciente, proyectó haces de láser sobre lienzos de algodón, agua corriente y estructuras espaciales llenas de humo; en este «proyecto post-video», llevó la articulación de la imagen en movimiento un paso más allá.

El “proyecto post-video” puede verse al final de esta “charla de exposición” ofrecida por Nam June Paik junto con el curador John Hanhardt con motivo de la exposición “Los mundos de Nam June Paik” en el Museo Guggenheim , donde también se presentó esta instalación.

Al comienzo del nuevo milenio, Paik nos ofrece una visión de cómo el cine y el vídeo pueden fusionarse con los medios electrónicos y digitales en nuevas formas de expresión y técnicas visuales. Sugiere que en el siglo XXI presenciaremos el fin del vídeo y la televisión tal como los conocemos, y que una transformación de nuestra cultura visual es inminente.

Mirando una vez más hacia el futuro: Paik solo vivió los albores de un mundo interconectado, donde la humanidad intercambia documentos fílmicos digitales por todo el planeta. Debido a su avanzada edad, ya no pudo opinar sobre la incipiente posibilidad de una «revolución final de la ilustración», en la que las imágenes en movimiento (conocimiento, información) podrían compartirse instantáneamente entre cualquier persona a través de su arte.