Johannes Vermeer en zijn invloed op de moderne schilderkunst

Naast Rembrandt van Rijn Jan Vermeer van Delft – ook wel Johannes Vermeer – een van de meest bewonderde Nederlandse kunstenaars en schilders uit de barokperiode .

De Nederlandse kunstenaar in het kort – een profiel

Hij maakte deel uit van de Nederlandse Gouden Eeuw , een tijdperk van politieke, economische en culturele bloei. Hoewel Vermeers complete oeuvre relatief klein is, met slechts 37 bekende schilderijen, zijn er dankzij oude veilingarchieven nog meer werken bewaard gebleven. De zeldzame werken van de Hollandse meester behoren tot de grootste schatten in 's werelds beste musea.

Hoewel hij aanvankelijk historiestukken schilderde, is hij vooral bekend om zijn genretaferelen, die het grootste deel van zijn oeuvre uitmaken. Vermeer begon zijn carrière in de vroege jaren 1650 met het schilderen van grootschalige Bijbelse en mythologische taferelen, maar de meeste van zijn latere schilderijen – waarvoor hij het meest beroemd is – beelden scènes uit het dagelijks leven binnenshuis uit. Deze werken onderscheiden zich door hun zuiverheid van licht en vorm, kwaliteiten die een serene, tijdloze waardigheid uitstralen. Vermeer schilderde ook stadsgezichten en allegorische taferelen.

Tot zijn bekendste werken behoren " Gezicht op Delft", "De melkmeid" en " Het meisje met de parel", die tegenwoordig wereldwijd bekend zijn.

Vanwege het geringe aantal van zijn werken werden in de 19e eeuw schilderijen van andere kunstenaars ten onrechte aan hem toegeschreven. Tegenwoordig wordt echter algemeen aanvaard dat Vermeer een meester in zijn vak was.

De artistieke nalatenschap van de Nederlandse barokkunstenaar Jan Vermeer (1632-1675) wordt tegenwoordig vrijwel unaniem beschouwd als een van de meest invloedrijke in de kunstgeschiedenis. Hij unieke schildertechnieken die zijn werk een levendigheid en een gevoel van realiteit verlenen. Hij wist het licht perfect vast te leggen in zijn schilderijen, waardoor zijn werken zo realistisch en levensecht overkomen. Zijn technieken zijn nog steeds zeer populair onder kunstenaars en worden veelvuldig gebruikt in moderne schilderijen.

Zijn beroemde schilderijen, die een unieke combinatie van realistische details en subtiele kleurenpaletten bieden, hebben een blijvende invloed gehad op de moderne schilderkunst en hebben sindsdien talloze kunstenaars aanzienlijk geïnspireerd. Hij bracht een revolutie teweeg in de schilderkunst en leerde ons hoe we licht in schilderijen kunnen vastleggen en ze uniek kunnen maken. Zijn kenmerkende stijl heeft de eeuwen doorstaan ​​en blijft tot op de dag van vandaag een belangrijk onderdeel van de kunstwereld.

Tot verbazing van velen was de schilder in zijn tijd weinig bekend..

Johannes Vermeer – Een gedetailleerd kunstenaarsportret – Leven en werk

In feite was Vermeer tot halverwege de 19e eeuw relatief onbekend. Het mysterie rond zijn leven en de aanhoudende anonimiteit van zijn werk leverden hem de bijnaam "Sfinx van Delft" op. in de jaren 1870 "herontdekt" .

Vermeer verkocht zijn schilderijen echter al tijdens zijn leven. Pieter van Ruijven (1624-1674), de in Delft geboren zoon van een brouwer, was een fervent verzamelaar van de werken van de kunstenaar. Van Ruijven bezat maar liefst 20 Vermeers.

De voornaamste reden waarom zijn leven en nalatenschap zo lang in mysterie gehuld zijn gebleven, is waarschijnlijk dat hij slechts een klein aantal schilderijen heeft gemaakt, misschien zo'n vijfenveertig (waarvan er zesendertig bekend zijn) – voornamelijk voor een kleine kring van opdrachtgevers in Delft.

Zoals eerder vermeld, werd ongeveer de helft van Vermeers schilderijen verworven door de lokale verzamelaar Pieter van Ruijven. Hoewel Vermeers werk ook bekend was bij andere kenners in Delft en de naburige hofstad Den Haag, en sommige van zijn schilderijen werden verkocht aan mensen verder weg (Antwerpen en Amsterdam), produceerden de meeste Nederlandse schilders honderden schilderijen voor een veel breder publiek.

Zijn imago als geïsoleerde figuur wordt verder versterkt door het feit dat ook zijn leermeester onbekend was en hij kennelijk geen beroemde leerlingen had. De kunstenaar was echter een gerespecteerd lid van het Delftse schildersgilde en wisselde ideeën uit met hedendaagse schilders die actief waren in de stad (met name Pieter de Hooch in de jaren 1650) en de omliggende regio (bijvoorbeeld Frans van Mieris in Leiden).

Zijn vroege jaren

Delft , de geboorteplaats en woonplaats van Vermeer, was in het midden van de 17e eeuw een bruisende en welvarende stad, dankzij de bloeiende Delftse aardewerkfabrieken, tapijtweverijen en brouwerijen. Binnen de stadsmuren van Delft lagen pittoreske grachten en een groot marktplein, geflankeerd door het imposante stadhuis en de torenhoge spits van de Nieuwe Kerk . Het was tevens een eerbiedwaardige stad met een lange en roemrijke geschiedenis.

De Nederlandse schilder werd gedoopt in de Nieuwe Kerk. Zijn vader, Reynier Jansz, was een wever die een fijne satijnen stof produceerde, genaamd Caffa ; hij was ook kunsthandelaar. In 1641 was het gezin welgesteld genoeg om een ​​groot huis met een herberg genaamd Mechelen aan het marktplein te kopen. Vermeer erfde zowel de herberg als de kunsthandel na de dood van zijn vader in oktober 1652. Tegen die tijd moet de schilder echter al hebben besloten dat hij een carrière als schilder .

In april 1653 trouwde Vermeer met Catharina Bolnes, een jonge katholieke vrouw uit de zogenaamde Papenhoek van Delft. Uit dit huwelijk met Catharina Bolnes (1631-1687) werden in totaal elf kinderen geboren. De ingetogenheid van de scènes die hij schilderde staat in schril contrast met de werkelijkheid van zijn weelderige huishouden.

Deze verbintenis bracht hem er ook toe zich te bekeren van het protestantse geloof waarin hij was opgegroeid tot het katholicisme .

Later in dat decennium verhuisden Vermeer en zijn vrouw naar het huis van de moeder van de bruid, Maria Thins, die een verre verwante was van de Utrechtse schilder Abraham Bloemaert .

Artistieke opleiding en vroege invloeden

Verrassend weinig is bekend over Vermeers besluit om schilder te worden. Hij werd op 29 december 1653 ingeschreven als meesterschilder bij het Delftse Sint-Lucasgilde, maar de identiteit van zijn leermeester, de aard van zijn opleiding en het tijdstip van zijn leerperiode blijven onderwerp van veel speculatie.

Aangezien zijn naam niet meer voorkomt in de Delftse archieven van eind jaren 1640 of begin jaren 1650, is het mogelijk dat hij, net als veel andere veelbelovende Nederlandse kunstenaars, naar Italië, Frankrijk of Vlaanderen is gereisd. Hij kan ook een opleiding hebben genoten in een ander kunstcentrum in Nederland, wellicht in Utrecht of Amsterdam.

In Utrecht ontmoette Vermeer kunstenaars die zich hadden verdiept in de expressieve tradities van Caravaggio , onder wie Gerrit van Honthorst . In Amsterdam zou hij zijn bezweken voor de invloed van Rembrandt van Rijn , wiens krachtige clair-obscur-effecten voortaan de psychologische intensiteit van zijn schilderijen zouden versterken.

Stilistische kenmerken van beide schilderkunstige tradities – de Utrechtse school en die van Rembrandt – zijn terug te vinden in Vermeers vroege, grootschalige Bijbelse en mythologische schilderijen zoals "Diana met haar metgezellen" (circa 1653-1654; ook wel Diana en haar nimfen genoemd) en " Christus in het huis van Maria en Martha" (circa 1654-1656).

De meest opvallende samensmelting van de twee tradities is te zien in Vermeers "De koppelaarster" (1656). Het thema van deze scène over geldzuchtige liefde is ontleend aan een schilderij van de Utrechtse kunstenaar Dirck van Baburen uit de collectie van Vermeers schoonmoeder, terwijl de diepe rode en gele tinten en de sterke clair-obscur-effecten doen denken aan Rembrandts stijl.

De zwak verlichte figuur aan de linkerkant van de compositie is waarschijnlijk een zelfportret waarin Vermeer de rol van de verloren zoon op zich neemt, een rol die Rembrandt ook had gespeeld van "vrolijk gezelschap"

In de vroege jaren 1650 vond Vermeer wellicht ook veel inspiratie in zijn geboortestad Delft, waar de kunst een snelle ontwikkeling doormaakte. De belangrijkste kunstenaar in Delft in die tijd was Leonard Bramer , die naast kleinschalige historiestukken – dat wil zeggen moreel verheffende afbeeldingen van bijbelse of mythologische thema's – ook grote muurschilderingen maakte voor het hof van de Prins van Oranje.

Uit documenten blijkt dat Bramer, die katholiek was, Vermeers getuige was bij zijn huwelijk. Hoewel het erop lijkt dat Bramer in ieder geval in een vroeg stadium een ​​voorstander van de jonge kunstenaar was, wordt er nergens vermeld dat hij zijn leraar was.

Een andere belangrijke schilder die Vermeer in die tijd in Delft moet hebben gekend, was Carel Fabritius , een voormalige leerling van Rembrandt. Fabritius' indrukwekkende, contemplatieve schilderijen en innovatieve gebruik van perspectief lijken een blijvende invloed op de Nederlander te hebben gehad. Deze connectie werd opgemerkt door de dichter Arnold Bon, die in een brief over Fabritius' tragische dood bij de explosie in het kruitmagazijn in Delft in 1654 schreef: "Vermeer heeft [Fabritius'] pad meesterlijk gevolgd .

Vermeer was bekend met het werk van Fabritius, maar er is geen bewijs dat hij bij Fabritius in de leer is geweest.

in de tweede helft van de jaren 1650 scènes uit het dagelijks leven af ​​te beelden genretaferelen worden het meest met hem geassocieerd. Gerard Terborch , een kunstenaar uit Deventer die meesterlijk texturen weergaf in zijn afbeeldingen van huiselijke activiteiten, heeft de kunstenaar mogelijk aangemoedigd om zich te richten op scènes uit het dagelijks leven.

De invloed van Terborch is zeker zichtbaar in een van Vermeers vroegste genretaferelen, "Meisje leest een brief bij een open venster" (ca. 1659), waarin hij een rustige plek creëerde waar de jonge vrouw haar brief kan lezen. In tegenstelling tot Terborchs kenmerkend donkere interieurs, baadde Vermeer deze opmerkelijk intieme scène echter in een stralend licht dat door een open venster naar binnen stroomde.

Het schilderij onthult ook zijn groeiende interesse in illusionisme , niet alleen door de toevoeging van een geelgroen gordijn dat aan een roede hangt die over het bovenste deel van het schilderij loopt, maar ook door de subtiele weerspiegelingen van het gezicht van de vrouw in het open raam.

Vermeers interieurscènes uit deze periode werden ook beïnvloed door het werk van Pieter de Hooch , een vooraanstaande genreschilder in Delft. De Hooch was een meester in het gebruik van perspectief om een ​​lichtrijke binnen- of binnenplaats te creëren waarin figuren comfortabel waren gepositioneerd.

Hoewel er geen documenten zijn die Johannes Vermeer en de Hooch met elkaar in verband brengen, is het zeer waarschijnlijk dat de twee kunstenaars in deze periode nauw contact hadden, aangezien de thema's en stijl van hun schilderijen behoorlijk op elkaar leken. Vermeers Gezicht op de huizen in Delft (ca. 1658; ook bekend als Het Straatje) is daar een voorbeeld van: net als in de binnenplaatsen van de Hooch beeldde Vermeer een wereld van huiselijke rust uit, waar vrouwen en kinderen hun dagelijkse leven leiden in de kalme omgeving van hun huis.

Op het hoogtepunt van zijn creatieve periode

Vanaf eind jaren 1650 , en gedurende ongeveer een decennium – een opmerkelijk korte periode van productiviteit gezien zijn enorme reputatie – creëerde Johannes Vermeer veel van zijn beroemdste schilderijen , waarvan de meeste interieurscènes waren. Geen andere Nederlandse kunstenaar uit die tijd creëerde scènes met zo'n helderheid en zuiverheid van kleur, en geen enkel ander schilderswerk was doordrenkt met een vergelijkbaar gevoel van tijdloosheid en menselijke waardigheid.

Op het hoogtepunt van zijn artistieke carrière werd de kunstenaar eindelijk geëerd en erkend in zijn geboorteplaats Delft. Hij werd in 1662 benoemd tot hoofd van het schildersgilde. Hoewel er geen opdrachten voor Vermeers schilderijen bekend zijn, lijkt het erop dat hij in deze periode zijn werken voornamelijk verkocht aan een kleine groep opdrachtgevers in Delft.

bijvoorbeeld meer dan twintig jaar na Vermeers dood maar liefst 21 van zijn schilderijen uit de nalatenschap van Jacob Dissius , een Delftse verzamelaar, verkocht.

Het werk van Jan Vermeer – thema's en motieven

Op het hoogtepunt van zijn carrière concentreerde Vermeer zich op schilderijen vrouwen brieven lezen of schrijven, muziekinstrumenten bespelen of zich tooien met sieraden. In deze onderwerpen zocht hij steeds naar manieren om een ​​gevoel van innerlijke harmonie in het dagelijks leven , voornamelijk binnen de beslotenheid van een privékamer.

In schilderijen zoals "Jonge vrouw met waterkruik aan het raam (ca. 1662)" , "Jonge dame met parelketting" (ca. 1662/64) en "Vrouw in blauw die een brief leest" (ca. 1663) gebruikte hij de wetten van het perspectief en de plaatsing van individuele objecten – stoelen, tafels, muren, kaarten, raamkozijnen – om een ​​gevoel van de onderliggende orde van de natuur .

Vermeers zorgvuldig uitgekozen objecten zijn nooit willekeurig geplaatst ; hun posities, verhoudingen, kleuren en texturen staan ​​in wisselwerking met zijn figuren. Stralend licht speelt over deze schilderijen en verbindt de elementen nog verder met elkaar.

De emotionele kracht van Vermeers magnifieke "Gezicht op Delft" (afbeelding hierboven in het artikel) komt eveneens voort uit zijn vermogen om een ​​beeld van de fysieke wereld om te zetten in een harmonieuze, tijdloze visuele expressie. In dit meesterwerk beeldde de schilder Delft af vanaf de andere kant van de haven, waar transportboten werden gelost na hun reis over de binnenwateren.

Achter de schaduwrijke fries van Delfts eerbiedwaardige verdedigingsmuren en massieve poorten, verlicht fel zonlicht de toren van de Nieuwe Kerk, de begraafplaats van de Prinsen van Oranje en het symbolische centrum van de stad. Naast het gebruik van licht, de intensiteit van het schilderij ook voort uit de grote schaal en de tastbare illusie van realiteit die het creëert. De gebouwen krijgen een fysieke aanwezigheid door Vermeers suggestieve manier om kleine stippen van ongemoduleerde kleur te combineren met penseelstreken; hij gebruikte een vergelijkbare techniek om de weerspiegeling van water op de zijkanten van de boten te suggereren.

Hoewel hij zijn inspiratie putte uit observaties van het dagelijks leven, bleef Vermeer in wezen een historieschilder die abstracte morele en filosofische ideeën . Deze eigenschap is met name duidelijk in "De parelweegster" (zie afbeelding hierboven).

Op deze opmerkelijke afbeelding staat een vrouw sereen voor een tafel met een juwelenkistje, gedrapeerd met gouden en pareldraden, wachtend tot haar kleine handweegschaaltjes tot rust komen. Hoewel het gedempte licht dat de kamer binnenvalt en de verfijnde texturen van de sieraden en de met bont afgezette jas realistisch zijn weergegeven, suggereert de schildering van het Laatste Oordeel op de achterwand dat de kunstenaar de scène allegorisch heeft opgevat.

Terwijl de vrouw naast de juwelenkist en het tafereel van de rechtszaal staat, verraadt haar kalme gelaatsuitdrukking een besef: ze moet evenwicht bewaren in haar eigen leven door niet toe te staan ​​dat vluchtige wereldse schatten zwaarder wegen dan blijvende spirituele waarden.

Verrassend weinig is bekend over Johannes Vermeers houding ten opzichte van zijn rol als kunstenaar. Het filosofische kader voor zijn benadering van zijn vak kan echter wellicht worden afgeleid uit een ander werk uit deze periode, "De kunst van het schilderen" (zie afbeelding hierboven). Door een groot gordijn opzij te schuiven, alsof het een levend tafereel onthult, kondigde Vermeer zijn allegorische bedoeling aan voor dit grote en imposante werk.

De scène toont een elegant geklede dame – een representatie van de allegorische figuur van Clio , de muze van de geschiedenis, herkenbaar aan haar attributen: een lauwerkrans die eer en glorie symboliseert, de bazuin van roem en een groot boek dat de geschiedenis symboliseert. Johannes Vermeer plaatste Clio naast een grote wandkaart van Nederland om aan te tonen dat de kunstenaar, door zijn historisch besef en zijn vermogen om sublieme onderwerpen te schilderen, roem had gebracht aan zijn geboortestad en land.

Dit schilderij was zo belangrijk voor Vermeer dat zijn weduwe het probeerde te verbergen voor de schuldeisers, zelfs toen het gezin in armoede leefde.

De schildertechnieken en werkwijzen van Vermeer

Ongeëvenaard gebruik van licht

Misschien wel het beroemdste kenmerk van Vermeers grootste schilderijen is hun lichtkracht . Vermeer kon als geen ander het licht op objecten vastleggen – en deze vaardigheid maakte hem wereldberoemd. De stoffen in zijn schilderijen glinsteren en de schaduwen op de muur zijn zo realistisch als maar mogelijk is. De schilder gebruikte licht meesterlijk om onze blik te sturen.

Technisch onderzoek heeft aangetoond dat Vermeer over het algemeen een grijze of okerkleurige basislaag op zijn doek of paneel aanbracht om de bijzondere kleurenharmonieën van zijn composities te creëren.

Hij was zich zeer bewust van het optische effect van kleur en creëerde doorschijnende effecten door dunne glazuurlagen aan te brengen op deze basislagen of op de dekkende kleurlagen die zijn vormen definieerden. Zijn werken lijken ook doordrongen te zijn van licht, omdat hij kleine stippen ongemoduleerde kleur gebruikte (een pointillistische techniek ) – zoals in de eerder genoemde gebouwen en het water van "Gezicht op Delft" en in objecten op de voorgrond in andere werken, zoals het knapperige brood in "Meisje met een kruik" en de uiteinden van de stoel in "Meisje met een rode hoed" (ca. 1665/66).

Diepte en driedimensionaliteit

Vermeer was ook een meester in het creëren van diepte , bijvoorbeeld door contouren slechts subtiel weer te geven. Hij speelde ook met gedeeltelijk verborgen aanzichten – een gang of een open gordijn – om de illusie van driedimensionale ruimte te versterken en tegelijkertijd de nieuwsgierigheid van de kijker te prikkelen, waardoor we ons afvragen: Wat gebeurt daar, net buiten ons zicht?

Levendige kleuren

Hoewel hij geen rijk man was, bezuinigde Vermeer niet op schildermaterialen. Zo gebruikte hij bijvoorbeeld een pigment gemaakt van gemalen lapis lazuli – een zeer kostbare halfedelsteen die in de 17e eeuw vanuit Afghanistan naar Nederland moest worden verscheept – om zijn eigen blauwe verf te maken.

De levendige kleuren glinsteren nog steeds intens als we er vandaag de dag naar kijken, honderden jaren nadat hij ze schilderde.

Vermeer liet kleuren door het hele schilderij "resoneren" om een ​​harmonieus gevoel van eenheid te creëren. Let bijvoorbeeld op het blauw van de kleding van de brieflezer, dat terugkomt in de stoelen, het peervormige gewicht onder de kaart aan de muur en zelfs in de schaduwpartijen.

In Vermeers tijd bestonden er geen tubes verf, en moest hij olie, een bindmiddel en fijn gemalen pigmenten mengen om zijn eigen verf te maken.

Diffuse hoogtepunten à la camera obscura

De diffuse lichteffecten die Vermeer bereikte, zijn vergelijkbaar met die van een camera obscura , een fascinerend optisch apparaat dat op een vergelijkbare manier werkt als een dooscamera. De 17e-eeuwse camera obscura produceerde een beeld door lichtstralen via een kleine opening, soms voorzien van een focusbuis en lens, een doos binnen te laten.

Door de beperkte scherptediepte van het apparaat vertoont het geprojecteerde beeld veel onscherpe gebieden, omgeven door wazige lichtvlekken. Vermeer was blijkbaar gefascineerd door deze optische effecten en gebruikte ze om zijn schilderijen een groter gevoel van directheid te geven.

Sommigen beweren dat Vermeer het apparaat gebruikte om zijn composities te plannen, en zelfs dat hij de beelden die op het matglas aan de achterkant van de camera obscura werden geprojecteerd, overtrok. Een dergelijk werkproces is echter hoogst onwaarschijnlijk.

Traditionele perspectiefconstructies

Vermeer maakte voornamelijk gebruik van traditionele perspectiefconstructies om zijn gevoel voor ruimte te creëren. Zo is bijvoorbeeld ontdekt dat in veel van zijn genretaferelen in interieurs kleine gaatjes aanwezig zijn op het verdwijnpunt van zijn perspectiefsysteem. Draadjes die aan de gaatjes waren bevestigd, zouden hem hebben geholpen bij het construeren van de orthogonale lijnen die de uitsparingen van vloeren, ramen en muren definieerden.

Vermeer plaatste dit verdwijnpunt zorgvuldig om het belangrijkste compositie-element van het schilderij te benadrukken.

In "The Pearl Weigher" bijvoorbeeld, verschijnt het op de vingertop van de hand die de weegschaal vasthoudt, waardoor de algehele filosofische boodschap wordt versterkt.

Theatrale composities van alledaagse situaties

Vermeer componeerde zijn scènes alsof hij een theaterdecor bouwde waarin hij zijn onderwerp zou plaatsen, waarbij hij elementen zoals meubels, keukengerei, voedsel en menselijke figuren nauwgezet positioneerde – elk object en elke persoon in deze verfijnde composities krijgt zijn eigen belang en rol.

Vermeer wist op deze manier onze aandacht te boeien – dit geldt zowel voor mensen die zijn schilderijen vaak hebben bestudeerd als voor degenen die ze voor het eerst zien. Details zoals tegels in een hoek of een spijker in een witte muur "verschijnen" soms pas later.

Een nauwgezette werkethiek en het streven naar perfectie

Johannes Vermeer paste zijn composities voortdurend aan en vernieuwde ze. Röntgenonderzoek van zijn schilderijen heeft objecten aan het licht gebracht die verborgen lagen onder dikke verflagen. Deze maakten oorspronkelijk deel uit van de compositie, zoals een wasmand in "De Melkmeid", waar nu een voetenbankje staat.

Dit streven naar perfectie is een kenmerkende eigenschap van de kunstenaar. Deze liefde voor detail helpt de beperkte omvang van Vermeers creatieve oeuvre te verklaren, zelfs tijdens zijn meest productieve periode. Hij moet langzaam en zorgvuldig hebben gewerkt en de aard van zijn compositie en de uitvoering ervan nauwkeurig hebben overwogen.

Laat werken en ouderdom

In 1670 werd Vermeer opnieuw verkozen tot hoofd van het Delftse schildersgilde. Vermeers latere stijl heeft een helderder karakter en een grotere atmosferische helderheid dan zijn schilderijen uit de jaren 1660. De zorgvuldig gemoduleerde tinten en kleuren die hij in deze eerdere werken gebruikte, maakten rond 1670 plaats voor een directere, zelfs gedurfdere techniek.

Hij gebruikte bijvoorbeeld scherp afgebakende kleurvlakken en hoekige ritmes om een ​​gevoel van emotionele energie over te brengen in zijn schilderijen, zoals in 'Briefschrijver en dienstmeisje' (1670/1671) en 'De gitarist' (circa 1672).

Het lot van de kunstenaar verslechterde drastisch tegen het einde van zijn leven, voornamelijk als gevolg van het rampzalige economische klimaat in Nederland na de invasie van Franse troepen in 1672.

Toen Vermeer in 1675 overleed, liet hij een vrouw, elf kinderen en enorme schulden achter.

De erfenis van Vermeer

Vermeers faam was tijdens zijn leven niet wijdverspreid, voornamelijk omdat zijn schilderijen werden verzameld door lokale mecenassen en omdat zijn oeuvre relatief klein was. Na zijn dood bleven zijn schilderijen bewonderd worden door een kleine groep kenners, vooral in Delft en Amsterdam. Tot in de 19e eeuw werden een aantal schilderijen van Vermeer toegeschreven aan andere, meer productieve Nederlandse kunstenaars, waaronder de Hooch.

Toen de Franse kunstcriticus Étiene-Joseph-Théophile Thoré (onder het pseudoniem William Bürger) in 1866 zijn enthousiaste beschrijvingen van Vermeers schilderijen publiceerde, bereikte de bewondering voor het werk van de kunstenaar echter een breder publiek.

Doordat particuliere verzamelaars en openbare musea in de beginjaren van de 20e eeuw , schoten de prijzen voor zijn werken omhoog. Deze situatie stimuleerde de productie van vervalsingen, waarvan de meest beruchte die van Han van Meegeren uit de jaren 30 waren.

mede dankzij een tentoonstelling van zijn werk in 1995-1996 in de National Gallery of Art in Washington D.C. en het Mauritshuis Meisje met de parel (ca. 1665), dat prominent aanwezig was in het promotiemateriaal van de National Gallery en tegen de eeuwwisseling al snel een van Vermeers beroemdste werken werd.

Sinds 10 februari 2023 presenteert het Rijksmuseum ​​grote tentoonstelling met 28 schilderijen van Vermeer uit de hele wereld . De enorme belangstelling voor de tentoonstelling getuigt van Vermeers populariteit en de vaste plaats die hij eeuwen na zijn dood nog steeds inneemt in de canon van de kunstgeschiedenis.

De grote Nederlandse schilder Johannes Vermeer is de gevierde ster van de grootste tentoonstelling tot nu toe van zijn werken in het Rijksmuseum in Amsterdam. Onder de tentoongestelde schilderijen bevinden zich ' De Melkmeid , 'Gezicht op Delft' en 'Meisje met de parel ', in een unieke verzameling die Vermeer zelf nooit op deze manier heeft gezien.

Terwijl ik door de tentoonstelling loop, wordt het me steeds duidelijker hoe Vermeer de perfecte illusie creëert.”

zegt Taco Dibbits, directeur van het Rijksmuseum

Het voelt alsof je samen met het schilderij en de afgebeelde persoon in die kamer staat.” (AFP)

De waardering voor het opmerkelijk kleine oeuvre van de kunstenaar is daarom door de generaties heen alleen maar toegenomen. Vermeer vond te midden van de toevalligheden van de natuur een rijk doordrenkt van harmonie en orde, en door dit rijk een visuele vorm te geven, onthulde hij de poëzie die schuilt in de vluchtige momenten van het menselijk bestaan.

Hij legde zelden de precieze betekenis van zijn schilderijen uit, maar liet de kijker liever zelf over de betekenis ervan nadenken. Daardoor blijven zijn meesterwerken ook nu nog boeien, net zoals ze dat ongetwijfeld deden in het 17e-eeuwse Delft.

Meer noemenswaardige videobijdragen over de meesterkunstenaar:

In deze video zien we de beroemdste werken van Vermeer:

Een kunsthistorische beschouwing van Johannes Vermeers " De Melkmeid ", momenteel te zien in het Rijksmuseum in Amsterdam:

Aanvullende internetbronnen:

• The Met - Johannes Vermeer (1632-1675)
• National Gallery of Art – Wie is Vermeer?

Vermeers invloed op de kunstgeschiedenis en de moderne kunst

Jan Vermeer kan worden beschouwd als een van de grootste drijvende krachten achter de moderne kunst. Zijn werken hebben kunstenaars beïnvloed, zowel tot in de 20e eeuw als nu. Hoewel Vermeer tijdens zijn leven weinig erkenning kreeg, werd zijn invloed later ongetwijfeld erkend. Zijn werken waren uniek en een inspiratiebron voor vele kunstenaars.

Zijn subtiele kleuren, ogenschijnlijke eenvoud en fotografisch realisme waren een openbaring voor veel 20e-eeuwse kunstenaars, waaronder Pablo Picasso en Henri Matisse . Bovendien heeft Vermeers invloed op de moderne kunst hedendaagse kunstenaars aangemoedigd om verschillende technieken en stijlen in hun werk te verwerken. Zijn schilderijen hebben latere kunstenaars uitgedaagd om op nieuwe manieren over de wereld na te denken en te schilderen, in plaats van zich uitsluitend te richten op de technische aspecten van het schilderen.

Zijn werken hebben ook invloed gehad op andere kunstvormen; Vermeers invloed is terug te vinden in muziek en literatuur.

Tot op de dag van vandaag laat hij kunstenaars zien hoe ze licht en kleur op een bijna symbiotische manier kunnen combineren om indrukwekkende en realistische beelden te creëren. Zijn werken kenmerken zich door een indrukwekkende precisie die een grote inspiratiebron is geweest voor vele andere kunstenaars. Zijn technieken en ideeën zijn door veel kunstenaars nagebootst en verder ontwikkeld, waardoor ze nog steeds populair zijn bij veel kunstenaars.

Zijn invloed is onmiskenbaar en zijn werken vormen een unieke aanwinst voor de kunstwereld.