Dal djembe africano al rullante brasiliano : scoprite con noi i diversi paesaggi sonori delle percussioni e i ritmi caratteristici di tutto il mondo.
L'Africa è nota per le sue ricche e variegate tradizioni di percussioni. Nel corso degli anni, le diverse culture africane hanno sviluppato un'impressionante varietà di tamburi che differiscono per forma, dimensione e qualità del suono.
Il djembe è probabilmente uno dei tamburi africani più conosciuti e ha origine nell'Africa occidentale. Consiste in un corpo di legno ricoperto di pelle animale e viene tradizionalmente suonato con le mani. Un altro tamburo popolare è il bougarabou, noto anche come "tamburo parlante".
Questo tamburo ha una forma sottile e può produrre diverse tonalità regolando il sistema di tensione per suonare ritmi complessi.
Sebbene esistano molti tipi diversi di tamburi africani, tutti condividono un obiettivo comune: celebrare il ritmo e la comunità con altre persone.
Innanzitutto: la musica tradizionale africana è un termine vago che indica la musica suonata nell'Africa subsahariana e che si ritiene abbia subito poche o nessuna influenza dall'esterno della regione. La parola "tradizionale" implica una musica africana rimasta storicamente immutata, distinta dalle influenze successive al periodo coloniale europeo.
Tuttavia, la musica africana è sempre stata plasmata dallo scambio e dallo sviluppo culturale regionale e spesso non può essere attribuita a specifici gruppi etnici. Una simile distinzione trascura la forte influenza della musica araba e, da una prospettiva eurocentrica, enfatizza eccessivamente le importazioni culturali occidentali.
La musica dell'era coloniale di Capo Verde è stata plasmata da influenze sudamericane, caraibiche, portoghesi e dell'Africa occidentale, mentre la musica più antica del Madagascar è stata principalmente influenzata dal Sud-est asiatico. Nel complesso, è evidente che la musica tradizionale africana è sempre stata, e continua a essere, in uno stato di continua evoluzione.
La musica africana è fondamentalmente caratterizzata dalla ripetizione, che permette agli ascoltatori di entrare in stati di trance e di comprendere appieno la musica. La musica gioca un ruolo centrale in tutti gli eventi, comprese le attività quotidiane, e una celebrazione non può aver luogo senza il musicista giusto.
I tamburi africani hanno la straordinaria capacità di "cantare" e "parlare". I modelli musicali checreano spesso derivano dal linguaggio.
Per essere compresi e significativi, i singoli battiti di un ritmo devono variare nettamente in altezza e timbro. I cosiddetti "tamburi parlanti", che spesso richiedono anni di pratica per essere padroneggiati, possono persino trasmettere intere parole e frasi.
La ricerca storica dimostra chiaramente che le culture musicali africane sono soggette a continui cambiamenti. Per questo motivo, l'espressione "musica tradizionale africana" semplicemente una nozione occidentale idealizzata, utilizzata oggi per accrescere il valore commerciale della musica africana in Occidente, sebbene, oggettivamente parlando, ciò non abbia alcun fondamento nella realtà.
Il djembe ha le sue radici nell'antica Africa occidentale ed è conosciuto fin dal XIII secolo, quando fu fondato il Regno del Mali. Questo affascinante strumento è costituito da una ciotola scavata e ricoperta di pelle animale e appartiene alla dei membranofoni.
Grazie alla sua forma e al design a testa singola, è anche conosciuto come tamburo a calice a testa singola . Sebbene non si sappia con precisione quando il djembe sia apparso per la prima volta, rimane ancora oggi una parte importante della musica e della cultura africana.
La parola "Djembé" è composta da due parti: "dje", che nella lingua Bamana del Mali significa "le persone si riuniscono", e "be", che significa "accordo". Questo chiarisce il significato del nome. Lo strumento djembé riunisce tutte le persone e le unisce.
I Bamana dicono anche: “Anke dje, anke be”. Questo significa qualcosa come “uniamoci per raggiungere una comprensione comune”.
In senso più ampio, il nome Djembe si riferisce anche a raduni per matrimoni, funerali o nascite, così come a molte altre occasioni in cui le persone si riuniscono per promuovere la comunità e la comprensione reciproca. Questi sono i tradizionali raduni sociali dell'Africa occidentale, che quasi sempre prevedono musica, balli e canti legati al Djembe.
L'origine dei ritmi estremamente complessi e sfaccettati del djembe è da attribuire principalmente al popolo malinké , che vive soprattutto in Mali e Guinea.
L'Africa occidentale è spesso considerata la culla della ritmica. Le popolazioni di questa regione hanno un legame profondo con la natura e sono immerse nel mondo ritmico. La loro predisposizione per il ritmo permette loro di armonizzare respiro e movimento.
Il seguente video fornisce una breve panoramica e mostra alcune fonti di ispirazione per i ritmi del djembe africano:
La tabla indiana è un esempio affascinante della diversità e della complessità delle tradizioni dei tamburi a mano. Questi tamburi sono costituiti da una coppia di tamburi di diverse dimensioni, ciascuno suonato con le dita e le mani.
Il tamburo più grande si chiama dayan e quello più piccolo bayan. Ogni tamburo ha un'altezza e un timbro diversi, il che permette di creare ritmi complessi. La tabla è utilizzata in molti generi musicali, come la musica classica indiana e la musica fusion.
Suonare le tabla richiede molta pratica e abilità. Un suonatore deve essere in grado di eseguire diversi colpi su entrambi i tamburi per creare un ritmo. Si possono utilizzare molte tecniche, come rulli, flam e colpi doppi.
Tradizionalmente, le tabla erano realizzate in legno, ma oggi sono disponibili anche versioni con telaio in plastica o metallo. È importante assicurarsi di acquistare strumenti di alta qualità, poiché materiali di qualità inferiore possono influire negativamente sul suono.
Sono disponibili anche accessori come borse o supporti che facilitano l'esecuzione delle tabla. È importante prestare attenzione alla qualità quando si acquistano gli accessori.
Se siete interessati a suonare la tabla indiana, sono disponibili numerose opportunità di formazione: workshop con musicisti o insegnanti esperti in loco, così come corsi online, sono solo alcuni esempi.
Nel complesso, il tabla indiano è senza dubbio uno dei tamburi a mano più affascinanti al mondo. Con i suoi ritmi complessi e la capacità di produrre un'ampia varietà di suoni, è un vero gioiello nel mondo degli strumenti a percussione.
La tabla è spesso considerata la regina dei tamburi e delle percussioni ed è lo strumento ritmico più popolare in India. È composta da due tamburi, il bayan (grancassa profonda) e il dayan, che vengono quasi sempre suonati insieme.
Il termine "Tabla" può riferirsi alla coppia di tamburi o al solo Dayan, che a volte viene chiamato anche Tabla.
Entrambi i tamburi hanno un corpo chiuso nella parte inferiore. L'estremità superiore è solitamente ricoperta da una pelle di capra. Una seconda pelle (kani) è attaccata al bordo della pelle principale. Al centro della pelle si trova un'area nera chiamata GAB, che conferisce allo strumento il suo suono caratteristico e consente un'ampia varietà di toni e modulazioni.
Ci vuole molta abilità per mescolare correttamente questo GAB per poi applicarlo in una pasta – composta principalmente da farina di riso e limatura di ferro – che può essere multistrato (fino a 8 strati).
Durante l'esecuzione, entrambi i tamburi vengono posizionati su anelli (Bira) per garantire loro stabilità.
Esistono numerose teorie sull'origine delle tabla. Alcuni ritengono che derivi dal pakhavaj, mentre altri sostengono che le tabla siano state introdotte nella musica classica indiana nel XIII secolo da Amir Khusrau, in modo simile al sitar e ad altri strumenti. Questa teoria suggerisce anche che le tabla provengano dall'estremo Occidente.
Il termine "tabla" deriva dalla parola araba "tabl" ed è un termine generico per indicare un tamburo. La prima descrizione scientifica di uno strumento molto simile alla tabla moderna risale al 1808.
Nei 50 anni precedenti questa data, molti dipinti in stile Moghul raffigurano queste coppie di strumenti nell'India nord-occidentale: coppie cilindriche di legno nel Punjab e coppie emisferiche di metallo o argilla nell'area di Delhi-Rajasthan-Oudh.
Sembra che a metà o nella seconda metà del XVIII secolo queste due varianti siano state combinate: per la mano destra è stato scelto il “Tabla” punjabi con accordatura fissa; per la mano sinistra è stato utilizzato il “Duggi” di Delhi con accordatura variabile.
Si ritiene che tra il 1750 e il 1850 siano state apportate diverse modifiche allo strumento. La tabla utilizzata oggi probabilmente non ha più di 70-100 anni.
Ulteriori informazioni sulla tabla indiana:
La tabla si suona con le dita di entrambe le mani, appoggiate su anelli di tessuto. Offre un'ampia gamma di suoni.
La loro musica è utilizzata principalmente in India, Pakistan e Bangladesh, sia nella musica popolare che in quella religiosa.
Il bayan è lo strumento che suona la parte bassa del duo di tamburi. Il corpo del bayan è solitamente realizzato in rame cromato.
Per suonare il bayan, l'indice e il medio si alternano nella loro funzione, oppure entrambe le dita vengono utilizzate contemporaneamente. Il palmo della mano poggia leggermente sul bordo della pelle del tamburo, oppure si applica una leggera pressione sulla pelle per cambiare l'intonazione.
La tradizione giapponese del tamburo, nota anche come Taiko, è una delle tradizioni di percussioni più antiche e affascinanti al mondo.
questi enormi tamburi di legno I gruppi di Taiko suonano con grande passione ed energia
Una tecnica speciale per suonare il taiko consiste nel colpire diverse parti del tamburo, come il basso o il rullante. Questo crea un ritmo sfaccettato che cattura il pubblico.
Un altro elemento di spicco delle esibizioni è spesso rappresentato dai movimenti sincronizzati dei musicisti, che aggiungono una componente visiva alla musica. Sebbene suonare i tamburi taiko fosse originariamente un'attività riservata agli uomini, negli ultimi anni le donne si sono affermate con successo in questa tradizione.
Le dimensioni e il peso dei tamburi, tuttavia, rappresentano ancora una sfida, sia per gli uomini che per le donne. Per chiunque sia interessato a questa affascinante forma d'arte, sono ora disponibili numerosi workshop e corsi, oltre ad accessori come bacchette e borse per il trasporto dei tamburi.
in particolare I bambini, suonando gli imponenti tamburi di legno liberare la loro creatività e sviluppare il senso del ritmo. Tra tutti gli strumenti giapponesi, il taiko è probabilmente il più facile da imparare e il più popolare. Può essere suonato a qualsiasi età e ha un effetto antistress.
Chi desidera approfondire il mondo delle percussioni giapponesi troverà numerosi siti web su Internet con informazioni su vari gruppi di Taiko, nonché annunci di concerti e workshop.
Il taiko, termine che indica il "grande tamburo", è più comunemente chiamato dai giapponesi wadaiko (dove "wa" è il prefisso che indica qualsiasi cosa giapponese). Gli scavi archeologici hanno dimostrato che esisteva già nel periodo Jōmon (131-4 a.C.).
I tamburi più antichi costruiti in stile taiko hanno avuto origine in Cina. Da lì, questo tipo di tamburo si diffuse in Corea. Durante il periodo Kofun, gli abitanti della penisola coreana e dell'arcipelago giapponese non erano ancora separati e, attraverso questo ampio scambio di culture, il taiko raggiunse anche l'arcipelago giapponese.
In origine veniva probabilmente utilizzato nei rituali sciamanici per evocare vari kami, in particolare Susanoo, il dio delle tempeste e della vita.
Già in Cina i tamburi venivano usati frequentemente nei templi al posto delle campane o dei gong e, con l'importazione del Buddismo (tra il IV e il VI secolo), i suoi strumenti giunsero anche in Giappone.
I samurai riconobbero l'efficacia dei tamburi taiko e li facevano suonare prima di un attacco: da un lato, lo scopo era quello di logorare psicologicamente l'avversario e, dall'altro, di gettare i propri combattenti in una frenesia sanguinaria – una sorta di possessione estatica – che avrebbe portato Dio ad entrare nel loro campo di battaglia.
Durante il periodo Sengoku (1467-1591), il taiko veniva utilizzato per incoraggiare i soldati durante le battaglie e per sincronizzare i loro battiti cardiaci con il ritmo del tamburo, in modo da aumentarne la forza.
Già a quei tempi, il taiko non era solo uno strumento militare, ma anche una fonte di ritmo nella vita quotidiana. Segnalava il ritorno dei cacciatori al villaggio e l'avvicinarsi dei tifoni.
Ancora oggi è possibile ascoltare il Taiko durante le feste, i tornei di sumo o come accompagnamento agli spettacoli di Kabuki o Noh.
Negli ultimi anni, Düsseldorf diventata il centro di una comunità in crescita di residenti giapponesi che mantengono vive le proprie tradizioni anche a distanza.
Nella Casa Edo, si tengono regolarmente cerimonie del tè annuale Giornata del Giappone celebra la cultura dell'Estremo Oriente, dalle raffinate Ikebanacomposizioni floreali all'origami, dalle classiche prove e dimostrazioni di kimono nel villaggio dei samurai all'arte moderna dei manga.
Le esibizioni dei batteristi giapponesi sono particolarmente apprezzate e il pubblico le attende con impazienza.
Le percussioni latinoamericane sono un genere affascinante che comprende un'ampia varietà di strumenti. Un trio di conga, bongo e timbales è particolarmente popolare e ha origine nella musica cubana.
Questi tre tamburi hanno ciascuno un suono distintivo e vengono spesso usati insieme per creare ritmi complessi. La conga è il più grande dei tre e di solito viene posizionata sul pavimento, mentre i bonghi sono tipicamente disposti a coppie su un supporto.
I timbales tamburi con diverse tonalità, che di solito vengono posizionati su un supporto.
Insieme creano un suono e possono essere suonati singolarmente o in gruppo. Se siete interessati a questo tipo di percussioni, dovreste assolutamente cercare accessori online.
Esistono molti negozi online che offrono una categoria dedicata agli strumenti a percussione latinoamericani, dai tamburi agli accessori coordinati, come mazze o custodie.
Esistono tamburi speciali per bambini, con volume basso e dimensioni adatte.
è La musica latinoamericana indissolubilmente legata al ritmo e agli strumenti , in particolare alle percussioni latinoamericane, che conferiscono a questa musica il suo suono caratteristico.
Il termine "percussioni latine" descrive una vasta gamma di strumenti musicali appartenenti alla percussioni, degli strumenti a membrana, dei lamellofoni e/o degli idiofoni . I musicisti che suonano questi strumenti a percussione sono conosciuti come percussionisti .
La musica latinoamericana varia notevolmente da regione a regione, e i Caraibi differiscono dall'America meridionale e centrale continentale sia per mentalità che per strumenti. Ciononostante, questi paesi e le loro culture condividono una storia comune.
Pertanto, la cultura, compresa la sua musica, rappresenta una fusione di tre culture di base fondamentalmente diverse:
Diversi imperi (Spagna, Inghilterra, Olanda, Francia e Stati Uniti) hanno lasciato il segno in America Latina.
Allo stesso modo, le nazioni africane esercitarono la loro influenza attraverso la tratta degli schiavi. Vari ritmi africani sono stati tramandati fino ai giorni nostri. La convergenza di diverse strutture musicali, stili esecutivi e modi di pensare ha dato vita a una ricchezza di forme e a una ricca varietà di suoni.
possono Gli strumenti a percussione essere classificati come segue. Esistono vari tipi di tamburi, ad esempio i bonghi (una coppia di tamburi a membrana singola), i timbales (costituiti da due tamburi a membrana singola di uguali dimensioni posizionati su un supporto a tre gambe), le congas (tamburi a membrana singola), i pandeiros (piccoli tamburi a mano simili al tamburello) e i surdos (tamburi con corpo in metallo), oltre a molti altri.
I tamburi variano in dimensioni e solitamente vengono tenuti tra le ginocchia e percossi con le dita. Tra questi rientrano anche strumenti a percussione improvvisati come scatole per il pesce, scatole di legno e persino claves (bacchette sonore).
a sonaglio Gli idiofoni , producono un suono caratteristico e penetrante, che spesso costituisce il ritmo base di diverse danze. Si differenziano sia per la costruzione che per i materiali utilizzati, come bambù, metallo o plastica. Esempi includono maracas, tubos (tubi vibranti) e chocalhos.
Uno strumento musicale di rilievo, originario dell'Africa e appartenente alla famiglia degli strumenti a percussione in legno, è la marimba. Il modello più comune consiste in una struttura a cui sono fissate barre di legno di varie lunghezze – in modo simile a uno xilofono – le cui estremità inferiori sono dotate di risonatori in legno.
Queste piccole tavolette di legno vengono percosse con due bacchette e palline di gomma per produrre un suono percussivo. La marimba è diffusa in tutti i paesi dell'America Latina ed è persino lo strumento nazionale del Guatemala.
pentole ronzanti (cuíca) e archi musicali (birimbaonella musica percussiva latinoamericana si utilizzano anche
L'uso degli strumenti a percussione è particolarmente enfatizzato nelle danze con ritmi multipli. Queste danze sono eseguite principalmente in 2/4 o 4/4 e possono essere accompagnate sia da strumenti che da voci.
Si tratta perlopiù di danze popolari tradizionali, composte da una miscela di elementi spagnoli, africani e creoli, che si presentano in diverse varianti regionali.
Un esempio di danza popolare meticcia afro-caraibica è la cumbia. Questa danza può essere eseguita sia cantata che esclusivamente strumentale. Gli strumenti ritmici tipici che la accompagnano sono le maracas e i tamburelli. I tamburelli sono tamburi stretti con due pelli.
Le maracas sono uno strumento musicale ampiamente utilizzato e agitato. Sono costituite da due sfere di dimensioni più o meno uguali, riempite di pietre, sabbia o semi, e dotate di un manico. Scuotendole ritmicamente si producono dei suoni.
I musicisti che suonano le maracas si chiamano maraqueros. Questi strumenti vengono utilizzati anche nel merengue , una danza popolare molto veloce con un ritmo pronunciato (sincopato). Esistono molte varianti regionali di questa danza, ognuna con il proprio nome.
Una versione più lenta di questa danza è diffusa sulla costa atlantica della Colombia e del Venezuela. Oltre alle maracas, si utilizzano anche piccoli tamburi chiamati cajas , che possono essere indossati intorno al corpo tramite cinghie o corde, nonché vari strumenti come le guacharacas.
Le guacharacas (note anche come guiros o "cetrioli da samba") sono strumenti a percussione realizzati con tubi di bambù con scanalature trasversali e producono suoni sfregando un bastoncino lungo queste scanalature. Un altro strumento a percussione utilizzato per l'accompagnamento ritmico è il reco-reco.
La salsa . combina elementi di varie tecniche musicali provenienti dai balli precedentemente menzionati
Il bodhrán è un tamburo a cornice originario dell'Irlandache ha riscosso notevole successo negli ultimi anni. Con il suo caratteristico suono di basso e rullante, è diventato parte integrante della tradizione musicale irlandese.
Il tamburo è costituito da un telaio in legno o metallo e da una membrana, tradizionalmente in pelle di capra. La sua costruzione semplice e la sua ampia gamma tonale rendono il bodhrán adatto a tutti i generi musicali, dalle melodie tradizionali irlandesi alle sonorità fusion più moderne.
Inoltre, sono disponibili numerosi accessori, come bacchette, borse e manuali di istruzioni, per rendere più semplice suonare il bodhrán.
Il bodhrán è un tipo di tamburo a cornice diffuso in varie forme in tutto il mondo. Sebbene le sue origini non siano del tutto chiare, è chiaramente imparentato con il tamburelloattraverso le rotte commerciali provenienti dall'Europa meridionale in Irlanda giunto
La parola "bodhrán" deriva dal termine irlandese "bodhar",che significa sordo, ottuso o ovattato. È anche associata a toni cavi e al suono di un tamburo. È interessante notare che, fin dal Medioevo, il verbo inglese "to bother" (infastidire) deriva da "bodhar". Oggi, tuttavia, la parola "bodhar" non è più in uso.
La prima testimonianza dell'uso del termine bhodhrán risale a un testo medico del XV secolo, che descrive un addome disteso accompagnato dal suono di un tamburo (bhodhrán). Anche vecchie voci di dizionario confermano che il termine bodhrán era in uso prima del 1827.
Nelle illustrazioni di un pittore irlandese di nome Maclise, risalenti al 1850 circa, si può vedere un tamburo a cornice in cui la mano sinistra del suonatore tocca la parte interna della pelle del tamburo e la mano destra sembra eseguire il movimento tipico.
Ulteriori studi (vedi Ireland.de – Bodhrán – the unusual frame drum) hanno dimostrato che diversi produttori di bodhrán erano già presenti in alcune zone del Kerry negli anni '20. A quel tempo, questi strumenti venivano prodotti non solo per i musicisti locali, ma anche per i turisti, poiché il bodhrán era già un souvenir molto diffuso.
La prima registrazione nota risale al 1927, e in essa si possono udire un flauto e un tamburo. Tuttavia, non è chiaro se si tratti di un bodhrán con sonagli o di un tamburello.
Negli ultimi cinquant'anni, il suo utilizzo come strumento musicale è cambiato radicalmente. Questo sviluppo è andato di pari passo con l'evoluzione della musica tradizionale irlandese. Mentre fino agli anni '50 la musica tradizionale era suonata principalmente per la danza, dagli anni '50 in poi si è evoluta anche in una forma d'arte scenica.
ha svolto un ruolo chiave in questo sviluppo Sean O'Riada, portando la musica tradizionale irlandese sui palchi dei concerti e fondando l'ensemble Ceoltóirí Chualann, il gruppo precursore dell'ancora attivo The Chieftains.
Lo stile moderno di suonare si è sviluppato solo negli ultimi decenni e questo sviluppo continua a progredire. Una pelle del tamburo accordata più bassa permette al musicista di produrre una gamma di toni molto più ampia rispetto ad altri tamburi a cornice.
In una persona destrimane, la mano destra impugna il puntale, detto anche cipin , ed esegue un particolare movimento di torsione per creare il ritmo.
Toccando la pelle del tamburo in vari modi, la mano sinistra produce diverse tonalità. Combinando la mano destra e quella sinistra si creano suoni e pattern ritmici affascinanti. Questa complessità è cresciuta costantemente negli ultimi quattro decenni.
Negli anni '60, il suono aperto veniva semplicemente smorzato appoggiando la mano sulla pelle del tamburo; poi venivano aggiunte diverse tonalità. Questo rendeva l'esecuzione più sfumata e, col tempo, vennero integrati ritmi di batteria e pattern ritmici di altre culture.
Oggi, il bodhrán può essere persino utilizzato come strumento basso nella musica irlandese, con linee di basso suonate.
Molti lo vedono come un mix di batteria e basso, senza perdere i suoi suoni e ritmi caratteristici. Tuttavia, c'è anche il rischio di un'esecuzione eccessivamente varia, che distrae dalla musica vera e propria.
Il bodhrán rimane uno strumento di accompagnamento; dovrebbe sottolineare la melodia piuttosto che sovrastarla, perché spesso meno è meglio.
offre una fusione moderna di diverse tradizioni batteristichebatteria. Questo tipo di strumento a percussione è dotato di diversi tamburi e strumenti a percussione, che consentono di creare suoni differenti.
Spesso combina elementi di ritmi africani, percussioni latinoamericane e taiko giapponesi.
Il risultato è una ricchezza sonorasenza pari. Particolarmente apprezzati sono i rullanti e le grancasse in legno, così come i djembe e i bougarabou. Anche accessori come bacchette o pedali possono svolgere un ruolo importante.
Gli strumenti a percussione, da cui si è evoluta la batteria, vantano una storia antica e variegata. Le prime testimonianze di piatti e tamburi risalgono al VII secolo a.C. sono stati ritrovati in antiche tombe Sculture e dipinti raffiguranti tamburi e piatti, realizzati sia dai Romani che dagli Egizi,
La parola tamburello deriva dal francese tambour , che a sua volta ha un'origine multiculturale. Questa parola, a sua volta, deriva dal persiano tabῑr e dall'arabo ṭubūl : i tamburelli marocchini sono fatti dello stesso legno dei tamburi rullanti.
I tamburi sono presenti in tutto il mondo e in ogni cultura, quindi la storia di questi strumenti deve essere molto antica.
Dalle tombe degli antichi greci sono stati rinvenuti dei bacini, che credevano potessero allontanare gli spiriti maligni. Tra i loro resti sono stati rinvenuti anche dipinti raffiguranti bacini usati come strumenti durante le feste.
L'invenzione del primo pedale per grancassa nel 1887 da parte di J.R. Olney fu cruciale per lo sviluppo della batteria. Successivamente, nel 1899, il primo modello prodotto in serie fu realizzato da William F. Ludwig, mentre negli Stati Uniti vennero promulgate le cosiddette "Leggi contro il suono della batteria" , che proibivano agli schiavi di suonare i loro tradizionali tamburi a mano.
Ciò portò alla coltivazione della musica ritmica africana con strumenti a percussione europei e orientali.
La prima batteria completa fu finalmente commercializzata nel 1918 dalla Ludwig Drum Corporation .
Ai tempi non esisteva il supporto per l'hi-hat e il pedale della grancassa controllava anche un piccolo piatto. Le batterie di allora si "Jazz Drum Sets Saale I to III" . Esistevano anche versioni semplificate chiamate Piccadilly e Shimmy.
Già nel 1927 offrivano un'ampia scelta di batterie, tra cui una batteria in valigia.
Le origini del moderno supporto per charleston possono essere attribuite a diverse persone. , ad esempio, che Vic Berton sia stato il primo a sperimentare un supporto rialzato per il charleston ("low boy "), ma non riuscì a brevettarlo.
Tutte le fonti concordano sul fatto che Papa Jo Jones sia stato il primo maestro dell'hi-hat. Ha elevato lo strumento a un nuovo livello, sfruttandone appieno le potenzialità sonore. Inoltre, ha mostrato agli altri batteristi come utilizzare l'hi-hat al massimo delle sue capacità.
Ha spostato la funzione di "tenuta del tempo" dalla grancassa al charleston, il che ha contribuito in modo significativo al ruolo dominante che quest'ultimo occupa oggi nella batteria.
Ulteriori informazioni sulla storia e la tecnica di esecuzione della batteria:
In un'orchestra classica, i timpani la base e garantiscono la coesione ritmica.
I grandi timpani vengono solitamente utilizzati in coppia e, con i loro profondi toni bassi, forniscono una solida base per l'intera orchestra. Sono, per così dire, il cuore pulsante dell'orchestra.
Il timpano, uno strumento a percussione appartenente alla famiglia degli strumenti a percussione che producono suoni tramite la vibrazione di una membrana.
Questo timpano è solitamente emisferico e spesso realizzato in rame. L'estremità superiore è ricoperta da una pellicola di plastica, mentre nelle orchestre classiche di alto livello si utilizzano ancora pelli di capra o di vitello.
Esistono cinque diverse misure di timpani. Una configurazione standard ne utilizza in genere quattro, ognuna delle quali produce un suono distinto. Ogni timpano permette di suonare circa sei note diverse tendendo la membrana (pelle del tamburo).
La gamma tonale è fissa e può essere regolata tramite viti, pedali o manovelle, a seconda del tipo di timpano.
Aumentando la tensione si ottiene un suono più acuto. Inoltre,pedalel'intonazione può essere modificata anche
Le bacchette utilizzate per suonare i timpani sono realizzate in legno o in tubolare. La testa della bacchetta, ad esempio, è realizzata in legno, feltro o gomma e ha un'influenza decisiva sul suono. I timpani suonati con una bacchetta in feltro producono un suono morbido; al contrario, una bacchetta in legno produce un suono duro.
Il suono avviene nella zona vicina al bordo laterale del suonatore e termina poco prima del centro. Più ci si avvicina al centro, più forte è il suono. Occasionalmente, viene posizionato un panno sopra il centro e altre aree per attutire il suono.
I timpani vengono utilizzati principalmente nella musica orchestrale classica e nelle bande musicali; tuttavia, vengono occasionalmente impiegati anche nella musica pop e nel folklore.
A differenza della batteria, la cui importanza come strumento solista nell'orchestra è ancora relativamente nuova, i timpani svolgono da secoli un ruolo significativo nella musica orchestrale.
I timpani hanno origini militari .Durante le campagne, il timpanista cavalcava al fianco del generale, dando segnali di attacco o ritirata. Questa professione godeva di grande prestigio nella cavalleria. L'eredità musicale di questa importanza storica è ancora oggi ripercorribile in tutta la letteratura per timpani.
Da Bach a Beethoven a Strauss , i timpani, insieme alla tromba, simboleggiano spesso aspetti regali, militari e cerimoniali, sia nelle sinfonie, negli oratori che nelle opere.
Anche nelle sinfonie di Mahler ritroviamo il motivo della guerra nel ritmo dei timpani . Il concetto di base di questi motivi storici persiste lungo tutta la storia della musica, ed è proprio questo che rende questo strumento così affascinante.
Titolare e amministratore delegato di Kunstplaza. Pubblicista, redattrice e blogger appassionata di arte, design e creatività dal 2011. Laureata in web design (2008). Ha approfondito le tecniche creative attraverso corsi di disegno a mano libera, pittura espressiva e teatro/recitazione. Ha una profonda conoscenza del mercato dell'arte acquisita attraverso anni di ricerca giornalistica e numerose collaborazioni con attori e istituzioni chiave del settore artistico e culturale.
Il tamburo a fessura: un'esperienza sonora per corpo e anima.
Suonare il tamburo come terapia: un appello all'espressione ritmica.
Che cosa c'entra la musica con l'arte?
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